Crítica: El corredor del laberinto – La cura mortal

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Tras el éxito de Harry Potter, la saga Crepúsculo Los Juegos del Hambre cambiaron el paradigma del cine para adolescentes, poniendo de moda las fantasías distópico-románticas y empujando a todos los estudios a buscar su propio blockbuster young adult para capitalizar la pasión desaforada de la audiencia juvenil por este tipo de historias. La mayoría de intentos fueron fallidos, resultando en un montón de falsos comienzos y primeros capítulos de historias que quedarían incompletas (The HostHermosas criaturasShadowhuntersLa Quinta Ola, Nerve…). El caso de Divergente fue especialmente sonado, ya que tras el fracaso en taquilla de su tercera entrega, la cuarta y última fue cancelada, dejando a los fans colgados a un paso del final.

En plena fiebre por Katniss Everdeen, 20th Century Fox se sacó de la manga una nueva saga teen con la que lograría un éxito moderado pero respetable, El corredor del laberinto (Maze Runner), distopía futurista basada en los libros de James Dashner que actualizaba la idea de El señor de las moscas en forma de aventura de ciencia ficción para la generación Z. La taquilla respondió, y la segunda parte tardó apenas un año en llegar, seguramente por miedo a que su público se cansase de esperar demasiado y pasase a la siguiente saga de turno. Los planes para la tercera y última parte (afortunadamente no dividida en dos) experimentaron un fuerte revés cuando el protagonista de la franquicia, Dylan O’Brien (Teen Wolf) sufrió un aparatoso accidente en el set de rodaje que obligó a retrasar el estreno un año. Una vez recuperado, O’Brien regresó para poner fin a la franquicia con La cura mortal, un final con el que los fans pueden decir eso de “la espera ha merecido la pena”.

Tras los acontecimientos de El corredor del laberintoLas pruebas, Thomas (O’Brien) y su banda de rebeldes luchan para detener a CRUEL, la malvada organización que les borró sus recuerdos y los encerró en el Laberinto para realizar experimentos con ellos. Minho (Ki Hong Lee) se encuentra en manos de CRUEL junto a muchos otros jóvenes inmunes al virus que se propaga por la Tierra convirtiendo a los humanos en monstruos similares a los zombies. Con la información obtenida de las Pruebas, la ministra Ava Paige (Patricia Clarkson) trabaja para desarrollar una cura definitiva con la ayuda de Teresa (Kaya Scodelario), que traicionó a Thomas y los demás uniéndose al bando enemigo. Ahora, la única manera de salvar a los suyos y acabar con el régimen totalitario que tortura a los últimos resquicios de la humanidad, es trabajar en equipo para infiltrarse en la única gran ciudad que queda en pie, una fortaleza futurista de la que será difícil escapar con vida.

Wes Ball se vuelve a poner tras las cámaras para dirigir la última parte de una trilogía que ha contado con su control creativo de principio a fin. Esto salta a la vista tanto en el consistente acabado visual como en la dirección de actores (muy seguros en sus papeles), pero sobre todo en la destreza que el realizador (anteriormente diseñador y especialista de efectos visuales) ha ido ganando con cada película. En La cura mortal, Ball se luce con algunas de las escenas más espectaculares de la saga en una trepidante carrera de fondo repleta de energía y acción sin descanso. Esto puede ayudar a que seamos más permisivos con su excesivo metraje o con los aspectos más endebles de la historia, que son muchos. El guion de La cura mortal está lleno de incongruencias, agujeros y deus ex machina (uno pierde la cuenta de las veces que un vehículo o una nave aparece de la nada para salvar la situación en el último momento), pero si somos capaces de suspender la incredulidad durante las dos horas y cuarto que dura, la película desempeña su función escapista con eficiencia.

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Claro que para disfrutar de este capítulo final, es casi un requisito indispensable haber conectado con las dos entregas anteriores (o al menos con la primera, claramente superior a la segunda). Desprovista de la interesante premisa que nos planteaban al principio, a la saga le queda apoyarse en sus personajes, que ayudan a elevar una mitología sci-fi que hemos visto ya en muchas otras historias similares (el elegido que debe enfrentarse a la dictadura para salvar al pueblo e iniciar una nueva era libre de tiranía). Y afortunadamente, el reparto de La cura mortal es mucho más solvente de lo que cabe esperar de un producto de estas características. Empezando por la distinción que aporta Patricia Clarkson y la pérfida presencia de Aidan Gillen, aquí tan Meñique como en Juego de Tronos, continuando con un elenco juvenil muy entregado (de los que destacan Will Poulter y Thomas Brodie-Sangster) y terminando con O’Brien y Scodelario, los Romeo y Julieta del Laberinto, cuyas sólidas interpretaciones anclan la película, evitando que su caprichoso y por momentos tontísimo argumento haga que todo se vaya a traste.

