‘Adiós’: La consagración dramática de Mario Casas (aunque no quieran reconocérselo)

Para mucha gente Mario Casas siempre será el macizo de El barco o el chulo de 3 metros sobre el cielo. Y no les podemos culpar. Durante años, el actor de La Coruña se labró una imagen muy reconocible como galán de extrarradio e ídolo atormentado de adolescentes, un rebelde sin causa y conquistador con ínfulas de príncipe y espíritu de cani que disfrutó de un lugar especial reservado en las carpetas del instituto de media España. Y que, como suele ocurrir, también generó muchos detractores.

Pero desde hace un tiempo, Casas está intentando quitarse de encima su imagen de ídolo adolescente, aceptando papeles exigentes con los que demostrar una versatilidad que muchos no quieren ver. El actor ha brillado en comedia de la mano de Álex de la Iglesia en las películas Las brujas de Zugarramurdi, Mi gran nocheEl bar. Ha resultado ser un gran protagonista de thriller con Grupo 7 Contratiempo. Ha emulado a los grandes iconos románticos del cine en Palmeras en la nieveY ha asumido duros retos físicos con sus papeles en El fotógrafo de Mauthausen y la crudísima Bajo la piel del lobo, lo que le ha valido el sobrenombre de “el Christian Bale español”.

Pero ninguno de estos trabajos alcanzan el nivel de entrega de Adiós, drama de 2019 dirigido por Paco Cabezas (Carne de neón, Penny Dreadful), en el que Casas se deja la piel y el alma interpretando a un dolido padre que se embarca en un viaje de venganza para tomarse la justicia por su mano tras la muerte de su hija pequeña en un accidente de coche.

El film recibió tres nominaciones a los Goya en apartados interpretativos (mejor actriz revelación para Pilar Gómez y mejor actriz de reparto para Natalia de Molina y Mona Martínez), pero un año más, la Academia de Cine volvió a ningunear a Casas (nunca ha sido nominado), a pesar de haber realizado una de las mejores interpretaciones del año, y de su carrera. Está claro que le tienen tanta manía como gran parte de público que aun no se lo toma en serio como actor y se ha quedado en el chiste de que no se le entiende -que sí, es verdad en muchos de sus trabajos y en Adiós no ayuda que sea un gallego interpretando a un sevillano con acento impostado, pero también lleva tiempo trabajando en su dicción y mejorando para quitarse ese sambenito, por lo que es injusto reducir sus interpretaciones solo a eso. Sobre todo cuando hay tantas películas españolas sin Mario Casas en las que hay que poner los subtítulos para enterarse de todo.

Pero vamos a centrarnos en la película, porque Adiós no es solo Mario Casas. También es Natalia de Molina, una de nuestras mejores actrices, que interpreta con garra y pesar a la mujer del personaje de Casas. También es Ruth Díaz, fantástica en su papel de recta  y afligida agente de policía al cargo de la investigación. Carlos Bardem, su jefe, un hombre de dudosa moralidad. El humorista Salva Reina en un papel revelación como yonqui (injustamente tampoco nominado al Goya). Y sobre todo Mona Martínez, inconmensurable matriarca de las 3000 viviendas de Sevilla dispuesta a hacer lo que sea para proteger a su clan.

Paco Cabezas dirige con pulso y valentía un drama criminal que se adentra en los bajos fondos de la ciudad andaluza para construir un intenso entramado de muerte, narcotráfico y corrupción policial que nos muestra el lado más descorazonador del ser humano. Un thriller elegante pero sucio y oscuro que nos sumerge en un lugar sin ley y orden para hacernos partícipes del dolor de sus personajes y ese duro sentimiento de no tener nada que perder.

Magnética, absorbente y angustiosa, así es Adiós, una de las mejores películas de 2019. Cabezas domina el equilibrio entre drama introspectivo y acción con una trama que, exceptuando algún que otro cliché y giro predecible, atrapa de principio a fin y golpea fuerte en el estómago. Pero sobre todo, Adiós es la (nueva) prueba de que Mario Casas es mucho mejor actor de lo que la mayoría piensa y que, dejando a un lado los prejuicios, cualquiera te puede sorprender.

