[Reseña Blu-ray] Venom abraza su lado más cómico y romántico

Palabra de simbionte. 2018 fue un año muy loco en todos los sentidos, incluido el cinematográfico. Una de las mayores sorpresas de la cartelera fue Venom, la gran apuesta de Sony Pictures para empezar a construir su Universo Cinematográfico alrededor de los villanos y secundarios de los cómics de Spider-Man. Sin poder usar al propio Hombre Araña (Tom Holland) fuera de las películas del UCM, el estudio tenía una tarea complicada. Pero contra todo pronóstico, acabó con un exitazo entre manos y los cimientos bien asentados para desarrollar la saga de superhéroes interconectada que todo estudio desea.

Dirigida por Ruben Fleischer (que regresa este año con Bienvenidos a Zombieland), Venom cuenta con el aclamado Tom Hardy (Mad Max: Furia en la carretera) en el icónico papel del antihéroe de Marvel, uno de los personajes más populares de la Casa de las Ideas. El actor británico da vida a Eddie Brock, intrépido periodista de investigación que, después de perder su trabajo y a su novia (Michelle Williams), se convierte en el anfitrión del simbionte alienígena. Mientras Eddie trata de destapar la atroz verdad sobre el creador de la Fundación Vida, Carlton Drake (Riz Ahmed), cuyos experimentos han liberado a la peligrosa criatura, Venom se fusiona con su cuerpo, desatando impresionantes poderes, pero también un lado oscuro que deberá aprender a controlar.

Venom no parece una película de la nueva era de los superhéroes, sino una previa al Universo Cinematográfico de Marvel y el boom del cine basado en cómics (es decir, más noventera que de 2018). Pero esto no es necesariamente malo. Está claramente diseñada para derivar en franquicia y conectarse a un universo mayor, pero esto tampoco impide que se desarrolle como una historia contenida, sin exceso de guiños o personajes metidos con calzador para generar spin-offsVenom es mucho más simple que eso, y es de agradecer. No es más que una historia de orígenes clásica, y meter más elementos sería complicarlo demasiado desde muy pronto. La ausencia de Spider-Man, para muchos polémica, no supone inconveniente alguno, puesto que esta es la historia de Eddie Brock y su relación con Venom.

Y eso precisamente es lo mejor de la película. El tira y afloja entre Eddie y el simbionte aporta el conflicto moral que define la historia, pero también la principal fuente de humor, que estará considerablemente más presente de lo que la campaña promocional (mucho peor que la propia película) nos ha dado a entender. Hardy es conocido por dejarse la piel en sus personajes y Venom no es una excepción, pero aquí nos muestra una nueva faceta. El actor británico (haciendo gala de un cuestionable acento americano) se emplea a fondo y lo da todo, con un trabajo físico estupendo, pero también una interpretación excéntrica, descontrolada y por momentos muy excesiva que nunca deja de sorprender, incluso en sus momentos más ridículos. Hardy es la principal atracción de Venom y con él, la película se vuelve mucho más divertida de lo que imaginábamos.

Su trabajo suple con eficiencia los defectos de la cinta, que no son pocos. En primer lugar, un plantel de secundarios desaprovechados y poco interesantes, encabezado por un simplemente correcto Riz Ahmed y Michelle Williams en la que es su peor interpretación en años. La actriz nominada cuatro veces al Oscar está fatal y su química con Hardy es tan inexistente como sus ganas de estar ahí. Consigue destacar Jenny Slate, aunque su personaje es más bien pequeño y solo una herramienta narrativa para impulsar la acción.

Muchos han criticado su calificación PG-13, pero lo cierto es que esto no es verdaderamente un problema. A pesar de no ser para mayores de 18 años y no mostrar decapitaciones o fuentes de sangre, el film contiene bastante violencia, y aunque el “fuck” lo tiene prohibido, uno pierde la cuenta de las veces que dicen “shit”. Vamos, que no es Deadpool, pero tampoco es una versión infantilizada de Venom. Como tampoco es una película Rated-R mutilada. De hecho, su estructura es en su mayor parte íntegra y coherente, y aunque sí hay confusión tonal y brusquedad a la hora de saltar del thriller/terror a la comedia (tontorrona), al menos no adolece del síndrome de la tijera loca que sí sufrían Batman v Superman Escuadrón Suicida.

Venom tarda bastante en hacer acto de presencia, pero las pesquisas de Eddie Brock nos entretienen hasta que el simbionte se fusiona con su huésped y la acción empieza de verdad. A partir de ahí, el ritmo no baja en ningún momento. La dinámica Eddie-Venom, el entregado trabajo de Hardy y las escenas de acción convierten Venom en una película muy divertida. Solo flojea realmente durante el enfrentamiento final con Drake, donde la acción digital se vuelve más farragosa y no nos deja ver bien lo que está ocurriendo. Por lo demás, tanto el terrorífico diseño como los efectos digitales para dar vida al simbionte y las secuencias de acción física con Hardy cumplen holgadamente, pese a que visual y estéticamente sea más bien plana.

Venom nunca será considerada una gran película de superhéroes y es una de las principales responsables de abrir aun más la brecha entre crítica y público. Pero tampoco es el desastre que muchos esperaban. Es divertida, Hardy está glorioso, tiene más personalidad de lo que los trailers indicaban y momentos de humor muy memorables (aunque los más malvados digan que es una comedia involuntaria, hay mucha intención y autoconsciencia). En definitiva, Venom es una buena presentación que acaba haciendo justicia al emblemático personaje de Marvel y abre la puerta a una secuela que, puliendo los errores de esta, puede y debería ser mucho mejor.

