Crítica: Nerve (Un juego sin reglas)

Seguimos buscando la próxima gran saga young adult después del final de Los Juegos del Hambre, el batacazo de Divergente y los mil y un intentos frustrados de iniciar nueva franquicia en los últimos años (Cazadores de SombrasLa Quinta Ola, The Giver, The Host y un largo etcétera). Para la siguiente apuesta, eOne Films (que curiosamente está detrás de muchas de estas películas) cambia de tercio y abandona los universos distópicos abiertamente fantásticos para regresar al mundo real con Nerve (Un juego sin reglas). Pero lo de “mundo real” no hay que tomarlo al pie de la letra, porque la película, protagonizada por Emma Roberts y Dave Franco, se puede considerar igualmente una historia arraigada en la ciencia ficción, solo que es una ciencia ficción digamos más realista, ambientada en nuestra preciosa era de la hiperconectividad y la deriva adolescente (rollo Black Mirror teen), donde la distopía se desarrolla online.

Nerve se basa muy libremente en el libro homónimo de Jeanne Ryan y cuenta la historia de Vee (Roberts), una chica tímida y prudente que sus amigos consideran un muermo por no atreverse a soltarse y declararse al chico que le gusta. Para demostrarles que puede salir de su caparazón, Vee decide concursar en Nerve, un juego anónimo de retos que se retransmite online, y “es como una partida de ‘beso, atrevimiento o verdad’, pero con énfasis en el atrevimiento”. Para participar en él, uno debe escoger entre ser “observador” o “jugador”. Los primeros son espectadores de los segundos, que aceptan retos, se graban en todo momento realizándolos y ganan dinero de una fuente anónima a medida que los superan y van ganando más observadores. Nada más entrar en Nerve, el juego empareja a Vee con Ian (Franco), supuestamente su chico ideal. Ambos empiezan a superar retos juntos y se convierten en la “power couple” del juego, pero los desafíos son cada vez más arriesgados e Ian esconde un secreto que está directamente relacionado con el funcionamiento del juego y la misteriosa organización que hay detrás.

El planteamiento de Nerve no es nada del otro mundo, de hecho es bastante tonto, pero a la vez absolutamente infalible de base, ya que apela directamente y con mucho éxito a ese conformista deseoso de hacer el loco sin importar las consecuencias que casi todos, adolescentes y adultos, llevamos dentro. Convertidos en observadores de Vee, Ian y los demás concursantes de Nerve (Roberts y Franco son muy agradables a la vista, pero aquí la revelación es Emily Meade), aceptamos las condiciones del juego y a partir de ahí es fácil dejarse llevar por la corriente, no importa lo implausible que sea todo (que puestos a pensarlo, no lo es tanto). Porque ante todo, Nerve es un film simple y desenfadado que engancha de principio a fin, que divierte cosa mala, y que maneja con sorprendente eficiencia el suspense y la adrenalina, lo que compensa con creces los defectos y agujeros de un guion al que en este caso tampoco le podemos pedir mucho más. Henry Joost y Ariel Shulman, los directores de la cinta, utilizan con atino la experiencia universal del adolescente -y en muchos casos el adulto- del siglo XXI para hablar de tú a tú a su audiencia y dar forma a la aventura (el narcisismo 2.0, la presión de los amigos, la nuevas formas comunicación y socialización, el voyeurismo de las redes sociales, la fama efímera de Internet, la importancia de la validación de los desconocidos, el camino autodestructivo al que puede llevar todo eso), pero lo diluyen correctamente en un llamativo cóctel de thriller, romance de cuento de hadas moderno y acción.