Nota: ★★★★

Pedro J. García

Adiós ya está a la venta en DVD y Blu-ray de la mano de Sony Pictures. El Blu-ray contiene los siguientes extras:

  • La historia
  • La película
  • Triana
  • Eli
  • Juan Santos
  • Santacana
  • Director
  • Sevilla
  • Producción
  • Secuencia

El bar: Descenso a los infiernos de Madrid

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No cabe duda de que Álex de la Iglesia es uno de los cineastas con más personalidad del panorama nacional. Con El día de la bestia y la que es su gran obra maestra, La comunidad, el director bilbaíno asentó las bases de su cine y se afirmó como una de las grandes esperanzas del fantástico en España. Aquellos días quedan ya lejos, pero no se puede negar el efecto que las primeras películas de Álex de la Iglesia ejercieron en el mercado autóctono (y parte del extranjero), más dispuesto a arriesgar y dar carta blanca a nuevos realizadores de fantaterror que han seguido sus pasos. Que directores como De la Iglesia o Nacho Vigalondo tengan libertad para seguir experimentando y llevando las ideas más demenciales a nuestras pantallas es ya motivo de celebración. Ahora bien, no lo es todo.

Trabajos más recientes de De la Iglesia como Balada triste de trompetaLas brujas de Zugarramurdi Mi gran noche, han permanecido fieles a su visión, pero se han quedado a medias en muchos sentidos, con una cosa muy evidente en común: potencial malgastado. Con su nuevo film, El Bar, el prolífico director sigue ese mismo camino, planteando una premisa genial y llena de posibilidades que nos divierte y nos ilusiona hasta que se va todo al traste y llega el inevitable bajón. Esta es ya la tónica (Schweppes) del director, por lo que es aconsejable hacerse a la idea y disfrutar de todo lo que la película tiene que ofrecer, que, a pesar de la decepción, es mucho.

El bar es un thriller coral en clave de comedia ambientado en el centro de Madrid. Como las últimas obras de Vigalondo (Open Windows) o Eugenio Mira (Grand Piano), la película parte de una idea sencilla para desarrollar un adictivo entramado de misterio que se apoya en los mecanismos narrativos del cine de Hitchcock y el whodunit clásico para luego dinamitarlo a base de acción, paranoia y giros sorprendentes. Son las 9 de la mañana, y un heterogéneo grupo de desconocidos desayunan en una cafetería de toda la vida, regentada por una señora de toda la vida (una de las musas de De la Iglesia, Terele Pávez) y su casi-hijo (Secun de la Rosa): entre otros, una pija que se desvía de su camino a una cita (Blanca Suárez), un hipster barbudo (Mario Casas), un ama de casa con afición por las tragaperras (Carmen Machi) y un vagabundo con los cables cruzados y tendencias proféticas (Jaime Ordóñez). Uno de los clientes se marcha a toda prisa, y al salir por la puerta, recibe un disparo en la cabeza y es tumbado frente al bar. A continuación, las calles se quedan desiertas, y los demás no se atreven a salir, temiendo lo peor. En las noticias hablan de un incendio en el centro de Madrid, pero ellos saben que solo es una tapadera para encubrir la verdad. A partir de ahí y sin moverse del local, todos harán lo posible por descubrirla y sobrevivir.

El bar plantea una situación límite para reflexionar sobre hasta dónde estamos dispuestos a llegar para salvar el pellejo. Un experimento que pone a prueba a un grupo de personajes de procedencias y personalidades muy diversas en un contexto de crisis económica, desinformación y forcejeo entre pasado y presente, en el que no hay enemigos claros, donde el monstruo al que se enfrentan es el miedo y la ignorancia. Ese es el mayor acierto de El bar, que durante sus ágil primera mitad propone un puzle que transcurre a base de diálogos ingeniosos, punzantes y a menudo hilarantes que nos hablan de los prejuicios y la desconfianza que condicionan a la sociedad actual, mientras que, a su vez, se desarrolla como un thriller fantástico en el que todo es posible. Un virus, una invasión extraterrestre, una epidemia zombie… Cualquier opción es tan loca como plausible en El bar, y lo que no sabemos es lo que da forma al misterio. Sin embargo, el whodunit no tarda en resolverse, y lo que sigue a continuación es una lucha de poder entre unos desconocidos convertidos en salvajes por las circunstancias. Asistir al derrumbe emocional de los personajes, a las revelaciones sobre sus personas, a su transformación en bestias, es lo que hace que El bar sea tan eficaz y divertida. Hasta que deja de serlo.

El mejor Álex de la Iglesia parece haber vuelto en la primera mitad de El bar, pero es solo un espejismo. El tercer acto hace que la película se le vaya completamente de las manos. Si la mayoría de sus films culminan en las alturas, el clímax de El bar tiene lugar en las profundidades, concretamente en las alcantarillas de Madrid, donde los supervivientes viven, literalmente, su descenso a los infiernos infestados de ratas y cucarachas. Una oportunidad de oro que De la Iglesia aprovecha para llevar un paso más allá el elogio a la asquerosidad, el feísmo y la mugre que suele caracterizar a su cine y que en esta película se convierte en una sinfonía de fluidos, primeros planos de bocas podridas disparando saliva, colillas y mierda flotante que parece vivirse en 3D y Odorama (para taparse los ojos como en el terror más traicionero). Pero a lo que iba, en este desenlace alargado hasta la extenuación, De la Iglesia favorece la acción por la acción (como de costumbre), con 20 minutos de persecución pesada y repetitiva que dejan algo muy claro: si hay una película que debería haber durado 80 minutos es esta.