EDICIONES DISPONIBLES

Venom ya está a la venta de la mano de Sony Pictures Home Entertainment España, que lanza siete ediciones físicas diferentes. Estas incluyen las ediciones sencillas en Blu-ray y DVD, combos Blu-ray 3D + Blu-ray y 4K UHD + Blu-ray, las ya tradicionales ediciones metálicas (una disponible en todos los puntos de venta y otra ecxlusiva de GAME), y finalmente, una edición coleccionista con todos los formatos y una impresionante estatua de resina limitada y numerada, que reproduce con todo lujo de detalles la lucha entre Venom y el simbionte Riot, y no se podrá conseguir en ningún otro sitio.

El éxito de Venom (que ha recaudado 855 millones de dólares en todo el mundo) ha derivado en incontables memes con los que algunos aspectos de la película se han viralizado. El más popular es sin duda el ¿imaginado? romance entre Eddie y el simbionte, tan extendido entre los fans que hasta Sony se ha apuntado a la broma con un trailer especial para celebrar el lanzamiento sacando el lado más romántico de Venom, y una aplicación (Venomlovefit.com) para dar besos de superhéroe (con lengua).

En cuanto a las ediciones, la que nosotros hemos adquirido es el steelbook exclusivo de GAME, que presenta un diseño alternativo de carátula con una ilustración de Venom sobre fondo rojo (puedes ver fotos del estuche aquí) e incluye un Bonus Blu-ray con el mini-documental exclusivo “Del simbionte a la pantalla”, que narra la historia completa de Venom, desde los cómics originales a su traslación a la gran pantalla. Este mini-documental también se encuentra en la edición steelbook normal. Los contenidos adicionales comunes a todas las ediciones en Blu-ray son los siguientes:

  • “Modo Venom”- Al seleccionar este modo, en la película irán saliendo pop-ups informativos con datos sobre la relación con los cómics, y referencias que hasta al más avezado se le pueden haber escapado.
  • “El protector letal en acción” – Tras las cámaras con el equipo de producción.
  • “La visión de Venom” – Cómo el director Ruben Fleischer llegó al proyecto, reclutó al equipo e hizo de Venom una realidad.
  • “Diseñando Venom” – El increíble viaje para diseñar y crear a Venom.
  • “Los secretos de la simbiosis” – Una colección de referencias ocultas.
  • Videoclip de Eminem y tráiler de Spider-Man: Un nuevo universo

Crítica: Spider-Man – Un nuevo universo

Spider-Man es uno de los personajes de Marvel más queridos de todos los tiempos, así como el superhéroe más popular entre los más jóvenes. En sus más de cincuenta años de historia, la icónica creación de Stan Lee y Steve Dikto ha adoptado muchas formas en las páginas del cómic, y otras tantas en la pantalla. Sin ir más lejos, en los últimos 15 hemos visto cómo tres actores diferentes se ponían las mallas del Trepamuros en el cine, Tobey Maguire, Andrew Garfield y el actual defensor del título, Tom Holland. Lejos de sucumbir a la fatiga de la que tanto hablan los detractores del género, Spider-Man finalmente ha conseguido remontar el vuelo y renovar el interés de una audiencia que sigue regresando para disfrutar de las aventuras de su amigo y vecino de Marvel.

Y la palabra clave en este caso es “renovar”. Con el Spider-Man de Holland, Disney y Sony rompían con las iteraciones anteriores rejuveneciendo al personaje y evitando volver a repetir su historia de orígenes. Esta tendencia hacia la reinvención continúa con otra propuesta diferente que llega no para sustituir al Hombre Araña actual, sino para complementarlo, encontrando nuevas maneras de deconstruir y continuar esa historia de orígenes sin dejar de ser fiel a su espíritu. Se trata de Spider-Man: Un nuevo universo (Spider-Man: Into the Spider-Verse), nueva película de animación producida por Phil Lord y Christopher Miller (La LEGO película) y dirigida por Bob Persichetti, Peter Ramsey y Rodney Rothman, que aterriza en las salas como un auténtico soplo de aire fresco para el cine de superhéroes y la animación en general. Aunque pueda parecer obvio, es importante no subestimarla por ser animada, porque estamos ante lo que es claramente una de las mejores películas de Spider-Man.

En esta ocasión, el foco se desplaza de Peter Parker a Miles Morales, adolescente latino-afroamericano  de Brooklyn creado por Brian Michael Bendis y Sara Pichelli que irrumpió en Marvel Comics en 2011 para ponerse el nuevo traje de Spider-Man e inaugurar una etapa de la Casa de las Ideas caracterizada por una mayor diversidad e inclusión en sus colecciones. Inspirado por Barack Obama y Donald Glover, Miles fue un éxito entre los lectores y su figura ha sido una constante en varias cabeceras centrales durante los últimos años. Spider-Man: Un nuevo universo supone su debut en la gran pantalla, y lo hace con una carta de presentación inmejorable, un espectáculo de animación innovador, diferente y de desbordante energía y creatividad.

Pero Miles Morales no llega solo. La puesta de largo del personaje viene arropada por viejos y nuevos conocidos del universo arácnido, entre ellos el propio Peter Parker, que se encarga de ceder el testigo generacional a su joven aprendiz. Spider-Man: Un nuevo universo va precisamente de eso, de la posibilidad de que cualquiera pueda llevar la máscara de Spider-Man (porque “siempre acaba encajando”). Y para hacer llegar este oportuno mensaje, tan inherente a la esencia del personaje, el film introduce la noción del Multiverso, o Spiderverso, y con él la existencia de un número indeterminado de dimensiones paralelas en las que diferentes personas (o cerdos) pueden ser Spider-Man, para a continuación reunir a estas identidades arácnidas en un mismo lugar, el Nueva York de Miles Morales.

