Crónica del Festival Internacional de Cine Fantástico Nocturna 2019: Parte 2

DÍA 3

Koko-di Koko-da (Johannes Nyholm, 2019 – Suecia) OFICIAL FANTÁSTICO

A veces es difícil escribir sobre películas debido a que las sensaciones que provocan son muy abstractas o difíciles de traducir en palabras. Esta es la historia sobre un matrimonio que pierde a un ser querido. Unos años después vemos cómo ha evolucionado su relación mientras se van a pasar una noche de acampada, durante la cual les visitarán unos “duendes” bastante misteriosos y malignos. El truco narrativo al que se recurre a estas alturas ya está muy manido, pero en Koko-di Koko-da es un recurso más al servicio de una historia simple y bien contada, pero sobre todo de una atmósfera tan mágica como misteriosa y retorcida que le da sentido a todo. Cuando una historia te deja sin estar seguro de qué ha visto pero con sensaciones muy potentes, merece la pena. Totalmente recomendado verla sin saber nada y dejándose llevar.

Daniel Andréu

Finale (Søren Juul Petersen, 2019 – Dinamarca) OFICIAL FANTÁSTICO

Dos jóvenes que no se aprecian demasiado se ven obligadas a trabajar juntas en el turno de noche de una gasolinera mientras el equipo de fútbol nacional de Dinamarca juega una importante final. Un grupo de delincuentes aprovechan para secuestrarlas, torturarlas y hacer un espectáculo de ello. Finale no oculta ser una especie de Saw danesa que también se cree más profunda de lo que es con una simplísima crítica que hace un paralelismo entre la sociedad actual que disfruta del morbo del sufrimiento ajeno, y los espectáculos de gladiadores de la antigua Roma. Entre que el villano es un plasta e insoportable mejunje de payasos, jokers y demás malos del cine moderno y que el montaje alterna dos líneas temporales, se le resta efectividad a lo realmente bueno de la película, que son las dos protagonistas. Si la película hubiera consistido más en ellas dos hablando y escapando de los malos habría sido mucho mejor y más divertida.

Daniel Andréu

Amigo (Óscar Martín, 2019 – España) OFICIAL FANTÁSTICO

Uno de los argumentos típicos de este tipo de festivales es el de personas aisladas en un espacio pequeño cuya relación va deteriorándose y enrareciéndose. En Amigo no hay mucho más, y tampoco hace falta. David cuida de Javier, su amigo de toda la vida que está postrado en una silla de ruedas con importantes problemas de salud. Un temporal de nieve corta las comunicaciones y todo empieza a complicarse. Con un presupuesto más bien bajo y una notable dirección, los dos actores protagonistas llevan el peso de la película y transmiten a la perfección esa angustia y tensión que sus personajes viven. David Pareja hace un buen trabajo, aunque en los momentos de más carga dramática no termine de dar la talla. El auténtico hallazgo es Javier Botet (también implicado en el guion), que lleva a cabo una interpretación física prodigiosa, demostrando que no solo sabe hacer de monstruo en películas fantásticas.

Daniel Andréu

DÍA 4

Body at Brighton Rock (Roxanne Benjamin, 2019 – Estados Unidos) OFICIAL FANTÁSTICO

Y otra de las historias clásicas del género fantástico es la de la persona que tiene que sobrevivir por sí sola ante una adversidad. En este caso es Wendy, una joven ayudante de guarda forestal que es un desastre, pero quiere demostrar a su jefa y sus compañeros que es una profesional… Le sale mal y acaba perdida en el monte a la espera de que vengan a rescatarla, “acompañada” de un misterioso cadáver. Lo que empieza siendo desesperante llega a ser gracioso y casi tierno, porque todas las torpezas de la protagonista son muy absurdas. Aun así, ella demuestra que ante el peligro y la necesidad de supervivencia se crece y sabe valerse por sí misma. La directora sabe llevar bien la tensión de las desventuras de Wendy sin perder el sentido del humor, y la casi debutante Karina Fontes se implica al 100% consiguiendo una creíble interpretación. Eso sí, ese intento de explicación final del misterio está de más.

Daniel Andréu

A Night of Horror: Nightmare Radio (Varios directores, 2019 – Argentina / Nueva Zelanda) DARK VISIONS

Un locutor de radio que tiene un programa sobre historias de terror va recibiendo llamadas de oyentes a la vez que vive su propio misterio. Esto sirve de excusa para montar una solvente película antológica de cortometrajes de diversas nacionalidades unidos por un arco principal. El formato corre el peligro de resultar irregular o insatisfactorio, pero la buena labor de selección hace que sea una grata sorpresa y casi ningún corto baje el nivel. Muy buena iniciativa la de los responsables del proyecto para llevar a ojos del espectador de largometrajes estas obras que por lo general lo tienen bastante difícil para llegar al gran público.

Daniel Andréu

Little Monsters (Abe Forsythe, 2019 – Reino Unido, Australia, Estados Unidos) OFICIAL FANTÁSTICO

Una de las películas más esperadas de este Nocturna Madrid 2019. La vida de Dave no tiene rumbo y terminar con su novia termina de romperle los esquemas. Cuando intenta implicarse más en la vida de su sobrino de 8 años, asiste con él, su clase y su maestra a un viaje a una granja que al poco de llegar ellos sufre una invasión zombie. Aunque muy divertida, Little Monsters podría haber sido redonda si en su primera parte no hubiera recurrido tanto al humor “machirulo” para provocar la carcajada. Es cuando los protagonistas tienen que enfrentarse a la amenaza que todo se vuelve más loco y verdaderamente gracioso, porque hay una diferencia entre hacerse el graciosillo y ser geniunamente gracioso. Por suerte la evolución de la película es de menos a más y uno sale con ganas de cantar canciones de Taylor Swift mientras mata zombies. Lupita Nyong’o por supuesto lo da todo, como siempre, y se adueña de su irresistible personaje.

Daniel Andréu

The Furies (Tony D’Aquino, 2019 – Australia / Emiratos Árabes Unidos) OFICIAL FANTÁSTICO

Hay que tener cuidado para programar sesiones golfas ya que pueden ser un éxito o un auténtico fracaso dependiendo de cómo se haga. The Furies aguantó bien el tirón de ser proyectada casi a la 1 de la madrugada. Sin ser ni aportar gran cosa, esta suerte de Battle Royale por parejas tiene todo lo necesario para cumplir su cometido: una heroína carismática, acción, traiciones, humor, sangre y un puñado de muertes cada cual más retorcida y sangrienta, además de muy bien hechas gracias a unos efectos visuales y de maquillaje que ya quisieran muchos.

Daniel Andréu

DÍA 5

Andhadhun (Sriram Raghavan, 2018 – India) PANORAMA

No tengo muy claro a quién se le ocurrió empezar a crear el hype con esta película comparándola con 13 Fantasmas y Cube, pero eso hizo que me esperara una cosa muy diferente, cuando al final se trata simplemente de una comedia criminal de enredo sobre un joven pianista ciego que por accidente presencia un asesinato. Lo mejor en estos casos es trabajarse bien el guion para no decaer en ningún momento, que es justo lo que pasa con esta rareza venida de India. Todos los giros están muy bien hilados, el humor tan absurdo como fino, y los protagonistas en estado de gracia (además de muy guapos). Al final las más de dos horas se pasan volando y terminan en una de las resoluciones más geniales que he visto en mucho tiempo.

Daniel Andréu

El Cuervo (Alex Proyas, 1994 – Estados Unidos) CLASSICS

¿Qué decir sobre una película que forma parte del imaginario popular desde hace 25 años? Poder verla con un posterior coloquio con su director (no estuvo en la sala ya que no ha visto la película desde que la estrenó debido a lo dolorosa que es todavía la tragedia que hizo que muriera Brandon Lee durante el rodaje) es uno de los lujos a los que nos tiene acostumbrados el festival. Tras tanto tiempo y sin haber visto la película más de una vez, tenía casi la certeza de que es una de esas películas que no aguanta el tiempo y que solo siguiera en nuestra memoria por la leyenda de Brandon Lee, pero me alegré mucho de equivocarme. El pasado de realizador de videoclips de Proyas y una estética muy cuidada le dio a la película un poderío visual que si bien está muy anclado en su década de los 90, también aguanta los años sin perder su fuerza. Todo transmite ese feeling que hace ver que estamos ante una historia dibujada en cómic, sin perder su autonomía como obra cinematográfica. Mención especial a la banda sonora, que une a la perfección score y unas canciones seleccionadas y producidas específicamente para la película.

Daniel Andréu

Vivarium (Lorcan Finnegan, 2019 – Estados Unidos) CLAUSURA

Otra película muy esperada era Vivarium, lo que sí que no me esperaba es que fuera la ganadora en mi ranking personal. Sin saber nada sobre el argumento y habiendo escuchado comentarios sobre que se hacía muy larga, pesada o repetitiva, iba con ganas pero con cautela. Lo que para muchos es una idea que habría dado para un buen corto, a mí me parece un triunfo gracias sobre todo (pero no únicamente) a una atmósfera tremendamente bien cuidada, al igual que pasaba con Koko-di Koko-da. Una joven y feliz pareja se plantea la compra de una casa y dan por casualidad con la inmobiliaria que promueve un proyecto urbanístico de una perfección idílica. Cuando ellos van a ver una de las casas, el agente desaparece y ellos se quedan perdidos en un laberinto de casas idénticas del que no pueden salir. El buen trabajo de Imogen Poots y Jesse Eisenberg suma enteros al buen resultado final, que se consigue también gracias al director y los encargados del diseño de producción. Sus pretensiones residen en la necesidad de hablar de un tema importante a través del arte, porque la atmósfera que tiene esta película no es que se las dé de rara, es que realmente es muy marciana y turbia, de pesadilla. Hay una escena en concreto muy chocante y visualmente increíble que consigue elevar la película del notable alto a sobresaliente. El tema de cómo nos encaminamos hacia un mundo cada vez más inmerso en un engranaje en el que todo es igual y el que no encaje se queda fuera, se puede contar de muchas otras formas mucho más realistas, pero si al final de lo que se trata es de transmitir un mensaje y unas sensaciones, Vivarium lo consigue de la mejor manera posible.

Daniel Andréu

Bullets of Justice (Valeri Milev, 2019 – Kazakhstan/Bulgaria) PANORAMA

Si programar The Furies en la sesión golfa del viernes fue un acierto, esto debería llevarse todos los premios posibles que se den a festivales de cine. En un mundo post III Guerra Mundial en el que existe un enfrentamiento entre los humanos y una nueva raza cruce de humanos y cerdos llamada “muzzles”, un ejército de resistencia tiene la misión de acabar con La Madre que da a luz a todos los malignos cerdos. La típica premisa llamativa que tiene todas las papeletas para decepcionar… pero no es este el caso. Los que fuimos valientes de esperar a la 1 de la mañana para despedirnos del Nocturna tuvimos una recompensa llena de mucha acción, humor A-B-S-U-R-D-O, tetas, culos, penes, vaginas, caca, pedos, Danny Trejo, Cristiano Ronaldo, y una total y absoluta libertad narrativa que llega al punto de no tener ni un poco de sentido, pero después de tantas risas, aplausos y en definitiva puro disfrute, poco importa. Si yo hubiera puesto dinero para este proyecto financiado a través de un crowdfunding me habría sentido más que satisfecho, porque todo, absolutamente todo en esta película está en estado de gracia. De esas rarezas en las que uno no entiendo qué está viendo pero le da igual, porque hace que la vida sea un poco mejor durante unos escasos pero efectivos 76 minutos.

Daniel Andréu

Crónica del Festival Internacional de Cine Fantástico Nocturna 2019: Parte 1

INAUGURACIÓN Y DÍA 1

El festival Nocturna Madrid es como el Primavera Sound de Barcelona, si lo has disfrutado un año sabes que te puedes pillar la acreditación a ciegas al siguiente, porque es garantía de que va a estar lleno de películas y actividades interesantes, así que cada año se empieza con más ganas.

Como en cada edición, el Nocturna es una celebración del cine fantástico, con films de terror, fantasía y ciencia ficción de lo más diverso que, en muchos casos, brindan una oportunidad perfecta para ver un tipo de cine que no tiene distribución comercial y de no ser por estos certámenes, permanecería oculto.

A continuación tenéis breves reseñas de todas las películas que hemos visto en los dos primeros días de la edición de este año, que ha contado con la presencia del director Alex Proyas (El cuervo, Dark City) y muchas actividades paralelas para los amantes del cine de género.

Piedra, papel y tijera (Martín Blousson, Macarena García Levi, 2019 – Argentina) PANORAMA

La primera película proyectada este año supuso la primera rareza del festival. Magdalena vuelve a casa de sus hermanastros Jesús y María José tras años separados para reclamar parte de la herencia por la muerte de su padre. Lo que iba a ser una visita de unos días se alarga y Magda va descubriendo poco a poco que sus hermanastros no han superado ni su pérdida ni los traumas de la infancia. Con un tono que camina continuamente entre lo dramático y lo cómico, esta ¿Qué fue de Baby Jane? a tres bandas consigue que una premisa muy simple y en principio poco interesante vaya escalando en intensidad hasta convertirse en un peculiar y muy retorcido thriller. Los estupendos tres únicos actores (se basa en la obra de teatro de una de las co-guionistas) se bastan para que les conozcamos a no solo a ellos sino también a ese padre desaparecido cuya presencia todavía tiene mucho peso sobre sus hijos. Gracias a eso y a una buena dirección, esta película consigue esa atmósfera enfermiza que tan bien le viene a este tipo de películas.

Daniel Andréu

El cerro de los dioses (Daniel M. Caneiro, 2019 – España) DARK VISIONS

¿Y cómo hubiese sido Midsommar si hubiese estado ambientada en La Mancha? Daniel M. Caneiro nos da su cachonda visión con El cerro de los dioses, un meta mockumentary sobre los estragos de la fama y cómo somos capaces de todo con tal de conseguirla. Paula Muñoz (El club de los incomprendidos) e Itziar Castro (Pieles) con su reality (que alguien compre ‘Itziar Forever!’, por favor) destacan entre un multitudinario reparto repleto de cameos tan disparatados como Raúl Arévalo e Isabel Coixet. 

David Lastra

1BR (David Marmor, 2019 – EE.UU.) OFICIAL FANTÁSTICO

Todo empieza muy normal para la joven protagonista de 1BR (y para los espectadores). Sarah se muda a Los Ángeles para empezar una nueva vida alejada de la mala relación que tiene con su padre y su actual pareja. Encuentra el apartamento perfecto y la comunidad perfecta, pero estamos en el festival que estamos y pronto nos damos cuenta de que esa perfección esconde muchos secretos y esa comunidad está extrañamente unida. Como si  se tratase de una versión sin humor negro de La comunidad, Sarah sufre los horrores de pertenecer a la vecindad, y nosotros asistimos al proceso mediante el cual su vida se va arruinando cada vez más en un thriller que siempre entretiene pero que no llega a arrancar del todo porque se toma demasiado en serio. Es solo en el tramo final cuando se vuelve un poco loca y hace ver que viene lo bueno… pero entonces se acaba y deja con ganas de más. Aunque la película no termine de encontrar su personalidad, hay que destacar el increíble trabajo de Nycole Brydon Bloom como Sarah, ya que consigue con naturalidad todos los registros de su papel y es de esas personas a las que “da gusto” ver sufrir. Firme candidata al premio a mejor actriz del festival.

Daniel Andréu

Urubú (Alejandro Ibáñez Nauta, 2019 – España) GALA DE INAUGURACIÓN

Este año no podía ser de otra forma, el festival está dedicado al recientemente fallecido Chicho Ibáñez Serrador, el maestro que tanto placer nos dio haciéndonoslo pasar mal. Los que lo vivimos nunca nos cansaremos de repetir lo especial que fue su contribución hace dos años cuando hizo el enorme esfuerzo de recoger en persona su premio Maestro del Fantástico. Los que más recibimos fuimos los que estábamos en la sala durante el tributo, porque la clase magistral de dos minutos que nos dio fue pura magia para amantes del cine.

Una bonita forma de rendirle homenaje fue que la película de inauguración fuera el primer largometraje de su hijo, Alejandro Ibáñez. Tras unas sentidas palabras por parte de Sergio Molina (director del festival), Ibáñez y el resto del equipo de la película, se proyectó un simpático vídeo homenaje en el que la voz de Chicho tiene una conversación con su hijo desde allá donde esté. El cortometraje en este caso fue un vídeo realizado también por Alejandro para la ONG Save the Children en el que se lanza un mensaje sobre la necesidad de prestar atención a los niños que más sufren. Lydia Bosch conduce bien su personaje pero la elección de Dani Rovira como su pareja no es de lo más acertada, ya que el curioso toque de terror del cortometraje se pierde un poco por su culpa. Pero con un mensaje así, este tipo de cosas son lo de menos.

Finalmente llegó el gran estreno con Urubú. En ella, Tomás viaja a la selva amazónica con su familia persiguiendo fotografiar al urubú albino, una rareza de ave que podría relanzar su carrera. Esta obsesión le hace no darse cuenta de que todo apunta a que se está metiendo en la boca del lobo en una zona llena de peligros y misterios, hasta que su hija desaparece y ya no hay vuelta atrás. El regusto de cine de los 70 está muy bien conseguido, con su atmósfera, su estructura, su música… Pero algo falla. Empezando por que los actores no resultan del todo creíbles hasta que la historia no ha avanzado lo suficiente, y terminando por el hecho de que el homenaje se come a la película.

Lo que empieza siendo algo bonito (la niña enciende la tele y están dando ¿Quién puede matar a un niño?) acaba siendo demasiado obvio. Las ganas de Alejandro Ibáñez, el talento y la encomiable labor por mantener vivo el cine de género en España, quedan empañados por un empeño muy constante y nada bien llevado por homenajear el cine de su padre, tanto que al final más que un homenaje parece una copia. La idea de un universo expandido de la obra maestra de Chicho no puede ser más interesante, pero si uno no se separa un poco del homenaje al final no funciona. Podría haber sido un survival en la selva brasileña sorprendente, pero se queda en nada entre obviedades (el puro del personaje que interpreta Alejandro, los planos reproducidos de la película original, el argumento…) o cosas directamente sin sentido (¿cómo puede la película de referencia formar parte de la ficción y de la realidad al mismo tiempo?). Una pena, pero aun así creo que con el tiempo, el heredero podrá demostrar que puede mantener vivo el legado de su padre sin dejar de lado su propia personalidad y talento.

Daniel Andréu

Echoes of Fear (Brian Avenet-Bradley y Laurence Avenet-Bradley, 2019 – Estados Unidos) DARK VISIONS 

Aunque tarde bastante en arrancar, Echoes of Fear va a por todas. El matrimonio Avenet-Bradley nos trae una historia de fantasmas bastante sencilla a primera vista, pero que cuanto más loca y enrevesada se vuelve, menos pierde sus papeles. Esta consecuencia a la hora de relatar los acontecimientos e ir introduciendo los giros, hacen de Echoes of Fear una película ejemplar de cómo hacer las cosas dentro del terror independiente (el de verdad, el low cost). Además, nos presentan a Alisa (notable Trista Robinson), la final girl más inteligente y capaz de los últimos tiempos.

David Lastra

DÍA 2

Luz (Juan Diego Escobar Alzate, 2019 – Colombia) OFICIAL FANTÁSTICO

Tiene que ser casualidad ya que ambas películas se rodaron más o menos a la vez, pero esta Luz tiene más de un paralelismo con Midsommar. Un grupo de personas vive en una montaña colombiana aislada del mundo, con El Señor como líder de unos Ángeles que están bajo sus órdenes. La muerte de su esposa le lleva a sumirse en un pozo de fanatismo religioso que poco a poco va arrastrando a las pocas personas que le rodean hasta acabar con su cordura. Este ambiente de secta con rígidas normas sobre creencias y tradiciones en un entorno natural ya recuerda a la película de Ari Aster, pero lo más curioso son esos planos exteriores de los prados con unos contrastes de colores pasteles que parecen sacados directamente de Midsommar. El apartado técnico es correcto, pero no es suficiente para levantar una película demasiado irregular que solo tiene puntuales destellos de brillantez esparcidos a lo largo de un metraje excesivo y en ocasiones pesado. Merece la pena por la curiosidad y porque realmente tiene algunas escenas muy potentes, pero se queda a medio camino de alcanzar sus pretensiones.

Daniel Andréu

Il Signor Diavolo (Pupi Avati, 2019 – Italia) OFICIAL FANTÁSTICO

Para alguien que no había visto ninguna película del mítico Pupi Avati, estrenarse así no ha estado nada mal. Como si de una película italiana de los 50 se tratase (pero sin el grano de la imagen y con buen audio), Il Signor Diavolo nos cuenta la investigación de una enrevesado caso de asesinatos y personas deformes con la iglesia de por medio. La recreación de ese tipo de cine está muy conseguida, pero añadiendo toques aun más turbios que los fans del género agradecemos. Es raro, pero a la vez que resulta muy entretenida, uno tiene la sensación de que la película ha durado como mínimo dos horas… pero sale de la sala y solo han pasado 86 minutos.

Daniel Andréu

Z (Brandon Christensen, 2019 – Canadá) OFICIAL FANTÁSTICO

Joshua y sus padres, Beth y Kevin, viven cómodamente sus vidas hasta que el hijo y su amigo imaginario Z empiezan a dar muchos problemas. Esa es la premisa de una película que se presenta como una vuelta de tuerca a las historias de “niño con amigo imaginario”. No es exactamente así, ya que tira continuamente de tópicos, pero lo que la hace destacar por encima de la media es el buen hacer a la hora de mantener el misterio y la tensión durante todo el metraje. Tras uno de esos falsos finales que hacen peligrar el ritmo de la película, llega una parte que estoy seguro de que nadie se esperaba en una producción así, ya que la actriz protagonista se queda sola y ofrece las escenas más bizarras de la película. Y menos mal que lo hace, porque Keegan Connor demuestra que es capaz de llevar encima ese peso y mucho más.

Daniel Andréu

Reborn (Julian Richards, 2018 – Estados Unidos) DARK VISIONS

Autoproclamada como “la Carrie de la generación Z”, la adolescente de Reborn no pasaría ni por prima segunda lejana de la diosa encarnada por Sissy Spacek. Construida bajo los peligrosos cimientos de la nostalgia, Reborn se derrumba estrepitosamente al no aportar nada nuevo, ni mucho menos emocionante a nuestras vidas. Lo único reseñable, la presencia de Barbara Crampton (Re-Animator) y Michael Paré (Calles de fuego) como protagonistas y unos créditos iniciales que prometían bastante.

David Lastra

Crónica: 16ª Muestra SYFY de cine fantástico (2019)

Dieciséis años, y contando. La Muestra SYFY de cine fantástico de Madrid ha celebrado este año su “sweet sixteen”, y lo ha hecho por todo lo alto, con una de sus mejores programaciones hasta la fecha. Del 7 al 11 de marzo, los asistentes a la Muestra hemos podido disfrutar de una cuidada selección de cine fantástico y de ciencia ficción organizada por la cadena SYFY España, que como suele ser habitual, ha compilado una selección de títulos de lo más variopinto y extravagante.