Además de lucirse con los fantásticos set pieces que recorren el film (especialmente impresionantes son el asalto a tren del comienzo, el rescate aéreo al autobús y su apocalíptico clímax), Ball se ha asegurado de que el desenlace de la trilogía tenga empaque emocional, facilitando que los fans de la saga se preocupen por los personajes y sus relaciones para brindarles un final intenso y satisfactorio. Así, Ball pone el mejor broche que se le puede poner a una saga como esta, a la que sabemos que no es recomendable exigirle demasiado. El corredor del laberinto no pasará a la historia del cine, pero al menos termina, y termina bien, algo que no se puede decir de la mayoría.

Pedro J. García

Nota: ★★★

Crítica: Rey Arturo – La leyenda de Excálibur

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Tenemos que hablar de Guy Ritchie. Hace casi dos décadas, el realizador británico se erigía como una de las grandes promesas del cine de acción, con un estilo propio muy marcado y una desbordante energía creativa que sabía plasmar muy bien en la pantalla. El tiempo pasó, y Ritchie se estancó. Sí, obtuvo un gran éxito con la relectura en clave de blockbuster de Sherlock Holmes y su incluso más taquillera secuela, y recuperó algo de su lustre con la infravalorada Operación UNCLE, aunque fuera un fracaso de taquilla, pero su cine se quedó en el pasado, donde aun era novedad.

Precisamente la gran acogida en todo el mundo de Sherlock Holmes es lo que llevó a Ritchie a realizar otra actualización de un mito de la literatura para llevarla al terreno de la superproducción épica, y lo que condujo a Warner Bros. a volver a jugársela con otra carísima reinvención después del batacazo de Pan: Viaje a Nunca Jamás y La leyenda de Tarzán. Su última película (previa al remake en acción real de Aladdin), Rey Arturo: La leyenda de Excálibur, toma el mito artúrico, lo tritura y lo pasa por el filtro de la fantasía de espada y brujería moderna para dar lugar a un híbrido entre El señor de los anillos y Juego de Tronos con aire a videojuego de última generación. Pero claro, no sería una película de Guy Ritchie si Guy Ritchie no te demostrase cada dos o tres escenas que Guy Ritchie está detrás de las cámaras.

Rey Arturo aúna todas las tendencias del cine de los grandes estudios en una sola película. El espectáculo ruidoso, confuso y sobrecargado digitalmente, la historia de orígenes propia de los superhéroes, la proyección de la historia como un primer capítulo dentro de una saga… Pero para diferenciarla (y ya de paso hacerla más extraña y chocante), Richie incorpora su espíritu gamberro y los ingredientes clásicos de su cine: los diálogos a velocidad de la luz, el acompañamiento rock’n-roll, la turbiedad callejera, las violentas peleas a mamporros, el cansino cameo de David Beckham, y esos montajes espídicos tan suyos, con los que aporta un tipo muy concreto de humor a la historia clásica de Arturo. El problema es que, en esta ocasión, en lugar de ser refrescante, resulta postizo, forzado, y lo único que hace es demostrar que nadie en esta película sabía exactamente qué quería hacer con ella, empezando por su director.

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Si bien es cierto que pocos han acertado trasladando el mito artúrico al ámbito audiovisual, Ritchie fracasa especialmente por querer abarcar demasiado. Su intención es claramente la de acercar la historia de Camelot a la audiencia joven, y para ello se recrea en las licencias creativas, obvia a personajes importantes y da énfasis a otros menos conocidos (creemos que) para evitar contar lo mismo de siempre, magnifica el factor fantástico, y lo más importante, presenta a un Arturo más moderno, rebelde, y atractivo. Este Arturo tiene la cara y el cincelado torso de Charlie Hunnam (Sons of Anarchy), un actor solvente que Hollywood se empeña en vender como leading man y que ha tenido poca fortuna eligiendo proyectos, a pesar de que no se puede negar que pone entusiasmo a su trabajo. Eso sí, por mucho que el actor británico se entregue en cuerpo y alma (sobre todo en cuerpo) al personaje, no es suficiente para que el resto de la propuesta cuaje. Y es que Rey Arturo es un pastiche adrenalínico sin pies ni cabeza que golpea y aturde con pirotecnia vacía, criaturas gigantes que no vienen a cuento (por momentos parece que estamos viendo una adaptación de God of War), o peleas superestilizadas a cámara lenta que hacen pensar que quizá Zack Snyder también metió mano a este proyecto de franquicia.