Empleando el recurso narrativo de la repetición con mucho ingenio y sentido del humor, Un nuevo universo nos presenta a los diferentes personajes que formarán equipo junto a Miles para luchar contra los planes de Kingpin, quien ha creado una máquina para controlar las realidades alternativas del Multiverso. Tras una explosión, el protagonista se topa con un Peter Parker alternativo (ajado y deprimido por su separación de Mary Jane), con el que unirá fuerzas junto a Spider-Gwen, Spider-Man Noir, Peni Parker y Peter Porker (o Spider-Cerdo) para derrocar al villano y poder regresar a sus respectivas dimensiones. Entre ellos se formará una alianza de miembros dispares (y disparatados), hermanados por sus ideales, los poderes que comparten y un enemigo común.

Spider-Man: Un nuevo universo está realizada con un detallismo apabullante y un evidente cariño y respeto tanto por los cómics de Marvel como por sus fans, a los que regala numerosas sorpresas y guiños a la historia de la editorial y a la creación de Miles Morales. La película presenta un look sorprendente, incluso revolucionario, con una paleta de colores que salta de la pantalla, estilos muy diferentes que encajan sin problemas y una animación dinámica y original que mezcla 3D y 2D con los mejores resultados. Los directores sacan todo el partido del medio para componer escenas alucinantes que no funcionarían en acción real e incorporan el lenguaje de los cómics a la puesta en escena con agilidad e inventiva, realizando hallazgos narrativos y cómicos a lo largo de todo el metraje.

Visual y sonoramente, Un nuevo universo es una explosión para los sentidos, pero es mucho más que eso. También cuenta una historia bien construida (a pesar del exceso de información que descarga en el espectador), hace alarde de un sentido del humor inteligente y descarado, tiene mucho ritmo, y lo más importante, profundidad emocional y unos personajes excelentemente caracterizados por los que es imposible no sentir apego (acordaos de esto: Spider-Gwen va a causar sensación).

Otra de las características que hacen de Spider-Man: Un nuevo universo un triunfo es su actitud. La película desprende personalidad a raudales, y esta solo se puede definir con una palabra: cool. Su estética graffitera, su fantástica banda sonora hip hop y el carisma juvenil de sus protagonistas hacen de ella una pieza cinematográfica totalmente moderna, en sintonía con las nuevas generaciones a las que retrata y se dirige. Pero precisamente otro de sus grandes aciertos es que no se cierra a un solo tipo de público, sino que encuentra la manera de satisfacerlos a todos: niños, adolescentes, adultos y fans de Marvel de todas las edades. Encontrar ese equilibrio es difícil y esta película no solo lo hace, sino que lo domina de principio a fin.

Por último, sin nacer con ese propósito, Spider-Man: Un nuevo universo supone la despedida perfecta a los creadores del Hombre Araña, Lee y Dikto, que nos han dejado este mismo año. Tras su fallecimiento, el imprescindible cameo de Lee (el último que hizo en animación) adquiere una nueva dimensión, y la lección que nos regala durante esta breve pero trascendental escena es un broche redondo. Aunque suene a tópico y empiece a correr el riesgo de no significar nada para muchos, Spider-Man: Un nuevo universo revitaliza el cine de superhéroes con una película que no es solo divertidísima, ocurrente, emocionante y espectacular, sino que también es consciente de lo necesario que es llevar el género un paso (o un salto de fe) más allá para explorar todas sus posibilidades. Está claro que Miles Morales ha llegado para quedarse. Bienvenido.

Pedro J. García

Nota: ★★★★½

Crítica: Venom

Todos los estudios quieren su propio universo cinematográfico, y Sony Pictures no iba a ser menos. Sobre todo cuando tiene los derechos de uno de los superhéroes más populares de la historia, Spider-Man, y de todos sus personajes satélite. El estreno de Spider-Man: Homecoming supuso el inicio de una nueva etapa en asociación con Marvel Studios, pero la nueva encarnación del Trepamuros en cines, interpretada por Tom Holland, por ahora va aparte. Cediendo Spider-Man a Marvel, lo que le queda a Sony es un catálogo selecto de secundarios, villanos y antagonistas del Hombre Araña con los que, al parecer, pretende crear una especie de reverso oscuro del MCU. Así nace Venom, la primera película de este Universo Arácnido a la que, si la taquilla responde, sucederá Morbius, el vampiro viviente.

Dirigida por Ruben Fleischer (Bienvenidos a Zombieland), Venom cuenta con el aclamado Tom Hardy (Mad Max: Furia en la carretera) en el icónico papel del antihéroe de Marvel, uno de los personajes más populares de la Casa de las Ideas. El actor británico da vida a Eddie Brock, intrépido periodista de investigación que, después de perder su trabajo y a su novia (Michelle Williams), se convierte en el anfitrión del simbionte alienígena. Mientras Eddie trata de destapar la atroz verdad sobre el creador de la Fundación Vida, Carlton Drake (Riz Ahmed), cuyos experimentos han liberado a la peligrosa criatura, Venom se fusiona con su cuerpo, desatando impresionantes poderes, pero también un lado oscuro que deberá aprender a controlar.