No obstante, hasta que la acción se traslada a las alcantarillas, El bar nos da bastantes alegrías. Los que admiramos el cine de De la Iglesia nos encontramos en ella con todo aquello que nos gusta de él, tan excesivoanimal y lleno de mala leche como siempre: su pericia filmando las escenas de acción, una puesta en escena impecable (es un decir, que se regodee tanto en la suciedad no hace sino convertir la experiencia en algo más incómodo, violento y visceral, que es la idea), un manejo de la cámara y un montaje que transmiten a la perfección la tensión, la claustrofobia y la ansiedad de la historia (aunque también se usen para ejecutar una repugnante escena sexista de explotación desde todos los ángulos posibles del físico de Blanca Suárez), un reparto de excepción que pone de manifiesto la buena dirección de actores que siempre lleva a cabo (todos están fantásticos, en especial Pávez, De la Rosa y Machi). Y hasta que se atrofia, un ritmo muy solvente que invita a dejarse llevar y disfrutar.

El bar está lejos de ser un descalabro (su primera parte es brutal y en general supone una mejora considerable con respecto a Mi gran noche), pero no es la gran película que podría haber sido. Por culpa de un guion sin pulir (escrito como de costumbre junto a Jorge Guerricaechevarría) y la falta de autocontrol de De la Iglesia, esta supone otra oportunidad desaprovechada.

Pedro J. García

el-bar-blu-rayEl Bar ya está a la venta en España en formatos Blu-ray y DVD de la mano de Sony Pictures Home Entertainment.

La edición incluye los siguientes contenidos adicionales:

  • Tráiler

  • Fotos exclusivas del rodaje

  • Vídeo comentario del director Álex de la Iglesia y del guionista Jorge Guerricaechevarría

  • Guion de script de El bar

  • Cómo se hizo. Documental dividido en cuatro partes: El Vermut (Localizando El bar); Unas aceitunas (Personajes y director); Un café (Dentro de El Bar); Copa y puro: Making of.

Crítica: El bar

No cabe duda de que Álex de la Iglesia es uno de los cineastas con más personalidad del panorama nacional. Con El día de la bestia y la que es su gran obra maestra, La comunidad, el director bilbaíno asentó las bases de su cine y se afirmó como una de las grandes esperanzas del fantástico en España. Aquellos días quedan ya lejos, pero no se puede negar el efecto que las primeras películas de Álex de la Iglesia ejercieron en el mercado autóctono (y parte del extranjero), más dispuesto a arriesgar y dar carta blanca a nuevos realizadores de fantaterror que han seguido sus pasos. Que directores como De la Iglesia o Nacho Vigalondo tengan libertad para seguir experimentando y llevando las ideas más demenciales a nuestras pantallas es ya motivo de celebración. Ahora bien, no lo es todo.

Trabajos más recientes de De la Iglesia como Balada triste de trompetaLas brujas de Zugarramurdi Mi gran noche, han permanecido fieles a su visión, pero se han quedado a medias en muchos sentidos, con una cosa muy evidente en común: potencial malgastado. Con su nuevo film, El Bar, el prolífico director sigue ese mismo camino, planteando una premisa genial y llena de posibilidades que nos divierte y nos ilusiona hasta que se va todo al traste y llega el inevitable bajón. Esta es ya la tónica (Schweppes) del director, por lo que es aconsejable hacerse a la idea y disfrutar de todo lo que la película tiene que ofrecer, que, a pesar de la decepción, es mucho.

El bar es un thriller coral en clave de comedia ambientado en el centro de Madrid. Como las últimas obras de Vigalondo (Open Windows) o Eugenio Mira (Grand Piano), la película parte de una idea sencilla para desarrollar un adictivo entramado de misterio que se apoya en los mecanismos narrativos del cine de Hitchcock y el whodunit clásico para luego dinamitarlo a base de acción, paranoia y giros sorprendentes. Son las 9 de la mañana, y un heterogéneo grupo de desconocidos desayunan en una cafetería de toda la vida, regentada por una señora de toda la vida (una de las musas de De la Iglesia, Terele Pávez) y su casi-hijo (Secun de la Rosa): entre otros, una pija que se desvía de su camino a una cita (Blanca Suárez), un hipster barbudo (Mario Casas), un ama de casa con afición por las tragaperras (Carmen Machi) y un vagabundo con los cables cruzados y tendencias proféticas (Jaime Ordóñez). Uno de los clientes se marcha a toda prisa, y al salir por la puerta, recibe un disparo en la cabeza y es tumbado frente al bar. A continuación, las calles se quedan desiertas, y los demás no se atreven a salir, temiendo lo peor. En las noticias hablan de un incendio en el centro de Madrid, pero ellos saben que solo es una tapadera para encubrir la verdad. A partir de ahí y sin moverse del local, todos harán lo posible por descubrirla y sobrevivir.