La Muestra 2019 marcaba también la reaparición de Leticia Dolera como anfitriona, después de la polémica de su serie para Movistar+. La actriz, escritora y directora aprovechó la ocasión para volver a la normalidad, y a las redes sociales, después de tres meses de ausencia (casi) total. Su trabajo fue el de siempre, presentaciones divertidas, espontáneas y sí, feministas. Coincidiendo la Muestra con el Día de la Mujer, no podía ser de otra manera.

Controversias aparte, centrémonos en lo que nos importa de la Muestra. El cine, y la experiencia de verlo acompañado de aficionados al género fantástico. El público de la Muestra es de los más entusiastas que se conocen. Es por ello que se ha convertido en tradición desde hace años comentar las películas y hacer chistes en voz alta durante las proyecciones. Esto forma parte de la experiencia, pero afortunadamente, desde hace poco, la organización ha duplicado (o triplicado) las sesiones para diferenciar entre “Sala Mandanga” y “Sala del Silencio”. En la primera, el público es libre de armar todo el jaleo que quiera, en la otra se va a ver las películas en silencio.

Y sin más dilación, paso a comentaros las películas que he visto este año en la Muestra SYFY. Desafortunadamente no me ha sido posible verlas todas como otros años, pero de lo que he visto, me llevo un par de peliculones para la posteridad. Y alguno de ellos se estrena en salas comerciales pronto, así que tomad nota.

Capitana Marvel (Anna Boden, Ryan Fleck, 2019) – Inauguración

La Muestra SYFY comenzó el jueves con la premiere de Capitana Marvel en Madrid, película de apertura con la que empezamos esta edición “más alto, más lejos, más rápido”. La primera entrega de Marvel protagonizada enteramente por una mujer llegaba ensombrecida por una campaña de odio en Internet y un boicot por parte de los trolls que no les salió como esperaban: 455 millones de dólares recaudados en su primer fin de semana, convirtiéndola en el estreno mundial más taquillero protagonizado por una mujer y el segundo de superhéroes detrás de Vengadores: Infinity War. El público de la Muestra se entregó por completo a la historia de origen de Carol Danvers (estupenda Brie Larson), una película con todas las señas de identidad de Marvel y muchas conexiones con el resto de su Universo, concretamente con Vengadores: Endgame. La película se ha confirmado como un nuevo triunfo para el estudio, y así se sintió en la premiere. Risas, emoción con el cameo de Stan Lee, aplausos al final y un gran revuelo generalizado con las escenas post-créditos. Ah, y como era de esperar, la gata Goose conquistó a todo el mundo. Chupaos esa, troll. Si queréis saber más, os cuento mis impresiones sobre la película (que disfruté mucho más la segunda vez, conociendo de antemano los giros del argumento) aquí.

Elizabeth Harvest (Sebastián Gutiérrez, 2018)

La primera jornada propiamente dicha arrancaba para mí con Elizabeth Harvest, fábula de ciencia ficción dirigida por el venezolano Sebastián Gutiérrez. A medio camino entre Cincuenta sombras de Grey y un capítulo de La dimensión desconocidaElizabeth Harvest se desarrolla como una historia de clones con (sospechosos) ecos a Ex Machina (tienen muchos elementos en común y el final es calcado) y mucha comedia involuntaria. Protagonizan Abbey Lee (Mad Max: Furia en la carretera), Ciarán Hinds (que no sabemos cómo ha ido a parar ahí) y Carla Gugino, que le hace un favor al director (su marido) agraciando la película con su presencia. Pero ninguno de ellos (ni Dylan Baker, que también se pasa por ahí) es capaz de salvar la película. Su historia promete, pero una trama enrevesada y llena de pseudociencia acaba haciéndola cada vez más tediosa, confusa y absurda. Cuesta mucho tomársela en serio, pero claro, para eso estamos en la Muestra, cuyo público se encarga de que ninguna película aburra.

Upgrade (Leigh Whannell, 2018)

Primera gran sorpresa de la Muestra. Incomprensiblemente, esta curiosa cinta de ciencia ficción de la factoría Blumhouse no ha llegado a estrenarse en cines españoles, por lo que agradecemos a SYFY que la haya recuperado para el disfrute de su público objetivo. Leigh Whannell (guionista de Saw Insidious, y director de Insidious 3) se pasa al sci-fi con un oscuro thriller futurista a medio camino entre el policíaco, el noir y la acción pura que tiene mimbres de película de culto. En ella, un hombre tetrapléjico vuelve a andar gracias a la implantación de un chip llamado Stem, que toma el mando de sus funciones motoras y lo lleva al límite de sus capacidades, tras lo cual irá en busca de los hombres que mataron a su mujer, aprovechando sus nuevas habilidades. Logan Marshall-Green (el Tom Hardy de Hacendado) realiza una fantástica interpretación física en una película que casualmente también va de un hombre que habla con una voz en su cabeza que controla su cuerpo. Aunque recuerda a muchas películas anteriores (Minority ReportHerCrank, Lucy, Venom), Upgrade logra ser original. Engancha, tiene escenas de acción brutales y madera para saga. Muy disfrutable.

Gintama (Yûichi Fukuda, 2017)

Incorporación de última hora, Gintama se proyectaba en la Muestra a la vez que El año de la plaga, para gozo de fans del anime y el cine fantástico japonés. Se trata del largometraje en acción real del popular manga de Hideaki Sorachi, que ya ha tenido múltiples adaptaciones en diferentes formatos, incluida una longeva serie de animación. La película opta por la adaptación literal, conservando el estilo anime con un aspecto visual colorista, ritmo frenético, un “argumento” en el que todo vale e hilarantes efectos digitales de tercera. Lo mejor de la película son los chistes meta y las referencias a otros títulos de la cultura pop japonesa (el cameo de Nausicaä es genial), pero más allá de eso, cualquiera que no esté acostumbrado a este tipo de productos, puede salir completamente espantado por su estridencia y su absurdo sin fin. Sin ir más lejos, a mí me dejó el cerebro frito y mató las pocas neuronas que me quedaban. No apta para todos los públicos.

Prospect (Christopher Caldwell, Zeek Earl, 2018)

Christopher Caldwell y Zeek Earl dirigen esta personal propuesta de ciencia ficción que comienza como un drama paternofilial ambientado en el espacio (con el referente indie Jay Duplass) y acaba convirtiéndose en un competente thriller de supervivencia que se vuelve más y más extraño e intenso conforme avanza. Con un simple escenario principal (un bosque) y mediante diálogos que dan mucha información sin sobreexplicar demasiado, la película da forma a un detallado universo ficticio, demostrando que no hace falta un gran despliegue de efectos para crear mundos fantásticos creíbles en el cine. En el centro de la historia, una relación muy interesante y muy bien interpretada por la prometedora Sophie Thatcher y un genial Pedro Pascal. Una de las sorpresas más gratas de este año.

Dragged Across Concrete (S. Craig Zahler, 2018)

El sábado nos encontrábamos con un viejo conocido, S. Craig Zahler. Sus dos películas anteriores, Bone TomahawkBrawl in Cell Block 99 se habían proyectado en la Muestra con gran éxito de público, por lo que su tercer largo como director no podía faltar en la programación de este año. Para su nuevo trabajo ha vuelto a contar con Vince Vaughn, que esta vez está acompañado nada más y nada menos que de Mel Gibson, con el que lidera un gran reparto. Dragged Across Concrete (qué gran título) es un thriller policíaco sórdido y ultraviolento en la tradición de Zahler, que sigue insistiendo en hacer un tipo de cine que recuerda inevitablemente al de Tarantino. Con leves pero constantes pinceladas de humor y dos horas y media de duración, el director casa el exceso de sus imágenes con una narración y una realización muy calculadas que, afortunadamente, no aburre a pesar de su metraje gracias a su buen pulso. Lo malo es que en su tercera película ya se le empiezan a ver las costuras. Zahler peca de pretencioso, repite esquemas y su discurso atufa a rancio, con personajes femeninos que son el paradigma del sexismo en el cine y Gibson interpretando a un personaje a su medida: un poli corrupto anticuado, racista, machista y homófobo. Dragged Across Concrete es de esas películas que te hace simpatizar tanto con ese tipo de personajes que te acabas preguntando si es solo el personaje o la película también defiende esas ideas tan primitivas.

Nación Salvaje (Sam Levinson, 2018)

Y tras la saturación machirula de Dragged Across Concrete llegaba un film diametralmente opuesto, Assassination Nation, incendiaria sátira feminista sobre cuatro chicas adolescentes que se convierten en el blanco de la ira de su instituto y una pequeña comunidad idílicamente suburbana que ha sido víctima de un escandaloso hackeo masivo. Una reflexión hiperbólica pero afiladísima sobre el papel de Internet en nuestras vidas, el linchamiento social, la hipocresía y la doble moral, y el juicio de una comunidad conservadora ante la liberación de la mujer y la expresión de su sexualidad (es de todo menos casual que transcurra en Salem). Es decir, una historia completamente actual y oportuna que se propone provocar y lo consigue. Es como si Sofia Coppola, David Robert Mitchell y Harmony Korine se hubieran unido para hacer una película. Moderna, pop, autoconsciente, violenta, visual y estéticamente gloriosa, y con una recta final demencial, Assassination Nation es una de esas propuestas radicales que dividen fuertemente a la audiencia. Los varios egos masculinos que salieron heridos de la proyección demostraron que la película logra su propósito de remover conciencias e incomodar a aquellos que se sienten amenazados por el feminismo y el poder de la mujer.

Escape Room (Adam Robitel, 2019) – Clausura

La Muestra SYFY concluía el domingo con Escape Room, película de clausura que esta semana llega a las salas comerciales de toda España. Adam Robitel (The Taking of Deborah LoganInsidious. La última llave) dirige la nueva vuelta de tuerca de las sagas de terror juvenil que ya se ha convertido en todo un éxito en Estados Unidos. Escape Room es como una fusión entre Cube, Saw La cabaña en el bosque, un juego retorcido en el que seis desconocidos se enfrentan a una escape room de la que deberán salir con vida usando su ingenio. Aunque no es original y requiere suspender la incredulidad considerablemente, es una película muy efectiva en lo que se propone, además de tremendamente entretenida. Destaca por su creatividad a la hora de diseñar los puzles y por lo bien que maneja la tensión. Una nota positiva para terminar la Muestra y dejarnos con ganas de más el año que viene.

Crónica del Festival Internacional de Cine Fantástico Nocturna 2018: Parte 2

DÍA 3

He’s Out There (Quinn Lasher, 2018 – Lituania) – Oficial Fantástico

Sobre el papel, He’s Out There es un slasher de manual. Una familia pasando un fin de semana en su segunda propiedad, situada en el campo, alejada de todo y todos. Todo comienza a torcerse cuando un desconocido comienza a acosar en la distancia a la mujer ante la ausencia del marido, es en ese momento en que decide dar un paso adelante y proteger a sus dos hijas… ¿Olvidamos algo? Ah, las muertes. Pues haberlas haylas, pero son casi anecdóticas y casi ni se ven. El problema de la cinta de Quinn Lasher (S-Lasher, je je je) no es esa ausencia de ideas, ya que la originalidad no es un requisito en este subgénero, sino esa absurda decisión de ser tan pacata y, especialmente, por intentar complicarse demasiado intentando dotar de profundidad a su historia y a sus personajes, cuando realmente no hace nada para que lo sean. Sus desdibujados personajes deambulan sin saber muy bien qué está pasando y el malo malísimo no transmite ninguna sensación de peligro, ni mucho menos carisma. Ni siquiera el morbo de vérselas pasar canutas a Yvonne Strahovski (la puñetera Serena Waterford de El cuento de la criada), compensa el tedio que provoca su visionado.

David Lastra

Deadtectives (Pascal Laugier, 2018 – Estados Unidos) -Panorama

En Deadtectives un grupo de timadores con la cara muy dura se dedican a aprovecharse de pobre gente que sufre supuestos ataques fantasmales para grabar un programa de televisión. Para salvarlo de la cancelación tendrán que irse a Méjico a investigar el caso definitivo, lo que les traerá muchos más problemas de lo que se esperaban. Por su temática, es inevitable pensar en Los Cazafantasmas (Ivan Reitman, 1984 – Estados Unidos) y la saga de Expediente Warren (James Wan  2013 – Estados Unidos), pero con un tono mucho más cafre. Protagonizada por Chris Geere (conocido por la serie de FX You’re the Worst), Deadtectives es una película en la que todo es una broma, pero está lo suficientemente bien escrita como para no saturar. A excepción de un par de chistes cuñados que no pintan nada y no definen el humor general de la cinta, entretiene de principio a fin y resulta simpática.

Daniel Andréu

Ghostland (Tony West, 2018 – Francia/Canadá) – Oficial Fantástico

Y llega el turno de la locura… Pascal Laugnier, director de la polémica Martyrs, nos trae la historia más surrealista del festival. Ghostland es una pesadilla en pantalla grande y, como tal, debes aceptar sus absurdidades y sus peculiares normas, solo así podrás disfrutarla/sufrirla adecuadamente. Tras un cauto comienzo, todo se dispara con una genial escena de invasión doméstica con una resolución bastante sorprendente. Años después descubrimos las secuelas que ha provocado este ataque en las dos hermanas que se encontraban en la casa. Beth (Crystal Reed, Teen Wolf) se ha convertido en una autora de best-sellers de terror, justamente en su última obra Incidente en Ghostland revisita ese incidente; pero el caso de Vera (Anastasia Phillips, Skins) es diferente. Ella no ha podido pasar página y no solo sigue traumatizada por el acontecimiento, sino que sigue viviendo en la misma casa donde sucedió todo. La perfecta existencia de Beth se rompe con una angustiosa llamada de Vera, lo cual provocará su retorno al hogar familiar y el consiguiente reencuentro con su hermana y su madre (interpretada por la cantante Mylène Farmer, que ya trabajó con el director en el vídeo musical de City Of Love, clip en el que se encuentran gran parte de las claves estéticas de esta película). Laugier apuesta fuerte con una historia bastante marciana, que descoloca y sorprende en todo momento. Una película enrevesada, muy enfermiza y que no comete el error de tomarse demasiado en serio. Ghostland reúne todo lo necesario para pasar un mal rato en una sala de cine.

David Lastra

Piercing (Nicolas Pesce, 2018 – Estados Unidos) – Oficial Fantástico

No es frecuente la adaptación al cine de novelas de Ryû Murakami (no el Murakami de Tokyo BluesBurning o 1Q84, sino el de Audition o Azul casi transparente), por lo que Piercing era muy esperada para nosotros sus fans. Murakami siempre cuenta sus historias de una forma muy particular que hace que cualquier acercamiento a su literatura sea recibido con tanta expectación como miedo. Aquí se sigue a un joven (Christopher Abbott) que necesita buscar a una potencial víctima para saciar su necesidad de asesinar y así no acabar con la vida de algún ser querido. Por supuesto, por mucho que lo planee, se va a encontrar con muchos obstáculos por parte de su elegida (Mia Wasikowska). Aun aceptando que el cine es un medio diferente que no tiene que calcar su referente para hacer una buena adaptación, el guion de Nicolas Pesce se deshace de demasiados aspectos esenciales. Por ello el comienzo de la trama resulta un tanto atropellado, hay detalles que no se entienden igual si uno no va habiéndose leído la novela y, lo más importante, el espectador no se mete en la cabeza de los protagonistas de la misma forma que en el libro. Uno de los fuertes de la narración de Murakami es la estructura que alterna la primera persona del chico y de la chica en cada capítulo, de donde viene el extraño tono de comedia romántica muy retorcida, y esto en el film se pierde. Lo bueno, y que compensa la ausencia de todas estas cosas, es que Piercing nace del interés por hacer algo artísticamente relevante. Gracias a unas buenas interpretaciones, un muy buen apartado técnico o un uso muy interesante de  la banda sonora compuesta por temas de giallos de los años 70, encuentra una atmósfera y una personalidad propias que hacen que se sostenga como obra autónoma pero a la vez relacionada con su referente literario.

Daniel Andréu

DÍA 4

Summer of ‘84 (Anouk Whissell, François Simard y Yoann-Kar Whissell, 2018 – Canadá/EE.UU.) – Oficial Fantástico

Nuevo ejercicio de nostalgia del equipo que nos trajo Turbo Kid. En esta ocasión se acercan a un grupo de chavales que deciden investigar una serie de desapariciones que están ocurriendo en su pequeña ciudad. Una aventura veraniega a lo Cuenta conmigo en clave revisionista a lo Stranger Things. Repleta de tópicos y lugares comunes (¿acaso no es esa la gran marca de autoría de los Whissell-Simard?), Summer of ‘84 sale un poco mejor parada en guion y definición de personajes que su anterior aventura. Como en esa ocasión, la carencia absoluta de originalidad se ve altamente beneficiada por la calidad estética del producto, así como por su notable banda sonora, que vuelve a correr por parte de Le Matos.

David Lastra

Boar (Chris Sun, 2017 – Australia) – Oficial Dark Visions

Boar es una de esas películas de las que no se puede decir nada especialmente malo ni bueno debido a su simpleza. Un jabalí gigante va descuartizando gente poco a poco en una zona campestre de Australia. Literalmente no hay más y esto es una cierta virtud ya que no tiene mucha posibilidad de error. Posee unos diálogos muy ágiles e inspirados que destacan incluso por encima de las escenas de descuartizamiento y horror. Quizás algo que se le puede echar en cara es el atrevimiento puntual de enseñar demasiado cómo el jabalí mata a sus víctimas en escenas hechas con un CGI más que pobre que desmerecen las escenas con la criatura animatrónica.

Daniel Andréu

Mirai, mi hermana pequeña (Mamoru Hosoda, 2018 – Japón) – Oficial Fantástico

Qué difícil escribir sobre una película que es pura emoción. Mirai, mi hermana pequeña narra las aventuras caseras de un niño pequeño ante la llegada al mundo de una nueva hermanita. Con el mismo acierto que Del revés (Inside Out) (Pete Docter, Ronnie del Carmen, 2018 – Estados Unidos) pero de una forma diferente, el guion de Mamoru Hosoda capta con una sencillez abrumadora lo que significa crecer, descubrir lo que es la vida y aprender a caminar por ella junto a tus seres queridos, los que están contigo en el presente, los que estarán y los que estuvieron antes que tú. Alterna secuencias de “fantasía” con otras hogareñas que son igual de mágicas, ya que todo se ve a través de la mirada infantil del pequeño Kun. Uno no puede evitar emocionarse ante la belleza de las imágenes, tanto las más sencillas y familiares como las más visualmente elaboradas, llegando a un desenlace en el que los sentimientos terminan de explotar.

Daniel Andréu

Sta. Agatha (Darren Lynn Bousman, 2018 – Estados Unidos) – Oficial Dark Visions

El director de unas cuantas Saw y de Repo! The Genetic Opera (musical con Anthony Stewart Head y Paris Hilton que solo me hizo gracia a mí) se adentra en el nunsploitation… y ahí termina lo interesante de la propuesta de Sta. Agatha. Un convento unas cuantas monjas ultra-maquilladas, comandadas por Carolyn Hennesy (la que fuera Barb en Cougar Town y otros mil secundarios miméticos más en cine y televisión), se dedican a vender recién nacidos en vez de pastitas. El negocio no va nada mal, pero todo cambia con la llegada de Mary (Sabrina Kern), una joven embarazada que no sabe qué hacer con su vida y que claramente no estaría allí si supiese los tejemanejes de las monjas, o sí, no sé.  Sta. Agatha no funciona ni como ejercicio de revisionismo u homenaje a ese rinconcito dentro de ese subgénero de exploitation, ni como película actual de terror. Doloroso resulta su simplismo y su soporífero ritmo, aunque peor es que un cineasta tan dado a lo sádico y al humor no haya sabido entretenernos con una historia de monjas chungas.

David Lastra

Blood Fest (Owen Egerton, 2018 – Estados Unidos) – Oficial Dark Visions

Hay películas que parecen estar hechas para ser proyectadas en la sesión golfa de un festival de cine fantástico y de terror y Blood Fest es una de ellas. Ya su premisa es ideal para la ocasión, pues sus protagonistas asisten a una fiesta que mezcla los macro festivales musicales con los festivales de cine de terror, una gigantesca explanada con escenarios que imitan escenas de películas de terror y en la que se interpretarán en directo las secuencias más míticas ante el público. Por supuesto todo terminará en una fiesta sangrienta muy bestia en la que los protagonistas tendrán que escapar del evento que se vuelve más real de lo que ellos esperaban. Blood Fest consigue entretener de principio a fin con mucho humor y teniendo cero pretensiones, además de muchas vísceras y muertes rebuscadas, lo que a esas horas de la madrugada se agradece enormemente.

Daniel Andréu

DÍA 5

Please Stand By (Ben Lewin, 2017 – Estados Unidos) – Panorama

Detalles como el de programar Please Stand By son los que hacen que apreciemos el festival aun más, porque en uno festival como Nocturna Madrid contar con una película así es arriesgarse. La infravalorada Dakota Fanning interpreta de forma increíble a una joven autista obsesionada con Star Trek que escribe un guion para su serie favorita con intención de participar en un concurso. Tras conocer a los personajes, asistimos al viaje de superación que supone para Wendy escaparse de la residencia en la que vive para entregar en mano su manuscrito. Se trata de una película amable y con 100% de buenas intenciones, lo cual si se hace bien puede jugar a su favor, por mucho que desde el primer segundo esté claro cómo va a evolucionar y terminar la historia. La sorpresa no es lo importante aquí, sino empatizar con sus personajes y sus situaciones hasta el punto de estar con el corazón en un puño durante los momentos finales (y de querer meterse en la pantalla para coger a Pete, ese adorable perrito, y abrazarlo para siempre). La conexión con algo como Star Trek es más que suficiente para que una película sin sangre, vísceras o monstruos infernales se gane el corazón del público de Nocturna Madrid.

Daniel Andréu

Muñeco diabólico (Tom Holland, 1988 – Estados Unidos) – Classics

Por fin llegó uno de los momentos que algunos habíamos estado esperando durante meses, el privilegio y el honor de ver la primera entrega de las aventuras de Chucky en la pantalla grande con su creador Don Mancini en la sala, lo que lo hizo aun más especial. ¿Se puede decir algo nuevo de una película de hace 30 años que supuso el nacimiento de un personaje tan icónico? La mítica posesión del muñeco Good Guy por parte del asesino Charles Lee Ray que da a una serie de surrealistas y macarras asesinatos es ya parte de la historia del cine de terror. Aunque no haya novedades, sí que merece la pena recalcar que sigue siendo muy poderosa tres décadas después, que el humor sigue funcionando y que sigue dando un placer inmenso ver a Chucky asesinar a todo el que se cruza en su camino, así como verle sufrir y ser destruido. En diez años será el 30 aniversario del nacimiento de la igualmente maravillosa Tiffany, así que el Nocturna Madrid 28 sería una ocasión perfecta para conmemorarlo trayendo a Jennifer Tilly. Ahí queda dicho.

