Detective Pikachu: El sueño hecho realidad de los fans de Pokémon

El año 1999 está considerado como una de las mejores cosechas cinematográficas de los últimos tiempos. Un ejercicio en el que títulos como Magnolia, MatrixAmerican BeautyEyes Wide Shut, El club de la lucha o South Park. Más grande, más largo y sin cortes nos emocionaron y sorprendieron. El mismo 1999 en que llegaron a nuestras manos los debuts de Britney y Xtina, la llegada del Euro, el nacimiento de Amaia (la buena), nuestra primera cita con Jar Jar Binks y el miedo temible efecto 2000. Pero otro acontecimiento marcó nuestras vidas a finales de ese 1999: la llegada, por fin, de Pokémon a España. Aunque esos bichos ya llevaban campando a sus anchas por Japón desde 1996, a nosotros nos tocó esperar tres años. Pokémon Edición Roja, Pokémon Edición Azul. Dos colores para relatar el mismo viaje iniciático de Ash desde Pueblo Paleta a ser el mejor (y más ético) entrenador Pokémon de la historia.

La pokéleyenda llegada del Lejano Oriente era increíble… y bastante polémica. Menos mal que las críticas de ultraviolencia y el miedo a ataques epilépticos (¿quién no se acuerda de esos cienes de chavales japoneses que fueron hospitalizados después de ver un capítulo, incidente que llegó a parodiarse en Los Simpson?) se fueron disipando y dejaron vía libre a que la epidemia se expandiese por España. Pokémon no era solo un éxito de ventas en videojuegos, sino que cambió nuestro estilo de vida. No había ni un solo niño o niña que no merendase viendo la serie de animación, o que no se supiese los nombres (en su orden, claro está) de los 151 animalejos. Todo el mundo tenía su favorito. En mi caso, Slowpoke, por afinidad intelectual. Los ríos de España no, pero las evoluciones de Eevee al dedillo.

En 1999, Pokémon no te convertía en un niño rata, sino que enriquecía tu infancia de la misma manera que los libros Barco de Vapor lo habían estado haciendo hasta ese momento. Veinte años después, el mito sigue tan vigente como el primer día. Cada lanzamiento relacionado con la franquicia es visto como un acontecimiento (¿Hace falta que recordemos la locura que supuso Pokémon Go?). Las convenciones se suceden y las ventas por merchandising son imparables. No obstante, podemos considerar a Pikachu como el segundo ratón más importante de la cultura popular, justo entre Mickey y Pérez. No es de extrañar que Pokémon: Detective Pikachu, la esperadísima adaptación en clave live-action de uno de los últimos videojuegos de la factoría se haya convertido en uno de los acontecimientos cinematográficos de esta primera mitad del año.

Tim Goodman es un buen chico, solitario, pero bueno. Lo dice su apellido y sus buenas obras. Trabaja como perito desde hace años, cuida de su abuela y no ha sido capaz de encontrar a su alma gemela… y por alma gemela no hablamos de novio o novia, sino de un Pokémon con el que compartir su andadura vital. Un trágico acontecimiento le llevará a Ryme City, ciudad en la que Pokémon y humanos trabajan mano a mano por un futuro mejor. En esa urbe se encontrará con una criatura rubia fatal que le obligará a salir de su zona de confort y a patearse los barrios bajos de la ciudad en busca de respuestas. Ese sensual gentleman no es otro que un Pikachu, pero no uno cualquiera, sino el antiguo compañero del padre de Tim. Todo un Pikachu detective. He aquí el origen de las trepidantes aventuras de una extraña pareja al más puro estilo Lemmon-Matthau. Uno está de vuelta de todo y es un adicto a la cafeína (Pikachu) y el otro intenta aportar sensatez y buen corazón (Tim) a la locura de su compañero. Ningún ataque tipo Planta o Dragón es capaz de domar a este ratón eléctrico.

Pokémon: Detective Pikachu es una notable recreación de una investigación policíaca de vieja escuela, pero con Pokémon de por medio. Las desventuras del pintoresco tándem formado por Goodman y Pikachu responden a los mismos parámetros de las cintas de Humphrey Bogart, pero sustituyendo el humo del tabaco y los contrabandos en puertos pesqueros por unos misteriosos polvos que asalvajan a los Pokémon y que hacen que Tim pueda comunicarse perfectamente con Pikachu. La química entre ambos personajes es envidiable. Justice Smith (Jurassic World: El reino caído y chico Luhrmann en la fallida The Get Down) es el corazón de la película y refleja a la perfección la usual inocencia y tenacidad del buen chico protagonista de este tipo de películas. Pero el verdadero robaescenas de Pokémon: Detective Pikachu no es otro que el mismísimo Pikachu. La animación y el diseño de personaje es completamente encomiable. Todo un prodigio que se ve amplificado por el estupendo trabajo de doblaje del mismísimo Ryan Reynolds, que, a pesar de llevar al personaje a terreno Deadpool (versión para todos los públicos), logra captar la esencia psicótica y adorable del personaje dotándole de una personalidad propia.