Además, Nerve viene presentada en un envoltorio muy atractivo visualmente y con una banda sonora perfectamente seleccionada (como no podía ser de otra forma) que recoge el espíritu pasajero de las tendencias actuales. La película se apunta a la moda cinematográfica del neón (DriveThe GuestLost River) y la lleva al terreno young adult para darle la capa de lustre que necesitaba. ¿Original? No demasiado. ¿Irresistible? Un rato. Pero lo mejor de Nerve, lo que acaba reforzando su propuesta, es que la mayor parte del tiempo evita las lecciones manidas sobre la dependencia de los aparatos móviles del adolescente o los peligros de Internet. La razón para huir del tono sermoneador y condescendiente es evidentemente no alienar a su público objetivo a base de moralina, pero haciendo esto acaba beneficiando a la historia, que invita a desconectar (pun intended) y disfrutar sin pensar demasiado. Aunque se construye como una entrega independiente y cierra su historia (algo precipitadamente) en caso de no continuar, la película está claramente hecha para continuar. Si mantiene el mismo tono y estilo, y consigue no convertirse en la enésima saga clónica de adolescentes contra el régimen autoritario de turno, adelante, yo renuevo mi suscripción como observador para la próxima ronda del juego sin pensármelo dos veces.

Pedro J. García

Nota: ★★★½

Por qué ‘Jem and the Holograms’ merece ser película de culto

Jem & The Holograms

La burbuja de la nostalgia está a punto de explotar. De acuerdo, en los últimos años hemos tenido sorpresas como It Follows o The Guest, que han sabido jugar bien la carta del homenaje al pasado, o hemos regresado entusiasmados a los universos de Mad Max Star Wars, que se han saldado con éxitos de crítica y público. Pero esta no es la tónica general. Por el contrario, el público empieza a cansarse de que la industria del cine recurra tanto al pasado (en muchos casos, reciente) para dar forma a su futuro. Y en este sentido, la década de los 80 es protegida con especial recelo por la generación de treintañeros que se niegan a ver cómo sus series y películas favoritas pasan por el quirófano para dar lugar al enésimo reboot en Hollywood.

Jem and the Holograms fue una serie de dibujos animados creada a mediados de los 80 para vender una nueva línea de muñecas de Hasbro. La serie tuvo un gran éxito al principio, pero duró tan solo tres años en antena. Con su combinación de glam rock, moda juvenil, romance y aventuras, Jem se convirtió en un icono para una generación, pero el paso del tiempo hizo que quedara relegada a un pie de página en la historia de la cultura popular. Hasta que hace un par de años, Jon M. Chu (director de clásicos modernos como Step Up 3D, G.I. JoeLa venganza y dos documentales sobre Justin Bieber) anunció que estaba preparando junto a Jason Blum (fundador de la exitosa productora de terror Blumhouse Productions) un remake en acción real de la serie. Entonces los fans de Jem salieron de debajo de las piedras para demostrar su desconfianza ante la película.

Jem and the Holograms era un proyecto muy personal para Chu, uno en el que llevaba trabajando casi diez años. Y había dos maneras de sacarlo adelante: respetar el material original y hacer un homenaje 100% ochentero que solo apelase a los fans nostálgicos o intentar llevar la “leyenda” de Jem al presente y buscar a un público nuevo. Como es lógico, Chu y Blum optaron por lo segundo. Y así, la nueva Jem y los Hologramas se planteaba como una reinvención, una especie de origin story al estilo de las películas de superhéroes (según el propio Chu), confeccionada para atraer a las nuevas generaciones. Cuando se empezó a desvelar el aspecto de sus protagonistas y surgieron datos de la historia, se pensó que, a pesar de claros guiños en la estética, la nueva Jem and the Holograms poco tenía que ver con la Jem de los 80 (prácticamente lo único que parecía conservarse de la original eran los nombres y un par de detalles, como los pendientes de estrella), lo que hizo que los fans de Jem montaran en cólera. Indignación, pataleta, insultos al director, amenazas de muerte por mail…

Y entonces llegó la película. Y nadie la vio. Casi literalmente. El estreno de Jem and the Holograms en Estados Unidos se convirtió en el menos taquillero de una película distribuida por un gran estudio en más de 2.000 salas. En su primer fin de semana apenas superó un millón de dólares de recaudación, y fue retirada de la cartelera a la siguiente, con un desastroso total recaudado de dos millones. Esto no iba a suponer la ruina para Universal o Blumhouse, ya que costó tan solo cinco millones de dólares (ni Universal se gastó mucho en la campaña de marketing, ni Blumhouse iba a notar el fracaso en su cartera después de tantos exitazos de bajo presupuesto), pero aun así, el batacazo fue épico.