Venom no parece una película de la nueva era de los superhéroes, sino una previa al Universo Cinematográfico de Marvel y el boom del cine basado en cómics (es decir, más noventera que de 2018). Pero esto no es necesariamente malo. Está claramente diseñada para derivar en franquicia y conectarse a un universo mayor, pero esto no impide que se desarrolle como una historia contenida, sin exceso de guiños o personajes metidos con calzador para generar spin-offsVenom es mucho más simple que eso, y es de agradecer. No es más que una historia de orígenes clásica, y meter más elementos sería complicarlo demasiado desde muy pronto. La ausencia de Spider-Man, para muchos polémica, no supone inconveniente alguno, puesto que esta es la historia de Eddie Brock y su relación con Venom.

Y eso precisamente es lo mejor de la película. El tira y afloja entre Eddie y el simbionte aporta el conflicto moral que define la historia, pero también la principal fuente de humor, que estará considerablemente más presente de lo que la campaña promocional (mucho peor que la propia película) nos ha dado a entender. Hardy es conocido por dejarse la piel en sus personajes y Venom no es una excepción, pero aquí nos muestra una nueva faceta. El actor británico (haciendo gala de un cuestionable acento americano) se emplea a fondo y lo da todo, con un trabajo físico estupendo, pero también una interpretación excéntrica, descontrolada y por momentos muy excesiva que nunca deja de sorprender, incluso en sus momentos más ridículos. Hardy es la principal atracción de Venom y con él, la película se vuelve mucho más divertida de lo que imaginábamos.

Su trabajo suple con eficiencia los defectos de la cinta, que no son pocos. En primer lugar, un plantel de secundarios desaprovechados y poco interesantes, encabezado por un simplemente correcto Riz Ahmed y Michelle Williams en la que es su peor interpretación en años. La actriz nominada cuatro veces al Oscar está fatal y su química con Hardy es tan inexistente como sus ganas de estar ahí. Consigue destacar Jenny Slate, aunque su personaje es más bien pequeño y solo una herramienta narrativa para impulsar la acción.

Por otro lado, hay una clara confusión tonal. Muchos lo achacarán a su calificación PG-13, pero lo cierto es que el problema es su brusquedad a la hora de saltar del thriller/terror a la comedia (tontorrona) sin lograr definir un punto medio. A pesar de no ser para mayores de 18 años y no mostrar decapitaciones o fuentes de sangre, el film contiene bastante violencia, y aunque el “fuck” lo tiene prohibido, uno pierde la cuenta de las veces que dicen “shit”. Vamos, que no es Deadpool, pero tampoco es una versión infantilizada de Venom. Como tampoco es una película Rated-R mutilada. De hecho, su estructura es en su mayor parte íntegra y coherente, y no adolece del síndrome de la tijera loca que sí sufrían Batman v Superman Escuadrón Suicida.

Esto no quiere decir que no haya agujeros de guion. Los hay, aunque ninguno que hunda la película. Venom tarda bastante en hacer acto de presencia, pero las pesquisas de Eddie Brock nos entretienen hasta que el simbionte se fusiona con su huésped y la acción empieza de verdad. A partir de ahí, el ritmo no baja en ningún momento. La dinámica Eddie-Venom, el entregado trabajo de Hardy y las escenas de acción convierten Venom en una película muy divertida. Solo flojea realmente durante el enfrentamiento final con Drake, donde la acción digital se vuelve más farragosa y no nos deja ver bien lo que está ocurriendo. Por lo demás, tanto el terrorífico diseño como los efectos digitales para dar vida al simbionte y las secuencias de acción física con Hardy cumplen holgadamente, pese a que visualmente sea más bien plana.

Venom nunca será considerada una gran película de superhéroes, porque no lo es. Pero tampoco es el desastre que parecía. Es divertida,  tiene más personalidad de lo que los trailers indicaban y momentos de humor muy memorables (aunque los más malos digan que es una comedia involuntaria, hay mucha intención y autoconsciencia). En definitiva, Venom es una buena presentación que acaba haciendo justicia al emblemático personaje de Marvel y abre la puerta a una secuela que, puliendo los errores de esta, puede y debería ser mucho mejor.

Pedro J. García

Nota: ★★★½

Billy Lynn: la incómoda verdad de Ang Lee

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Billy Lynn pasó por las salas de cine el año pasado, pero poca gente le prestó atención. La película más reciente de Ang Lee nació de la sinergia creada entre la inquietud artística del director taiwanés y los esfuerzos comerciales de Sony Pictures por llevar el cine al futuro a través de la tecnología más puntera. Billy Lynn fue injustamente recibida en su estreno, pero su llegada al mercado doméstico es la segunda oportunidad que la película necesitaba para brillar y encontrar su público.

Una de las razones por las que Billy Lynn no causó impacto en taquilla es quizá el tema que trata. O más que el tema en sí, la forma en la que lo aborda y las respuestas que da. La película cuenta la historia de un soldado estadounidense de 19 años (el debutante Joe Alwyn) que, junto a sus compañeros del escuadrón Bravo, regresa a casa de la guerra de Irak convertido en un héroe para realizar la “gira de la victoria” y formar parte del espectáculo de la Super Bowl.

A través de una serie de flashbacks que ocurren durante la antesala del show, descubrimos la verdad sobre lo ocurrido en el campo de batalla, estableciendo así una reveladora comparación entre la realidad de la guerra y la percepción distorsionada que los estadounidenses tienen de lo que allí ocurre, así como de sus aclamados héroes. Una verdad incómoda y comprometida que ningún patriota yanqui quiere escuchar (en especial los de los estados más conservadores como Texas), no porque menosprecie a sus militares (cosa que la película no hace ni remotamente), sino porque los humaniza, obligando a los que se quedan en casa a afrontar la realidad. De ahí que, a pesar de no ser abiertamente una película anti-bélica, y de la sensibilidad y el tacto con el que está hecha, el público estadounidense prefiriera hacer oídos sordos, evitar la reflexión y continuar viviendo en la fantasía de las medallas de honor, los héroes perfectos y los fuegos artificiales.