Pero más allá de cierta predictibilidad en los giros y algún que otro momento engorroso en la trama, Pokémon: Detective Pikachu es una verdadera delicatessen visual y todo un orgasmo para los fans de la franquicia. Ningún fan debería extrañarse si dos lagrimones surcan sus pómulos al ver los primeros Pokémon en pantalla. Resulta impresionante ver sus movimientos y la integración de la mayor parte de los mismos en el espacio. Aunque alguna que otra ausencia nos cabree (¡¿dónde está Slowpoke?!) y algún que otro icónico personaje quede difuminado (Snorlax merecía su propia escena), para la posteridad siempre quedará el divertidísimo interrogatorio a Mr. Mime, el drama de Cubone, los exabruptos de la Ludicolo, los preciosos Bulbasaur o ese Psyduck que merece un spin-off dirigido por Michael Haneke.

Con esta película, Rob Letterman sigue su redención comenzada con Pesadillas y en unos proyectos más hará que nos olvidemos de una vez por todas de El espantatiburones, posiblemente una de las peores experiencias que he vivido en una sala de cine, y que curiosamente, también era un acercamiento infantil al género noir. Destacable resulta la música del pluriempleado Henry Jackman, con ecos más que patentes de las composiciones de Joe Hisaishi para las cintas de Studio Ghibli, pero igualmente apropiada y disfrutable.

Pika-Pika. Déjate llevar por la cantinela. Hay que reiterar que Detective Pikachu es una película principalmente para niños y fans de Pokémon (que se volverán locos identificando a las especies que aparecen en cada plano), pero aun así, es un producto familiar bastante digno, funciona perfectamente como introducción a su universo y tiene alicientes de sobra (acción espectacular, buen sentido del humor, los one-liners de Reynolds) para los espectadores más casuales. Es imposible no caer rendido ante el Pikachu detective… ahora a esperar que esto no sea flor de un día y se convierta en toda una saga cinematográfica con diferentes aventuras por Johto, Hoenn, Sinnoh… y muchos Slowpokes.

David Lastra

Nota: ★★★½

Crítica: Deadpool 2

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La primera aventura de Deadpool en el cine supuso un bienvenido revulsivo que aportó un enfoque diferente al que Marvel Studios ya había implantado como institucional en el género de superhéroes. El antihéroe de Marvel debutaba en solitario en el Universo X-Men de Fox con una propuesta violenta, irreverente y pasada de rosca que conquistaba a la audiencia y demostraba que era posible orientar este tipo de cine a un público exclusivamente adulto y aun así replicar su éxito masivo. Dos años más tarde llega la secuela, y lo hace en el momento perfecto, ni un mes después del estreno de la colosal Vengadores: Infinity War. La ligereza y el descaro de Deadpool 2 nos vienen de perlas para relajarnos un poco después del intenso acontecimiento dirigido por los hermanos Russo. Preparen sus chimichangas y disfruten del espectáculo.

David Leitch (John Wick, Atómica) sustituye a Tim Miller en la dirección, pero el cambio de realizador no resulta en ningún cambio evidente en la pantalla. Al contrario, Deadpool 2 es muy similar, por no decir idéntica, a la primera entrega tanto en estilo como en ritmo y tono… Esto se debe quizá a que, antes que nadie, la franquicia pertenece a una persona: Ryan Reynolds, el actor que encontró en el personaje del Mercenario Bocazas la mejor oportunidad para darle un vuelco a su accidentada carrera comercial y salir resucitado y victorioso como uno de los actores más carismáticos del cine de superhéroes actual. Reynolds es el rey de Deadpool, y en su secuela vuelve a probar que lleva el personaje como si fuera una segunda piel.

Aquí es donde habría que decir que Deadpool 2 sigue las normas de las secuelas multiplicándolo todo por dos. Y por muy cliché que sea, sería totalmente cierto. La película toma todo lo que funcionaba de la primera parte y lo duplica, o incluso triplica: el humor meta, el lenguaje sucio, la metralleta de referencias pop, el gore y la ultraviolencia estilizada, las trepidantes y excelentemente ejecutadas escenas de acción, la cámara lenta, la jocosa banda sonora (el tema de Céline Dion sobre los créditos iniciales es pura magia), las rupturas de la cuarta pared; todo vuelve, en mayor cantidad, y, afortunadamente, con la misma gracia y eficiencia. Y aun así, el guion (coescrito por Reynolds) se las arregla para ser impredecible y retorcer algunas de las convenciones de las segundas partes, al más puro estilo Deadpool. Por ejemplo, en lo que se refiere al nuevo grupo de mutantes, Fuerza-X, que quizá no sea lo que el espectador espera, y sobre todo en la escala de la película, que se mantiene al nivel de la primera, esquivando el agotador y enésimo fin del mundo en su tercer acto, lo cual siempre se agradece.

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Además del debut de Fuerza-X, Deadpool 2 introduce otros nuevos personajes. Del eXtraño nuevo supergrupo, quien adquiere mayor protagonismo en la historia es Domino, interpretada por Zazie Beetz (Atlanta), que aporta frescura y carisma con un personaje lleno de posibilidades. Otro fichaje de la secuela es Julian Dennison (la revelación de Hunt for the Wilderpeople), que da vida a Russell, un niño mutante con el poder del fuego cuya historia enlaza con el tema que vertebra la película: la familia. Cuando el protagonista dice que Deadpool 2 es una película familiar, no miente, y es que la secuela lleva a cabo una más que acertada (aunque convencional) reflexión sobre la sensación de pertenencia y la familia creada. Y por último, pero no por ello menos importante, Josh Brolin encarna al villano Cable, un mutante que viene del futuro con la misión de acabar con la vida de Russell y cambiar así el destino de su familia. Brolin se confirma como un acierto de casting mayúsculo (no literalmente, como le recuerda Deadpool), aunque quizá sea conveniente no esperar demasiado del personaje.