Daniel Andréu

Mandy (Panos Cosmatos, 2018 – Estados Unidos, Bélgica, Reino Unido) – Panorama

Como siempre, el festival se guarda una de las apuestas más fuertes para la clausura. Había mucha expectación por ver Mandy y eso se demostraba en el hecho de que tuvieran que abrir una segunda sala para atender la alta demanda de entradas. La película más que una historia es un viaje alucinado de Nicholas Cage (que termina de abrazar definitivamente su papel de icono moderno del absurdo) por consumar su venganza contra una diabólica secta religiosa formada por un grupo de malvados hippies y unas extrañas criaturas. De principio a fin Mandy tiene una atmósfera espesa y saturada, tan drogada como sus personajes, y tan marciana que si el espectador entra en ella se embarcará también un viaje alucinado. No se trata de una cinta fácil debido a lo lento de su ritmo, pero el trabajo visual está cuidadísimo y la última banda sonora de Jóhann Jóhannsson para el cine antes de fallecer se convierte en un elemento crucial más del largometraje. Aunque haya dos partes claramente diferenciadas, el descenso a los infiernos que supone acabar con cada miembro de la secta no es tan loco como se podría esperar, aunque da para momentos con mucha fuerza. Hay en Mandy mucho de Nicolas Winding Refn (por tanto también hay mucho Lynch) pero con la ventaja de no tener la sensación de que nos la están intentando colar en todo momento. Aunque hay algo que impide a la película llegar a la genialidad, es una apuesta muy arriesgada e interesante que no dejará indiferente a nadie.

Daniel Andréu

The Ranger (Jenn Wexler, 2018 – Estados Unidos) – Panorama

Tras la clausura, un último caramelito de violencia para despedirnos en forma de aventura sangrienta y sin demasiado sentido, como debe ser a la 1 de la mañana un sábado. Si en Boar era un jabalí gigante asesinando australianos, aquí se trata de un guarda forestal muy loco y obsesionado con las normas asesinando jóvenes punkis. Es aquí, en la ambientación, donde desconcierta esta The Ranger, ya que la recreación de esos últimos años de los 70 y principios de los 80 es tan indefinida que uno no sabe si es falta de inspiración, algo intencionado, o realmente los personajes son jóvenes modernos de los 2000 jugando a drogarse y disfrazarse de rockeros. El villano da para bastantes situaciones absurdas que son lo mejor de una cinta que tiene poco que ofrecer además de un rato corto y entretenido.

Daniel Andréu

 


 

Nocturna Madrid vuelve a convertirse en una cita obligada para los amantes del fantástico y el terror, con una programación variada y arriesgada, además de unas actividades muy interesantes pensadas para que disfrutemos al máximo durante estos seis días. Mención especial al jugo que se le ha sacado a la visita de Don Mancini, que se ha quedado con nosotros durante toda la semana y se ha convertido en el alma protagonista de esta edición. No queda más que agradecer la gran labor de la organización del festival por crear un evento de calidad en el que se ha puesto mucho cariño y corazón. Ahora solo queda esperar al otoño de 2019.

 

PALMARÉS

PREMIO NOCTURNA MADRID AL MEJOR CORTOMETRAJE NACIONAL:
AMANCIO, VAMPIRO DE PUEBLO – DE ALEJO IBÁÑEZ

PREMIO NOCTURNA MADRID AL MEJOR CORTOMETRAJE INTERNACIONAL
BAGHEAD – DE ALBERTO CORREDOR

PREMIO NOCTURNA MADRID A LOS MEJORES EFECTOS ESPECIALES
THE NIGHTSHIFTER (MORTO NÃO FALA) DE DENILSON RAMALHO

PREMIO NOCTURNA MADRID AL MEJOR GUIÓN MAMORU HOSODA POR MIRAI MI PEQUEÑA HERMANA

PREMIO NOCTURNA MADRID “VINCENT PRICE” AL MEJOR ACTOR
CHRISTOPHER ABBOT POR PIERCING

PREMIO NOCTURNA MADRID A LA MEJOR ACTRIZ BRITTANY ALLEN POR WHAT KEEPS YOU ALIVE

MENCIÓN ESPECIAL A “THE INVOCATION OF ENVER SIMAKU” por su atrevimiento formal y argumental en su propuesta de combinar terror clásico, documento político y social, recuperando el folclore y las creencias ancestrales como mecanismos del horror.
PREMIO CANAL DARK a la mejor película de la sección DARK VISIONS
VUELVEN (TIGERS ARE NOT AFRAID) de ISSA LÓPEZ

Y el jurado de la sección DARK VISIONS quiere realizar una mención especial para STA AGATHA de DARREN LYN BOUSMAN por la construcción de personajes, su dirección y la interpretación de las actrices.

PREMIO BLOGOS DE ORO a la mejor película de NOCTURNA MADRID 2018
WHAT KEEPS YOU ALIVE de COLIN MINIHAN

PREMIO NOCTURNA MADRID DEL PÚBLICO A LA MEJOR PELÍCULA
MIRAI, MI HERMANA PEQUEÑA de MAMORU HOSODA.

PREMIO NOCTURNA MADRID AL MEJOR DIRECTOR
PASCAL LAUGIER POR GHOSTLAND.

PREMIO NOCTURNA MADRID “PAUL NASCHY”
GHOSTLAND de PASCAL LAUGIER.

Crónica del Festival Internacional de Cine Fantástico Nocturna 2018: Parte 1

INAUGURACIÓN Y DÍA 1

Llega por fin otoño y con él una cita que ya se ha convertido en referente y punto de reunión para los amantes del cine fantástico y de terror. El festival Nocturna Madrid comienza su sexta edición con un nivel de expectación especialmente grande no solo por lo alto que dejó el pabellón la edición de 2017, sino porque viene precedido por unos meses en los que se ha gestado algo muy especial para el que escribe.

Lo que pasó en la noche del martes durante la inauguración del Nocturna Madrid 2018 fue tan especial como raro. Todo se remonta a principios de año, cuando viendo una de las películas de la saga de Muñeco diabólico, me di cuenta de que en 2018 hacía justo 30 años desde que se estrenó la primera. Se me ocurrió la idea “loca” de proponer a la organización festival que proyectara esa primera película como homenaje por el aniversario, que sería algo guay y que encajaría muy bien con el festival. Y por qué no, traer al creador Don Mancini a que la presentara o algo.

Me contestaron diciéndome que era algo interesante, así que dije que no tenía nada que perder y contacté con el propio Mancini para hacerle llegar el mensaje… ¡y me contestó! Tras un par de mensajes con él y con el Nocturna, todo quedó en manos del festival y salió adelante. En el transcurso de la gala de inauguración me pareció muy surrealista la que se había montado porque a mí me había dado por pensar esa “tontería”. Pero estaba pasando, el creador de Chucky estaba en la sala para recoger su premio de Maestro del Fantástico. Antes, el director del festival empezó a contar la historia de cómo surgió el homenaje a Chucky, llenándome de emoción. Pero no se quedó ahí, casi me da algo cuando dice mi nombre y me pide que vaya al escenario para entregarle el galardón. Fue una sorpresa y mi cara en ese momento un poema, ni siquiera fui capaz de decir nada al micro cuando se me ofreció la oportunidad más allá de “no sabes el pánico escénico que tengo”. Pero nada, ahí estaba yo, que no soy nadie, dándole el premio de honor del festival a Don Mancini, delante de una sala abarrotada.

Siempre se recalca que el Nocturna Madrid es un festival que en parte lo hace el público, algo que se suele decir pero muy a menudo de boquilla. Podrían haber pasado de mí durante la inauguración y yo me habría quedado igual, inmensamente contento porque esto estuviera finalmente pasando. Pero no, tuvieron el detallazo de agradecérmelo delante de todos y encima me cedieron el privilegio de entregar el premio. Eso demuestra que realmente este festival tiene la humildad suficiente como para decir muy en serio que el público somos una parte muy importante de todo esto, lo cual les honra y les separa de muchas otras organizaciones por el estilo. Por supuesto tuve la oportunidad de hablar con Don un momento y volver a comprobar que es un encanto. No tengo palabras de agradecimiento suficiente por esto, la ilusión con la que viví todo anoche es algo que se va a quedar conmigo para toda la vida.

La noche de Halloween (David Gordon Green, 2018 – EE.UU.) – Inauguración

Después de esta intensa apertura, Don Mancini se quedó con nosotros en la sala para ver por primera vez la nueva película de la mítica y longeva saga Halloween, de nuevo titulada en España La noche de Halloween. En este caso con John Carpenter como productor ejecutivo y co-autor de la banda sonora, esta nueva entrega supone una secuela directa de la primera de 1978 que obvia los acontecimientos de las otras nueve películas de la franquicia. Volvemos aquí a Haddonfield 40 años después de que Laurie Strode (Jamie Lee Curtis) se enfrentara al mítico Michael Myers y viviera para contarlo. La protagonista vive en un permanente estado de paranoia y alerta totalmente justificado, sabiendo que el enfrentamiento volverá a suceder muy pronto. Lo que se desarrolla durante algo más de la mitad de la película es correcto y por encima de la media, pero dado que la estructura y el desarrollo es muy similar a la película original, da la sensación de que se está viendo un remake más que una secuela, siempre con sus toques de homenaje y autoconsciencia (“Ah, ¿eres tú el nuevo Doctor Loomis?”). Pero entonces llega el punto de inflexión en el que se le termina de dar sentido a todo y empieza la parte del metraje más potente. Todo el tramo final supone una carrera de fondo tremendamente intensa y violenta en la que el personaje de Jamie Lee Curtis arrasa con todo y asciende al olimpo de las mayores super heroínas del cine de todos los tiempos. Se merecen un monumento tanto ella como Myers, que sigue siendo tan perturbador como en 1978. No sabemos lo que pasará de aquí en adelante, pero si nos queda todavía alguna entrega más que lleve la misma línea que esta y esté a la altura, será bienvenida.

Daniel Andréu

The Nightshifter (Dennison Ramalho, 2018 – Brasil) – Oficial Fantástico

Interesante propuesta de Dennison Ramalho (conocido en el género por su participación en The ABCs of Death 2) en la que nos muestra a un noctámbulo trabajador de una morgue con la capacidad de hablar con los muertos. Aunque no llegue a resucitarlos como el prota de Pushing Daisies, Stênio se convierte en el confidente de los difuntos y todo va bien hasta que rompe una de las normas y utiliza los secretos de los muertos para su beneficio. Tras una brillante primera parte más cercana al suspense en la que trata transversalmente la cruda violencia del día a día de los barrios brasileños, la película abraza el horror en su mitad andando por caminos más conocidos de posesiones y almas condenadas, pero sin perder su notable ritmo, ni el interés del espectador en ningún momento.

David Lastra

DÍA 2

Aterrados (Demián Rugna, 2017 – Argentina) – Oficial Fantástico

A un festival se viene a jugar. A veces ganas, otras veces… Aterrados es un batiburrillo de thriller de nueva ola con casa encantada y espíritus atormentados. El hijo sureño del Universo Warren naufraga no solo por un guion repleto de agujeros sino por su inmensa pretenciosidad. El sinsentido es algo común en este género y no suele ser ningún problema si logra entretener y mantener cierto interés en el espectador. Aterrados no consigue ni lo uno ni lo otro. Un verdadero espanto, pero no de los buenos.

David Lastra

The Invocation of Enver Simaku (Marcos Lledó Escartín, 2018 – España) – Oficial Fantástico

La rareza del festival es este potente docudrama sobre el hombre del saco albanés: Kukuth. Marco Lledó Escartín construye un poderoso ejercicio de investigación, denso y notablemente estructurado en el que vamos descubriendo la realidad (en principio estamos ante la recreación de unos hechos reales) sobre la misteriosa relación entre Enver Simaku, varón albanés que pasó en coma más de treinta años, y una matanza acontecida en tierras albanesas a finales de los noventa. Adictiva y sorprendente.

David Lastra

Malnacido (Benji de la Rosa, 2018 – España) – Oficial Cortometrajes

En este directo cortometraje, una pareja de jóvenes homosexuales sufre el ataque verbal y físico de dos matones, lo que provoca la búsqueda venganza de uno de los atacados. Lo más destacable aquí es la intención de poner en imágenes la rabia de unos hechos que todavía hoy suceden demasiado a menudo.

Abrakadabra (Luciano Onetti y Nicolás Onetti, Argentina/Nueva Zelanda – 2018) – Oficial Dark Visions

No estar preparado para lo que se va a ver en Abrakadabra puede provocar un choque muy fuerte, lo que la hace más disfrutable. Esta cinta es un ejercicio de estilo similar al de The Love Witch (Anna Biller, 2016) En este caso lo que se recrea son los giallos de los 70 de una forma extremadamente fiel, hasta tal punto que incluso lo supera, convirtiéndose en un visionado muy extraño. Todos los elementos (y fallos habituales) del género están en Abrakadabra, el doblaje generalmente desincronizado, los violentos zooms, los colores saturados y sucios, la música estridente y cambiante… No faltan ciertos momentos de humor absurdo e incluso detalles anacrónicos (los tatuajes de uno de los personajes femeninos) que en lugar de sacar de la película hacen que todo se enrarezca aun más. El argumento (un asesino que va matando a sus víctimas con trucos de magia) como en la mayoría de los giallos no importa aquí. No es tarea fácil, pero si se entra en el juego se puede disfrutar completamente.

Daniel Andréu

Why Hide? (James Edward Cook, 2018 – Reino Unido) – Oficial Dark Visions

La mesura es una virtud, siempre que no se hable de terror. El debut en largo de James Edward Cook tiene un poco de comedia, otro tanto de peli de miedo, algo de empoderamiento y conciencia LGBT, otro poquito de mamarrachismo… pero nada en su justa medida. El resultado es una mezcolanza extremadamente sosa y desafortunada. A destacar un par de momentos en los que se adentra en terrenos de buddy movies, pero poco más.

David Lastra

Lobisome (Juan De Dios Garduño, 2018 – España) – Oficial Cortometrajes

Simpático homenaje al hombre lobo de Paul Naschy, este corto que se desarrolla únicamente en unos aseos públicos y que bebe del cine de acción, de mafias y del fantástico, se habría beneficiado mucho de un apartado sonoro más acertado y potente.

What Keeps You Alive (Colin Minihan, 2018 – Canadá) – Oficial Fantástico

Un matrimonio va a pasar el fin de semana a una casa en un bosque canadiense junto a un lago. Todo va bien… hasta que empieza a ir mal y se convierte en un violento juego del gato y el ratón. Esta premisa reflejada mil y una veces en el cine puede llegar a buen puerto o fallar estrepitosamente. En What Keeps You Alive no hay un triunfo absoluto pero sí un éxito considerable. La película no se preocupa por dar innecesarias sobreexplicaciones para justificar algo tan primario como la violencia, que sucede sin más, y eso suma puntos. Por desgracia, como suele pasar con este tipo de argumentos, se pierde un poco por el camino y no sabe bien cuándo terminar. Eso sí, por ese camino consigue que el espectador se lo pase bien con una persecución perversa y retorcida, además de muy bien rodada y con unas muy buenas interpretaciones (a destacar la de Brittany Allen). Otro detalle importante a destacar es la presencia de personajes LGTBIQ+ como protagonistas en este cine de género, algo que no suele ocurrir y contribuye a la normalización que necesitamos.

Daniel Andréu

Crónica del Festival Internacional de Cine Fantástico Nocturna 2017: Parte 3 y palmarés

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Por Daniel Andréu

La jornada del jueves la inauguraron Caye Casas y Albert Pintó haciendo doblete. Presentaron el cortometraje RIP y el largo Matar a Dios, ambos con un estilo muy marcado y similar de comedia negra con toques fantásticos. El primero muestra a una viuda más preocupada en que el funeral de su marido sea un gran acontecimiento que en recuperarle. En el segundo, cuatro personas que pasan una noche en una casa rural familiar, reciben la visita del mismísimo Dios y el peso de decidir qué dos únicas personas quedarán vivas en el planeta tras la aniquilación de la raza humana al amanecer. Los dos títulos exhiben un buen hacer tanto en el apartado técnico como en las interpretaciones, además de un guion con unos diálogos muy ágiles que podrían ser perfectamente obras teatrales. Historias así son las que haría Alex de la Iglesia hoy día si estuviera en un momento más inspirado.

Otra laguna cubierta en mi historial cinéfilo gracias a este festival fue Phantasm (Don Coscarelli, 1979), en la que unos hermanos se ven amenazados por unos extraños seres enanos y un misterioso hombre alto en las inmediaciones de un cementerio. Tuvimos la suerte de disfrutar de la presentación del propio director y de una copia recién restaurada. No hay duda de por qué se ha convertido en una cinta de culto con los años, pero su irregularidad hace pensar que podía haber sido aun mejor, ya que no se aprovecha al máximo el increíble potencial visual e imaginativo que demuestra en las secuencias más fantásticas.

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Tras la gala de clausura, en la que además de entregarse los premios se rindió homenaje a la adorable Caroline Munro y al mítico Jack Taylor (ambos derrochando encanto y ofreciendo momentos preciosos), se proyectó Mom and Dad (Brian Taylor, 2017). Curioso que se programara justo un día antes de ¿Quién puede matar a un niño? (Narciso Ibáñez Serrador, 1976), ya que funciona como su reverso moderno e histérico. Si en el clásico de Chicho los niños mataban a los mayores, en este nuevo trabajo de uno de los directores de Crank (Mark Neveldine y Brian Taylor, 2006) una extraña ola de violencia provoca que todos los padres quieran asesinar a sus propios hijos. Con el mismo estilo directo, nervioso, violento y muy físico en la dirección, se construye una película frenética que no se para ni un momento en innecesarias explicaciones y que ofrece mucho humor y momentos absurdos tremendamente divertidos. Hay que aplaudir que Nicolas Cage con esta película haya abrazado totalmente el icono pop en el que se ha convertido y no pare de reírse de sí mismo, dando lugar a los momentos más hilarantes de la película.

La segunda y última sesión golfa de este Nocturna 2017 vino de la mano de Another WolfCop (Lowell Dean, 2017), segunda parte de una saga que promete alargarse mientras pueda y que cuenta las “aventuras” de un policía hombre lobo, alcohólico y mujeriego. Perfecta para estas horas y este festival, nos ofrece mucho humor, mucho absurdo, mucha violencia y muchos efectos especiales caseros, pero ojalá fuera tan divertida como pretende.

El último día del festival dio comienzo con la premiere europea de Pilgrimage (Brendan Muldowney, 2016), cinta que se desarrolla en la Irlanda de 1209 y cuenta las aventuras de un grupo de monjes que custodian una valiosa y sagrada reliquia en su camino hacia Roma. Lo más interesante de esta película es asistir a los dilemas y las violentas situaciones provocadas por la fe y la iglesia, porque ni siquiera la presencia de dos estrellas internacionales como Jon Bernthal y Tom Holland consigue elevarla por encima de la media.

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Con ¿Quién puede matar a un niño? (Narciso Ibáñez Serrador, 1976) llegó el gran momento que muchísimos estábamos esperando, ver la obra maestra del terror patrio en pantalla grande. Esta historia de dos turistas que se van a una isla española para huir del ruido de las fiestas veraniegas y se encuentran con que misteriosamente no hay ni rastro de personas adultas, no solo no ha perdido con los años, sino que cada vez es mejor. Chicho pasó en el cine del terror oscuro y en espacios cerrados de La residencia (1969) a todo lo contrario, una isla pequeña pero totalmente al aire y a pleno sol. Solo él podía conseguir que un escenario así multiplicara la opresión y a tensión hasta el infinito, ya que maneja magistralmente el ritmo y el goteo de información, ahorrándose cualquier explicación sobre lo que está pasando para elevar el misterio. Vuelve a demostrar que su intención es tratar con el mayor de los cariños al género y que lo que pretende es hacer arte, ya que las imágenes que crea y la forma de mover la cámara son únicas. Por supuesto el conjunto no sería tan poderoso sin el increíble papel de todos y cada uno de los niños, tanto por separado como cuando van en grupo. Puede parecer fácil o simple, pero la intensidad de sus interpretaciones es inaudita.

Para cerrar la edición de este año se volvió a proyectar Dhogs (Andrés Goteira, 2017), la gran triunfadora con el premio a mejor dirección y a mejor interpretación masculina. Como las buenas obras, mejora con cada visionado, y es muy recomendable volver a visitarla para sacar nuevos matices. Los buenos momentos no se han limitado a Dhogs y a los clásicos que eran un valor seguro, el nivel de esta edición ha sido muy alto y ha tenido una selección de títulos variada y arriesgada, fruto de un excelente trabajo, así que esto no hace más que desear que pase rápido el tiempo para que llegue la edición de 2018. Os dejo con el palmarés completo:

– Premio Nocturna Madrid “Paul Naschy” a la mejor película de la Sección Oficial Fantástico: Dhogs, de Andrés Goteira.

– Premio Nocturna Madrid a la mejor dirección: Coralie Fargeat, por Revenge.

– Premio Nocturna Madrid “Vincent Price” a la mejor interpretación masculina: Carlos Blanco, por Dhogs.

– Premio Nocturna Madrid a la mejor interpretación femenina: Matilda Lutz, Por Revenge.

– Premio Nocturna Madrid al mejor guión: Chris Lee y Hill Tyler Macintyre, por Tragedy Girls.

– Premio Nocturna Madrid a los mejores efectos especiales: Les affamés.

– Premio Nocturna Madrid del público a la mejor película: Bajo la rosa, de Josué Ramos.

– Premio Nocturna Madrid al mejor corto nacional: Marta no viene a cenar, de Macarena Astorga.

– Premio Nocturna Madrid al mejor corto internacional: Keep Out of Children’s Reach, de Gustavo Sánchez.

– Premio Canal Dark a la mejor película de la sección Dark Visions: The Night Watchmen, de Mitchell Altieri.

– Premio Blogos de Oro: Revenge, de Coralie Fargeat.

Crónica del Festival Internacional de Cine Fantástico Nocturna 2017: Parte 2

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Por Daniel Andréu

La segunda jornada de esta edición del Nocturna dio comienzo en la Sala 1 de los Cines Proyecciones con el cortometraje Robot & Scarecrow (Kibwe Tavares, 2017). Como su propio nombre indica, se trata de la historia de una robot y un espantapájaros. Los protagonistas se enamoran durante un festival de música, y por desgracia el corto se queda en la anécdota y no va más allá. Se hace un despliegue de medios bastante considerable, con unos efectos especiales por captura de movimiento para el espantapájaros y sobre todo para la robot, casi a la altura de las grandes producciones. Además cuenta con música de, entre otros, el productor de música electrónica Nils Frahm, para acompañar la actuación de la (muy inspirada en la artista británica FKA Twigs) estrella robótica. Pero todo el alarde de poderío económico no añade nada a esta visión de anuncio de festival de música, dejándonos con la sensación de haber visto un spot publicitario o un trailer de algo que debería tener más fondo.