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Con Billy LynnLee lleva a cabo un excelente estudio de personajes para hablarnos del síndrome postraumático que experimentan muchos soldados a su regreso de la guerra, y oponerlo a la fantasía heroica, de la que muchas empresas intentan sacar partido económico, sobre todo en Hollywood (entre otras cosas, el film narra el desalentador proceso para llevar la historia de Lynn y su tropa al cine). Para ello, el director se vale de un estupendo reparto, encabezado por el recién llegado Joe Alwyn, que realiza un trabajo excepcional transmitiendo a la perfección las complejidades del personaje y expresando su profunda melancolía y preocupación con la mirada, y Garrett Hedlund, en la que es una de sus mejores interpretaciones hasta la fecha.

Pero Billy Lynn es ante todo un experimento, una inversión de futuro. Se trata de la primera película presentada en 60 frames por segundo (recordemos que El Hobbit se hizo en 48), un formato revolucionario con el que Sony Pictures busca que el público se vaya familiarizando con lo que ellos llaman el futuro del cine en casa. Y es que si Billy Lynn pasó desapercibida en cines, quizá es porque en realidad estaba diseñada para su disfrute en los televisores 4K, donde encuentra la segunda vida para la que fue pensada. El aspecto de la película en 60fp, su resolución cuatro veces superior a la de un HD normal, así como los colores más vivos y el mayor contraste que facilitan el HDR (High Dynamic Range) proporciona una experiencia hiperrealista que puede chocar al principio (la sensación tradicional de cine se pierde en favor de una definición que asusta), pero que, una vez acostumbrados, empuja a sumergirse en la acción.

Sin embargo, lo más importante sigue siendo lo que se nos cuenta, y afortunadamente, Billy Lynn no es solo una demostración tecnológica, sino también una nueva prueba de la creatividad y la capacidad emotiva de Lee, quien utiliza las nuevas tecnologías para presentar una historia muy familiar bajo una mirada más original y estimulante.

billy-lynn-4kSony Pictures Video presentó Billy Lynn en Ultra-HD el pasado jueves 8 de junio en Madrid, en un evento en el que, además de proyectar la película en sus equipos más avanzados, reiteró el compromiso de la distribuidora con la recuperación de películas inéditas en nuestro país para su lanzamiento directo a vídeo, trabajos aclamados que por una razón u otra no llegaron a las salas.

A las recientemente editadas Hunt for the WilderpeopleUn gato callejero llamado BobSiempre amigas se sumarán próximamente The Edge of Seventeen, Bleed for ThisFree Fire, y la nominada al Oscar a mejor guion original 20th Century Women.

Comedias románticas de ayer y hoy: Jerry Maguire y Maggie’s Plan [Reseña Blu-ray]

Entre las novedades recientes en Blu-ray de Sony Pictures Video se encuentran dos comedias románticas separadas por veinte años, la clásica Jerry Maguire y la reciente Maggie’s Plan, dos formas muy distintas de abordar el género romántico que vienen a reflejar la sensibilidad y las tendencias cinematográficas de sus respectivas etapas. Y es que el tipo de rom-com que se hacía en los 90 ha dado paso a través de los años a una reinvención del género en la que la mujer ha ganado mucha más entidad, convirtiéndose en algo más que la clásica soñadora cuya meta en la vida es casarse con su príncipe azul. Menos mal.

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Jerry Maguire

Dirigida por Cameron Crowe (Casi famososVanilla SkyAloha), Jerry Maguire es una de las comedias románticas más exitosas de mediados de los 90. Esta película protagonizada por Tom Cruise cuando estaba en la cima de Hollywood logró lo que la mayoría de títulos del mismo género no solían conseguir, convertirse en una comedia romántica prestigiosa, aclamada por la crítica y nominada a numerosos galardones (entre ellos cinco premios de la Academia, que se dice pronto). Partiendo de una idea original de Crowe, Jerry Maguire venía disfrazada de película deportiva/drama profesional, pero en realidad se trataba de una rom-com clásica. Una jugada maestra pensada para atraer tanto al público potencial de una como de otra que surtió efecto y dio lugar a una de las películas más icónicas de su década.

En esta nueva edición en Blu-ray que conmemora el vigésimo aniversario del film, tenemos la oportunidad de reencontrarnos (o conocer por primera vez, si es una de esas películas que ha visto todo el mundo menos tú) a Jerry Maguire (Cruise), un agente deportivo en horas bajas, y Dorothy Boyd (Renée Zellweger), una tímida madre soltera que trabaja para él y con la que vivirá un apasionado romance. Tras perder su trabajo y a su novia (Kelly Preston) y ver cómo su carrera profesional y sus convicciones tocan fondo, Jerry hace lo posible por volver a la cresta de la ola con la ayuda de otra ex gloria, un jugador de fútbol interpretado por Cuba Gooding Jr., papel que le valió un Oscar a mejor actor secundario, y de Dorothy, con la que encuentra una nueva oportunidad para triunfar y ser feliz.

jerry-maguire-blu-rayJerry Maguire consagró a Cruise como galán cinematográfico moderno (años antes de que el mundo le cogiera manía) y convirtió a Zellweger en toda una revelación. La película destaca sobre todo por sus escenas cómicas y sus famosos diálogos, que pasaron automáticamente a formar parte de la cultura popular: “Tú me completas”, “Ayúdame a ayudarte” o la frase más famosa de la película, “Enséñame la pasta”. Pero después de dos décadas, lo mejor sigue siendo su emocionante final. La sempiterna escena propia de cualquier película romántica que se precie en la que uno de los protagonistas (en este caso Jerry) vuelve corriendo a los brazos de su pareja para declararle su amor, uno de los momentos más emotivos de la película, que termina con una de sus mejores frases: “Ya me tenías con el hola”.