Por lo demás, Deadpool 2 recupera a los personajes de la primera parte. Vuelven Vanessa (Morena Baccarin), Comadreja (T.J. Miller), Ciega Al (Leslie Uggams), y el que es probablemente el mejor secundario de la franquicia, el humano Dopinder (Karan Soni). Mención aparte merecen Coloso (Stefan Kapicic) y Negasonic Teenage Warhead (Brianna Hildebrand). El primero por ser un recurso cómico excelente y la segunda por contribuir a romper barreras en el cine de superhéroes. En la secuela, la mutante adolescente tiene novia (una de verdad, no uno de esos “momentos exclusivamente gays” que si parpadeas te los pierdes y no sirven para nada), Yukio (Shioli Kutsuna), lo que, además de proporcionar uno de los running gags más simpáticos de la película, aporta visibilidad a la comunidad LGBT, un paso muy fácil de dar con el que, sin embargo, otros estudios no se atreven. A falta de ver un novio o rollete para Wade Wilson (que sigue manifestando su pansexualidad solo a través de chistes), gracias a NTW y la fluidez sexual que recorre los diálogosDeadpool 2 se convierte en una de las películas de superhéroes más tolerantes y normalizadoras hasta la fecha.

Pero que la palabra “tolerancia” no os dé la impresión equivocada. Deadpool sigue siendo tan cafre y tan bestia como hace dos años. De hecho, más. La secuela vuelve a testear los límites de la calificación Rated-R para ofrecernos una orgía de sangre, desmembramientos y bromas sexuales no apta para mojigatos. ¿Que el humor es en el fondo infantil y no supone innovación alguna con respecto a la anterior? Por supuesto. ¿Que sigue siendo tan eficaz como la primera vez? Sí rotundo. En Deadpool 2 la novedad ha desaparecido, pero la película sabe exactamente cómo compensarlo: yendo a por todas. No todos los chistes funcionan (es lo que pasa cuando bombardeas con cinco seguidos cada dos segundos), pero los que lo hacen, lo hacen a lo grande. La película está llena de geniales golpes de humor y gags memorables que vuelven a elevar lo que es un argumento más bien escueto.

Deadpool 2 hará las delicias de los que disfrutaron de la primera entrega. Reynolds vuelve a realizar una interpretación cómica brillante (da igual con quién comparta escena, la química es palpable y las chispas saltan), el guion no deja títere con cabeza gracias a los salvajes y gratuitos ataques al cine de superhéroes (Reynolds se ensaña consigo mismo y los suyos casi tanto o más que con la competencia), los fans de X-Men se van a llevar sorpresas muy divertidas en forma de guiños y cameos, y puede que las escenas post-créditos sean las mejores que hemos visto hasta la fecha. Es más, es posible que sean lo mejor de toda la película. Simplemente enormes. Con todo esto, además de una considerable dosis de romance y emoción, Deadpool 2 evita la mala suerte de segundas partes como las de las afines Kick-AssKingsman para dejarnos una hilarante secuela a la altura de la original. Si no mejor.

Pedro J. García

Nota: ★★★★

Crítica: El otro guardaespaldas

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Hace unos meses me encontré con el póster de una supuesta nueva comedia de acción titulada The Hitman’s Bodyguard en el que se podía ver al resucitado Ryan Reynolds (recordemos lo accidentada que estaba siendo su carrera antes de Deadpool) sosteniendo en brazos a Samuel L. Jackson. El cartel en cuestión (que tenéis más abajo) es un jocoso homenaje al póster de El guardaespaldas, el clásico noventero (y casposísimo, no sé si la habéis vuelto a ver) protagonizado por Whitney Houston y Kevin Costner. Pues bien, solo por esta imagen, y quizá influenciado por Deadpool y la divertida personalidad pública de Reynolds, en mi cabeza The Hitman’s Bodyguard se convirtió en una parodia del cine de acción de lo 90 (otros directamente creyeron que se trataba de una broma de Internet). Pero nada más lejos de la realidad.

La película, en España rebautizada El otro guardaespaldas por el mismo avispado departamento de marketing que subtituló Sex Tape, la película de Cameron Díaz, Algo pasa en la nube en nuestro país (esto es una suposición mía, que como todo lo que digo, podría ser errónea), es una buddy film a la vieja usanza. Énfasis en lo de “vieja”. Una película que ha viajado 25 años desde el pasado hasta nuestros días para continuar la tradición cinematográfica de las cintas de acción testosterónica protagonizadas por una pareja de polos opuestos, rebosante de topicazos, estereotipos y sexismo. Todo con mucho humor, sí, pero sin apenas atisbo de ironía o metacomentario. Es decir, El otro guardaespaldas es la misma machirulada de siempre, lo que tiene sentido cuando descubrimos que en la silla del director se sienta el muy macho Patrick Hughes, realizador de Los mercenarios 3.