Justo después llegó Most Beautiful Island (2017) dirigida y protagonizada por la española Ana Asensio. Esta fue una de las apuestas más diferentes de lo que va de festival, ya que esta historia de una española que lucha por malvivir en Nueva York es un thriller con un trasfondo social muy fuerte y con nada de fantástico o terror. Aunque eso no hace que deje de ser compatible con un festival como Nocturna, ya que la propia situación de Luciana como inmigrante puede provocar más de una pesadilla debido a la crudeza y el realismo con que está mostrada. La vida de esta joven resulta escalofriante de por sí, pero lo es aun más asistir al descenso a los infiernos que se intuye con cada paso que da y que culmina con una situación  propia del thriller más convencional, pero muy tensa y bien llevada.

Defuncionario (Wiro Berriatúa, 2017) es una comedia fantástica de 17 minutos en la que un hombre da tumbos por un limbo burocrático para dar el paso final de la vida a la muerte tras un accidente de coche. Este bienintencionado cortometraje solo pretende hacer reír y pasar un buen rato y demostrar que en España también sabemos hacer ese tipo de cine fantástico de efectos especiales y criaturas de otros mundos, pero lo hace a través de un humor muy añejo que falla en todo momento. Al final lo más interesante es la sucesión de cameos, con Fernando Ramallo o Javier Gurruchaga entre otros.

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Bastante se ha hablado del paso de Tragedy Girls (Tyler MacIntyre, 2017) por el festival de Sitges, definida por algunos como nueva joya de culto o como sucesora perversa de Chicas malas (Mark Waters, 2004), pero esta película sobre dos amigas de instituto que se dedican a cometer crímenes para poder llenar de contenido sus redes sociales no es ni una cosa ni otra. Para empezar, no tiene a una guionista tan buena como Tina Fey, por lo que se queda a años luz de resultar tan divertida. Además, y este es su principal punto débil, el continuo intento de ser bizarra, macabra o retorcida es demasiado intencionado y termina resultando una pose muy falsa. Lo que en Feliz día de tu muerte era una idea interesante desarrollada con un buen guion, aquí es todo lo contrario, pues la explicación del propósito de las protagonistas es muy confusa durante buena parte de la película y la verosimilitud es nula incluso dentro del propio universo de la cinta. No vale con crear una situación alocada si te vas a olvidar de que tenga sentido. Por suerte, tiene unos cuantos momentos divertidos y la mayoría de los actores están realmente bien, sobre todo Alexandra Shipp y Kevin Durand, que consiguen que el espectador desee que la película girara en torno a ellos dos.

Con su nuevo cortometraje Gotas (2017), el director Sergio Morcillo y el guionista Santiago Taboada, con la ayuda de los mecenas que participaron en su campaña de crowdfunding, hacen un esfuerzo por pasarse a un terror mucho más psicológico. Este corto sobre una joven bailarina con pasado traumático que se enfrenta a sus miedos más internos falla en su objetivo de crear cualquier tipo de tensión, y hay dos claros culpables. Primero, unos actores (incluyendo la voz telefónica) que no están ni cómodos ni naturales en sus papeles. Y segundo, un uso extremadamente excesivo de una música ruidosa y molesta que cuando satura los oídos de los espectadores rompe por completo cualquier atmósfera que se estuviera intentando crear.

La primera sorpresa del festival llegó con Dhogs (Andrés Goteira, 2017), que a través del cruce de tres historias relata el continuo sufrimiento de una mujer a manos de una serie de malignos personajes. La propuesta del director y guionista, rodada en gallego, sobresale con unas influencias como Michael Haneke, David Cronenberg o incluso David Lynch, y ofrece un juego de meta-lenguaje en el que las fronteras entre la película y el espectador se confunden. Dhogs tiene un ritmo muy pausado pero consigue transmitir intensamente la violentísima y cruel naturaleza de sus personajes, y a través del descubrimiento de sus capas nos hace partícipes de esa violencia. Todo en esta película funciona a la perfección gracias a una acertada dirección, un trabajo técnico impecable y una música ruidista y experimental que es un elemento más de la crudeza del film. Mención aparte merece todo el reparto, que desde el primer minuto ofrece unas interpretaciones extraordinarias que consiguen una naturalidad increíble tanto en los momentos más tranquilos como en los más agitados. Todos los implicados en esta película se merecen el mayor de los éxitos y el mejor futuro en esta difícil industria del cine.

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Este certamen no solo sirve para ver cine de género actual, también da la oportunidad de revisitar clásicos y/o cubrir lagunas cinéfilas imperdonables, como fue el caso de la película con la que arrancó la tercera jornada. El viernes del Nocturna 2017 empezó con Maniac (William Lustig, 1980), presentada por la propia Caroline Munro, en la que un perturbado asesina a un montón de mujeres para arrancarles la cabellera como trofeo. El ínfimo presupuesto lo suple principalmente la interpretación de Joe Spinell, tan extraña que hace pensar que el propio actor estaba así de loco en la realidad. Cuenta con uno de los tramos finales más perturbadores que recuerdo en slashers de este tipo.

Que Luis Tinoco haya trabajado en los efectos especiales de películas como Interstellar (Christopher Nolan 2014) o Hércules (Brett Ratner, 2014), no es casualidad. En Caronte, corto hecho por su estudio, los efectos son el absoluto protagonista. La historia de una niña que recuerda a través de un videojuego a su hermano fallecido, aunque entretenida, resulta un tanto ñoña y queda en un segundo plano.

En Les affamés (Robin Aubert, 2017) se muestra cómo varias personas intentan sobrevivir en un bosque canadiense tras un holocausto zombi. No hay más. Esto es de lo que se quejan aquellos a los que no les ha gustado, pero en realidad el director sabe hacer que sea su mayor virtud. Hacía tiempo que una película de zombis no transmitía con tanta verosimilitud lo que realmente pasaría en una situación así y cómo nos comportaríamos. Un gran acierto es no despojar a los personajes de su sentido del humor, pues es una reacción humana comprensible. No hay que ser tan intensos. Les affamés también tiene un par de elementos sin explicación que añaden un interesante misterio a la trama.

El cortometraje I Am the Doorway (Robin Kasparik, 2017), basado en un relato de Stephen King, muestra en primera persona la agonía de un hombre atrapado en una nave espacial que sufre una infección alienígena. Está contado de forma más expresiva que narrativa, lo que puede echar para atrás a más de uno, pero su atmósfera consigue atrapar y generar tensión en unos escasos 15 minutos.

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Avalada por el premio a la mejor dirección en el Festival de Sitges, Revenge (Coralie Fargeat, 2017) cuenta la violenta venganza de una mujer contra tres hombres que la violan y la maltratan en una casa situada en mitad del desierto. La directora construye unas imágenes tan artísticas como físicas y violentas. El único fallo de esta película es no posicionarse claramente entre lo serio y lo desfasado, por lo que los momentos más exagerados (que son muchos) pueden sobrepasar la frontera de la verosimilitud y hacer que el espectador arquee las cejas. Pero si uno se deja llevar, va a disfrutar muchísimo con este cuento del gato y el ratón de ultraviolencia muy bien rodada. Además, también merece la pena por la intensa interpretación de la actriz Matilda Lutz, que se convierte en una maravillosa superheroína de acción.

La primera sesión golfa del festival vino de manos de Game of Death (Sebastien Landry y Laurence Morais-Lagace, 2017), que no es otra cosa que la versión en clave de terror adolescente de Jumanji (Joe Johnston, 1995). Una pandilla de jóvenes que pasan el fin de semana en una casa con piscina deciden matar el aburrimiento con un juego de mesa que encuentran y que les obliga a matar a una persona cada pocos minutos si no quieren ir muriendo ellos poco a poco. Si esta película no se tomara tan en serio podría haber servido de entretenimiento, pero lo que podría haber sido un despiporre de gore y cabezas explotando, termina siendo una cinta bastante plasta.

Crónica del Festival Internacional de Cine Fantástico Nocturna 2017: Parte 1

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Por Daniel Andréu

Un año más acudimos a la imprescindible cita con el cine de género en la 5ª edición del Festival Internacional de Cine Fantástico Nocturna 2017, que este año llega con energías renovadas, nueva dirección nueva sede en los Cines Proyecciones tras el cierre de los queridos Palafox.

Esta edición tuvo como primera proyección el cortometraje Bye Bye Baby, dirigido por Pablo S. Pastor. El propio director hizo una breve introducción en la que, entre otras cosas, dijo que su película favorita es Scream (Wes Craven, 1996). No tenía que jurarlo, pues la conversación con la que empieza el corto, en esa cocina, en esa casa, y con ese corte de pelo que lleva la protagonista, no podía tener otra inspiración. Referentes aparte, el corto se sostiene por sí mismo con una sencilla historia de misterio sobre una joven que empieza a notar sucesos extraños en su casa y… bueno, es mejor que el resto lo descubráis vosotros mismos. Lo más destacable es el apartado técnico, dejando claro que el dinero conseguido en el crowdfunding con el que se financió el proyecto tuvo el mejor uso posible, tratando con detalle y cariño la producción. En el tiempo que dura no tiene oportunidad ni de destacar especialmente ni de fracasar, pero hay mucho potencial, y esperamos que la versión en largometraje, que ya se está preparando, sea su confirmación.

La sección oficial de este año quedó inaugurada con The Heretics (Chad Archibald, 2017), cinta de terror sobre una joven que en el pasado fue secuestrada por una secta satánica para ser víctima de un ritual, y de nuevo vuelve a vivir esta pesadilla. En principio esta premisa no indicaba nada bueno ni nada malo, pero por desgracia el avance de la película se inclinó más hacia lo segundo. Se trata de un largometraje que, ante la falta de buenas ideas, obliga al espectador a hacer un esfuerzo por encontrar detalles que merezcan la pena. Lo que parecía que iba a ser algo entretenido lleno de algunos giros y sorpresas interesantes no tarda en degenerar y aburrir. Se agradece el juego al despiste sobre quién es realmente el villano, o qué personajes tienen un sorprendente pasado en común, pero cuando el guion decide olvidarse por completo de atar cabos o hacer que las situaciones sean verosímiles, cuesta ser benevolente con lo que se está viendo. Otra ilusión efímera fue el maquillaje, con unos efectos bastante conseguidos… siempre que la cámara no estuviera cerca ni hubiera mucha luz. En cuanto los planos se cierran, se ven las costuras de un trabajo pobre. El último detalle relativamente llamativo es ver la transformación final de la víctima, pero entonces es cuando el director se saca de la manga un absurdo epílogo y demuestra que esa transformación no era para nada interesante.

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Como prólogo al homenaje que Nocturna rinde este año a Narciso Ibáñez Serrador, se proyectó dentro de la sección Classics la película de 1969 La residencia. Esta película ambientada en un estricto internado para jóvenes problemáticas en el que se suceden varias muertes y donde nada es lo que parece fue presentada de una forma muy particular. Aunque hubiera extraños cambios en la calidad de imagen y frases sin doblaje, hay que agradecer al festival y a la distribuidora el esfuerzo por traer una copia sin censura y lo más cercana posible a la visión original del director. El tiempo pasa para todos, pero al contrario de lo que puedan pensar algunos contados espectadores que se reían en los momentos más dramáticos, esta película no ha hecho más que mejorar en los casi cincuenta años desde que se estrenó. Lilli Palmer en su papel de regenta del internado consigue ser uno de los pilares sobre los que se sostiene esa atmósfera tan opresora que es el mayor fuerte del film. Nadie se salva en esta cinta de terror con toques de giallo, todos los personajes esconden secretos y sacan lo peor de sí mismos. Chicho Ibáñez Serrador no se limitó a crear una historia entretenida, porque lo que él quiso fue hacer arte con el género. Las escenas de asesinatos son de una belleza que a día de hoy no han sido superadas, la secuencia en la que todas las chicas están cosiendo mientras una de las compañeras va a tener un encuentro secreto con un hombre es de una intensidad insoportable, y la historia de Lilli Palmer con su hijo es muy atrevida y turbia. Chicho mueve su cámara como el maestro que es y se ayuda de un diseño de producción exquisito, y es por todo eso que en 2017 La residencia es capaz de provocar tantos escalofríos como en 1969.

Para la gala de inauguración del festival hubo invitados de excepción como Caroline Munro o Jack Taylor, pero ellos van a tener su momento otro día. El viernes todos estábamos por el genio Chicho Ibáñez Serrador que iba a recibir el Premio Maestro del Fantástico por toda su trayectoria en el cine y la televisión. El delicado estado físico del director no le impidió hacer un enorme esfuerzo por venir a recibir su merecidísimo homenaje, y tras un momento en el que parecía que no iba a poder hablar, agarró el micrófono y convirtió la noche en pura magia y emoción. Tras el visionado de un bonito vídeo recorriendo su obra, hizo una interesante reflexión sobre la importancia del silencio en el cine de terror. Sus sabias palabras no estuvieron faltas de humor, consiguiendo que ese valioso silencio se rompiera por nuestras carcajadas. Lo que iba a ser un detalle del Nocturna y del público hacia Chicho, se convirtió en un honor de él hacia nosotros, porque recibir tanta sabiduría y cariño por su parte es algo que no tiene precio. Fue imposible no sobrecogerse con los aplausos y gritos llenos de amor y admiración que llenaron la sala.

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Después del que sin duda quedará como uno de los momentos más bonitos de todo el festival, llegó la hora de inaugurarlo oficialmente con Feliz día de tu muerte (Happy Death Day, Christopher Landon, 2017), el nuevo éxito de la factoría Blumhouse, que será uno de los estrenos importantes de estas navidades en España. Su argumento es tan sencillo como hacer un cruce de Atrapado en el tiempo (Groundhog Day, Harold Ramis, 1993) con cualquiera de los muchos slashers ambientados en universidades y hermandades que hay. La estudiante Tree empieza a revivir una y otra vez el mismo día, que no solo es el de su cumpleaños sino también el de su muerte a manos de un misterioso asesino. Precisamente en esa sencillez radica el éxito de la cinta. Cuando lleva cinco minutos ya sabemos todo lo que va a pasar, cómo se va a usar cada elemento de los que se repite cada vez que la protagonista muere, y cómo va a ir evolucionando la trama. Pero el director y el guionista son totalmente conscientes y se aprovechan de ello gracias a un ritmo que no decae en ningún momento y a un guion con mucho humor que nunca cae en la saturación, y además se guarda algunos momentos realmente sorprendentes. Por si fuera poco, de un plumazo y de la manera más simple y efectiva posible, se quita de encima con mucha gracia el peligro de ser criticada por tener un argumento demasiado similar al del clásico film de Harold Ramis (pero eso, mejor descubridlo vosotros mismos). Mención aparte merece la actriz Jessica Rothe, que con toda la facilidad del mundo lleva sobre sus hombros el peso de la película, haciendo gala de un lado cómico que, si el mundo es justo, dará mucho que hablar.

Crónica de la Muestra Syfy 2016

Leticia Dolera Syfy

El 13 es un número especial, históricamente asociado a la mala suerte, y con el tiempo justo lo contrario, un símbolo de buena suerte para los que gustan de llevar la contra. Para los fans del cine fantástico, el 13 ha significado algo muy especial este fin de semana: una de las mejores ediciones de la Muestra Syfy. Nuestro mini-festival favorito se ha mudado de residencia, pero sigue viviendo en el mismo barrio. De los Cines Callao al Cine de la Prensa de Gran Vía, sin perder en la mudanza ni un ápice del entusiasmo que lo caracteriza.

Como todos los años, nos damos cita con la Muestra Syfy, organizada por el canal de televisión Syfy España, para ver cine de género (fantástico, ciencia ficción, terror, animación) durante cuatro días (este año del jueves 3 al domingo 6 de marzo). Una veintena de películas que han conformado una programación en la que, como de costumbre, han tenido cabida las ideas más disparatadas y las propuestas más curiosas. Muertos vivientes, fantasmas, zombies, demonios, extraterrestres y caníbales (por partida doble, que este año ha sido el de los antropófagos), todos se han reunido un año más para la gran fiesta del cine fantástico en Madrid.

Y como decía, aunque hayamos cambiado de emplazamiento, el espíritu de la Muestra sigue intacto. Por un lado gracias a la organización, que ha llevado a cabo el cambio de la forma más fluida (esperábamos que al cambiar de una sala grande a tres más pequeñas hubiera un caos mayor, y para nada), por otro a los seguidores (bautizados “mandanguers” -o mandangers- durante la última sesión del domingo), incansables, “motivados” y con ganas de darlo todo en las proyecciones, y por último, pero no por ello menos importante, gracias a la gran Leticia Dolera, que un año más se corona como la reina geek (Mandanga Queen) de nuestro país. Parece mentira, pero Dolera se supera cada año. El nivel de complicidad que ha alcanzado con los asistentes a la Muestra es increíble (para entender los chistes internos o la importancia de las palabras “mandanga” y “Canino” hay que haber estado allí), y se ha notado especialmente en esta edición, en la que, entre otras muchas cosas, ha recordado a sus compañeros de Al salir de clase con velas en la mano (in memoriam?), ha demostrado su amor por Buffy, ha llamado por teléfono a Raúl Arévalo, al que dejamos un mensaje de voz porque no lo cogió (y al que esperamos ver en la próxima edición, no nos falles, Raúl), ha cantado los precios de la cantina, ha reivindicado a Chicho Ibáñez Serrador (Goya honorífico ya), ha criticado (de bromi) a los actores españoles por no vocalizar, y por supuesto, ha repartido Huesitos entre el público. Todo del mejor rollo posible. Gracias, Leticia. Sin ti la Muestra no sería lo que es.

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Dicho esto, pasemos a hablar de las películas que hemos podido ver este año. Muchas de las que, por cierto, tienen distribución en España, así que anotad las recomendaciones. La Muestra dio el pistoletazo de salida el jueves 3 con el preestreno de La invitación, de Karyn Kusama, uno de los grandes éxitos de la pasada edición del Festival de Sitges, donde se alzó con el premio a la mejor película del certamen. Con un reparto de caras conocidas, sobre todo para el seriéfilo (Logan Marshall-Green, Michiel Huisman o John Carroll Lynch), La invitación es una cinta malrollera que recuerda a Coherence en sus ambientes y a La cena de los idiotas por su mala baba. Kusama sabe dosificar la información como si de un menú degustación se tratase y nos embriaga de tal manera que seguimos pidiendo más a pesar de que sintamos ya los ardores de las horas posteriores. Menos mal que tiene el detalle de ofrecernos un chupito digestivo para pasar el (mal) trago.

El viernes 4 nos deparaba más de una sorpresa. El primer día propiamente dicho de la Muestra arrancaba con la noruega Villmark Asylum, secuela de uno de los mayores éxitos cinematográficos del país nórdico que nos proponía de nuevo (“nos” es un decir, porque de los cientos que estábamos en la sala solo cuatro fans aplicados habían visto la primera) una historia de terror ambientada junto a un lago remoto, concretamente en un hospital abandonado donde se trataba a los enfermos de tuberculosis muchos años Imagen 2atrás. Como podéis imaginar por la descripción, Villmark Asylum es la típica película de “manicomio encantado”, y recurre a los tópicos y la imaginería habitual del género (fantasmas de pacientes y enfermeras deambulando entre pasillos, experimentos inmorales), donde por desgracia se queda completamente estancada sin saber qué contar. Un rollazo.

Las dos siguientes películas de la tarde sirvieron para arreglar el mal sabor de boca de Villmark 2 (su título original) y despertarnos de la siesta. En primer lugar, la británica Nina Forever nos planteaba una premisa sencilla a la par que interesante, con una historia romántica sobre un chico que perdió a su novia en un accidente y, cuando intenta iniciar una nueva relación (concretamente cuando practica el sexo con su nueva pareja), la novia se le aparece tal y como quedó tras el accidente para atormentarle a él y a la chica. Una metáfora sobre las relaciones y la pérdida que, a pesar de resultar demasiado evidente, da para muy buenos momentos, aunque al final se pierda por no saber cómo ni cuándo concluir la historia. Nos quedamos con la primera hora de la película, rebosante de sentido del humor, emotividad y erotismo, y con las interpretaciones de su trío protagonista, en especial las femeninas, Fiona O’Shaughnessy y Abigail Hardingham. En segundo lugar, llegó la esperadísima (y apaleadísima) nueva película de Eli Roth, The Green Inferno, y resultó ser uno de los mayores éxitos entre el público de la Muestra. Roth ha orquestado una película repugnante, nauseabunda, con los peores actores del mundo y autoconscientemente mala que se reveló como la oferta perfecta para la Muestra, como demostraron las continuas carcajadas y aplausos de la sala. Una cinta idónea para este tipo de ocasiones, en las que a veces es mejor no pesar demasiado lo que se está viendo y dejarse llevar. Eso sí, vais sobre aviso si decidís verla: al igual que su día Holocausto caníbal (de la que evidentemente bebe, y come, mucho) sus imágenes gore pueden provocar más de un mareo.

Las sesiones nocturnas del viernes nos dejaron otra sorpesa. Desafortunadamente no fue la española Vulcania, que fue recibida con indiferencia y aburrimiento generalizado (quizá si los responsables del film no hubieran estado en la sala presentándolo el público se habría ensañado más). El debut de José Skaf en la dirección de largometrajes es una oportunidad perdida, una película que recuerda demasiado a El bosque (aunque Skaf asegurase que todo parecido es coincidencia) y que, a pesar de su excelente factura y buen reparto, nos deja completamente a medias (aquí podéis leer una crítica completa de la película, que ya está en cines). A continuación , la primera sesión golfa de la Muestra 2016 nos presentaba la primera parte de la japonesa Parasyte, de Takashi Yamazaki, film que fue recibido cálidamente por el público del Cine de la Prensa. Parasyte, Part I  es la hilarante visión japonesa de la Nueva Carne de Cronenberg (se trata de la adaptación live action del manga del mismo nombre), con momentos cómicos muy conseguidos y una épica tan ridícula como convincente. Por una noche, Migi destronó a Huevón como rey de la madrugada Syfy.

BONE TOMAHAWK

El sábado por la mañana tenía lugar la primera sesión Syfy Kids, con la proyección de una de las nominadas al Oscar a Mejor Película de Animación este año, The Boy and the World, distribuida en España por Rita & Luca Films. La tarde comenzaba con la surcoreana The Piper, adaptación libre de El flautista de Hamelín que tiene lugar en una pequeña aldea azotada por una plaga de ratas, donde un hombre y su hijo hacen una parada para ayudar a los habitantes. La película de Kim Kwang-tae comienza como una comedia amable con toques de realismo mágico y en su tramo final se transforma en una historia oscura, trágica y macabra. Una película peculiar de la que se pueden destacar bastantes virtudes, entre las cuales por desgracia no se encuentra la consistencia. A continuación se proyectaba la caboyano-americana Listening, que juega con la idea de la manipulación de la mente y la creación de la telepatía, y que fue con diferencia una de las peores películas de la muestra. Llamarla amateur sería quedarse muy cortos. Una primera parte que copia descaradamente a Primer da lugar a una segunda mitad que adquiere tono épico-conspiranoico y se hunde en el mayor de los ridículos. Y lo peor de todo, el asqueroso machismo que recorre toda la cinta. Lamentable. Pero es que esa misma noche pudimos ver otro desastre de proporciones épicas, Generación Z (título español para The Rezort), una Parque jurásico con zombies en lugar de dinosaurios que, por muy atractiva que suene la idea, no podría haber dado lugar a una película más terrible. Y lo peor no es el planteamiento completamente absurdo (eso no es un problema en la Muestra), sino que ¡se toma en serio! y contiene un mensaje político que no podría estar hilado de forma más patética. Menos mal que justo antes habíamos disfrutado del plato fuerte del día, Bone Tomahawkwestern atípico cargado de humor, violencia extrema (condensada en su magnífica recta final, donde podemos ver una de las muertes más despiadadamente brutales y gráficas de la historia del cine) y grandes interpretaciones, en especial la de Richard Jenkins, que conquistó a la sala al completo. Una gozada.