Jem y los Hologramas cartel¿Se merecía Jem and the Holograms esta suerte? Si preguntáis a cualquier fan de la serie original os dirá que sí, aunque no haya visto la película. Si me preguntáis a mí, que recuerdo con cariño los dibujos pero no considero un sacrilegio que se haya hecho un remake ni que se haya cambiado la original (me sorprende tanto esta vena protectora tan apasionada… ni que Jem fuera Blade Runner), os diré que no. Jem and the Holograms es una película muy tonta, pero también muy inofensiva en el mejor de los sentidos y sobre todo, simpática y bienintencionada. Además, si lo pensamos bien, Chu ha hecho lo posible por conservar el espíritu original de la serie, a pesar de las (necesarias) modificaciones que ha experimentado (hacer un calco habría sido más arriesgado e innecesario aun). Definitivamente, Jem no es el desastre fílmico que tanto crítica como público (en total, cuatro gatos) dicen. Es más, me atrevería a decir que, si no fuera por el mal de ojo que le ha caído, podría haberse convertido en una película querida por niños y adolescentes. Eso es lo que seguramente pretendía Chu, pero el experimento no le salió como esperaba. El público adulto le dio la espalda y el joven no se interesó ni lo más mínimo.

Sin embargo, Jem and the Holograms tiene madera de película de culto (no, no he fumado nada). Quizá el haberse convertido en el mayor fracaso de la historia cree con el tiempo una leyenda a su alrededor como ha ocurrido con otros films malogrados. O puede que directamente sea olvidada por completo y sea como si nunca hubiera existido. Pase lo que pase, os animo a descubrirla y juzgar por vosotros mismos. Abstenerse cínicos y puristas de los 80. Esto no es para vosotros. Los demás, no seáis rancios y dejaos llevar, si se le da una oportunidad y se mira con otros ojos, Jem and the Holograms tiene muchas virtudes que la convierten en un clásico semi-trash en potencia (y va con un poco de ironía, pero sobre todo totalmente en serio):

El acabado de la película

Como adelantaba antes, Jem and the Holograms costó cinco millones de dólares, un presupuesto ridículo que, sin embargo, Blumhouse suele convertir en ganancias desorbitadas en taquilla con sus títulos de terror (Paranormal ActivityInsidious). Teniendo en cuenta lo barata que fue, nos llama la atención el acabado tan pulido que tiene. Chu no es precisamente el colmo de la consistencia como director, pero aquí ha logrado una estética muy uniforme y atractiva, mezclando imágenes de grabaciones caseras con escenas de auténtica sensibilidad teen y ágiles actuaciones sobre el escenario que llenan la película de luz de neón (rosa y violeta) y nos dejan imágenes mucho más bonitas (y más 80s) de lo que cabía esperar. Es decir, Jem no es un trabajo visualmente cutre o de aspecto inacabado, y eso es todo un logro. Mención aparte merece el robot Synergy, que a pesar de su simpleza, también destaca por ser una creación CGI muy bien ejecutada.

Jem

Las canciones

Olvidaos de escuchar cualquier tema ochentero en la película. El glam rock de las Jem y los Hologramas originales da paso al sonido del pop prefabricado del presente. Las Holograms se visten según la moda de los 80 (saneada para los 2010s), pero las nuevas canciones recogen las tendencias actuales de la música popular. Selección musical con gente como Serebro o Hailee Steinfeld, y temas originales compuestos para la ocasión, que recuerdan inconfundiblemente a Taylor Swift, Icona Pop, Sia o Kesha. Si sois de los que apreciáis la ciencia de un buen temazo pop de radiofórmula, la banda sonora de Jem and the Holograms os satisfará enormemente. Las canciones son pegadizas, están bien producidas, y Aubrey Peeples (Jerrica/Jem), conocida por su participación en Nashville, y sus chicas las cantan muy bien. En general, el sonido es homogéneo y temas como la pegajosa pieza central “Youngblood” o el emocionante número final “I’m Still Here” son grandes hits que nunca llegarán a serlo.