Volviendo al concepto de buddy film, la película explota adecuadamente la química entre sus dos dispares protagonistas, Ryan Reynolds, que da vida a Michael Bryce, un guardaespaldas de élite, y Samuel L. Jackson, uno de los sicarios más famosos del mundo, Darius Kincaid. Por una serie de desafortunadas circunstancias, Bryce ve cómo su lujoso estatus profesional se desvanece, lo que le llevará a tocar fondo cuando reciba el encargo de proteger a Kincaid, su enemigo mortal, quien ha intentado acabar con su vida en más de veinte ocasiones. Ambos deberán aguantarse durante 24 horas en un trepidante viaje que los llevará desde Londres a La Haya para que Kincaid testifique en un juicio en contra de un despiadado dictador de Europa Oriental (Gary Oldman, en serio), y en el que vivirán alocadas persecuciones, explosiones, huidas en barco y tiroteos a mansalva.

A pesar de lo anticuado de esta historia y su enfoque, lo que delata a El otro guardaespaldas como una película de 2017 es su cuidada factura técnica. Otra cosa no, pero el film al menos cumple en lo que debe cumplir, con secuencias de acción diestramente coreografiadas y filmadas con mucho pulso y gusto por el espectáculo más desmesurado. También se salva el trabajo de Reynolds, reinventado como uno de los actores de comedia más solventes del cine reciente y desbordante de ese tipo de carisma cercano que lo hace tan simpático para la audiencia. Su contrapunto, Jackson, se limita a hacer lo que se espera de él en una película de estas características, sin importarle demasiado hacer el ridículo. Una payasada de las suyas, un “motherfucker” cada dos palabras y Jackson se lleva su cheque más contento que unas pascuas.

elotroguardaespaldasposterY luego están los secundarios… Élodie Yung (Elektra en las series de Marvel/Netflix) hace de agente de la Interpol, pero por mucho que la dibujen como mujer de acción, no es más que la chica del héroe, un personaje que aparece casi exclusivamente para mover la trama romántica del film. Pero esa no es la exhibición de sexismo más flagrante de la película. Para eso está Salma Hayek, la mujer de Kincaid (cómo no, ella es casi 20 años más joven que él), un personaje sumamente vergonzoso que protagoniza un lamentable flashback que se recrea en las tetas y el culo de la actriz (desde el punto de vista de Jackson) mientras esta masacra sádicamente a sus acosadores (¿el feminismo según Hughes?), en un alarde exploit que tiene la gracia en el… bueno, ya sabéis dónde. Y por último, lo de Gary Oldman no tiene nombre. Bueno, sí: hay que pagar las facturas. Su villano, además de obsoleto y ofensivo, es el personaje más plano de la película, que ya es decir.

El último guardaespaldas planteaba una buena oportunidad para reírse de los lugares comunes del género, incluso para intentar reinventarlo y traerlo al siglo XXI, pero la desaprovecha por completo (no creo que la idea ni se les pasara por la cabeza en ningún momento). Además de no tener demasiada gracia y ser pesadísima (dos horas dura, y se nota), es tan rancia, tan arcaica que ni sus explosivas escenas de acción, ni el majete de Reynolds la redimen. Que alguien la devuelva a 1990, donde pertenece.

Pedro J. García

Nota: ★★

Crítica: Life (Vida)

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El ser humano siempre ha mirado hacia las estrellas, y el cine se ha encargado de reflejar esta obsesión por el cosmos una y otra vez. En los últimos años, con la carrera hacia Marte en la agenda de la NASA, Hollywood se ha volcado especialmente en la exploración del espacio y la búsqueda de vida en otros planetas desde diversos ángulos y géneros. InterstellarGravity, MarteLa llegadaPassengersFiguras ocultas… A esta corriente reciente de películas de temática espacial se suma Life (Vida), thriller de ciencia ficción dirigido por Daniel Espinosa (responsable de la inerte El niño 44) y protagonizado por Jake Gyllenhaal, Rebecca Ferguson y Ryan Reynolds.

Life transcurre íntegramente en la órbita terrestre, a bordo de una Estación Espacial Internacional habitada por seis tripulantes que están llevando a cabo una de las misiones más importantes de la historia, el análisis de la primera prueba de vida extraterrestre en Marte. El equipo comienza a conducir sus investigaciones con la muestra biológica, un organismo unicelular bautizado como Calvin, que responde a las pruebas evolucionando a un ritmo asombroso. Al principio, la fascinante estructura y el comportamiento instintivo de esta forma de vida despierta la admiración de los tripulantes, pero pronto demostrará ser mucho más inteligente de lo que esperaban, y en consecuencia, mucho más peligroso. Cuando Calvin se desarrolla y ataca a los tripulantes para subsistir en un ambiente hostil, lo que ha empezado como una histórica misión científica deviene en una pesadilla de la que los astronautas intentarán escapar, mientras hacen lo posible por que la letal criatura no llegue a la Tierra.

Efectivamente, Life es justo lo que parece, una fusión entre Alien Gravity. Espinosa la concibe desde el thriller y el terror, narrándola como si esta fuera por momentos un slasher en el que un monstruo asesino se encarga de dar muerte a sus víctimas, una a una y de las formas más variopintas y retorcidas. Pero también se trata de una aventura espacial de supervivencia, en la que la acción y la estrategia cobran una gran importancia. La película se apoya continuamente en el clásico de Ridley Scott y su tramo final transcurre de manera similar al de la cinta protagonizada por Sandra Bullock, por lo que la sensación de déjà vu es inevitable. Es decir, lo peor de Life es su absoluta falta de originalidad.