El bar plantea una situación límite para reflexionar sobre hasta dónde estamos dispuestos a llegar para salvar el pellejo. Un experimento que pone a prueba a un grupo de personajes de procedencias y personalidades muy diversas en un contexto de crisis económica, desinformación y forcejeo entre pasado y presente, en el que no hay enemigos claros, donde el monstruo al que se enfrentan es el miedo y la ignorancia. Ese es el mayor acierto de El bar, que durante sus ágil primera mitad propone un puzle que transcurre a base de diálogos ingeniosos, punzantes y a menudo hilarantes que nos hablan de los prejuicios y la desconfianza que condicionan a la sociedad actual, mientras que, a su vez, se desarrolla como un thriller fantástico en el que todo es posible. Un virus, una invasión extraterrestre, una epidemia zombie… Cualquier opción es tan loca como plausible en El bar, y lo que no sabemos es lo que da forma al misterio. Sin embargo, el whodunit no tarda en resolverse, y lo que sigue a continuación es una lucha de poder entre unos desconocidos convertidos en salvajes por las circunstancias. Asistir al derrumbe emocional de los personajes, a las revelaciones sobre sus personas, a su transformación en bestias, es lo que hace que El bar sea tan eficaz y divertida. Hasta que deja de serlo.

El mejor Álex de la Iglesia parece haber vuelto en la primera mitad de El bar, pero es solo un espejismo. El tercer acto hace que la película se le vaya completamente de las manos. Si la mayoría de sus films culminan en las alturas, el clímax de El bar tiene lugar en las profundidades, concretamente en las alcantarillas de Madrid, donde los supervivientes viven, literalmente, su descenso a los infiernos infestados de ratas y cucarachas. Una oportunidad de oro que De la Iglesia aprovecha para llevar un paso más allá el elogio a la asquerosidad, el feísmo y la mugre que suele caracterizar a su cine y que en esta película se convierte en una sinfonía de fluidos, primeros planos de bocas podridas disparando saliva, colillas y mierda flotante que parece vivirse en 3D y Odorama (para taparse los ojos como en el terror más traicionero). Pero a lo que iba, en este desenlace alargado hasta la extenuación, De la Iglesia favorece la acción por la acción (como de costumbre), con 20 minutos de persecución pesada y repetitiva que dejan algo muy claro: si hay una película que debería haber durado 80 minutos es esta.

No obstante, hasta que la acción se traslada a las alcantarillas, El bar nos da bastantes alegrías. Los que admiramos el cine de De la Iglesia nos encontramos en ella con todo aquello que nos gusta de él, tan excesivoanimal y lleno de mala leche como siempre: su pericia filmando las escenas de acción, una puesta en escena impecable (es un decir, que se regodee tanto en la suciedad no hace sino convertir la experiencia en algo más incómodo, violento y visceral, que es la idea), un manejo de la cámara y un montaje que transmiten a la perfección la tensión, la claustrofobia y la ansiedad de la historia (aunque también se usen para ejecutar una repugnante escena sexista de explotación desde todos los ángulos posibles del físico de Blanca Suárez), un reparto de excepción que pone de manifiesto la buena dirección de actores que siempre lleva a cabo (todos están fantásticos, en especial Pávez, De la Rosa y Machi). Y hasta que se atrofia, un ritmo muy solvente que invita a dejarse llevar y disfrutar.

El bar está lejos de ser un descalabro (su primera parte es brutal y en general supone una mejora considerable con respecto a Mi gran noche), pero no es la gran película que podría haber sido. Por culpa de un guion sin pulir (escrito como de costumbre junto a Jorge Guerricaechevarría) y la falta de autocontrol de De la Iglesia, esta supone otra oportunidad desaprovechada.

Pedro J. García

Nota: ★★★

Crítica: Toro

Toro Mario Casas

Con la ambiciosa Eva, el barcelonés Kike Maíllo se postuló en 2011 como uno de los directores noveles más prometedores del panorama español, y concretamente del cine de género. Olvidemos su segunda película (él seguro que lo intenta todos los días, yo ni sabía de su existencia), Tú y yo, protagonizada por David Bisbal, y centrémonos en su nuevo trabajo, Toro, que llega a los cines rodeado de expectación. Con un reparto de excepción, formado por uno de los actores más prominentes del actual star system español, Mario Casas, la fantástica Ingrid García-Jonsson y pesos pesados como Luis Tosar y el renacido José SacristánToro es un thriller de acción que transcurre durante 48 horas al límite y nos lleva en un recorrido repleto de peligro y violencia por la Andalucía más corrupta y salvaje.