Foto de Mara

El sábado muchos hicimos un paréntesis para asistir a la proyección del musical de Buffy, cazavampiros, “Once More, With Feeling” (6×07), una ocasión de lujo para poder ver en pantalla de cine uno de los capítulos más emblemáticos de esta serie de culto. El ambiente seriéfilo era inmejorable y nuestra anfitriona, Leticia, nos preparó una presentación genial. En primer lugar nos hizo un recorrido por la serie, resumiendo las temporadas y hablando sobre la experiencia que supone ser espectador de Buffy, en especial si se vio por primera vez durante la adolescencia (o post-adolescencia). A continuación recomendó el libro sobre Joss Whedon De la Estaca al Martillo, que como muchos sabéis, coordiné el año pasado junto a mi colega, amiga y admirada Cazadora Irene Raya. Aunque ya lo hice en persona, desde aquí quiero agradecer de todo corazón una vez más a Leticia por hablar del libro en la proyección (en dos proyecciones distintas, de hecho), fue un detalle precioso que convirtió lo que ya estaba siendo una gran Muestra en mi mejor Muestra. Por último, Dolera orquestó un gran momento fan junto a los fans de Buffy, haciéndonos ensayar un fragmento de la canción “Walk Through the Fire“. ¿El resultado? Juzgad vosotros mismos:

Y llegó el último día. El domingo suele ser una jornada de mayor relax en la Muestra, y este año ha cumplido esa norma. El día arrancaba con la polaca Demon, adaptación moderna de la leyenda del dybbuk judío que transcurre durante una boda tradicional en el campo. Una película divertida, surrealista e inteligente que acercaba el cine de autor europeo a la Muestra, demostrando que cualquier tipo de propuesta fantástica tiene cabida en ella. Demon resultó ser una de las películas más interesantes de este año, un relato impregnado de vodka e historia (la de unas ruinas que no se pueden o no se quieren reconstruir), de un humor absurdo y filosófico exquisito y una memorable interpretación protagonista, la de Itay Tiran. Su director, Marcin Wrona, se suicidó en 2015, dejándonos una excelente obra póstuma. Una pena no saber hasta dónde podía haber llegado su talento.

La tarde del domingo continuó con Jeruzalem, un found footage ambientado en la capital israelí y protagonizado por dos turistas americanas cuyas vacaciones se ven interrumpidas por el día del Juicio Final. The Paz Brothers abordan el hastiado género del metraje encontrado intentando revitalizarlo con un nuevo gadget: las Google Glass. De esta manera salen airosos del engorro que suelen tener todos los directores para justificar el hecho de que sus protagonistas no dejen de grabar. Pero más allá de eso, no hay nada verdaderamente destacable de Jeruzalem, además de su bello y original emplazamiento. Una película que sigue los dictados del género (y demuestra algo más que admiración por [REC], como advirtió después Dolera, o Cloverfield) y al menos entretiene y cumple su función a pesar de caer en el despropósito continuamente. Y después de Jeruzalem, dimos un giro de 180º grados en el tono para disfrutar de la (muy) británica Absolutamente todo, dirigida por Terry Jones (miembro de Monty Python, guionista de Dentro del Laberinto, que también se pudo ver en una sesión especial en homenaje a David Bowie), una comedia directamente salida de los 90 que recuerda demasiado a Como Dios, pero que resultó ser un soplo de aire fresco gracias a sus divertidos diálogos y al buen hacer de su protagonista, un carismático Simon Pegg demostrando que puede ser un gran leading manAbsolutamente todo también destaca por ser la última película de Robin Williams (en ella dobla al perro Dennis y nos deja algunos de los mejores momentos de la cinta) y por contar con las voces de lo Monty Python dando vida a los extraterrestres que otorgan los poderes al personaje de Pegg.

hiddleston high rise

La Muestra 2016 tocaba a su fin con la esperadísima High-Risepelícula dirigida por Ben Wheatley y escrita por él junto a Amy JumP a partir de la novela de J. G. BallardHigh-Rise venía precedida de mucha expectación, aunque acabó siendo una gran decepción (y no es que no nos lo hubieran advertido desde Sitges y otros festivales). High-Rise es una cinta post-apocalíptica retro-futurista que podría describirse (muy superficialmente) como una fusión de BrazilSnowpiercer. La película tiene un planteamiento muy interesante y suficientes elementos atractivos por separado (la estética, la música, la percha de Tom Hiddleston, el sorprendente talento de Luke Evans), pero en conjunto resulta fallida, sobre todo por un empeño, casi exhibicionista y provocador, en el estilo por encima de la sustancia, y la locura y el absurdo porque sí, lo que juega en detrimento de la historia. High-Rise se pierde en la no-narratividad hacia la mitad de su metraje y no se recupera, rematando su “relato” con una conclusión sobre-explicativa que subraya demasiado el mensaje y parece que ya va con recochineo. Probablemente estemos ante una obra incomprendida que será reivindicada como película de culto. Quizá solo sea una pretenciosa paja mental que acabaremos olvidando. El tiempo lo dirá.

Y hasta aquí otra Muestra Syfy llena de buen rollo, amistad y celebración de la cultura fan y el cine (y la tele) de género. Me despido con una de las frases más bonitas de Leticia Dolera, pronunciada (con toda sinceridad y convencimiento) durante una de sus encantadoras presentaciones:

“Axioma: Te gusta el cine fantástico y de terror, eres buena persona. Te gusta Buffy, eres buena persona”.

¡Hasta el año que viene, Mandangers!

Texto de Pedro J. García y David Lastra

Nocturna Festival de Cine Fantástico de Madrid 2015 – Tercera crónica

suburbangothic

DÍA 5

Charlie’s Farm (Australia, 2014)

charlies farmUn grupo de amigos, tres australianos y una americana (interpretada por la peor actriz del mundo, Tara Reid), organizan un viaje rural en la Australia profunda. Uno de ellos siente mucha curiosidad por la leyenda de la granja de Charlie, lugar donde habitaba una familia de asesinos caníbales que fue matada violentamente por la muchedumbre enfurecida del lugar, y engaña a las chicas para que este sea el destino de la excursión. A pesar de las advertencias que se encuentran en el camino, los jóvenes deciden pasar unos días en la granja, donde aún merodea Charlie, el hijo pequeño de la familia que escapó a la masacre. Debido a una enfermedad congénita, Charlie ahora es un monstruo gigante que vive como un salvaje en una cueva cercana a la granja y mata a los que se atreven a poner un pie en su antiguo hogar. Según nos contaron los productores de la cinta durante su presentación en el festival, Charlie’s Farm es un homenaje a los slashers más populares, Viernes 13Halloween y sobre todo La matanza de Texas. En el clásico de Tobe Hooper es donde Chris Sun se fija más para desarrollar su Charlie’s Farm. Sin embargo, las comparaciones le hacen flaco favor, ya que Charlie’s Farm es un sucedáneo de sucedáneos, una película que se entrega deliberadamente a los tópicos del género y sigue al pie de la letra sus reglas (desde que vimos La cabaña en el bosque cada vez que estamos ante un slasher podemos identificarlas una a una), pero que no consigue divertir ni aterrorizar. La comedia es terrible y la tensión inexistente. Charlie’s Farm es una de esas películas de miedo en la que lo verdaderamente terrorífico es soportar a sus personajes y sus diálogos mientras esperas a que pase algo de una vez. Y lo peor es que para cuando pasa (que es casi exclusivamente durante sus últimos 10 minutos), ya te ha dejado de importar todo.

Pedro J. García

Bunny the Killer Thing (Finlandia, 2015)

bunny_the_killer_thing_38334Toda sesión golfa de un festival de cine fantástico que se precie debe estar cargada de una buena dosis de humor socarrón, mucho cachondeo zafio, algo de casquería y un pequeño (gran) toque erótico; una serie de elementos que faciliten y aseguren el despiporre durante su hora y pico de metraje. De ir todo bien, la sesión será un horror de gritos y carcajadas sin tregua; de fracasar, lo más que se oirán en la sala serán ronquidos. Por esa razón, la elección de la película a ser proyectada a tan intempestivas horas es tarea harto difícil. Una cinta que narra las catastróficas desdichas de un hombre-conejo con elefantiosis que se dedica a violar y descuartizar (o viceversa) a todo bicho viviente que le recuerde (o tenga) a un coño mientras grita “fresh pussy” parecía ser un valor seguro… sí, eso es, parecía. Bunny, the Killer Thing decepciona ante las altas expectativas creadas por su sinopsis. Los noventa minutos de Bunny son un recital reiterativo y cansino de muertes y escenas sin gracia, un suplicio que parece no tener final. A destacar la infinidad de carcajadas del respetable cada vez que aparecía el miembro viril (o conejil, mejor dicho) de la bestia, espero que alguien esté preparando algún ensayo académico sobre el amor y deseo hacia los cipotes por parte del público de este tipo de películas. ¿Cómo resumir Bunny, the Killer Thing en una sola palabra? Muy fácil, esa palabra es: coñazo.

David Lastra

DÍA 6

Backcountry (Canadá, 2014)

backcountryBasada en hechos reales, Backcountry es la historia de una pareja de excursionistas, Jenn y Alex, que viajan a uno de los lugares más remotos de Canadá para visitar los bosques donde él se crió. Sin mapa ni teléfonos móviles, los dos acaban perdiéndose y deben sobrevivir al acecho de un oso salvaje mientras encuentran el camino de vuelta. Backcountry es una película de supervivencia que antepone el realismo al espectáculo. Al igual que hace más de una década hiciera Open Water, Backcountry explora las emociones y los conflictos personales de una pareja en una situación límite. Adam MacDonald construye un thriller inteligente (no confundir con “sus personajes son inteligentes”) en el que la tensión se va acumulando de forma gradual y todas las piezas encajan perfectamente para que la historia se mantenga coherente en todo momento. El punto fuerte de este survival forestal es un guion, minimalista y aparentemente sencillo, pero repleto de matices y detalles que lo convierten en un relato muy sólido, y con una fantástica caracterización de personajes (cuando alguien toma una decisión estúpida, MacDonald se asegura de que tenga sentido en relación a sus personalidades). Lo más interesante de Backcountry es cómo MacDonald juega con los roles de la pareja (él es el macho alfa que cree que no necesita mapa y ella se deja llevar por su chico, seguramente por pena, pero acabará tomando el control para sobrevivir), y cómo maneja sus conflictos personales, intensificándolos con la inquietante presencia de Eric Balfour, al que le basta solo una escena para poner de los nervios al personal. Backcountry parece una película muy simple, pero está llena de capas y todo está medido de forma meticulosa para que en lugar de culpar a los personajes por su situación acabemos pensando que nos podría pasar a nosotros perfectamente.

Pedro J. García

DÍA 7

Suburban Gothic (Estados Unidos, 2014)

Y para terminar esta semana de cine fantástico que nos ha ofrecido el Nocturna, mi película más esperada del festival (con permiso de It Follows, que ya era una de mis películas más esperadas del año): Suburban Gothic, la nueva de Richard Bates Jr., director de aquella curiosa Excision (2012). Con su segunda película, Bates sigue explorando los horrores de ser joven en el siglo XXISuburban Gothic está protagonizada por un recién licenciado en Empresariales, Raymond (Matthew Gray Gubler), que es incapaz de encontrar trabajo y se 201ve obligado a volver a casa de sus padres. Esto supone el reencuentro con su traumática vida adolescente, los compañeros del instituto que le hacían bullying por su problema de peso, la otra chica gorda que aun sigue atrapada en el pueblo, pero ya no está gorda (Kat Dennings), su padre (racista, xenófobo, homófoto y machista), que siempre ha considerado un fracasado a su hijo, y en último lugar, su conexión con lo oculto. El descubrimiento del cadáver de una niña enterrada en el jardín de su casa desata una serie de fenómenos paranormales que Raymond intentará descifrar, como en los viejos tiempos.

Suburban Gothic es ante todo una comedia, y lo justo es valorarla como tal. Además, es lo recomendable, porque como cinta de terror es muy básica y acaba haciéndose excesivamente familiar. Lo que ha hecho Bates es convertir una historia clásica de espíritus en un retrato de la generación perdida. Es como si cogiéramos aquel episodio de Girls en el que Hannah vuelve a casa de sus padres y en lugar de fantasmas metafóricos, la enfrentáramos a fantasmas “reales”. Y eso es lo mejor de la película, cómo reconfigura al héroe, sus “hazañas” y su relación con la chica (mi adorada Dennings haciendo de camarera arisca, qué novedad) para acomodarlo en el universo idiosincrático del veinteañero moderno. Matthew Gray Gubler es un protagonista de terror atípico, un urbanita que se ha creado una imagen y personalidad hipster como contraataque y purga de su vida en el pueblo, pero que en el fondo personifica el fracaso y el autoengaño de su generación. Raymond es neurótico, amanerado (que no gay), desastrado, pero también inteligente, carismático y muy divertido, y nos deja momentos dignos de reaction gif para siempre. En este sentido, hay que reconocer en Matthew Gray Gubler (heredero del mejor Johnny Depp) toda la responsabilidad de que la película funcione. Eso sí, sin desmerecer al resto de reparto (los padres están geniales y hay un cameo muy adecuado de su Majestad Trash John Waters) ni por supuesto el guion de Bates, que aunque discurra por terrenos demasiado convencionales, desprende simpatía y hace gala de un excelente sentido del humor tontiligente y un gran tempo para los chistes. En definitiva, Suburban Gothic es una chorrada encantadora que merece colarse en vuestro panteón de películas de culto.

Pedro J. García

Nocturna Festival de Cine Fantástico de Madrid 2015 – Segunda crónica

it follows

It Follows (David Robert Mitchell, 2014)

DÍA 3

June (Estados Unidos, 2015) OFICIAL FANTÁSTICO

juneL. Gustavo Cooper se acercó el miércoles al Nocturna para presentarnos su nueva película, June, en primicia para los espectadores del festival. Según nos contó el director de Los Ángeles, éramos los primeros en verla (y no es por ser cruel, pero seguramente seremos de los pocos que lo hagamos). June es una historia clásica de niña creepy con poderes extraños que nos recuerda inevitablemente al Damien de La profecía y sobre todo a la más tullidita Carrie. June es una huérfana que ha pasado por varios hogares adoptivos. De carácter retraído, la niña solo habla con su “amiga imaginaria“, Aer, una presencia hostil estrechamente vinculada a ella a la que la niña debe controlar para que no destruya todo a su alrededor. Los nuevos padres adoptivos de June (Victoria Pratt, y atención, Casper Van Dien, que sigue vivo y se ha convertido en un McDreamy con barba canosa y pinta de DILF) proporcionan a la niña un hogar cálido y la posibilidad de tener una familia de verdad. Sin embargo, Aer les pondrá las cosas difíciles, haciendo que se replanteen la responsabilidad de educar a una niña problemática como June. El mayor acierto de la película es sin duda la pequeña Kennedy Brice (Molly en The Walking Dead), que a pesar de no ser ningún prodigio, encaja perfectamente en el perfil de niña inquietante con mirada hipnótica. Por lo demás, June es un film bastante básico y algo rudimentario, un trabajo rodado en digital con bajo presupuesto en el que se nota la falta de recursos. Eso sí, aunque no sea una propuesta original, al menos evita el tópico de la posesión demoníaca, dándole al misterio un enfoque místico relacionado con la naturaleza.

Pedro J. García

Kill Me Three Times (Australia/Estados Unidos, 2014) OFICIAL FANTÁSTICO

kill-me-three-times-posterAl igual que la mayor parte del público angloparlante y muchos de los espectadores de esta sesión del Nocturna, me confieso seguidor de Simon Pegg. Desde su trilogía del Cornetto, hasta sus dominios como rey freak mainstream en las franquicias de Star TrekMisión: imposible, pasando por cualquier comedieta en la que no aparezca más de cinco minutos haciendo un par de muecas. Fan fatal. Por esa razón, me encontraba más que predispuesto ante esta película, una cinta que de primeras no pegaba mucho dentro de la sección oficial de este festival… y que después de haberla visto, aún menos. La floja dirección de Stenders intenta dar vida al endeble guión de McFarland intentando conseguir una dinámica de acción y humor al más puro estilo Tarantino-Ritchie, lo que podríamos llamar “cine con cojones“, con todas las connotaciones negativas que pueda tener esa expresión desde un punto de vista Bechdeliano, pero sin llegar a acercarse ni por asomo al temple de esos dos referentes. Bajo la manida fórmula de la fragmentación, nos vamos enterando de los tejemanejes de una serie de losers por tierras australianas. Adulterio, fraude, asesinatos… Un catálogo de crímenes y miserias del ser humano contadas sin gracia ni cabeza. El absurdo nunca es un problema, si se sabe hacer bien y este no es el caso. Mucho más interesante que la película es la identificación de las caras reconocibles del reparto, un aspecto que hace que la experiencia sea aún más fallida ya que entra en juego el “lo que podría haber sido”. Además de Pegg, nos encontramos con la omnipresente Alice Braga (On the RoadCiudad de Dios), Teresa Palmer (protagonista de Memorias de un zombie adolescente), Luke Hemsworth (cuñado de Elsa Pataky en la vida real) y Callan Mulvey (el mismísimo Drazic de la serie de televisión Los rompecorazones). ¿Quién se salva de ellos y ellas? Pues nadie, digamos que Simon Pegg en alguna escena porque es nuestro niño bonito, pero nada más.

David Lastra

The Midnight Swim (Estados Unidos, 2014) OFICIAL DARK VISIONS

midnight_swimLa doctora Amelia Brooks desaparece durante una inmersión en el profundo Spirit Lake, lago en el que ningún buceador ha logrado alcanzar el fondo. Sus tres hijas se reúnen en la casa junto a ese lago para despedirse de su madre y arreglar los asuntos familiares. Día tras día van sumergiéndose más en las leyendas y misterios existentes alrededor de Spirit Lake. Lo que vemos en The Midnight Swim es el material grabado por una de las hermanas, que lo capta todo con su cámara a lo largo del día. Este formato ya tiene pocas sorpresas que dar, pero puede seguir dando buenos resultados. En el caso de este largometraje se queda a medio camino de conseguir algo realmente destacable. La línea que separa lo sutil de lo vacuo es peligrosamente fina a veces, y en este caso es la mayor amenaza de la película. Realmente es necesario conocer el trasfondo familiar y la relación entre las tres protagonistas para meterse en la película, pero cuando se sacrifica esa historia casi completamente para dar prioridad al día a día de las hermanas se pierde el propósito y la película se estanca. Las pinceladas sobre la mitología que rodea el lago son insuficientes, pero dan lugar a unas cuantas secuencias con una atmósfera de misterio muy conseguida que si no fueran mostradas con cuentagotas tendrían un efecto impacto mayor.

Daniel Andréu

It Follows (Estados Unidos, 2014) PANORAMA

cartel-baja1Para disfrutar mejor de It Follows es mejor no saber nada de ella. No haber leído nada de nada, ni haber visto ni un simple fotograma promocional. Realmente no deberías ni estar leyendo esta pequeña reseña. De todas maneras, prometo no revelar ni lo más mínimo del argumento, solo elevaré tu hypeIt Follows es el único producto cinematográfico de las últimas décadas que merece ser considerado como clásico dentro del cine de Terror. No estamos ante una cinta que basa sus sustos en golpes de sonido que atronarían al mismísimo Hans Zimmer, como las parafernalias infantiloides perpetradas por James Wan y compañía en las mil Insidious y demás sucedáneos, o de la casquería y sadismo sin sentido de las chorradas ideadas por el mismo Wan en la saga Saw y las copias que surgieron a tras su éxito. El film de David Robert Mitchell es un ejemplo de elegancia y saber hacer. Una historia perfectamente articulada, dirigida, interpretada, musicada (Disasterpeace, ya te tengo en mi agenda), fotografiada que juega con el ritmo cardíaco del espectador desde el primer minuto (¡qué pasada de escena inicial!) y no nos deja en paz hasta la llegada de los títulos de crédito (o eso pensamos). It Follows está hecha del material con el que se hacen las pesadillas y ha venido a jodernos el resto de las solitarias noches de nuestras vidas.

David Lastra

Fear Clinic (Estados Unidos, 2014) OFICIAL MADNESS

fear clinicRobert Hall es un prolífico diseñador de maquillaje con una dilatada carrera en el cine (Supersalidos, Paranormal Activity) y la televisión (Buffy, Angel, Firefly, Teen Wolf, Grimm). En 2009 dirigió Fear Clinic, una webserie de cinco episodios que ha convertido en película gracias en parte a una campaña de financiación en Kickstarter. Protagonizada por Robert Englund (acompañado de un reparto joven de rostros televisivos como Cleopatra Coleman, Felisha Terrell o ese fail humano que es Thomas Dekker), Fear Clinic cuenta la historia de un grupo de jóvenes afectados por el trastorno por estrés postraumático después de vivir un tiroteo en un restaurante. La Clínica del Miedo del Doctor Andover (Englund) proporciona a sus pacientes un tratamiento para vencer los miedos pre-existentes que se han agudizado desde el “incidente” o las nuevas fobias generadas a partir del mismo. La “máquina del miedo” parece funcionar con éxito, pero con el tiempo, los miedos regresan a la vida de los pacientes a la vez que una presencia amenazante que parece surgir de la máquina los acecha. Ese es el argumento muy a grandes rasgos de la película, pero creedme cuando os digo que he hecho que suene mucho más coherente de lo que en realidad es. Fear Clinic no tiene ni pies ni cabeza y su historia transcurre a base de ideas (algunas incluso buenas) lanzadas al aire a ver qué sale. Ni Hall ni nadie involucrado en esta película sabe a ciencia cierta qué nos está contando, pero lo peor no es eso, sino que en lugar de dar rienda suelta a lo bizarro, como haría una buena película de Serie B (y como invitaba su argumento), se toma en serio y da prioridad al drama, desperdiciando por completo la figura del mad doctor de Englund. Los penosos efectos digitales y la ineptitud de Hall para crear la atmósfera adecuada (luces parpadeantes durante media hora de película = mala idea) acaban hundiendo por completo la película, que únicamente se salva por unos cuantos sustos bien dados.