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Tampoco se puede decir que la película sobresalga en materia de guion. Aunque logra mantener el interés en todo momento, la historia se ve perjudicada por una gran cantidad de agujeros narrativos, situaciones inverosímiles y puntos cruciales de la trama dejados al azar y la coincidencia (el film no sabe salir de las encrucijadas que se presentan a cada momento sin echar mano del deus ex machina). Para tratarse de los científicos y especialistas más destacados del mundo, esta tripulación no siempre brilla por su inteligencia. Claro que ahí está parte de la gracia, en ver cómo la criatura desafía a los que creían tener la ventaja estratégica y los pone en situaciones límite. En lo que sí se esfuerza la película es en dotar a estos personajes de emociones y personalidades definidas, a través de diálogos que, si bien pueden pecar de tópicos y cursis, contribuyen a que estos sean algo más que carne de cebo para el monstruo.

En este sentido hay que elogiar la elección del elenco mezcla de nacionalidades, y en concreto la labor de los secundarios, Hiroyuki Sanada, Olga Dihovichnaya y Ariyon Bakare, por encima incluso de sus estrellas principales. Y es que sobre todo los dos protagonistas masculinos parecen moverse por inercia en todo momento. Gyllenhaal está como adormecido, ausente, y Reynolds sigue explotando la personalidad bromista que ha adoptado gracias a Deadpool, quizá demasiado, con su presencia reducida casi a la mera anécdota. Es Ferguson la que acaba llevando las riendas del film desde todos los frentes.

Jake Gyllenhaal;Rebecca Ferguson

Ahora bien, aunque todo esto suene mal, lo cierto es que Life está lejos de ser un desastre. Al contrario. Afortunadamente, sabe compensar sus carencias con grandes dosis de acción claustrofóbica y sobresaltos, proponiendo una atractiva experiencia inmersiva (podemos sentir la gravedad cero junto a los personajes), manejando la tensión con pulso ejemplar y exprimiendo bien su premisa para garantizar 100 minutos sin aburrimiento. La falta de originalidad y consistencia narrativa acaba pesando menos gracias a su sentido del ritmo y el suspense, así como a unos excelentes efectos visuales, sobre todo en lo que se refiere al entorno de la estación espacial y la anatomía de Calvin, un ser digital de diseño muy llamativo, tan elegante como amenazante. Es decir, Life no aporta nada al género espacial, pero como entretenimiento es más que eficiente, y como espectáculo da la talla con creces. Además, cuenta con uno de esos finales que dejan con la boca abierta y despiden la película por todo lo alto (en este caso no literalmente).

Pedro J. García

Nota: ★★★

Crítica: Deadpool

Deadpool

Vino, la lió, venció. Deadpool ha arrasado en taquilla, pulverizando récords en Estados Unidos a pesar de ser una película Rated-R (es decir, para mayores de 18 años). Esto quiere decir dos cosas: que una calificación PG-13 no es garantía de éxito o el Rated-R de fracaso en este tipo de cine (hola, Cuatro Fantásticos) y que eso de la “superhero fatigue” de momento es más una cosa de la que hablan (hablamos) los medios especializados que una realidad. El riesgo recompensa, y Deadpool ha ido a por todas, negándose a suavizar y homogeneizar su material de referencia, es más, haciéndolo incluso más salvaje de lo que es en las páginas del cómic. Basándose en uno de los personajes más irreverentes de Marvel Comics, la película, que se enmarca dentro del Universo X-Men de 20th Century Fox, proporciona a la vez una bofetada y (paradójicamente) una reverencia al cine de superhéroesDeadpool no es perfecta ni mucho menos, pero es la única adaptación posible de Masacre, la película de superhéroes que queríamos, y la que el género necesitaba ahora mismo.

Pero no nos engañemos. Deadpool no ha inventado nada. Marvel Studios ya había dado el primer paso en lo que se refiere a autoparodiarse y no tomarse tan en serio a sí mismos. Guardianes de la Galaxia y sobre todo Ant-Man allanaron el camino para que Deadpool fuera posible, y para que este fuera el momento idóneo para estrenarla. Lo que han hecho en Fox es seguir ese camino dando un paso (o dos, o tres) más allá. Deadpool es original y refrescante por lo que supone dentro del género en estos momentos (porque películas de superhéroes Rated-R ha habido varias –Blade, Watchmen, Kick-Ass-, solo que ya no parecían tener cabida en el panorama actual), pero en el fondo no es más que otra (más bien simple) historia de orígenes que sigue el manual sin saltarse ni un solo paso (adquisición de poderes, traje, sidekick, historia de amor, villano subdesarrollado…). Es más, se podría incluso decir que en algunos aspectos (principalmente narrativos) es una de las más tradicionales, incluso conservadoras, de los últimos años (al fin y al cabo, lo que tenemos es a otro ¿héroe? salvando a su damisela en peligro de las garras de un monstruo). La diferencia es que aquí, la historia de siempre viene aderezada con bien de sal y especias. Y sangre e hiper-violencia. Y un taco por cada tres palabras. Y desnudos (frontales masculinos y femeninos). Y una obsesión muy grande con los testículos. Y sexo como nunca antes lo habíamos visto en el género. Y bueno, autoconsciencia, guasa y desvergüenza para parar a Thanos. Pero sobre todo, lo más importante es que llega en el momento en el que se hacía urgente una película que sacara al cine de superhéroes de la rutina en la que se estaba acomodando.