Inevitablemente, los personajes (sobre todo los olvidables secundarios) se pierden entre todo el frenesí digital, la fantasía abarrotada y la acción ensordecedora, y ni el Arturo de Hunnam, ni el estimable trabajo de Jude Law como su antagonista, Vortigern, pueden salvar la película, haciendo que el factor humano desaparezca en favor de los fuegos artificiales. Rey Arturo: La leyenda de Excálibur es reflejo y síntoma del estado actual del cine de los grandes estudios, un producto aquejado del mal de las franquicias y los universos compartidos que mezcla todo lo que en teoría funciona con la audiencia de hoy en día, pero que falla en su ambiciosa empresa actualizadora por culpa de una absoluta falta de visión e identidad propia.

Pedro J. García

Nota: ★★

Crítica: Sing Street

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Así como el videoclip mató a la estrella de radio, Internet hizo lo propio con la figura del hermano mayor. La consolidación de la red de redes como servidor supremo de información trastocó el modelo de la recomendación musical. Lo que hasta ese momento había sido una labor docente realizada de manera casi exclusiva por la figura del hermano mayor (o padre o tío enrollado) se convirtió de buenas a primeras en una investigación libre e independiente, sin ningún tipo de censura previa, uno de los pilares del programa mentor del hermano mayor.

Sing Street recoge los últimos coletazos del hermano mayor como dios supremo descubridor de artistas y poseedor de la verdad absoluta. Como si de un documento histórico se tratase, podemos comprobar en varias escenas los diferentes momentos de esa tutoría musical: desde el autocomplaciente “no es posible que no hayas escuchado esto” segundos antes de pinchar un tema por primera vez a las introducciones al más puro estilo Wikipedia a la hora de explicar las motivaciones, filosofías y opciones estilísticas de los grupos. El Brendan de Sing Street es el paradigma de hermano mayor. Un ser que lo sabe todo y que domina el arte de transmitir ese conocimiento. Un halo de leyenda que se ve amplificado por cierta semejanza entre Jack Reynor (Macbeth, Transformers: La era de la extinción), el actor que interpreta al hermano mayor en esta película, y el Andy Dwyer de Chris Pratt en Parks and Recreation.

Pero por desgracia, Sing Street no se centra en la relación fraternal, sino en la lucha del hermano pequeño por conseguir su identidad, el éxito musical y el corazón de la chica de turno. Un viaje personal que podría haber tenido un mínimo de interés si su director aparcase sus ansias de crear la feel good movie de la temporada. Un acto que no tendría nada de malo, ni debería sorprendernos, ya que estamos ante John Carney, director de Once y Begin Again. Pero esas ínfulas se vuelven dañinas cuando intenta mostrarnos el drama, cuando quiere conseguir que la shit sea real. Carney cumple medianamente con el aspecto más luminoso del film: las enseñanzas musicales del hermano mayor, alguna escena entre los chavales durante la grabación de sus videoclips, y logra hasta que la femme fatale principante tenga cierto aire a la portada de “Rio” de Duran Duran; pero fracasa absolutamente a la hora de dar cierta profundidad o dramatismo a la acción del film. Los problemas en casa, el bullying que sufre el protagonista en el colegio, su existencialismo de principiante… todo es un gran naufragio (pun intended) que Carney parece no vislumbrar.

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Duran Duran, The Cure, Spandau Ballet o The Clash son algunos de los grupos que Brendan enseña a Conor y que él utilizará como influencia a la hora de crear las canciones para su alter ego, Cosmo. Una simpática idea que regala los mejores momentos del film, las llegadas a la escuela de los adolescentes disfrazados de las bandas que han conocido musicalmente la noche anterior, y también alguno de los más flojos, la mayor parte de las canciones originales. Se acepta que los temas tengan cierto aire principiante (buscado o no) y hasta su grandilocuencia, pero lo que no se debe permitir es su pésima utilización durante el metraje. La repetición del patrón aprendizaje-creación-desengaño-revisión-canción-éxito provoca cierto cansancio. Pero ese agotamiento termina por convertirse en malestar cuando Carney intenta dotar de cierta grandeza a las canciones creando momentos épicos de pacotilla, cuyo epítome es la larguísima escena de la actuación en la escuela, que parece más bien un vídeo promocional de cara a la categoría a mejor canción original en los Oscar, o su sonrojante final.

Sing Street es una película buenrollera que podría haberse quedado en la categoría de olvidable, pero que se convierte en molesta por sus presunciones de película generacional.

David Lastra

Nota: ★★