Pedro J. García

The-Asylum-Backmask-Exeter-2

Exeter (Marcus Nispel, 2015)

DÍA 4

Liza the Fox-Fairy (Hungría, 2015) OFICIAL FANTÁSTICO

liza-fox-fairy¿Qué clase de animal tenemos aquí? Liza the Fox-Fairy es difícil de catalogar. Lo que está claro es que es una propuesta decididamente diferente y alternativa a lo que acostumbramos a ver en el Nocturna. Digamos que Liza the Fox-Fairy es una comedia musical surrealista euro-japonesa semifantástica o un cuento fabuloso de fantasmas y leyendas protagonizado por una Amélie yeyé. Sí, todo eso. Liza es una enfermera solitaria e introvertida que cuida de una anciana, viuda de un general japonés. Su único amigo es el fantasma de un cantante de pop japonés al que solo ella ve. El cantante está enamorado de ella y los celos le llevan a convertir a Liza en un hada (fox-fairy), una maldición que hace que todos los hombres que se interesen por ella mueran horriblementeLiza the Fox-Fairy es un experimento muy peculiar, hace gala de un exquisito humor absurdo que seguramente haría las delicias de Wes Anderson, y bajo su velo de inocencia y candor hay mucha acidez e incluso mala leche. Su excelente protagonista, Mónika Balsai es todo un descubrimiento. Energética, excéntrica y estéticamente muy golosa (colores pastel, vestuario y diseño de producción deliciosamente setentero), Liza the Fox-Fairy se agradece por alejarse de la norma, aunque en el fondo no aporta nada distinto de lo que podemos encontrar en sus referentes, los Andersons, Gondrys y Jeunets de la vida.

Pedro J. García

Infini (Australia, 2015) OFICIAL FANTÁSTICO

infini_posterY llega por fin el turno de la ciencia ficción al Nocturna. La producción de cine sci-fi es mucho menor que la de terror, por eso es lógico que la proporción en este festival sea de esta manera. Pero vista Infini se podían haber ahorrado el esfuerzo. Qué espanto de película. Estamos ante una cinta de contagio ambientada en el espacio (aunque nunca llegamos a verlo), un misterio de “acción” (énfasis en las comillas) con un toque “reflexivo” (más énfasis aun) que nos teletransporta a una mina espacial junto a un equipo de rescate enviado para recuperar al único superviviente de una epidemia biológica. Allí, los especialistas se enfrentarán al virus, convirtiendo la misión en una pesadilla de la que parece que nadie podrá escapar vivo. Infini es una de las películas más soporíferas y desesperantes que he visto nunca. La falta de medios obliga a construir el aspecto fantástico a base de diálogos descriptivos o planos muy cortos en los que tenemos que imaginar qué está ocurriendo, pero nadie sabe cómo hacerlo. El sentido del suspense brilla por su ausencia, los actores dan auténtica pena (es la segunda película en la que vemos a Luke Hemsworth en el festival, y alguien debería decirle que no está obligado a seguir los pasos de sus hermanos Chris y Liam), la factura técnica hace de Infini un fan film y la falta de presupuesto no se suple con pericia técnica (como por ejemplo en The House on Pine Street). Qué horror de realización, de montaje, de todo. Y para poner la guinda en el pastel, la película termina con un eterno clímax en el que se pone filosófica y poética, lo cual hace que dé aun más pena. Dos horas de mi vida que jamás recuperaré.

Pedro J. García

Exeter (Estados Unidos, 2015) OFICIAL FANTÁSTICO

exeterA Marcus Nispel lo conocemos sobre todo por dirigir remakes (La matanza de Texas, Viernes 13, Conan el Bárbaro), pero ahora el realizador de origen alemán se embarca en su primer proyecto original, Exeter (rebautizada dos veces, como Backmask The Asylum)película que dirige y co-escribe junto a Kirsten Elms. Claro que describir Exeter como “original” no es del todo adecuado. La película trata sobre un grupo de jóvenes (así empiezan la mayoría de sinopsis del Nocturna) que organizan una fiesta en un hospital psiquiátrico abandonado, donde sus pacientes (niños y adolescentes) sufrieron todo tipo de torturas y vejaciones. Después de una noche loca de drogas, alcohol y sexo, los seis chavales que quedan en el hospital empiezan a jugar con lo oculto, lo que despierta una presencia demoníaca que los va poseyendo uno a uno. No podría sonar más estúpido y cliché, ¿verdad? Y lo es. Pero Nispel lo sabe, y precisamente juega con ello continuamente. No os dejéis engañar por la etiqueta “de los productores de Insidious Paranormal Activity“. Exeter tiene mucho más de Posesión infernal que de terror no recomendado para menores de 13 años. Se trata de una divertidísima combinación de slasher y película de posesiones/exorcismos que se lo pasa bomba riéndose de todo y de todos. Nispel es cómplice de la broma en todo momento, y pide al espectador que se deje llevar y no cuestione lo que está ocurriendo como haría en otras películas parecidas. Si lo hacemos, reconoceremos las intenciones del director y lo pasaremos en grande. Exeter destaca por su sentido del humor (fumado pero muy agudo y con magníficos toques de absurdo), por repasar con mucha gracia los lugares comunes del género (grande el exorcismo do it yourself), y por darnos algunas de las muertes más geniales que vamos a ver en una película este añoExeter juega además con los arquetipos del género (el jock, la puta, el fumado, el empollón…) y lo hace convirtiendo a sus personajes en algo más que trozos de carne. Ellos son los que nos proporcionan las mejores risas; son descerebrados, idiotas perdidos, pero caen bien y nos dejan auténticas perlas autoconscientes. Solo en su clímax la película pierde fuelle, porque la historia debe alcanzar una conclusión inevitablemente, lo que obliga a Nispel a llevar la película a terrenos más convencionales. Pero a pesar de esto, Exeter es todo un triunfo en su género, un film que seguramente recibirá más palos de los que debería, más por lo que parece que por lo que es en realidad.

Pedro J. García

Nocturna Festival de Cine Fantástico de Madrid 2015 – Primera crónica

a nightmare on elm street

Comienza un año más el Festival de Cine Fantástico de Madrid, el Nocturna Fest, cita ineludible para fans del cine, y concretamente del género fantástico y de terror. Congregados en los cines Palafox de Madrid nos preparamos para siete días de fantaterror, sesiones maratonianas de cine de género, clásicos del cine oculto y bizarrismos varios.

Este año la inauguración ha corrido a cargo de Alexandre Aja y Daniel Radcliffe (el primero de cuerpo presente, el segundo en espíritu y como Harry Potter en nuestros corazones), con el preestreno español de Hornsque Universal Pictures estrena el 5 de junio en España. Antes de la proyección de la película, el lunes a la 22:00h (aunque se retrasó la cosa hasta las 23:00, provocando “atascos” en el hall de los Palafox), Aja recibió su premio Nocturna Visionary Award. En la sala también estaba otro de los invitados de honor del Nocturna ’15, Robert Englund, conocido por dar vida al emblemático Freddy Krueger de Pesadilla en Elm Street, que se quedó a ver Horns. A la salida, le preguntaron qué le había parecido la película, a lo que respondió “Muy romántica”. Poco después se le pudo ver con Aja, deshaciéndose en elogios hacia su trabajo.

Después de un primer día caracterizado por el caos y la desorganización, las cosas se calmaron durante la segunda jornada. Al menos hasta que Robert Englund volvió a hacer acto de presencia, esta vez para ser el verdadero centro de atención de la noche. Englund se dio todo un baño de masas antes de entrar a la Sala 1 de los Palafox, habló con la marabunta de fans, firmó autógrafos, se hizo fotos con Freddy y Jason en el photocall y finalmente subió al escenario de la sala para recibir su premio de Maestro del Fantástico. El actor pronunció un breve discurso sobre el clásico de Wes Craven (“Es una película hecha con mucho amor y saliva. Por lo general aguanta muy bien el tiempo, ojalá no tuviéramos que cambiar tanto las películas”) y posó para los fotógrafos con su premio y el guante de cuchillas de Freddy.

A continuación, os dejo con las reseñas de las películas que pudimos ver durante los dos primeros días del Nocturna. Algunas de ellas ya se encuentran en VOD, así que si os llaman la atención, podéis verlas en Internet y comentarnos qué os han parecido a vosotros/as.

Horns Daniel Radcliffe

DÍA 1

Indigenous (Estados Unidos, 2014) OFICIAL FANTÁSTICO

Indigenous-PosterCinco amigos estadounidenses se encuentran de vacaciones en un resort de Panamá. De noche, uno de ellos descubre un vídeo en YouTube que muestra el ataque a unos jóvenes en la jungla por parte de una criatura misteriosa. Más tarde, en una fiesta, los lugareños que se hacen amigos de los “gringos” les cuentan que muy cerca del resort hay una cascada preciosa, pero les advierten que no deben adentrarse en la selva. Los americanos hacen caso omiso de las advertencias y se van de excursión para encontrar la cascada. Lo que sigue es ley de slasher. En la jungla habita el Chupacabras, una leyenda monstruosa que resulta ser muy real y convierte la escapada de los jóvenes en una pesadilla sangrienta que también será grabada con el móvil para el “disfrute” viral de todo el mundo. Lo peor de Indigenous no es su falta de originalidad (que intentan compensar en vano con una vergonzosa reflexión sobre las leyendas y el recurso de las redes sociales), es lo desesperantemente aburrida que es, un error que este tipo de películas no se pueden permitir. La cinta de Alastair Orr es terriblemente amateur, está muy mal realizada, se pasa por el forro la continuidad, la lógica interna y narrativa. Los planos no tienen sentido, los personajes desafían el aguante del espectador (lo verdaderamente terrorífico de esta película son los diálogos, sobre todo los que están en español), y las escenas de persecución se limitan a los chavales corriendo por la selva gritando sus nombres (porque, obviamente, se separan siempre que tienen la ocasión). Para colmo, se toma en serio, que es el mayor crimen que puede cometer una basura fílmica como esta. Solo se salva el Chupacabras, que al menos sí da miedo. Una pena que todo lo demás dé vergüenza ajena.

Pedro J. García

The House on Pine Street (Estados Unidos/Canadá, 2015) PANORAMA

the-house-on-pine-street-posterY después de una película amateur mal hecha, una película de principianes bien hecha. Para ser justos, The House on Pine Street no es cine amateur (técnicamente, Indigenous tampoco lo es, pero claro…), sino más bien cine muy independiente, una película de estudiantes. Literalmente. La cinta fue parcialmente financiada en una campaña de Kickstarter y el equipo está formado por jóvenes cineastas recién graduados de la USC School of Cinematic Arts de Kansas (todos menores de 24 años). The House on Pine Street es una historia clásica de casas encantadas (familia se muda a casa nueva, donde empiezan a ocurrir fenómenos extraños), pero su enfoque se aleja de éxitos recientes como The Conjuring Insidious y la acerca más al terror psicológico de La semilla del diablo (aquí la protagonista también está embarazada), con énfasis en el drama y los personajes. THoPS se encuentra también en la línea de Babadook, otra cinta de bajo presupuesto construida más como un melodrama de terror que una película de miedo pura. Dirigida por Aaron y Austin KeelingThe House on Pine Street es todo un alarde de economía de medios. No es muy original, pero está excelentemente realizada, aprovechando al máximo los pocos recursos disponibles para contar la historia y utilizando la cámara de la forma más inteligente posible para crear suspense y generar una atmósfera efectiva. Otro gran acierto de THoPS es que al final no sucumbe a uno de los dos finales clásicos de este tipo de películas (un ritual para desencantar la casa o la revelación de que la protagonista está loca), sino que sorprende con una tercera opción mucho más interesante.

Pedro J. García

Horns (Estados Unidos, 2014) INAUGURACIÓN

HORNS_SPAIN_ONESHETT68X98Horns (Cuernos) es la adaptación cinematográfica de la segunda novela de Joe Hill. La película, dirigida por Alexandre Aja (Alta tensión, Piraña 3D, Nocturna Visionary Award 2015), cuenta la historia de Ig Perrish (Daniel Radcliffe), joven habitante de una pequeña localidad que, acusado de asesinar brutalmente su novia de toda la vida, Merrin (Juno Temple), se despierta un día con cuernos creciéndole de las sienes. De repente, todo el mundo empieza a confesar sus secretos ocultos y pulsiones más oscuras a Ig, que descubre que tiene el poder de persuadir a los humanos para que escojan la senda del mal (como el diablillo que aparece en los dibujos sobre el hombro), arma que utilizará finalmente para intentar averiguar quién es el verdadero asesino de su chica. Horns está compuesta de muchos elementos que por separado funcionan perfectamente, pero que Aja no consigue unir de forma cohesiva, como si no pudiera decidirse sobre qué tipo de película quiere hacer. El film se puede adscribir a muchos géneros y tendencias: es un misterio whodunit, un romance sobrenatural, una cinta de terror gótico, una comedia negra, un drama coming-of-age con aire Sundance… Aunque Aja se aplica al máximo en todos los géneros, no puede evitar la confusión tonal, ni que por momentos parezca que estamos viendo trozos de varias películas pegadas. Y aun con todo, Horns divierte e incluso llega a emocionar; y su misterio, aunque muy predecible, atrapa, como si se tratara de una Gone Girl fantástica. Aja ha creado un trabajo con voluntad iconoclasta (si la película hubiera tenido más repercusión, el estilo de Ig marcaría tendencia) y ha puesto en él más corazón del que cabía esperar. Por otro lado, el reparto está estupendo, y Daniel Radcliffe en concreto brilla con luz propia en su papel de oveja negra de la familia y paria del pueblo, exudando auténtica desesperación y rabia adolescente. En definitiva, una película irregular en su conjunto pero muy disfrutable igualmente.

Pedro J. García

Dark-Was-the-Night-Kevin-Durand

DÍA 2

III (Alemania, 2015) OFICIAL DARK VISIONS

iiiLas hermanas Ayia y Mirra viven en una pequeña aldea rural consumida por una plaga que va dejando a la mayoría de su población sin vida. Al morir su madre, la enfermedad pasa a Mirra, lo que hace que Ayia intente desesperada salvar a su hermana. Cuando consigue el apoyo del Padre Herman, descubre un antiguo libro en el que se explica cómo curar cualquier enfermedad por medio de un ritual chamán. A partir de ahí, Mirra y Herman se sumen en lo más profundo y oscuro de la mente de Ayia para deshacerse del mal que está pudriendo su alma y su cuerpo. Tras una potente presentación con unos créditos acompañados de una genial pieza musical electrónica, la película se pierde casi desde el principio en el aspecto visual. Evgeniy Gagarin, actor que interpreta al Padre Herman, da un poco más de dignidad a su personaje, pero las dos jóvenes que dan vida a las hermanas no hacen el más mínimo esfuerzo por destacar por encima de la sobresaturación de filtros, efectos, música y sonido ambiente. Al final esta sobreutilización de trucos técnicos no ayuda nada a una película muy densa, por lo que en lugar de conseguir esa ansiada atmósfera que tanto persigue, lo que hace es alejar al espectador y no captar su atención. Ni siquiera su corta duración de 80 minutos logra que la película se haga más llevadera. Es una pena que un director casi novato desaproveche unas cuantas ideas e imágenes interesantes, así como una excelente banda sonora (a cargo del dúo ruso Moonbeam), que se pierden por culpa del exceso de trampas técnicas.

Daniel Andréu

Dark Was the Night (Estados Unidos, 2015) OFICIAL FANTÁSTICO

dark_was_the_nightLlega a Nocturna el segundo trabajo como director de Jack Heller (productor entre otras de la reciente Bad Milo), un thriller de terror que aborda otro mito monstruoso americano, el Wendigo, un día después de ver una película sobre el Chupacabras (a veces da la sensación en el Nocturna de que estamos viendo una temporada de Expediente X). Dark Was the Night apuesta por el realismo y construye el suspense lentamente, dejando que la historia se desenvuelva a su ritmo antes de estallar durante su clímax. El mayor acierto de la película es su protagonista, Kevin Durand (visto en series como LostThe Strain), que ofrece una interpretación muy intensa y contenida como el sheriff del pequeño pueblo de Maiden Woods, un hombre divorciado que debe proteger a su comunidad a la vez que atraviesa su peor momento personal. Durand lleva a cabo un trabajo físico y emocional a partes iguales (el actor sabe cómo usar su imponente presencia física y sus tristes y expresivos ojos al servicio de la película), pero la historia no está a su altura. A pesar del loable esfuerzo de Heller por realizar un film sencillo y minimalista que se distancie del efectismo de otras películas parecidas, Dark Was the Night no deja de ser una cinta de monstruos muy tópica y en consecuencia aburrida, además de suponer una historia ultraconservadora que es en realidad una alegoría de la “monstruosa” amenaza externa que pone en peligro los valores tradicionales y el cristianismo de la América profunda (los personajes se refugian del monstruo en la iglesia, “el único lugar donde podemos estar a salvo”, las mujeres no se valen por sí mismas para nada y la educación de un niño no es posible sin una figura paterna que complemente a la madre, es decir “divorcio malo”). En su recta final (que por momentos parece inspirarse en las últimas escenas de los velocirraptors en Jurassic Park), Dark Was the Night comete el error de mostrarnos al monstruo de cuerpo entero y en primer plano, desvelando una criatura CGI muy pobre que acaba estropeando la atmósfera de suspense y peligro a lo desconocido que se ha creado hasta el momento sin mostrar apenas nada. Una pena.

Pedro J. García

12ª Muestra Syfy de Cine Fantástico de Madrid: Tercera jornada (Domingo)

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Los ojos escuecen, pero las ganas no se desvanecen. Ese podría ser uno de los lemas de La Muestra Syfy. Sobre todo aplicable al domingo, último día de proyecciones. Para el Día de la Mujer, La Muestra nos tenía reservada una interesante sesión doble final: A Girl Walks Home Alone At NightUnder the Skin, la primera dirigida por una mujer, Ana Lily Amirpour, y protagonizada por una vampira con hijab, y la segunda con Scarlett Johansson enseñándonos qué es eso de ser mujer en este incomprensible planeta. Ambas películas son de lo mejor que hemos visto este año y en cualquier edición del Syfy.

Pero antes nos esperaban otras dos cintas, una desconcertante y en última instancia chiflada comedia sueca, y un drama sobrenatural indie que parecía rescatado de las sobras de Sundance. Y también, cómo no, Huesitos. Porque como ya viene siendo tradición todos los años, Leticia Dolera se subió al escenario de los cines Callao para lanzarnos chocolatinas, una de las muchas actividades extra-oficiales de La Muestra que tanto irritan a algunos (Dolera se lo pasa genial leyendo para todos las críticas de los detractores de este tipo de distracciones entre películas). A cambio de los Huesitos, Dolera pidió que prometiéramos ver en el cine su primera película como directora, Requisitos para ser una persona normal. Y como ella es tan maja y tan cachonda, se ha ganado que le hagamos publicidad. La película se estrena en julio y se va a ver antes en el Festival de Málaga, y si refleja de alguna manera la personalidad de la actriz (que también escribe y protagoniza), no deberíamos perdérnosla.

Después de este mensaje de nuestros patrocinadores, paso a reseñaros las cuatro películas que vimos el último día en La 12ª Muestra Syfy. Inventores locos, fantasmas víctimas de bullying, vampiros iraníes y… bueno, Scarlett Johansson. Dejémoslo ahí.

 

LFO (Antonio Tublen, Suecia)

LFO_Poster27x40.inddCuando empieza LFO (acrónimo de Low Frequency Oscillation), sabes que estás ante una de esas películas que pueden acabar siendo cualquier cosa. Y por suerte, así es. El segundo film del sueco Antonio Tublen nos presenta a Robert (Patrik Karlson), un hombre que descubre la manera de hipnotizar a las personas utilizando bajas frecuencias del sonido. Con una máquina instalada en su casa empieza a hacer experimentos con sus vecinos, un matrimonio recién llegado al barrio. Al principio, Robert utiliza los tests para ganarse la confianza y la admiración de la pareja, y con la máquina corrige los errores que van resultando de los experimentos. Pero como no puede ser de otra manera, “la cosa” se le va de las manos y se le sube a la cabeza, abusando de su poder para cualquier situación y convirtiendo a los vecinos en marionetas a su merced. LFO posee una cualidad muy inquietante, con una primera parte caracterizada por la incertidumbre y la tensión contenida. Parece que vamos a presenciar un drama de ciencia ficción realista en la línea de Prime, pero Tublen acaba llevando la historia por otros derroteros, y LFO se convierte en una comedia satírica que cada vez se toma menos en serio. En su recta final, LFO se entrega por completo a la pantomima y culmina en un desenlace muy guasón con el que celebramos haber sido sometidos al experimento.

 

Jamie Marks Is Dead (Carter Smith, Estados Unidos)

Jamie Marks is Dead - Poster 01Programar Jamie Marks Is Dead en un festival de cine como la Muestra Syfy es pura provocación. La película de Carter Smith es el blanco perfecto para las mofas, una copia mala de Donnie Darko que se aproxima a temas muy serios como el bullying y sus consecuencias desde un prisma fantástico y con un desafortunado aire de auto-importancia made in Sundance. La historia arranca cuando el chico que da nombre a la película es encontrado muerto. Nadie se acuerda muy bien de Jamie Marks, más allá de su apodo, “Lunático Marks“. Era un chico introvertido, víctima del acoso de algunos de sus compañeros y totalmente invisible para el resto (a pesar de lucir un cuerpazo de atleta que debería ser suficiente para navegar con éxito los pasillos de una high school yanqui). El misterio de su muerte afecta particularmente a otro chaval socialmente inadaptado, Adam (nuestro Cameron Monaghan de Shameless), lo que le une a una chica tan súper-única-y-alernativa-y-especial que colecciona rocas (Morgan Saylor, superando en irritante a su detestada Dana Brody de Homeland), junto a la que ve al fantasma de su compañero muerto.

Jamie Marks Is Dead es una tosca alegoría de la diferencia y la dificultad para encajar de algunos adolescentes, y en concreto de la homosexualidad en el instituto, pero toda la trascendencia de estos temas se desvanece entre diálogos de una cursilería insoportable, una falsa capa de profundidad psicológica y una sarta de tópicos (el prota lee El guardián entre el centeno, por favor…) y metáforas dolorosamente obvias y predecibles. Al final, todo queda en bochornoso fan fiction gay de Harry Potter (por el innegable parecido del chico muerto con el mago de J.K. Rowling) con ínfulas de libro de autoayuda para teenagers.

 

A Girl Walks Home Alone At Night (Ana Lily Amirpour, Estados Unidos)

GIRL_POSTER_V9_outlined_0915La ópera prima de Ana Lily Amirpour después de su multipremiada trayectoria en el mundo del cortometraje es una de las sensaciones festivaleras de la pasada temporada. La directora estadounidense de origen iraní toma la arriesgada decisión de adentrarse en el sobre-explotado universo de los vampiros para demostrar que, a pesar de lo hastiado del género, aún quedan formas de innovar en él. A Girl Walks Home Alone At Night es un soberbio ejercicio de estilo y minimalismo narrativo en el que Amirpour demuestra una sensibilidad estética muy particular. Se trata de una historia clásica (chico conoce vampira) con ecos a Jim Jarmusch (que recientemente se aproximó al mismo género desde un prisma alternativo con Only Lovers Left Alive) y clara voluntad pop, en la que destacan la sensualidad e iconoclastia de sus imágenes (en esplendoroso blanco y negro) y la magnética presencia de sus protagonistas, una vampira hipster/skater con hijab (la revelación Sheila Vand, imposible no enamorarse de ella) y un joven narcotraficante con aires de James Dean, Marlon Brando y James Franco (todos reencarnados en Arash Marandi). A Girl está repleta de secuencias para el recuerdo (el primer encuentro de Arash, disfrazado de Drácula, con la Chica; su primera visita a la casa de ésta; cualquier aparición espectral de la Chica en las oscuras calles de Bad City), pero el film de Amirpour es mucho más que un festín visual para paladares modernosos, se trata además de una lección de economía narrativaA Girl nos cuenta mucho con poco, y logra pasar como si nada por los tópicos del género, contándonos con dos recursos visuales inteligentemente empleados y sin apenas palabras lo que otras cuentan con 60 minutos de exposición. Una auténtica maravilla.