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Deadpool es un triunfo gracias sobre todo a la complicidad tan grande que encuentra con la audiencia. Mediante la continua ruptura de la cuarta pared a lo Ferris Bueller (que por supuesto tiene su homenaje directo), el protagonista arroja al espectador una cantidad ingente de chistes, juegos de palabras, name-dropping, guiños autorreflexivos y referencias tanto a la cultura popular como a la industria de Hollywood. La verborrea ametralladora del personaje puede llegar a saturar por momentos (de la misma manera que la incesante violencia puede llegar a insensibilizar), pero sorprendentemente, Ryan Reynolds hace que el tono desquiciado y excesivo funcione en todo momento. Después de encadenar varios fracasos (el más sonado de ellos Green Lantern, que evidentemente aquí es objeto de mofa) y ganarse la fama de “actor maldito”, el canadiense ha dado por fin con el vehículo idóneo para ganarse el beneplácito de la audiencia y dar el salto a la A-List de Hollywood. Y es que Reynolds es un Wade W. Wilson perfecto, así de claro. Un protagonista rebosante de carisma (quién lo iba a decir) que domina la comedia igual de bien que la acción física, y se ha metido en la piel del personaje hasta el punto de convertirse en él (ya veremos si, como Robert Downey Jr., Reynolds se queda instalado definitivamente en su personalidad marveliana). Con él, el Mercenario Bocazas y su particular micro-universo satírico cobran vida de la manera más fiel posible, y es exactamente como imaginábamos que sería.

El ritmo acelerado, casi esquizofrénico, de Deadpool no da tregua al espectador, al que más le vale no pestañear o distraerse ni un segundo si no se quiere perder los chistes (muchos de ellos incomprensibles para el público que no esté familiarizado con el cómic y el cine de superhéroes). Esto hace que la película no aburra en ningún momento, desde los jocosos títulos de crédito hasta la genial escena post-créditos finales, pero también convierte su guion en un “todo vale” en el que es muy fácil colar situaciones cuestionables incluso si se abraza su naturaleza zafia y políticamente incorrecta (que es mi caso). Por ejemplo, el hecho de que Wade Wilson sea (supuestamente) pansexual, pero su orientación quede enmudecida en la película al reducirse a chistes verdes que podría hacer cualquier personaje hetero bromista (que un superhéroe gaste bromas sobre su sexualidad ya es algo, pero no hay huevos a llevar más allá eso también, a menos que sea durante la campaña promocional, claro); o que haya agudas pullas a la hipervigilancia que vivimos (Deadpool se pregunta si es más machista pegar a una mujer en una pelea o no hacerlo) y momentos de empoderamiento femenino que quedan invalidados por chistes rancios sobre estereotipos de género (la tontería de “engañar” a la novia para que vea una de superhéroes diciéndole que es una romántica ya no procede en 2016. ¿Cómo hay que decir que a las chicas también les gusta este tipo de cine? ¿Es que vamos a dejar que el humor tipo Jorge Cremades nos invada a estas alturas?). Pero bueno, esto es solo un pequeño reproche a una película que por lo general da en la diana, y que habría sido aun mejor si hubiera aprovechado esos momentos para cambiar las reglas del juego y ser verdaderamente revolucionaria en todo.

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Aunque técnicamente forme parte del universo mutante de Marvel, al que hace referencia constantemente (para dinamitarlo), Deadpool crea su propia parcela de ficción muy alejada del tono de las películas de X-Men, una realidad alternativa inmersa de lleno en la parodia y el disparate, y poblada por personajes que, tal y como están escritos, solo tendrían cabida aquí (Vanessa, Comadreja y Al son secundarios fantásticos con los que Wade funciona a las mil maravillas). Para mantener esa conexión con la Patrulla-X, la película se trae a Coloso (redibujado con mucha gracia como un gigante bonachón y caballeroso que, por cierto, hace que el gag de “language!” de Steve Rogers funcione mucho mejor con él) e introduce a la adolescente “con la edad del pavo” Negasonic Teenage Warhead, dos mutantes con los que Wilson tiene una química excelente y que además le permiten dar rienda suelta al afán meta de la película, no dejando títere con cabeza (da igual que sea de la familia): “¿Por qué parece que sois los dos únicos mutantes que hay en la Escuela? Es como si no hubiera presupuesto para otros X-Men”, o este genialísimo diálogo: Coloso: “Te llevaré a ver al Profesor Xavier” Deadpool: “¿McAvoy o Stewart? Es que las líneas temporales son confusas”. Son solo dos ejemplos de la insolencia con la que la película se ríe de todo, haciendo cómplice al espectador de la broma.