Toro (Casas) lleva en la cárcel cinco años, después dar un golpe en un restaurante con sus hermanos, un último trabajo para el capo de la mafia marbellí Romano (Sacristán). Tras conseguir el tercer grado, el joven se gana la vida honradamente conduciendo un taxi y rehace su vida con una profesora (García-Jonsson). Sin embargo, el reencuentro de Toro con su hermano, López, le llevará de nuevo por el camino de la sangre, arriesgando la vida de los suyos y su libertad en un viaje junto a López y su hija para huir de los matones que los persiguen. La odisea de Toro abrirá viejas heridas del pasado y obligará a los hermanos a reconciliarse con él para sobrevivir a la amenaza de Romano, que tiene ojos allá donde van, para culminar en un encarnizado enfrentamiento cuando parece que todo está perdido.

Los referentes de Maíllo a la hora de construir la historia y definir el estilo de Toro saltan a la vista. Por un lado, el catalán se fija en el thriller de acción coreano, representado principalmente por Park Chan-wook, de cuyas películas más populares, Oldboy o las dos Sympathy, se pueden oír claros ecos en la película. Y es que, aunque no es el tema principal, Toro orbita el subgénero del cine de venganza, dejando entrever también cierta inspiración en Tarantino (donde todo converge). Por otro lado, el film tiene trazas de actioner contemporáneo, de ese tipo de cine de acción heredero de las películas protagonizadas por Bruce Willis y otros héroes “testosterónicos” de los 90, y que en los últimos años ha atravesado un proceso de sofisticación que ha dado lugar a películas como la que nos ocupa. En Toro tenemos todo lo que hace falta para edificar un buen thriller de acción de manual: un héroe imperfecto y humano, una mujer en peligro por su culpa, un villano megalómano y exagerado, una niña a la que hay que proteger, una trama con dinero robado… Pero todo pasado por el filtro del sigo XXI, que por lo visto hoy en día tiene que ser obligatoriamente un filtro de neón.

Toro-646624330-largeNo es que Nicolas Winding-Refn haya inventado nada, pero su Drive puso de moda una estética muy concreta que estamos viendo reproducida en muchas cintas de acción. Un neo-noir caracterizado por el colorismo fluorescente, el minimalismo narrativo, los personajes crípticos y la hiperviolencia estilizada. Al ver Toro queda patente que Maíllo ha visto Drive muchas veces, y que quería hacer algo parecido, pero en versión patria (el teaser póster es toda una declaración de intenciones). Por eso, para hallar su estilo propio arraigado en lo autóctono, el director adereza la película con elementos cañís, como la obsesión por las marchas de Semana Santa de Romano, la banda sonora de Joe Crepúsculo, la (preciosa) voz flamenca de Soleá Morente o el imaginario católico, tan característico sobre todo de la Andalucía profunda y mítica que pretende retratar. Sin embargo, el resultado no es más que un pastiche sin sentido, un corta-pega que acaba resultando en la ausencia de estilo, precisamente por su empeño en reproducir el de los demás.

En el apartado interpretativo, Toro sale más airosa. Casas ya ha probado con creces que puede ser un buen leading man, y que cuando quiere demostrarlo, tiene talento. Claro que suele hacerlo más en comedia, y aquí se le requiere mantenerse sobrio, monótono, callado (“Yo es que hablo poco”, se autodescribe en el film), como el Driver de Ryan Gosling. Aun así, a pesar de su inexpresividad chulesca y esos morritos perennes, Casas no compone un mal personaje precisamente. Pero quien más destaca, como de costumbre, es Tosar, que sale mejor parado que Sacristán, cada vez más acartonado, y últimamente actuando igual de plano en todo. Es cierto que tanto ellos como el director tienen buenas intenciones, y se nota. Toro está hecha con cariño y convicción, creyendo en lo que se está haciendo, y sacando provecho de los medios para hacer algo muy vistoso (aunque peque de fantasma y gestione muy mal algunos recursos estilísticos, como la cámara lenta). Pero una buena factura no es suficiente. Hace falta una historia con menos agujeros, más definida y menos superficial, una que no se deje sepultar por los clichés que maneja y los referentes a los que emula.