 

Under the Skin (Jonathan Glazer, Reino Unido/EE.UU./Suiza)

Under the Skin - Poster 02Ya se ha escrito todo sobre Under the Skin, así que seré breve. La película de Jonathan Glazer fue una de las más aclamadas del año pasado, hasta el punto de que se llegó a pensar que tendría presencia en la última edición de los Oscar, a pesar de su carácter altamente experimental y arriesgado. No fue así (su increíble banda sonora, sin la que no se entendería la película, sí se llevó premios para llenar un estadio), pero mientras nos olvidamos de la mayoría de películas de 2014, Under the Skin tiene la capacidad para quedarse dentro y no salir de ahí nunca (no voy a hacer el juego de palabras con el título, porque ya no hace falta). Under the Skin no es una película propiamente dicha, es una experiencia, un trance visual y sonoro en el que nos sumimos desde su hipnótico comienzo hasta su desgarrador final, y del que cuesta despertar una vez empiezan los créditos finales. Pero al igual que con A Girl Walks Home Alone At Night, no podemos dejar que su impresionante factura estética y el arrebatador poder de sus imágenes nos distraiga de la maestría con la que se nos cuenta la historia de su protagonista. Porque es muy fácil pasar por alto el sutil trabajo de Glazer construyendo la minimalista trama o la desarmante interpretación de Scarlett Johansson completando sus huecos a base de delicados matices, pero no debería ser así. La actriz, cuyo 2014 será recordado como uno de los más importantes de su carrera, deslumbra y atrapa con uno de los personajes más fascinantes del cine reciente. Under the Skin fue el broche de oro para la Muestra, y desde aquí quiero dar personalmente las gracias a sus organizadores por darnos la oportunidad de ver esta obra de arte en pantalla de cine.

12ª Muestra Syfy de Cine Fantástico de Madrid: Segunda jornada (Sábado)

song of the sea

Después de una primera jornada caracterizada por la comedia (las cinco películas de ayer pertenecían a este género, además de al fantástico, claro), el sábado de La Muestra nos ofreció un cartel más ecléctico, en el que hubo cabida para dramasslashersanimación. En general, el nivel de las películas descendió considerablemente con respecto al viernes, pero al menos estas demostraron la riqueza de propuestas que suele caracterizar al cine “de género”, y en concreto al que vemos todos los años en el Syfy.

En cuanto a lo que ocurre fuera de las películas durante La Muestra, es necesario llamar la atención sobre un problema. Como todos los años, llegados al segundo día tenemos que recordar a algunos espectadores de los cines Callao que no todas las películas son una invitación a la jarana y los comentarios a gritos para toda la sala. Algunos queremos ver las películas, algunos queremos al menos la posibilidad de tomárnoslas en serio. Puede que una película sea mala, incluso ridícula, y que por eso se convierta en una comedia involuntaria. En este caso se entienden las risas, se entiende que nos unamos para decir a esta película que no se debe tomar tan en serio, pero una cosa es eso y otra es autoproclamarse “comentador oficial de La Muestra” y darnos en cada sesión un “espectáculo” cómico que no hemos pedido. Qué ansia de protagonismo y qué poco respeto. Al que suele gritar comentarios jocosos a la pantalla, a todos aquellos que le siguen el paso (porque hace falta un gracioso para que se apunten 10 más), a los que se pasan la película comentando en voz alta con el de al lado: CALLAOS UN RATO, POR FAVOR.

Dicho esto (sé que no servirá para nada, pero me tenía que desahogar), paso a reseñaros las cinco películas que vimos ayer en La Muestra, un drama austríaco, una de boy scouts y hombres lobo (más o menos), una preciosidad animada, un romance sobrenatural y un slasher con menos sangre que Conchita.

 

Song of the Sea (Tomm Moore, coproducción europea)

Song of the Sea - PosterUna de las películas más esperadas de La Muestra era también una de las propuestas más diferentes de este año. Como siempre, recibimos el cine de animación con los brazos abiertos, porque por regla general nos proporciona un respiro entre tanta sangre, risa y tensión. Song of the Sea es una de las películas nominadas este año a Mejor Película de Animación en los Oscar, y ayer pudimos comprobar por qué es una de las que desbancó a La LEGO Película en la lista de candidatas finales. La película de Tomm Moore es una absoluta preciosidad, un trabajo de animación artesanal en dos dimensiones diseñado como si fueran las páginas de un cuento infantil en movimiento, con una enorme capacidad para emocionar. Al igual que en su anterior película, El secreto del libro de Kells, Moore nos cuenta en Song of the Sea una hermosa leyenda de magia y folklore fantástico (inspirado en el irlandés) protagonizada por niños. En esta ocasión, el director británico reitera el estilo de Kells pero acercándose un poco más, tanto visual como conceptualmente, al cine de Hayao Miyazaki, cuyas películas Ponyo en el acantiladoEl viaje de Chihiro parecen haber inspirado esta arrebatadora “canción marina”. Nos alegramos de que Moore siga apostando por la animación tradicional y lo haga con cosas tan bonitas como esta. El que no llore con el final está muerto por dentro.

 

Goodnight Mommy (Severin Fiala, Veronika Franz, Austria)

Goodnight Mommy - PosterLeticia Dolera acertó de lleno al describir Goodnight Mommy como una fusión entre Funny Games, el cine de Cronenberg, ¿Quién puede matar a un niño?Canino. Pero la película, ópera prima de Severin Fiala, con una de las responsables de la trilogía Paraíso en la co-dirección, Veronika Franz, se queda muy por debajo de todos estos referentes. Goodnight Mommy nos invita a pasar unos días de verano en una lujosa casa aislada en medio del bosque, donde dos gemelos idénticos de 9 años pasan el tiempo mientras su madre se recupera de una operación de cirugía plástica. Los niños sospechan que la mujer que se oculta tras las vendas no es su madre, ya que esta se comporta de forma extraña. Entre juegos violentos y sesiones de entomología (cucarachas gigantes, qué asco, por Dios), los hermanos indagan en el misterio, lo que les lleva a concluir que una extraña se ha colado en su casa para sustituir a su madre. Goodnight Mommy es un thriller extraño, uno que se esfuerza demasiado en ser sórdido y perturbador, pero que descuida por completo lo esencial: la historia. Durante su desconcertante primera parte, la película está llena de posibilidades, pero todas se van al traste en su recta final, cuando decide volverse vulgar (y no hablo solo de la imaginería macabra, ramplona como ella sola), y sobre todo durante su desenlace, en el que uno de los giros finales más trillados y predecibles de la historia del cine termina por estropear del todo el experimento.

 

Spring (Justin Benson, Aaron Moorhead, Estados Unidos)

SpringSpring es una propuesta cuanto menos original. Se trata de un romance sobrenatural en el que un joven estadounidense, Evan (Lou Taylor Pucci), viaja a un pequeño pueblo italiano junto al mar y se enamora de una misteriosa mujer, Louise (Nadia Hilker), que resulta ser un ser inmortal que se convierte en diferentes monstruos mitológicos -en realidad es más complicado que eso, pero no queremos destripar el argumento, y además, a ver quién es el valiente que se atreve a explicarlo. Como si se tratase de una Antes del amanecer sobrenatural (aunque la chica de la película se empeñe en que ella no es un ser mitológico, sino que todo tiene su explicación biológica), Spring acierta al introducir los elementos fantásticos con cuentagotas en la clásica historia de “chico conoce chica” (además, chico y chica tienen buena química), pero se pierde por completo en su interminable última media hora, en la que los repetitivos diálogos y confusas sobre-explicaciones acerca de la naturaleza de Louise acaban desesperando al más dispuesto. Spring tiene ínfulas de ensayo existencialista, y nos ofrece reflexiones sobre la inmortalidad, el amor y el destino que parecen estar emulando los fascinantes diálogos de Jesse y Céline en la trilogía de Richard Linklater, pero que palidecen por la inevitable comparación. Spring es una oportunidad perdida, una película atractiva (tanto su ambientación como sus protagonistas no hacen daño a la vista) que habría funcionado mejor con un tono más definido (se queda a medias como comedia y como drama) y que pide a gritos que alguien sensato le diga cuándo terminar.

 

Cub (Jonas Govaerts, Bélgica)

Cub posterOtro de los (supuestos) platos fuertes de La Muestra, y ganadora del premio a la mejor dirección en el pasado festival de SitgesCubs llegó rodeada de expectación, y decepcionó al resultar ser un telefilm cutre sin ningún sentido del suspense y con una historia sin pies ni cabeza. ¿Cómo una película con boy scouts y niños lobo puede ser tan fallida? En primer lugar, por sus personajes, concretamente los irritantes monitores de campamento al cargo de los “lobatos”, una tropa de boy scouts que emprende su excursión anual a los bosques de la frontera entre Bélgica y Francia. Y en segundo lugar, por su nulo sentido del terror. Cubs transcurre entre relatos de fogata de campamento y aburridas incursiones en el bosque, para transformarse durante su última parte en un slasher con ecos a La matanza de Texas y clímax macabro que parece despegado del resto del film. Si los analizamos por separado, los ingredientes de Cubs suenan muy apetecibles: chavales indefensos en el bosque, un asesino suelto, una banda sonora con sintetizadores muy giallo, más gore del que se espera, un niño víctima de bullying desatando su yo violento a lo Carrie, pero con lodo en lugar de sangre… Sin embargo, en conjunto, Cubs es una película incapaz de ir más allá de esos clichés, de construir una historia que se diferencie del resto de slashers del montón, por mucho que aquí tengamos a un Mowgli rabioso que come comida de perro. El póster es mejor que la propia película.

 

Crazy Bitches (Jane Clark, Estados Unidos)

CrazyBitchesPosterPasada la medianoche, ya estábamos oficialmente en el Día de la Mujer, por lo que nos venía de perlas (nunca mejor dicho) una película dirigida y protagonizada por mujeres, Crazy BitchesProgramada para la sesión golfa de La Muestra seguramente por su título (y sin ver ni leer nada sobre ella antes), la cinta de Jane Clark, es un flagrante caso de publicidad engañosa. Sencillamente no puedes titular así un slasher de cabañas en el bosque, ponerlo de madrugada para los que quedamos con ganas de desbarre y tripas, y que resulte ser una versión descafeinada, ridícula y sin sangre (tanto literal como figuradamente) de Mujeres desesperadas (quizás no signifique nada, pero la directora ha salido en Ally McBeal, Anatomía de Grey Sin cita previa, ahí lo dejo). Y la comparación no hace justicia a la debacle sin sal que es la película (que me perdonen Susan, Bree & co. por mentarlas junto a esto). La propuesta de un slasher de mirada femenina (con carnaza masculina en lugar de los clásicos boob-flash) es interesante, pero completamente desperdiciada, y el resultado es un desastre (la prueba: la escena lésbica más incómoda, larga y peor ejecutada de la historia). El 90% de Crazy Bitches consiste en diálogos asquerosamente ridículos sobre la amistad y el pasado en común de estas “zorras locas” (con flashbacks salidos de una novela rosa), clave para entender la motivación del asesino: infidelidades, traiciones por culpa de un hombre, puñaladas traperas entre señoritas, vanidad y cirugía estética. Vamos, flaco favor le hace Clark a la mujer con esta película. Pero lo peor de Crazy Bitches es que es de esas películas tan malas que no valen ni para reírse de ellas (ayer en la sala no hubo apenas risas, sino protestas en plan “¡venga ya” o “callaos y mataos ya, por favor”). En definitiva, una experiencia desesperante y cortarrollos que solo sirve para rematarnos y empañar el buen nombre del slasher.

12ª Muestra Syfy de Cine Fantástico de Madrid: Primera jornada (viernes)

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Del 5 al 8 de marzo, la capital española celebra la fiesta del cine fantástico y sci-fi. Y no uso el verbo “celebrar” a la ligera. La Muestra Syfy de Cine Fantástico de Madrid es una fiesta non-stop de cuatro días, la versión friki del Spring Break, una jarana continua de jueves a domingo en la que rendimos pleitesía al cine más oculto (la mayoría de películas no son estrenadas en salas comerciales), al más original, al más mierda, como dijo ayer la anfitriona anual de La Muestra, Leticia Dolera, que como siempre, es de lo mejor de La Muestra (gracias a ella, los ratos entre sesión y sesión son más llevaderos, e incluso muchas veces mejores que las propias pelis). Dolera además rebautizó esta edición como “La Muestra del Amor“. Por eso, porque amamos este cine, y porque de La Muestra salen parejas, como la que tuvo su primera cita hace tres ediciones y subió ayer al escenario a darse el lote para celebrar que el amor que une La Muestra no lo separa nadie, y ya de paso para ganar unas cuantas entradas gratis.

11034264_1063916180301981_9218959887533999355_nEste año, el duodécimo que se celebra este mini-festival de cine de género (que de pequeño tiene poco), regresamos a los Cines Callao para ver una de las programaciones más interesantes que nos ha propuesto La Muestra en los últimos años. El Syfy dio el pistoletazo de salida oficial el jueves 5, con el preestreno de la última locura de ciencia ficción de Neill Blomkamp, ChappieLa proyección fue todo un éxito a juzgar por la reacción del público en la sala (se juntaban las ganas de jalear del principio de La Muestra con la propuesta pasada de rosca de Blomkamp, pensada especialmente para el tipo de público que abarrota Callao estos días). Sin embargo, cuando ayer Dolera sondeó a los presentes preguntándoles qué les había parecido la película, hubo una clara división de opiniones. Chappie está destinada a provocar reacciones opuestas, a ser amada u odiada a partes iguales. Y bueno, ese es el tipo de películas que más nos gusta ver en La Muestra, así que fue todo un acierto programarla para la inauguración. A mí, personalmente, me divirtió mucho, pero creo que tiene unos cuantos problemas que, pensándolos en frío, son importantes. Os hablo de ellos en mi crítica sin spoilers.

A continuación, os dejo con reseñas de las cinco películas que pudimos ver en la primera jornada oficial del Syfy (no cuento la premiere de Chappie, porque a mí lo de “jornada” me suena sobre todo a los maratones de casi 12 horas que nos pegamos en Callao). Dos de zombies, una de fantasmas, una de vampiros, y una de tribus callejeras japonesas en guerra. Cinco variopintas películas con una cosa en común: que las cinco son comedias. Empezamos el Syfy con unas buenas risas.

 


Housebound
(Gerard Johnstone, Nueva Zelanda)

Housebound - Poster 01El día empieza por todo lo alto con esta comedia de terror neozelandesa que amasa hábilmente todos los tópicos del cine de casas encantadas, el de invasión doméstica (home invasion) y los misterios tipo whodunitdándole un toque de cachondeo muy loco, un poco al estilo You’re Next pero más jocoso aún. Housebound cuenta la historia de una joven rebelde a la que pillan atracando un cajero y es condenada a 8 meses de arresto domiciliario en casa de su madre y su padrastro. Allí se verá forzada a convivir de nuevo con su detestada madre y el apocado marido de ésta, cuya tranquilidad se ve interrumpida por la presencia irritante y destructiva de la joven. Los tres deberán convivir en un caserón antiguo, lleno de recuerdos y secretos macabros, en el que según parece habita un fantasma. La ópera prima de Gerard Johnstone está llena de ingenio y humor bobalicón (del que es tonto, pero inteligente), personajes entrañables (el responsable de seguridad cazafantasmas y la madre son los mejores), y engancha con su trama de misterio que va dejando revelaciones y giros sorpresa (no diré ninguno, pero todos son bastante buenos) a golpe de sustos y risas, y culmina en uno de los mejores clímax que hemos visto en mucho tiempo dentro del género. Después de esta película, no volveréis a ver un rallador de cocina de la misma manera.

 


Tokyo Tribe
(Shion Sono, Japón)

tokyo-tribe-poster-final-comp3Shion Sono, el irreverente y quizás demente en la vida real (como la anécdota escatológica que nos contó Dolera antes de la proyección demuestra) director de Suicide Club (2001) nos trae a La Muestra su última locura cinematográfica, Tokyo Tribe, un musical hip hop de acción de dos horas basado en el manga de Santa Inoue. Japón es un territorio hostil, cuya capital está dividida en facciones callejeras que luchan por el control de Tokio. Cuando Mera (Ryôhei Suzuki), el líder de la tribu de Bukuro, se propone acabar con todas las bandas enemigas para conquistar la capital, la guerra da comienzo. Tokyo Tribe es una de esas películas que no se pueden describir con una simple sinopsis. Es más, estamos ante una película que no decide tener argumento hasta bien entrada su primera hora. La primera parte de Tokyo Tribe es una presentación de todas las tribus de Tokio a ritmo de hip hop. Con raps que por cierto hacen que el “Oza, oza” parezca una de Kanye West, para que os imaginéis el nivel de las rimas y las interpretaciones. Claro que a Shion Sono le importa bien poco que se le tome en serio como director de musicales. Esta West Side Story punk no está hecha para eso. Es una locura pasadísima de rosca que hará las delicias de los fans del cine más esquizofrénico de Takashi Miike (al que no le llega a la suela de los zapatos a pesar de las inevitables comparaciones). Tokyo Tribe es un ambicioso y colorido festival psicodélico de humor absurdo, misoginia y acción demencial, una experiencia visual muy estimulante, que sin embargo no está innovando ni provocando tanto como cree.

 


Burying the Ex
 (Joe Dante, Estados Unidos)

Burying the Ex - Poster 01Llegamos al ecuador de la primera jornada con otra propuesta de comedia, esta vez definitivamente más ligera y llevadera que la anterior, lo nuevo de Joe DanteByrying the Ex. El director de clásicos incontestables y cintas de culto como Piraña, Gremlins, Exploradores, El chip prodigiosoPequeños guerreros regresa tras una temporada dirigiendo series (Hawaii 5.0, CSI, Masters of Horror) con su nuevo largometraje, una comedia romántica zombie, especie de fusión entre una sitcom, un episodio de La dimensión desconocida y un libro de Pesadillas de R.L. StineEn Burying the Ex, un joven que trabaja en una tienda de disfraces (mi querido Anton Yelchin) quiere romper con su novia (Ashley Greene), una insoportable freak del medio ambiente que pretende controlar todos los aspectos de su vida. Sin embargo, antes de poder darle las malas noticias, la chica muere, y lo hace con la promesa aún vigente (y sellada por la estatua mágica de un demonio) de que van a estar siempre juntos. En consecuencia, la chica regresa como zombie para asegurarse de que van a pasar la eternidad el uno junto al otro, cueste lo que cueste. Con este argumento (escrito por el recién llegado Alex Trezza), Dante bien podría haber hecho un pitch a las cadenas para una nueva serie, pero ha preferido llevarlo al cine, con una comedieta bastante cutre pero simpática que se deja ver sin problema, una película de sábado tonto por la tarde que no nos viene mal de vez en cuando y que sobre todo nos deja pasar un rato con los achuchables y adorables Anton Yelchin y Alexandra Daddario. Lo sorprendente, sin embargo, es que Dante haya realizado una película que más que la obra de un director con casi 50 años de experiencia en el cine, parece la ópera prima de un cineasta joven que aún no sabe cómo ir más allá de los clichés del género.

 


Lo que hacemos en las sombras
(Jemaine Clement, Nueva Zelanda)

Poster 700x1000 AFSegunda película neozelandesa del día. Definitivamente, los kiwis están on fire. Pero es que Lo que hacemos en las sombras (What We Do in the Shadows) era además una de las cintas más esperadas de La Muestra. Y no solo cumplió las expectativas, sino que las fulminó. Este falso documental sobre cuatro vampiros que comparten “piso” (en realidad es una mansión, pero ellos se consideran flatmates), que a priori suena demasiado a la serie Being Human (con la que no tiene nada que ver además de la premisa), es una de las comedias más descacharrantes y geniales que vamos a ver en los últimos años. Dirigida por Jemaine Clement, de Flight of the Conchords y Taika Waititi, con el que trabajó en la serie de HBO, Lo que hacemos en las sombras no da tregua (nunca había oído tantas risas no-irónicas seguidas en La Muestra). Repleta de situaciones absurdas y muy familiares derivadas de la convivencia diaria de los vampiros, con una extraordinaria inventiva visual que saca provecho de todas las posibilidades que brindan las “leyes” de los vampiros (brillantes los enfrentamientos, vuelos, transformaciones), y un inteligente repaso por los clichés del géneroLo que hacemos las sombras logra lo imposible: aproximarse al agotadísimo género vampírico y darle la vuelta por completo para hacer una de las comedias de terror más originales del cine reciente. Imprescindible para los fans de Flight of the Conchords, y recomendadísima para todos los demás.

 


Hunger of the Dead 
(Naoto Tsukiashi, Japón)

AKBポスターB全ポスター00Para la primera sesión de medianoche de La Muestra, nada más adecuado que una serie B japonesa de zombiesHunger of the Dead (o Hunger Zes la historia (por llamarlo de alguna manera) de un joven que va a parar a la única casa donde aún quedan seres humanos en un mundo infestado por zombies. En este escenario post-apocalíptico es necesario preservar la especie humana, por lo que las mujeres de la casa son “usadas” para procrear, y los niños que paren (a los que nunca vemos) se dan como alimento a los zombies (huh?), por orden del zombie que dirige las instalaciones y que esconde un secreto. Una cosa ofensiva, estúpida y sin sentido que, dicho así, no suena a nada que no debería ser una peli Z de bajo presupuesto, pero es que Hunger Z falla en lo más importante: es aburrida y no tiene ni un poco de gracia. Vamos, que ni siquiera sirve para reírse de sus chapuceros efectos (esos cuchillos que se clavan en el aire) o de su absurdo argumento. Un desperdicio sin gracia que solo los más jaraneros del Syfy supieron disfrutar.

Crónica: Nocturna Festival de Cine Fantástico de Madrid 2014 – Parte III

Rojo orcuro

Definitivamente, a Madrid le hacía falta un festival como el Nocturna. Una semana completa de cine fantástico y de terror que ha confirmado el interés del público por este género y ha llenado las salas de Palafox de entusiastas, de gente con ganas de pasarlo bien en el cine -entre los que se encuentran unos cuantos adoradores de Cthuthlu cuyos gritos seguiremos oyendo durante semanas. Junto a La Muestra SyFyel Nocturna se convierte en cita anual ineludible, y contribuye a llenar un nicho muy importante en la oferta cultural de la capital.