Deadpool no se ha encontrado con apenas restricciones de ningún tipo, y esta libertad creativa ha dado como resultado una película que se zambulle felizmente en el exceso (mira que puede llegar a ser bestia y cerda, para nuestro deleite) poniendo Marvel patas arriba. Desde sus espectacularmente sangrientas secuencias y coreografías de acción, a sus escenas más picantes (inolvidable el recorrido sexual por las fiestas más señaladas del año), pasando por su romanticismo corrosivo (que gran elección de casting Morena Baccarin) y su juego de saltos temporales, la película (se) divierte enormemente desmontando las normas del cine de superhéroes con toneladas de actitud, desparpajo y provocación. Pero a la hora de la verdad, Deadpool es como su protagonista. Si bien Wade Wilson no se considera como uno de sus contemporáneos enmascarados, son “cuatro o cinco momentos” decisivos los que lo convierten en un héroe (aunque él se empeñe en refutar esa teoría). De la misma manera, aunque Deadpool no parezca la típica cinta de superhéroes (su rostro también está desfigurado y su brújula moral averiada), son cuatro o cinco aspectos los que desvelan su verdadera naturaleza como tal. Lo que la diferencia de las demás películas de Marvel es una pequeña R mayúscula, que ha llevado su espíritu gamberro hasta las últimas consecuencias, ayudándole a inaugurar el 2016 comiquero por todo lo alto y de paso marcar un punto de inflexión en el cine de superhéroes actual.

Valoración: ★★★★

Crítica: La Dama de Oro

WOMAN IN GOLD

En la que es su segunda película, Simon Curtis se reafirma en su gusto por el cine biográfico. Su debut en la gran pantalla, tras una dilatada carrera en televisión, nos permitió pasar Una semana con Marilyn, y ahora, el realizador londinense se adentra en el drama histórico con La Dama de Orola historia real de Maria Altmann, mujer que luchó durante años para que Austria le devolviera el retrato de su tía, Adele Bloch-Bauer I (“La Mona Lisa austríaca”), robado por los nazis al estallar la Segunda Guerra Mundial.

Helen Mirren da vida a Altmann, ciudadana norteamericana desde su huida de Viena en los años 40. La ley de restitución del arte de 1998 empuja a Maria a iniciar la lucha por recuperar el famoso cuadro de Gustav Klimt, que colgaba en una de las estancias de su casa de Viena, donde su familia disfrutaba una boyante época de esplendor social y económico antes de que la guerra estallase. El cuadro, tasado en cientos de millones, posee un valor sentimental incalculable para la octogenaria, que desea recuperar la dignidad que los nazis han arrebatado a su familia y al pueblo judío, a pesar de que esto supone abrir una dolorosa herida, tanto para ella como para el país. Con la ayuda de un joven abogado, Randy Schoenberg (Ryan Reynolds), nieto del célebre compositor Arnold Shoenberg, Maria emprende un viaje de vuelta a Austria para enfrentarse al gobierno del país, que se niega a devolverle el cuadro, ahora conocido como “La Dama de Oro” (renombrado así para borrar cualquier vestigio de pertenencia a la familia de Altmann). Maria hace frente a su pasado en busca no solo de justicia para su familia y su pueblo, sino también de clausura antes de que sea demasiado tarde.

poster_definitivoLa Dama de Oro ofrece todo lo que cabe esperar de un biopic convencional, y concretamente de uno con el sello Weinstein. Llama la atención que Harvey W. no haya apostado por esta película para la carrera de los Oscar y la haya relegado a una de las temporadas más bajas del año, los meses después de la award season y la pre-temporada estival. Sin embargo, no es una decisión sorprendente a juzgar por el resultado: La Dama de Oro es básicamente una TV movie cara con estrellas (si que es que a Ryan Reynolds podemos llamarlo tal cosa), realizada siguiendo el manual académico del género. No posee esa cualidad estentórea y hollywoodiense de los biopics oscarizados del año pasado, The Imitation Game (la apuesta oficial de los Weinstein) y La teoría del todo, ni sus interpretaciones, por correctas que sean y por mucha Helen Mirren que haya (que está estupenda aunque huelgue decirlo), sobresalen especialmente. Pero tampoco puede reprochársele demasiado, más allá del exceso de sacarina de algunos pasajes.

La Dama de Oro es un melodrama que parece realizado en la época en la que se ambienta parcialmente (en los 90, no los 40). Lo más destacable -además de la música de Hans Zimmer y Martin Phipps– es la investigación judicial en la que se embarcan Altmann y Schoenberg (con la ayuda de un patriota austríaco interpretado por el siempre correcto Daniel Brühl), por encima de los flashbacks en Viena, en los que Tatiana Maslany convence como Helen Mirren de joven, y donde más salta a la vista la formación televisiva de Curtis. Por lo demás, La Dama de Oro cumple holgadamente con los poco exigentes requisitos del género, y sale airosa sobre todo gracias a la inesperada buena pareja que forman Mirren y Reynolds.

Valoración: ★★★

Crítica: Turbo

Turbo

Dreamworks lleva unos años elevando considerablemente el listón de su cine de animación. Kung Fu Panda, Cómo entrenar a tu dragón y El origen de los guardianes son muestras del buen camino que ha tomado el estudio. Pero no todas las películas que sacan al año se pueden medir por el mismo rasero. Están las súperproducciones y las de relleno para cubrir la demanda anual. Turbo pertenece a la segunda categoría. Por eso, Dreamworks se la encarga a David Soren, cuyos trabajos previos en la compañía pasan por aquella abominación que fue El espantatiburones y los cortos para televisión de Madagascar. Podemos hacernos una idea de la confianza depositada en el potencial de la película (Soren no tiene la culpa, su potencial tiene derecho a desarrollarse, claro).