La historia

Las cosas claras desde el principio. Jem and the Holograms es una película muy ligera, con un argumento y un desarrollo bastante risibles. A los personajes les falta sangre (Peeples es adorable, pero tanto ella como sus Hologramas son completamente unidimensionales), la premisa es absurda y el guion tiene más agujeros que un gruyer (Jem se convierte en estrella de la noche a la mañana con un solo vídeo de YouTube, todo lo que tiene que ver con la discográfica y su gestión de Jem es ridículo…)  ¿Por qué destaco entonces la historia como una de sus virtudes? Porque aquí es donde Chu ha realizado el mayor homenaje a los 80, construyendo un argumento directamente sacado de una cinta de aventuras de esa década. De hecho, Jem tiene más en común con Los Goonies (la escena del puerto de Santa Mónica es análoga a la prueba final de Andy en el órgano) que con la propia serie original o con Hannah Montana (con la que ha sido comparada comprensiblemente). Búsqueda del tesoro en pandilla, amor adolescente, ¡y un robot mascota! A pesar de hablarnos de la generación YouTube y darle mucha importancia a Internet y los dispositivos móviles (que las chicas no sueltan ni un segundo), en esencia, resulta que Jem and the Holograms  es una película completamente ochentera después de todo.

Juliette Lewis

Juliette Lewis

La “princesa” de los 80, Molly Ringwald, tiene un papel secundario, como la tía de Jem y sus “hermanas”, pero su presencia no va más allá del guiño cómplice a los 80, ya que su personaje no tiene realmente un arco argumental. Ella aporta el punto de partida del conflicto -necesita dinero para no perder su casa, en la que se han criado las niñas (mira, como en Los Goonies)- y se retira hasta el final, cediendo el foco a Juliette Lewis, que da vida a la mala de la película, Erica Raymond, presidenta de la discográfica de Jem. Lewis no tiene miedo a hacer el ridículo e interpreta al personaje como a una villana over-the-top de cine infantil, lo que da lugar a momentos muy divertidos en los que uno no sabe si la actriz está haciéndolo tan mal sin querer o a propósito. Sea como fuere, Lewis está muy graciosa como caricatura y es todo un aliciente para ver y disfrutar la película. Ella y su “minion” Zipper (Nathan Moore). Jem no destaca por su sentido del humor (ni para bien ni para mal, su comedia es inofensiva y nunca llega a provocar vergüenza ajena), pero Zipper es un crack. Zipper merecía más escenas.

La escena de los créditos finales

Y así llegamos al final. ¿Os acordáis de la adaptación al cine de Super Mario Bros que se hizo en los 90? ¿Recordáis su escena post-créditos? Pues en Jem and the Holograms hay algo parecido. (Spoiler a partir de aquí). Después de ser destituida de su papel como CEO por su propio hijo (el galán romántico para Jem y eye-candy para todos Ryan Guzman), Erica acude sedienta de venganza a la guarida de ¡las Misfits! y les pide que vuelvan para acabar con Jem y su banda. Chu decidió guardarse ese as en la manga para el final, y dejó a la banda rival de Jem fuera del argumento para darles protagonismo en una supuesta secuela. Así, de entre las sombras vemos aparecer a los miembros del grupo: Hanna Mae Lee (Pitch Perfect) como Roxy, Katie Findlay (The Carrie Diaries) como Stormer, y, atención, la cantante Kesha como la líder de la banda, Pizazz. Es una secuencia breve, pero es enorme, y nos hace soñar con la gran secuela que nunca veremos.

Jem & The Holograms

Actualmente, Jem y los Hologramas es prácticamente invisible. Su repercusión ha sido inexistente, y la poca que ha tenido ha sido para ponerla a caldo. Es comprensible que su argumento, que Chu ha extraído evidentemente de su experiencia con Justin Bieber, eche para atrás a más de uno. Pero si logramos pasar por alto todo el tema de la romantización de la fama (instantánea) como vía para la autorrealización y la obsesión por la imagen proyectada en las redes sociales (temas que se manejan muy a la ligera y quedan desaprovechados, pero al menos no llegan a resultar nocivos), nos queda un mensaje muy bonito de aceptación y celebración de la diferencia… ¡y la peluca! (el film está recorrido por muchos vídeos de fans reales hablando de cómo Jem les ha proporcionado una voz para decir al mundo que están orgullosos de cómo son y de lo que les gusta). Chu tenía una tarea muy complicada a la hora de trasladar el universo de Jem a la acción real y al presente, y teniendo esto en cuenta, ha salido más bien airoso, reinventando a Jem en una aventura autoconsciente y referencial que contagia con estupendas canciones, brochazos de purpurina y maquillaje rosa, luces de neón y buenas intenciones. Me da igual que se rían de mí o dejen de tomarme en serio, soy fan de la nueva Jem and the Holograms y para mí ya es una película de culto.