Sobre el Blu-ray: La nueva edición de Jerry Maguire cuenta con una estupenda remasterización que conserva el grano original sin sacrificar nitidez y resalta los vivos colores de la película. Además, el disco incluye una tonelada de contenidos adicionales: Jerry Maguire: Nos volvemos a ver – Una retrospectiva de tres partes con nuevas entrevistas con Tom Cruise y Cameron Crowe, casi 60 minutos de escenas eliminadas y extendidas nunca vistas, galería de fotos, tráiler del cine, comentario visual de imagen en imagen con Tom Cruise, Renée Zellweger, Cuba Gooding Jr. y Cameron Crowe, escenas eliminadas con comentario del director y del montador, imágenes de los ensayos con comentario del director y del montador, “Mi primer anuncio” con Rod Tidwell, Drew Rosenhaus: como ser agente deportivo, vídeo musical “Secret Garden” de Bruce Springsteen y así se hizo.

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Maggie’s Plan

Final feliz. Fundido a negro. Rótulo: “20 años después”. Las cosas han cambiado mucho en el mundo, y por extensión, en el cine. Si Jerry Maguire era una comedia romántica contada principalmente desde el punto de vista masculino, en Maggie’s Plan es la mujer la que lleva las riendas de la historia en una película fresca y contemporánea que dirige Rebecca Miller (The Ballad of Jack and Rose) con un ojo puesto en la dramedia habitual de Sundance y otro en el cine urbano de Woody Allen.

Maggie (Greta Gerwig) es una neoyorquina sin suerte en el amor que un día decide que no quiere esperar más y se propone tener un hijo sola. Sin embargo, la misma noche que lleva a cabo la inseminación artificial, John (Ethan Hawke), un profesor de antropología y aspirante a novelista con el que ha entablado una bonita amistad, le declara su amor. Maggie, que también está enamorada de él, desecha su plan original para construir una vida en común, para lo que él debe abandonar a su mujer, Georgette (Julianne Moore), una ambiciosa académica. Pero en un giro inesperado, su relación con John no resulta como ella imaginaba, lo que le lleva a trazar un nuevo plan para solucionar su vida y la de él tratando de hacer el menor daño posible.

Si en Jerry Maguire teníamos a una madre soltera en busca de una figura paterna para su hijo, en Maggie’s Plan nos encontramos todo lo contrario, una mujer que decide tener un hijo ella sola y a priori no necesita que el hombre se involucre en sus vidas. Claro que, como la buena comedia de enredos que es, Maggie’s Plan da muchas vueltas a partir de esta premisa, convirtiéndose en una película tan divertida como sofisticada, un trabajo que flirtea con la screwball comedy a la vez que ofrece astutas observaciones sobre las relaciones que maggies-plan-blu-rayreflejan los cambios progresistas de los que hablábamos (por ejemplo, Maggie es amiga de un matrimonio, y quien la escucha y le da consejo sentimental paseando a su bebé en carrito es el marido, que además es su ex). Pero sin duda, lo mejor del film es su excelente reparto, una divertidísima Julianne Moore, un atinado Ethan Hawke, los habituales de la comedia USA Bill Hader y Maya Rudolph, y por encima de todos, la encantadora Greta GerwigMaggie’s Plan es Gerwig al 100%, por lo tanto, los que han disfrutado de sus películas anteriores (Frances HaMistress America) encontrarán en ella su mayor baza. Su carisma y sensibilidad convierten la película en un retrato inteligente y fresco de la vida en pareja, el trabajo, la maternidad y los sueños de futuro en la Gran Manzana. En definitiva, imprescindible para los fans de Greta Gerwig y el cine sobre jóvenes (y ya no tan jóvenes) navegando las difíciles aguas de la vida moderna.

Sobre el Blu-ray: Siendo una película de 2015, la calidad de imagen y sonido es tan buena como cabe esperar, aunque no es ese tipo de película que se luce por su apartado técnico o estético. Los contenidos adicionales incluyen: Comentario con la directora, Rebecca Miller, rueda de prensa en el festival de Sundance, así se hizo y tomas falsas.

Jerry MaguireMaggie’s Plan ya están a la venta en España. Sony Pictures Video también ha editado Maggie’s Plan en formato DVD.

[Reseña DVD] ‘Born to Be Blue’ y ‘Equity’, agitando los géneros

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Sony Pictures Home Entertainment estrena en exclusiva dos películas que no hemos podido disfrutar en salas de cines, Born to Be Blue Equity, dos propuestas diferentes entre sí, pero igualmente interesantes que tienen algo en común: se salen considerablemente de los parámetros del tipo de cine en el que se inscriben, llevando sus respectivos géneros a nuevos territorios que merece la pena explorar.

En Born to Be Blue, el nominado al Oscar Ethan Hawke (Antes de amanecer, Boyhood, Bocados de realidad) se pone en la piel del mítico Chet Baker, la leyenda del jazz cuya tumultuosa vida recrea el director Robert Budreau. En los años 50, Baker era uno de los trompetistas más famosos del mundo, un icono de estilo y pionero de la escena jazzística de la Costa Oeste, pero a Budreau no le interesa tanto narrar la historia de su ascenso a los cielos del jazz, sino su descenso a los infiernos y posterior resurgir en la década de los 60.