Turbo es animación de manual para niños, un producto de usar y tirar, intercambiable con el 80% del cine de animación 3D que nos llega. La misma fórmula de siempre, el mismo guion-plantilla de siempre, el mismo mensaje de siempre. Una cantinela aspiracional que Turbo póster españolpor muy encomiable que sea, suena a palabras que se lleva el viento. “Persigue tu sueño, con esfuerzo y dedicación puedes ser cualquier cosa que te propongas”. Esa es la idea detrás de esta historia sobre un caracol que aspira a correr en las 500 millas de Indianápolis. E insisto, es una de las mejores lecciones que se puede dar a un niño. Walt Disney lo dijo y tenía razón, todo comenzó con un ratón, el cielo es el límite, hasta el infinito y más allá, y todo eso. Pero no debería ser tan difícil encontrar nuevas formas de impartirla. No debería costar tanto dejar de hacer la misma película una y otra vez.

Si fusionamos Ratatouille y Cars, le rebajamos las dosis de pasión y compromiso artístico, y le añadimos una pizca de Fast & Furious, obtenemos Turbo. En ella nos encontramos con un soñador empedernido que renuncia al yugo de su cuadriculada comunidad, demostrando que cada uno es dueño de su propio destino. Si Remy quería ser chef, Turbo (voz original de Ryan Reynolds) quiere ser piloto de carreras (él no conduce un coche, él es el coche). Y no es necesario entrar en detalle sobre cómo lo consigue (aunque la secuencia a lo F&F es impagable), pero se convierte en el caracol más veloz del mundo, una sensación gasterópoda patrocinada por un área de servicio que necesita clientes para recuperar sus días de gloria. ¿Os suena? Efectivamente, es un Radiador Springs de saldo, regentado por inapropiados estereotipos raciales (los hermanos mexicanos que venden tacos, la china que lleva un salón de manicura).

Puede que el público objetivo quede satisfecho con el festival de color de Turbo. Al fin y al cabo el niño no es demasiado exigente y la película tiene los suficientes atractivos visuales y cómicos como para contentarlo. Pero quiero pensar que hasta los más pequeños se percatarán de lo monótono y repetitivo que es todo en cuanto escuchen “We Are the Champions” o “Eye of the Tiger”. Efectivamente, no una, las dos suenan a lo largo de la película. Más transparente imposible.

Valoración: ★★

 

Crítica: R.I.P.D. – Departamento de policía mortal

RIPD Departamento de policía mortal

Robert Schwentke (realizador de la primera entrega de RED) y Neil H. Moritz (uno de los productores más prolíficos de Hollywood) capitanean hacia el naufragio R.I.P.D. Departamento de policía mortal, basada en el poco conocido cómic de Peter M. Lenkov Rest in Peace Department (Dark Horse Comics). R.I.P.D. es una comedia de acción que recuerda inevitablemente a Men in Black o Los cazafantasmas, y que aspira en vano a asemejarse al estilo de Douglas Adams (Guía del autopista galáctico) o Terry Pratchet (Mundodisco). Sin embargo, la ausencia de talento, y sobre todo de ganas, convierten a R.I.P.D. en una de las películas más ineptas y olvidables de lo que llevamos de año. Cualquier comparación es un insulto a sus referentes.

Ryan Reynolds y Jeff Bridges son respectivamente Nick Walker y Roy Pulsipher, una de esas parejas imposibles que son (o deberían ser) la esencia de toda buddy filmgénero del que últimamente vamos sobrados (Por la caraAsalto al poder, 2 Guns). Sin embargo, la química entre ambos es tan penosamente nula que se cargan cualquier posibilidad de que R.I.P.D. salga bien parada. Nick y Roy son agentes de un cuerpo especial de policía celestial, dos ex policías que mueren durante un servicio y son reclutados por una comisaría sobrenatural que los reubica en la tierra con nuevas identidades y RIPD cartel españolapariencias, para que patrullen la ciudad en busca de los “diñados” (demonios que se esconden en la Tierra disfrazados de humanos). La premisa de R.I.P.D., por poco original que suene, no carecía de potencial. Daba para realizar al menos un pasatiempo desenfadado con el que divertirnos durante la escasa hora y media que dura. Sin embargo, Schwentke se las arregla para provocar indiferencia y aburrir con una propuesta lastrada por el humor más fallido y la desgana más trágica.

La manida historia de R.I.P.D. transcurre a trompicones, a base de chistes predecibles y progresión formulaica. Reynolds confirma (una vez más) que nunca fue, y nunca será, una estrella de Hollywood. Para contrarrestar la indiferencia y el sopor que despierta el inexpresivo rostro de Reynolds, Jeff Bridges construye su personaje, un sheriff del antiguo Oeste, a base de excentricidad y mohínes. Sin embargo, ninguno de los dos es capaz de encontrar un punto de encuentro, y como resultado obtenemos un dúo estático, patético.

Pero este es solo uno de los muchos problemas de R.I.P.D. En general, la película de Schwentke se ha dado el batacazo artístico y comercial porque el espectador intuye la poca pasión con la que se ha acometido el proyecto. Una idea que se entregaba al surrealismo y la locura genera una de las comedias más mediocres e inertes que hemos visto en mucho tiempo. Lo que hacía falta en R.I.P.D. no era imaginación o buenos efectos digitales, sino algo de gracia. Y eso brilla por su ausencia. Con la excepción quizás de Mary-Louise Parker, cuya marciana presencia es lo único salvable de este desastre.