Nota: ★★½

Crítica: Mi gran noche

Blanca, Santiago y sus ayudantes

La idea era cojonuda. Una comedia negra que transcurre a lo largo de una sola noche durante la grabación de un especial de Nochevieja para televisión en pleno agosto, mientras el mundo exterior se viene abajo por los disturbios provocados ante los inminentes despidos de la cadena en plena crisis. Esa es a grandes rasgos la premisa de lo nuevo de nuestro enfant ya no tan terrible Álex de la IglesiaMi gran nochecon la que el director traza un puente directo hacia su película de 1999 Muertos de risa. Insisto, la idea era magnífica. El resultado, no tanto.

Mi gran noche es una oda pasada de rosca a la vertiente más casposa de la televisión española, los programas especiales made in José Luis Moreno, un género en sí mismo que simboliza mejor que ningún otro la decadencia y el embuste de nuestra querida caja tonta. De la Iglesia nos prepara un desquiciado recorrido entre bambalinas para conocer los entresijos de una producción de estas características, cargando escopetas ideológicas y desmitificadoras (aunque en este caso no haya mucho mito que desmontar) como si fuera Aaron Sorkin o Tina Fey, pero para acabar disparándolas de verdad y armar la de Dios, como bien mandan los cánones de su cine. La crítica al absurdo y la manipulación tras los focos no está de más, pero aquí hemos venido a ver cómo se va todo a tomar por culo.

Cuando Jose (Pepón Nieto) se adentra en el pabellón industrial donde se graba el programa para sustituir a un figurante que acaba de ser aplastado por una grúa de grabación, no tiene ni idea de lo que le espera ahí dentro. Cientos de personas llevan encerradas allí una semana y media fingiendo celebrar el fin de año con copas de champán de atrezo, obligados a sonreír y aplaudir sin descanso. La desesperación aumenta, la locura se desata, es como estar celebrando el Día de la Marmota una y otra vez metidos en el Metropol de Demons, pero sin marmotas ni zombies (exceptuando a Raphael, claro, pero vayamos por partes), que es lo único que falta. Claro que con la fauna que puebla el film, tampoco se echan de menos.

De una pareja de presentadores a lo Ramón García y Anne Igartiburu en plena guerra de los Rose (Hugo Silva y Carolina Bang) a un cantante de electro latino falto de neuronas llamado Adanne (Mario Casas parodiando a Bisbal) al que una pilingui engaña y fela para llevarse su semen con idea de extorsionarlo, pasando por un desquiciado fan fatal que planea asesinar a su ídolo en falso directo al más puro estilo Mark David Chapman (Jaime Ordóñez) o una figurante gafe (Blanca Suárez) azote (despampanante) de sus compañeros de fatigas festejos (Ana Polvorosa, Luis Fernández, Antonio Velázquez), que rehúyen de ella como de la peste, por miedo a acabar también debajo de la grúa.

Mi gran nochePero sin duda, el mayor reclamo de Mi gran noche (con permiso de la gran Terele Pávez) es ver al cantante Raphael autoparodiándose como Alphonso, proyección aumentada (o no, que a mí me han contado realidades de primera mano que superan con creces a la ficción) de la personalidad pública del artista, que con la edad se ha labrado una importante reputación como persona excéntrica, exigente y tirana. Lo cierto es que ver a Raphael riéndose de sí mismo de aquella manera tan excesiva y esperpéntica es una de las mejores bazas de Mi gran noche, pero como ocurre con todas las demás, la idea no alcanza su verdadero potencial (a pesar del buen hacer de Carlos Areces dándole la réplica). Que Raphael se preste a esto es genial, pero ni es actor ni es gracioso, por lo que al final la broma se queda solo en eso, en un gag imposible de estirar para convertir en una película. De la Iglesia y su co-guionista Jorge Guerricaechevarría manejan una cantidad ingente de hallazgos y ocurrencias, brillan ocasionalmente con un par de golpes contundentes de comedia corrosiva, pero en última instancia no son capaces de dar forma a la historia ni de llevarla a buen puerto (De la Iglesia no sabe cómo terminar la película, algo que le lleva ocurriendo ya bastante tiempo).

Lo que tenemos aquí es a un Álex de la Iglesia moviéndose por inercia. El bilbaíno dirige con la solvencia y el brío que lo caracteriza (las secuencias musicales y de acción son excelentes, claro), pero narra con el piloto automático, dando justo lo que se espera de él, cuando lo que hace falta ya es un poco más que eso (que eres el director de La comunidad, por el amor de Carmen Maura). Mi gran noche era una oportunidad perfecta para hacer la gran comedia española (españolísima) del año (antes de que cierta secuela venga para reclamar este título probablemente sin merecerlo), pero ha sido malgastada en un film con dos o tres puntazos que pasará sin pena ni gloria.