Crítica: Agosto

AUGUST: OSAGE COUNTY

Crítica escrita por Daniel Andréu

Ha pasado ya mucho tiempo desde aquella Celebración (Thomas Vinterberg, 1998) constituyera uno de los ejemplos más recordados de los últimos años en este subgénero de “reuniones familiares con incómodos roces y oscuros secretos saliendo a la luz”. Aquella inauguración del movimiento Dogma 95 no fue la primera película de este tipo, y por supuesto no fue la última. Muchos han intentado acercarse a este lugar común con mayor o menor suerte, como el caso que nos ocupa: Agosto (August: Osage County, John Wells).

Cualquiera puede hacer una película con una temática similar, no debería ser propiedad exclusiva del cine independiente, pero si no eres capaz de hacer algo con naturalidad deberías dejarlo y probar otra cosa. Este consejo va dedicado a todo el equipo responsable de esta película, empezando por los hermanos Weinstein en la producción. Cuando un producto así se llena de actores hollywoodienses tan conocidos como Meryl Streep, Julia Roberts o Ewan McGregor entre otros, da la sensación de que han sido escogidos para cubrir las carencias con las que parte el proyecto. Efectivamente este es el caso de Agosto, y desgraciadamente ni Hollywood ni nadie es capaz de salvar el conjunto.

Sin haber visto o leído la obra original por la que la también autora del guión Tracy Letts ganó el premio Pulitzer, está claro que el problema viene de la raíz. La sensación que transmite la película durante todo su metraje es de tener un único y clarísimo objetivo, ser lo más indie posible. Aunque sea un mundo que también está lleno de mucha pose y falsedad, sí es cierto que ese tono es algo que a alguna gente le sale natural y a otra no. En Agosto no hay naturalidad ni relajación en ningún momento, cada plano y cada momento están subrayando lo falsamente minoritaria que pretende ser y se olvida de todo lo demás. Sin desvelar nada al lector, ese secreto familiar mil veces visto en otras películas que se ve venir desde el principio y que provoca la mayor crisis de la película, me parece que es motivo de peso para darles una buena colleja a la guionista y a los productores del film.

AUGUST: OSAGE COUNTY

No existe ningún personaje creíble y es culpa del guión, que basa su supuesta efectividad en a ver quién suelta el secreto más gordo, a ver quién provoca la situación más incómoda o a ver quién vive el momento más épicamente dramático. Los pobres actores hacen lo que pueden con sus personajes y realizan un buen trabajo. Julia Roberts (con sus labios-salchichas) demuestra por enésima vez algo que ya no hace falta, que es una buena actriz; Ewan McGregor (con sus omnipresentes dientes) sigue despistando al personal yendo entre las interpretaciones más sosas y las más vivas, como la de esta película; y el resto mantiene el nivel pero sin dejar ese tono caricaturesco que lastra el trabajo actoral en conjunto. Es el mayor fallo de una adorable Juliette Lewis, que sin embargo queda ensombrecido por el exceso de Meryl Streep. A esta señora hay que adorarla, y está claro que se tira un pedo y le sale una interpretación como la de Agosto, pero llega a ser realmente incómodo ver cómo se esfuerza tantísimo en poner caras y ser lo más excéntrica posible. A veces no se sabe si es una actriz o un payaso buscando la tontería más extrema.

La sensación que deja la película es de ser un gran “quiero y no puedo”. Al igual que Coldplay no hacen rock alternativo o Haruki Murakami no hace literatura para las minorías, Agosto no constituye película indie. Por suerte, el espectador se podrá refugiar en que el film no llega a traspasar la línea entre lo agradable y lo molesto, y en que resulta realmente entretenida a pesar de sus diversos fallos.

Valoración: ★★★