Born to Be Blue nos muestra a un Chet Baker en horas bajas, destrozado por su adicción a las drogas y luchando por regresar a sus años de éxito, motivado por su deseo de seguir viviendo para compartir su arte, y por el apasionado romance con una actriz a la que da vida en la película Carmen Ejogo (SelmaAnimales fantásticos y dónde encontrarlos). De esta manera, Budreau escapa de las normas del biopic clásico para firmar una película en la que la realidad y la ficción se fusionan y sus personajes quedan liberados de reglas narrativas, tal y como si se tratase de una sesión de jazz fílmica.

Se podría decir que Born to Be Blue es un anti-biopic, una película biográfica que está más interesada en hacer sentir el espíritu de su protagonista y su arte que en informar sobre su vida. Y para ello, Hawke ofrece una interpretación visceral y entregada que fue elogiada a su paso por los festivales de cine del año pasado, y que nos recuerda por qué es uno de los intérpretes más versátiles y con más talento de su generación.

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Por otro lado nos llega también la primera visión 100% femenina de Wall Street en el cine, Equity, dirigida por Meera Menon. La ganadora al Emmy por Breaking Bad Anna Gunn protagoniza esta película hasta ahora inédita en España sobre una agresiva ejecutiva de banca de inversión que dirige la controvertida salida a bolsa de una compañía tecnológica justo tras la crisis financiera mundial. Este intenso thriller sobre Wall Street nos habla ofrece una perspectiva diferente a lo que el género nos tiene acostumbrados.

Michael Douglas o Leonardo DiCaprio nos invitaron a conocer las presiones y los excesos del mundo financiero en Nueva York, desde un prisma puramente masculino y sin escatimar en sexismo y misoginia. Equity, escrita, dirigida, producida y protagonizada por mujeres, nos presenta el punto de vista femenino de este despiadado y asfixiante mundo laboral que puede acabar con la cordura, incluso con la vida de más de uno, y lo hace con un claro mensaje feminista: “Las mujeres también podemos ser ambiciosas y no hay que avergonzarse de desear y disfrutar el éxito y el dinero”. Pero Equity no esquiva los problemas que suelen condicionar a la mujer en su entorno laboral, sobre todo en puestos de alta responsabilidad, mostrando su lucha para poder tener las mismas oportunidades que sus compañeros y denunciando el sexismo al que aun se enfrentan, incluso las que han superado (supuestamente) el techo de cristal, como el personaje de Gunn.

Así, Equity se construye como un drama con toques de suspense y thriller cibernético que sigue las normas de este tipo de cine, pero a su vez lo presenta desde un prisma innovador, rompiendo el monopolio masculino de las películas sobre Wall Street.

Born to Be Blue (DVD)

Duración: 97 minutos. Contenidos adicionales: Cómo se hizo

Equity (DVD)

Duración: 96 minutos. Contenidos adicionales: Líneas grises: Así se hizo Equity; Grupo de chicas: la equidad del poder; Rueda de prensa del Festival de Cine de Los Ángeles con Anna Gunn, Meera Menon, Alysia Reiner, Sarah Megan Thomas y Samuel Roukin

[Reseña] Dentro del Laberinto – Edición 30 Aniversario (Sony 4K Ultra-HD)

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Quince años después de lanzar el Blu-ray, Sony Pictures Home Entertainment ha decidido apostar por “la experiencia de cine en casa definitiva” con el lanzamiento de un nuevo formato de vídeo doméstico, el Sony 4K Ultra-HD (4KUHD). Desde la empresa impulsan con fuerza la ultra alta definición con un formato que tiene una resolución cuatro veces mayor a la del Blu-ray estándar y 16 veces mayor a la del DVD. Para ello, Sony ha puesto a la venta en 2016 los primeros títulos de su catálogo en UHD, más de una veintena de películas que llegan al mercado en combo 4K Ultra HD + Blu-ray para facilitar la transición entre formatos.

Los títulos que conforman el catálogo pertenecen a tres categorías: nuevos estrenos, películas recientes y clásicos restaurados. La intención de Sony es ir introduciendo en el mercado una selección con las que demostrar las posibilidades del formato dependiendo de la naturaleza de cada película. Así, con los nuevos estrenos se busca la mayor calidad de sonido e imagen posible, con la adaptación de películas recientes al formato se pretende presentar cintas conocidas con una imagen renovada y con los clásicos restaurados la idea es reproducir lo más fielmente posible la experiencia original de una sala de cine.

Uno de los primeros lanzamientos de estreno de Sony es Infierno azul, el thriller de Jaume Collet-Serra protagonizado por Blake Lively, sobre una chica que se queda atrapada en una roca en el mar y es acechada por un tiburón blanco. Con Infierno azul queda demostrado lo que Sony busca con el 4K Ultra-HD, la experiencia más inmersiva posible. Viendo la película con el equipo adecuado el efecto es impresionante, el nuevo sistema de sonido Dolby Atmos hace que parezca que estamos en el agua junto a Lively y la imagen es de una resolución apabullante. Por el lado malo, esto va a hacer que los cineastas y profesionales de la post-producción se pongan más las pilas, porque los defectos se notan mucho más en UHD.