Valoración: ★★½

Crítica: Ismael

Mario Casas Ismael

Crítica escrita por David Lastra

¡Terror! ¡Pavor! Por si tuviésemos poco con el atracón de turrones y mazapanes, tenemos que aguantar la plaga de películas sentimentaloides que copan la cartelera estos días. El mismísimo día de Navidad nos ataca una cinta de esas. Una de esas que nos narra las peripecias de un pequeñuelo que busca a su padre ausente… y lo encuentra, claro, porque el que busca encuentra… pero también en el camino conoce a su superabuela y al final, al más puro estilo Hayley Mills arrejunta a los padres… ¡EH, PARA EL CARRO! Nada de eso es Ismael, Bueno, tiene el componente Marco, pero no cae en ningún momento en la temida sobredosis de lloros y azúcar que suelen manifestar estos filmes.

Gracias a una buena colección de títulos, el realizador argentino Marcelo Piñeyro se ha hecho con un lugar cuanto menos privilegiado dentro del ¿malogrado? cine español. Su Plata quemada le colocó en el mapa internacional y golosinas envenenadas como El método le hicieron conocido para el gran público. Piñeyro es un camaleón fílmico, sintiéndose cómodo tanto en el drama (dramón) familiar (político) en Kamchatka, como en las cintas policíacas del comienzo de su carrera, Caballos salvajes o la citada Plata quemada, así como la comedia con Las viudas de los jueves. En esta su primera película en cinco años, Piñeyro ha decidido volver al drama relatándonos la susodicha búsqueda de Ismael, un niño de 8 años que decide montarse en un AVE de Madrid a Barcelona para conocer a su padre biológico. Esta ilusión en la búsqueda contrasta con la indignación de la madre y la sorpresa del fantasma paterno. Este choque entre la visión infantil conciliadora  y despreocupada ante los problemas del mundo adulto es uno de los trances en los que Piñeyro demuestra mejor su buen hacer. Si en Kamchatka los infantes se preocupaban más por la dinámica de un juego de estrategia que por las purgas que la dictadura estaba llevando a cabo y sabían disfrutar de esa calma, en Ismael tenemos la inocencia y entereza (que no laciedad y pasividad) del chico que da título al film, encarnado a la perfección por el debutante Larsson do Amaral, y la pureza de su búsqueda. Sapere aude, como la expresión latina que reza su chapa, nada más.

Belén Rueda Ismael

Pero antes de conocer a su padre, le llega el turno a su abuela. Una correcta Belén Rueda, a la que no se le caen los anillos al aparecer catalogada como abuela en la gran pantalla. Eso sí, no esperéis ver a Belén caracterizada como un vejestorio. Su Nora es el arquetipo de la mujer moderna. Empresaria, dura, muy atractiva y de vuelta de todo. Un personaje muy agradecido que la actriz de Mar adentro sabe llevar muy  bien, aunque en más de una escena caiga en la reproducción mimética de una de las mujeres favoritas de este blog: Jessica Lange. Es cuanto menos gracioso ver cómo Belén fuma, fusila con su mirada, camina y supura desdén por todos los costados. La química entre Nora e Ismael es otro de los grandes aciertos de la película (y van…, y quedan…).

La gran parada de este viaje es el padre, encarnado por Mario Casas. Respeto, hermanos y hermanas. Casas está llamado a ser el actor español por excelencia para las próximas décadas. Este señor es un animal actoral en potencia, que bajo una buena dirección puede dar mucho de sí. No obstante, ya hemos podido disfrutar de más que notables interpretaciones en películas como Grupo 7 de Alberto Rodríguez, Las brujas de Zugarramurdi de Álex de la Iglesia, La mula de Michael Radford y, por qué no decirlo, Mentiras y gordas de Albacete y Menkes. Dejando aparte esta defensa, centrémonos en su labor en Ismael. Félix es el padre ausente. Un niño grande que se vio con un vástago y no vio otra solución que soltar una bomba de humo y salir por patas (no se admiten chistes sobre la cojera del personaje). ¿Culpable? Un rato largo. ¿Humano? Una jartá. Casi diez años después, Félix es un profesor guayón de jóvenes con problemas… pero lejos de ser un santo, Félix tiene una doble cara: la del solitario, la de la venganza y la envidia, la del pene antes del corazón. Esa dualidad y el consiguiente desencanto ante los actos de Félix dota a Ismael (película) de una sorprendente amargura. Aquí no hay “Let’s Get Together posible, aquí hay refrotes y culpa por doquier. Casas puede (y debería dar) bastante guerra en el apartado a mejor interpretación masculina en los próximos Goya.