También he podido ver varios títulos recientes del catálogo de Sony, como Salt, el thriller protagonizado por Angelina Jolie, en el que las escenas de acción lucen mucho más en ultra alta definición, Ángeles y demonios, donde la fotografía de Salvatore Totino destaca a la nueva luz del UHD, y The Amazing Spider-Man 2, en la que los colores están mucho más vivos que en el Blu-ray estándar y las acrobáticas secuencias de acción digital sobresalen gracias al HDR (High Dynamic Range) y llaman la atención por su mayor nitidez, hasta el punto de parecer estar viéndola en 3D sin gafas. Esto se debe a que con el UHD, el espectro cromático aumenta, los colores aparecen más vivos, los oscuros más profundos y los claros más luminosos.

Además de los títulos mencionados, el catálogo de Sony incluye películas propias y también de Paramount Pictures y Universal Pictures, de la que ahora también lleva la distribución: ChappieLos Pitufos 2, Ninja Turtles: Fuera de las sombrasMascotas, Star Trek: En la oscuridad, Jason Bourne, La quinta olao la Cazafantasmas original y el reciente reboot. De esta manera, Sony cierra 2016 con la mayor oferta en UHD del mercado, a la que en 2017 se sumarán lanzamientos como Los Siete Magníficos¡Canta! La llegada.

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Dentro del Laberinto: como la primera vez

Los que me conocéis personalmente o me seguís en redes sociales sabréis perfectamente que Dentro del Laberinto (Labyrinth) es mi película favorita. El clásico de fantasía de Jim Henson es una de mis mayores obsesiones personales desde que lo vi a los 5 años (para muestra, mi blog sobre la película). Por eso me alegró enormemente saber que este sería uno de los primeros títulos en inaugurar la etapa UHD de Sony. Para conmemorar el 30º aniversario de esta querida película de culto, Sony ha llevado a cabo una restauración total a partir del negativo original supervisada por Brian Henson (hijo de Jim, marionetista en Laberinto y actual jefe de la Jim Henson Company).

Dentro del Laberinto se estrenó en 1986, por lo que sus efectos visuales, por muy punteros que fueran en su momento, se han quedado obsoletos. Sin embargo, ese es parte del encanto de la película, su cualidad artesanal y su imperfecto pero en perspectiva admirable resultado final (quién puede olvidar la escena de los Fireys, las criaturas del bosque que se intercambian la cabeza y los miembros al ritmo del pop de David Bowie). Por eso Sony decidió que no podía retocar la película más allá de la restauración de imagen y sonido, para evitar a toda costa lo que George Lucas (productor de Laberinto, por cierto) hizo con la primera trilogía de Star Wars o Steven Spielberg con E.T. El extraterrestre (incluir a un E.T. digital y cambiar pistolas por walkie-talkies). Con la reedición en 4K de Dentro del Laberinto se pretende reproducir en la medida de lo posible la experiencia del cine, sin desvirtuarla eliminando el grano o modificando la imagen original con nuevos efectos digitales (todavía lloro cuando me acuerdo de las restauraciones que Disney ha hecho de algunos de sus clásicos, puliendo tanto la imagen de imperfecciones que llegan a difuminarla).

El resultado salta a la vista (nunca mejor dicho). Ver Dentro del Laberinto en 4K UHD ha sido como verla de nuevo por primera vez. Y lo dice alguien que la ha visto, sin exagerar, 400 ó 500 veces. Efectivamente, la imagen conserva el grano original de la versión en cine (y las anteriores ediciones domésticas), pero lejos de parecer un defecto en ultra alta definición, es parte del encanto de la película, lo que realmente hace que parezca que la estamos viendo de nuevo (o por primera vez) en sala. Los colores están más vivos que nunca, el sonido es más envolvente y la calidad de imagen es insuperable. Poder ver detalladamente los bordados de la blusa de Sarah (Jennifer Connelly), el pelo de los Goblins o perderse más cerca que antes en el reflejo cristalino de los ojos de Jareth (Bowie) añade un nuevo componente a la experiencia de este visionado tan clásico de nuestra infancia.

El relanzamiento incluye además nuevos contenidos adicionales, lo cual es un añadido muy valioso para fans como yo, que ya tienen las ediciones anteriores de la película. Además de incluir los extras habituales, de los que destaca el imprescindible documental de una hora de duración Inside the Labyrinth, el 4KUHD incorpora nuevas featurettes y entrevistas con Jennifer Connelly y Brian Froud para conmemorar el 30º aniversario del film, homenajear a David Bowie y celebrar el legado de la película, uno de los clásicos de los 80 con un fandom más apasionado: “Reordenando el tiempo: Dentro del Laberinto en perspectiva”; “El legado de Henson”; “Recordando al Rey de los Goblins”; “El juego de preguntas y respuestas del aniversario”.labyrinth

La edición viene además restaurada con el ya mencionado nuevo sistema de sonido envolvente de Sony, el Dolby Atmos, e incluye los idiomas en audio y subtítulos de las anteriores ediciones en Blu-ray y DVD (que son muchos para enumerar aquí). Y por último, un pequeño detalle que no puedo pasar por alto: la carátula de la edición reproduce el póster original, en lugar de un nuevo montaje fotográfico, lo cual resulta coherente con lo que Sony ha querido hacer con el lanzamiento.

En definitiva, esta nueva versión de Dentro del Laberinto está hecha para renovar la pasión que muchos sentimos por esta película tan especial de nuestra infancia. Brian Henson y Sony Pictures han llevado a cabo una restauración a la altura del impacto duradero que la película ha tenido a lo largo de estas tres décadas, en las que se ha convertido ya no solo en un ineludible referente nostálgico o un título imprescindible del cine fantástico, sino también en una experiencia muy personal para miles.