MARIO CASAS BELÉN RUEDA ISMAEL

La válvula de escape cómica viene de la mano de un Sergi López que con el piloto automático o no, siempre sabe cómo hacer que sus personajes funcionen a la perfección. En esta ocasión, su bonachón Jordi, creador de un one-hit-wonder y propietario de un hotelito, es el contrapeso a la estresante existencia de Nora, creando ambos una pareja cómica de lo más simpática.  Igualmente correctos están Ella Kweku (espectacular su rabia y desesperación en la escena de la playa con Ismael) y Juan Diego Botto, como su pareja y padre oficial del pequeño.

Ismael acierta de lleno en la acotación dramática de los personajes, así como en la representación de conflictos familiares. El trabajo sobre las emociones, tanto por parte del realizador como de los intérpretes, es clave para que este largometraje no se acerque lo más mínimo al campo de los telefilms de sobremesa (en el sentido casposo y despectivo del término), dotándole de una humanidad realista tremendamente conmovedora.

Valoración: ★★★½

Crítica: Las brujas de Zugarramurdi

Hugo Silva Mario Casas Las brujas de Zugarramurdi

Después de confraternizar con el Diablo en El día de la bestia, Álex de la Iglesia perdió el contacto con él. Lo recupera (bueno, más bien a algunas miembras de su familia) para Las brujas de Zugarramurdi, la nueva chifladura de uno de los directores más personales e intransferibles de nuestro cine. De nuevo junto a sus musas Carmen Maura (con la que hizo la que sigue siendo la mejor película de su filmografía, La comunidad), Terele Pávez y Carolina Bang, De la Iglesia nos propone un viaje alucinante a la España profunda salpicado de vísceras, fluidos corporales y mucha mala leche. Las brujas de Zugarramurdi es una comedia de terror infecta y excesiva, como debe ser.

Acompañamos a Hugo Silva y Mario Casas, dos ladrones de poca monta, desde el mismísimo corazón de Madrid, la Puerta del Sol -con su laísmo, sus Bob Esponjas y Mickey Mouses falsos y sus “compro oro” a cada dos pasos- hasta el pueblo de Zugarramurdi, donde viven las brujas. Un recorrido que documenta las miserias de nuestra absurda y precaria realidad, y que nos conduce a una España estancada en el VHS y Jose Luis Moreno, un destino final donde todo está podrido, lleno de telarañas y manchas secas de heces, un agujero negro de progreso en el que solo una criatura es capaz de prosperar: la mujer. Porque “la mujer fue hecha a imagen y semejanza de Dios”, y el trío lalalá formado por Maura, Pávez y Bang son las brujas que se comen todo y a todos con tal de recuperar el lugar que les pertenece en el mundo.

Las brujas de Zugarramurdi Carmen Maura

Las brujas de Zugarramurdi está dividida en tres secciones algo irregulares entre sí. De la primera parte destaca el excelente dúo cómico formado por Silva y Casas (del que sobresale Casas), responsables de los mejores diálogos de la cinta (problemas de vocalización aparte). El arranque de la película es toda una declaración de intenciones (un Jesucristo plateado y un soldado de juguete atracando una casa de empeños). A partir de ahí, los acontecimientos se suceden sin pausa hasta que nos adentramos en la mansión de las brujas y asumimos que todo es posible. La comedia de De la Iglesia es dinámica, explosiva, y nos depara los mejores Las brujas de Zugarramurdi cartelmomentos cuando Maura aparece para reclamar su trono. Pávez está sensacional, como siempre (Marutxi, te quiero, adóptame). Bang está todo lo explosiva que no fue capaz de estar en Balada triste de trompeta. Pero Maura es mucha Maura. Solo con ver a esta matriarca adoradora de la Venus de Willendorf caminando por el techo, dándonos un sublime monólogo de la súper-vagina o imitando el grito de guerra de Xena la princesa guerrera merece la pena la experiencia.

Por desgracia, Las brujas de Zugarramurdi no logra aguantar el tipo hasta el final. A pesar del apoteósico (y asquerosísimo) clímax, un aquelarre/botellón medieval en el que salta a la vista el desorbitado presupuesto y donde se nota la afición del director por cosas como Los Goonies o Jurassic Park (impresionantemente bueno el CGI de la Venus), De la Iglesia acaba perdiendo el norte del relato y no tiene ni idea de cómo cerrarlo. Pero bueno, se lo permitimos porque hacía tiempo que no nos divertía tanto, que no nos contaba una historia con la demencia y el gusto de antaño por la guarrería y la costra. Las brujas de Zugarramurdi nos devuelve al De la Iglesia que más nos gusta, y además llega en el momento más adecuado, cuando nuestra increíblemente surrealista y arcaica realidad pide a gritos un gran aquelarre que acabe con todo y con todos e instaure un nuevo régimen: el de Carmen Maura.