El sábado 31 de mayo se dio a conocer el palmarés del festival, del que han salido dos claras vencedoras, la española La cueva Wolf Creek 2. A continuación os dejo con la lista completa de galardonados, y como de costumbre, con las reseñas de todas las películas que pudimos ver durante el viernes y el sábado, incluyendo el evento especial en homenaje a Dario Argento, que acudió al Nocturna a recoger su estatuilla de Cthuthlu y ejercer de maestro de ceremonias de la proyección de su clásico Profondo Rosso.

PALMARÉS NOCTURNA 2014

El festival NOCTURNA clausura su segunda edición. Este año y en homenaje a un grande y polifacético artista, Jacinto Molina, más conocido por su sobre nombre Paul Naschyel premio a Mejor Película de Sección Oficial pasa a llamarse Premio Nocturna Paul Naschy a la Mejor Película. Paul Naschy, actor, director de cine, guionista, participó como actor en más de cien películas y series de televisión, en 39 como guionista y en 14 como director. Paul Naschy es uno de los profesionales del cine más reconocidos mundialmente en el género del fantástico y el terror.

Los galardonados de este año:

SECCIÓN OFICIAL – Jurado formado por: Paco Cabezas, Rubén Ochandiano, Emilio Gonzalo

Premio NOCTURNA Paul Naschy a la Mejor Película: LA CUEVA
Premio NOCTURNA al Mejor Director: Greg McLean por WOLF CREEK 2
Premio NOCTURNA al Mejor Guion: Greg Mclean y Aaron Sterns por WOLF CREEK 2
Premio NOCTURNA a la Mejor Interpretación: (Exequo) a los actores John Jarratt y Ryan Corr por WOLF CREEK 2
Premio NOCTURNA a la Mejor Fotografía o FX: EXTRATERRESTRIAL Dirigida por Colin Minihan
Mención especial del jurado a la actriz Eva Garcia Vacas por LA CUEVA

DARK VISIONS – Jurado formado por: Alice Waddington, José Manuel Serrano Cueto, Alex Mendibil

Premio NOCTURNA Dark Visions Mejor Película: CRUEL AND UNUSUAL dirigida por Merlin Dervisevic

MADNESS – Jurado formado por: Nuno Reis, Julian Lara, Julio Peces

Premio NOCTURNA Madness Mejor Película: PINUP DOLLS ON ICE Dirigida por Geoff Klein y Melissa Mira

La cueva

VIERNES, 30 DE MAYO

Una vela para el diabloEVENTO ESPECIAL Una vela para el diablo (España, 1973)

El Nocturna sigue con la encomiable tarea de recuperar clásicos del terror y el fantástico. Traer Una vela para el diablo (Eugenio Martín, 1973) en 35 mm es la mejor forma de descubrir una película difícil de conseguir y que injustamente fue de las que se quedaron con un lugar más discreto dentro de la historia del cine español. El film cuenta la historia de dos hermanas que regentan una posada en un pueblo rural de la España de principios de los 70, y que, cegadas por una fe extrema, van eliminando a cualquier persona que no encaje en sus cánones de decencia y pureza. Tras este oscuro argumento se esconde la enfermiza relación entre las dos protagonistas, perfectamente plasmada por Aurora Bautista y Esperanza Roy, y que es el ingrediente más importante para que aumente el ambiente terrorífico a lo largo del metraje. Con unos medios propios de la época, tan rústicos como el pueblo en el que se desarrolla la acción, el director consigue hacer trascender el tiempo y crear una película atrevida que sigue vigente. Las poderosísimas imágenes que crea (Aurora Bautista atravesando los matorrales secos o su sombra bajando las escaleras de la posada) provocaron un merecidísimo aplauso espontáneo. Una injusticia y una vergüenza es que la única edición que se encuentre en la actualidad en DVD sea una americana doblada al inglés y sin posibilidad de cambio de idioma o subtítulos. Alguien debería poner solución a esto, porque mucha gente se está perdiendo esta pequeña joya. (Texto de Daniel Andréu)

31340935EVENTO ESPECIAL Teen Wolf – Proyección del episodio “Achors” (3×13)

Nocturna y el canal de televisión XTRM nos trajeron el estreno en castellano de la segunda parte de la Temporada 3 de Teen Wolf, una oportunidad única para que los fans de la serie licántropa vieran a sus personajes favoritos en pantalla de cine. La proyección pilló a algunos de sorpresa, y cuando dio comienzo con el clásico “Anteriormente en…” muchos se dieron cuenta de que no estaban ahí para ver una película, sino el capítulo de una serie. No importa, se les pasó pronto el shock y disfrutaron de nuestros lobos cachondos como los demás, seguramente gracias a Stiles Stilinski, que comienza la temporada siendo el indiscutible protagonista de la serie. Ya en su día, cuando el episodio “Anchors” (uno de los mejores de la tercera temporada) se emitió en Estados Unidos, realicé un análisis completo, que podéis leer en esta entrada. Por otro lado, este año he recibido el encargo de escribir un artículo sobre la serie para el Diario del Nocturna. Se trata de un texto introductorio al universo de Teen Wolf titulado “Sin pelo en el pecho” que podéis leer en la página 7 del Diario, o bien en esta entrada de fnvlt.

ChimeresOFICIAL FANTÁSTICO Chimères (Suiza, 2013)

Chimères es una co-producción hispano-suiza de bajo presupuesto dirigida por Olivier Beguin, que propone una historia moderna de vampiros narrada desde el prisma del cinema verité y tratando el mito como una enfermedad. La película cuenta la historia de Alex (Yanick Rosset), un joven fotógrafo de arte que tras un accidente recibe una transfusión de sangre contaminada que lo convierte en vampiro. Chiméres narra el día a día de Alex y su pareja mientras ambos se enfrentan a la enfermedad. El film va ganando en intensidad a medida que avanza, y del drama de la pareja que va comprendiendo lo que está ocurriendo se pasa a una recta final bañada en sangre y vísceras que pone énfasis en la acción y convierte a los personajes en luchadores acróbatas que parecen salidos de BladeBuffy. Si bien la propuesta de Beguin es interesante y loable, en realidad no es nada que no hayamos visto ya (Déjame entrar, In the Flesh, cada vez es más habitual aproximarse a los mitos del terror desde una perspectiva realista y dramática). Además, Chimères falla en lo más importante: las interpretaciones, sobre todo la de la protagonista femenina, Jasna Kohoutova. El resultado es un melodrama amateur que se pierde en tópicos y no logra su propósito de impactar por culpa de un tratamiento más genérico de lo que se cree y unos actores terribles. Como anécdota, el director nos contó que le había pedido a Nacho Vigalondo que fuera a ver su película. El director español acudió a la cita. Me encantaría saber qué le pareció a él.

SÁBADO, 31 DE MAYO

WolvesPANORAMA Wolves (Canadá, 2014)

El sábado comenzaba con el estreno mundial de Wolves, respuesta canadiense a la Saga Crepúsculo que no ha podido verse todavía en ningún otro sitio. Pero más que parecerse a la historia de Bella y Edward, Wolves es una fusión de Teen Wolf True Blood (a veces se parece tanto a ambas que bien podrían haber pedido derechos), con pequeñas dosis de Smallville. Por si quedaba alguna duda, la película de David Hayter es 100% televisiva. Es más, es como si estuviéramos viendo el episodio piloto doble de una serie (incluso termina con un planteamiento que parece prometer una continuación seriada/procedimental). Se trata de la historia de Cayden (Lucas Till), un joven que descubre que es uno de los pocos que quedan de una casta pura de hombres lobo. Después de matar a sus padres durante una noche de luna llena, Cayden huye de su ciudad y se refugia en Lupine Ridge (podéis reíros), donde descubrirá los secretos sobre su condición y su pasado familiar. Wolves es una cinta predecible y (autoconscientemente) tópica hasta decir basta, pero va al grano, divierte y no se alarga en exceso -de hecho a uno le queda la sensación de que falta historia, que será contada en los siguientes capítulos. Lo mejor: su sentido del humor y la carga ultrahormonada de sus escenas (lejos del almíbar de Crepúsculo y más cerca del tono guarrón que nos gusta en el fantástico). Lo peor: las caracterizaciones de los hombres lobo, que en lugar de imponer y dar miedo, parecen cachorritos de peluche que dan ganas de adoptar. Un fallo que resta seriedad a la película, aunque uno sepa que no es ese su principal objetivo. A destacar la siempre imponente presencia de Jason Momoa, que hace de hombre lobo alfa, como no podía ser de otra manera.

Profondo rossoMAESTROS DEL FANTÁSTICO Dario Argento + Rojo oscuro

El colofón del Nocturna 2014 lo ponía el maestro del giallo, el italiano Dario Argento, que se subía al escenario de la Sala 1 de los Palafox para recoger su premio “Maestros del Fantástico” a toda una carrera. El director dedicó unas (titubeantes) palabras a los allí presentes, a los que agradeció su apoyo a lo largo de los años. Argento dijo que estaba encantado de recibir el premio, porque suponía otro hito importante en su carrera, y se alegraba de ver muchos rostros jóvenes en la platea, confirmando el interés de las nuevas generaciones de fans del fantaterror en su cine. Para terminar su discurso, Argento dijo que la mejor forma de agradecer el reconocimiento era desnudándose, pero para alivio de todos, no lo hizo. A continuación, se proyectó la edición extendida (con la polémica escena de la lagartija) de su clásico de 1975 Rojo oscuro, quizás la película más redonda de su irregular filmografía. Era la cuarta vez que quien esto escribe veía la película, pero la primera vez en una pantalla de cine, y la experiencia fue insuperable. Profondo Rosso destaca por su increíble trabajo cromático y de iluminación, y la inolvidable banda sonora de Goblin, pero también es la película más completa de Argento en cuanto a trama y personajes, además de contener las muertes más icónicas de su cine. El ambiente de fervor en la sala y los constantes aplausos y vítores a los momentos más destacados del film (los asesinatos, las intervenciones de la gran Daria Nicolodi, la secuencia final y probablemente el plano más terrorífico de su cine, la aparición del muñeco sobre ruedas tras la puerta) confirmaron la importancia y vigencia de esta obra maestra del cine de terror europeo.

 

Teen Wolf: Sin pelo en el pecho

Teen Wolf S3

Teen Wolf marca un antes y un después en la ex cadena musical MTV, liderando una oferta de ficción cada vez más estimulante. Se trata de la relectura en clave de serie del clásico ochentero protagonizado por Michael J. Fox De pelo en pecho, la historia de un adolescente normal y corriente, Scott McCall (Tyler Posey), cuyo mundo cambia de la noche a la mañana tras ser mordido por un hombre lobo y convertirse en un licántropo.

Las diferencias con la película de 1985 son más que sustanciales. Se podría decir que Jeff Davis, creador y showrunner de la serie, ha reimaginado por completo el relato, desechando el desenfado camp de aquella en favor de un tono más serio y afectado, y amplificando el componente terrorífico. Como nos muestra su sofisticada factura digital, el imprescindible elemento autorreflexivo y el uso del lenguaje videoclipero y la música más actual para contarnos la historia de Scott y su pandilla, Teen Wolf es un producto de nuestros días, y la evolución natural de la cadena que lo emite.

Lo que comenzó en 2011 como un tontorrón placer culpable para sofocar las calurosas noches de verano se ha transformado progresivamente en un éxito de culto que ha generado un fandom enfervorizado y ha catapultado la serie a lo más alto del teen horror. Hoy por hoy, Teen Wolf es (salvando las distancias) lo más parecido que tenemos al clásico televisivo Buffy, cazavampiros, serie con la que comparte varios núcleos temáticos, así como ese gusto por utilizar el imaginario monstruoso y mitológico como metáfora de la adolescencia.

Derek FistingComo Buffy Summers, Scott McCall se enfrenta cada día a los peligros que acechan en Beacon Hills, un pequeño pueblo en el que no solo habitan hombres lobo, sino toda clase de criaturas fantásticas. A su vez, debe compaginar la batalla contra las fuerzas del mal con su vida cotidiana como estudiante de secundaria, hijo único y jugador del equipo de lacrosse. Como no podía ser de otra manera, Scott cuenta con la inestimable ayuda de un grupo de amigos, de entre los que destaca Stiles (Dylan O’Brien), personaje favorito del público, que con el tiempo ha desplazado al protagonista y se ha convertido en el principal foco de atención de la serie.

Teen Wolf también es un hiper-hormonado romance adolescente, el de Scott y Allison (Crystal Reed), algo que no puede faltar en una historia de estas características. Claro que con el tiempo la serie se ha ido distanciando de los lugares comunes del género para construir una mitología cada vez más intrincada que desvela una gran ambición creativa.

Si algo diferencia a Teen Wolf del resto de series teen es su entusiasmo y compromiso. También su desarrollado sentido de la estética, siempre en busca del plano más hermoso y explotando la belleza inmaculada del cuerpo (sobre todo el masculino) para gozo de los miles de seguidores que a base de aullidos en Internet, especialmente desde plataforma Tumblr, han convertido la serie en todo un fenómeno de fans.

Pedro J. García

Texto originalmente publicado en el Diario de Nocturna 2014

Crónica: Nocturna Festival de Cine Fantástico de Madrid 2014 – Parte II

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Continúa la locura, las vísceras y el terror en el Nocturna 2014. El miércoles seguimos descubriendo las candidatas de la Sección Oficial y terminamos el día con la premiere de Al filo del mañana (Edge of Tomorrow), la gran sorpresa de la temporada, un trepidante, divertido y absorbente blockbuster de ciencia ficción protagonizado por Tom Cruise y Emily Blunt. Hablaré más detenidamente de esta gran película en mi crítica. El jueves llegó por fin uno de los eventos más esperados del festival, la proyección de La matanza de Texas en celebración de su 40º aniversario, con la presencia en la sala de su director, Tobe Hooper, que recibía el premio honorífico a su carrera. Os cuento todo sobre el coloquio de Hooper y las películas que he visto estos dos últimos días a continuación.

MIÉRCOLES, 28 DE MAYO

The SacramentOFICIAL FANTÁSTICO The Sacrament (Estados Unidos, 2013)

Dirigida por Ti West, realizador entre otras de La casa del diablo, V/H/S, Cabin Fever 2, nos llega la última película producida por el prolífico Eli RothThe SacramentUn fotógrafo de moda visita a su hermana en Eden Parish, un retiro alejado de la civilización donde se ha formado una comuna de fieles que siguen los dictados del Padre. Dos periodistas de la revista VICE (que presta su imagen de marca no sin recibir a cambio una gran promoción y continuos elogios a su forma de hacer periodismo) se unen al fotógrafo para realizar un reportaje sobre Eden Parish. Al principio todo parece idílico y ni siquiera buscando un ángulo negativo consiguen ver qué hay de malo en aquel lugar. Hasta que una madre y su niña les piden que las saquen de allí. Entonces, los periodistas descubren que Padre y sus fieles ocultan algo muy siniestro y se deciden a descubrirlo, aunque suponga no salir de allí nunca. The Sacrament no es la típica película que esperas de alguien como Ti West o de un proyecto vinculado a Eli Roth. El mayor acierto del film es su capacidad para generar desasosiego e intriga, sobre todo en la primera mitad del metraje, cuando uno no sabe qué está ocurriendo en Eden Parish. West logra crear una atmósfera de tensión que mantiene hasta que los secretos salen a la luz. Es entonces cuando la promesa se torna en bluff y West pierde el control de su historia. The Sacrament no es una obra fantástica, sino un thriller de suspense basado (extraoficialmente) en el caso de Jonestown, que conmocionó a todo el mundo a finales de los 70, y rodado parcialmente al estilo found footage, uno de los mayores errores de la película.

ExtraterrestrialOFICIAL FANTÁSTICO Extraterrestrial (Canadá, 2014)

En Extraterrestrial, un grupo de adolescentes en su último año de instituto viajan a una cabaña en el bosque para pasar el fin de semana. April (Brittany Allen) conoce el lugar porque solía pasar allí los veranos con sus padres, antes de que se divorciaran. Su novio planea pedirle matrimonio justo cuando ella está planteándose dejarlo. La siniestra cabaña está rodeada de árboles, y solo un camino de entrada y salida, y la única casa cercana es la de un loco obsesionado con los ovnis, interpretado por Michael Ironside. Durante la primera noche, los chicos ven cómo una bola de fuego cae en el bosque, cerca de la cabaña. Cuando se acercan a explorar el lugar del impacto, descubren un platillo volante. Extraterrestrial sigue al pie de la letra las reglas del subgénero de las cabañas en el bosque: los cinco adolescentes que corresponden a los cinco arquetipos (la no-virgen, el jock, el capullo…), la misma estructura narrativa (preparación para el viaje y exposición de conflictos personales, aviso antes de llegar a la cabaña, huída con camino cortado, etc). Solo que en lugar de zombis, aquí tenemos extraterrestres. Todo funciona como un calco de La matanza de TexasEvil Dead y sus herederas hasta que The Vicious Brothers (Colin Minihan y Stuart Ortiz) se salen del guión para sumir la historia en la demencia más absoluta, llegando a llevarla al espacio. No hay palabras para describir la locura en la que se convierte esta película en su tramo final, o “tramos finales”, porque Extraterrestrial parece acabar diez veces. Horriblemente mala y divertida.

SavagedMADNESS Savaged (Estados Unidos, 2013)

Mi primera sesión Madness en el Nocturna 2014. En esta sección tienen cabida las propuestas más bizarras y extremas, como bien indica su nombre. Es el caso de Savaged, de Michael S. Ojeda, una producción indie de bajo presupuesto que hay que ver para creer. En Savaged, una joven sordomuda viaja sola para encontrarse con su novio, con el que ha decidido pasar el resto de su vida. En el camino presencia cómo una camioneta arrolla a un hombre en la carretera, y cuando acude a socorrerlo, es raptada por una banda de paletos psicópatas que la violan y la torturan hasta que la dan por muerta. Sin embargo, un jefe indio la rescata y la resucita, permitiendo que el espíritu de un guerrero apache la posea y la utilice para llevar a cabo su sangriento plan de venganza. Savaged comienza como una sádica cinta de torture porn, pero pronto se convierte en una película de venganza, un slasher en el que la protagonista va matando uno a uno a los hermanos que la torturaron. La locura crece a medida que el metraje avanza, y la magia se apodera del relato, para terminar con un tramo completamente sumido en el melodrama (aunque no desprovisto de sangre y desmembramientos). Una desbarrada total.

JUEVES, 29 DE MAYO

Silent RetreatOFICIAL NOCTURNA Silent Retreat (Canadá, 2013)

Dirigida por Tricia LeeSilent Retreat es la historia de un retiro espiritual en el bosque al que son enviadas chicas jóvenes que han cometido delitos, para ser reformadas y evitar así la cárcel. Janey (Chelsea Jenish) llega al retiro y pronto se da cuenta de que los hombres que lo dirigen están lavando el cerebro a las chicas para convertirlas en mujeres sumisas y esposas decentes y serviciales. Junto a una de las chicas que más tiempo lleva encerrada en el retiro, Janey inicia una revuelta contra los hombres, lo que le llevará a descubrir que en el bosque hay una criatura monstruosa que las acecha. Parece mentira que Silent Retreat sea el segundo largometraje de Lee, que además tiene diez años de experiencia en el corto. La película no hay por dónde cogerla, es una sucesión de escenas mal escritas, supuestamente intimistas y melodramáticas, topicazos mal llevados (ese ventolín) y con las peores interpretaciones que se puedan imaginar. Una cinta inerte, repetitiva, aburrida, cuyo mayor error es tomarse demasiado en serio. Porque si Silent Retreat fuera una sátira, funcionaría, pero no, Lee está absolutamente convencida de que está realizando una gran obra de denuncia. Por si su denuncia feminista (casi feminazi) no estuvieran claras desde el principio, Lee se encarga de que en cada escena sepamos que lo suyo es una historia de girl powerde la manera más tosca y ridícula posible, como si ella percibiera la realidad desde un punto de vista básico y unidimensional (“¿Creían que porque éramos chicas no íbamos a saber cómo hacer funcionar un coche?”). Y por si eso fuera poco, el elemento fantástico es irrisorio, una criatura mal diseñada y peor ejecutada, y una backstory de risa. Basura.

TheTexasChainsawMassacreMAESTROS DEL FANTÁSTICO Tobe Hooper presenta La matanza de Texas (40º aniversario)

Y por fin llegó uno de los momentos más esperados del Nocturna 2014, la proyección del clásico del cine macabro La matanza de Texas, con la presencia en la Sala 1 de los Palafox de su director, el admirado Tobe Hooper. El realizador acudió al festival para recoger su premio homenaje “Maestro del Fantástico“, en honor a su carrera en el cine. El galardón fue entregado por el mismísimo Leatherface antes de la proyección. Hooper se quedó después de que terminase la película para responder a una ronda de preguntas. Durante el coloquio, el realizador nos habló de sus “segundas” intenciones a la hora de hacer La matanza de Texas (la caída de la familia y la América profunda) o de cómo tuvo que arreglárselas para evitar la calificación X. Además, nos contó un par de anécdotas del rodaje que contribuyeron a aumentar el inquietante mito de la película: Según narraba Hooper, el reparto acabó odiándose entre sí, algo que él mismo había provocado, para aumentar la tensión en el rodaje y que se reflejara en la pantalla. La grabación transcurrió bañada en sangre, sudor, vómitos y lágrimas, y los actores acabaron odiándolo a muerte. Las condiciones del rodaje fueron extremas, en muchos casos peligrosas, dando como resultado varias lesiones para los actores. En la escena en la que los hermanos dan a chupar la sangre del dedo de Sally al abuelo, la actriz Marilyn Burns confesó al director 15 años después que como el mecanismo para la sangre no funcionó, pidió que le cortasen de verdad, y lo que chupa el abuelo es sangre real de su dedo.
Sobre la película, ¿qué decir? Que después de ¡cuarenta años! sigue conservando intacta la capacidad para desasosegar, provocar taquicardias y perturbar como ninguna otra, y que verla en pantalla de cine aumenta todas esas sensaciones, hasta el punto de que uno sigue oyendo los gritos de Marilyn y la sierra de Leatherface durante horas. Una obra maestra todavía insuperable.

La cuevaOFICIAL NOCTURNA La cueva (España, 2014)

En La cueva un grupo de cinco jóvenes se van de escapada a Formentera, sin avisar a nadie de dónde van, para desconectar del mundo y relajarse a la vez que se lo pasan bien. Una vez establecido el campamento cerca de una playa, se dedican a explorar los alrededores hasta que encuentran una cueva. Los chicos del grupo proponen entrar y las chicas les siguen, adentrándose cada vez más y confiándose demasiado, cosa de la que por supuesto se van a arrepentir muchísimo. Lo que empieza simplemente como las aventuras de unos treintañeros que no despiertan demasiada simpatía evoluciona de la mejor manera hasta llegar a lo que se propone, la angustia por la supervivencia. Es cierto que la película no tiene nada nuevo que ofrecer al formato found footage y cámara en mano (al estilo de REC o El proyecto de la bruja de Blair), pero cuando algo está tan bien hecho y planeado es algo que se puede pasar por alto. El espectador lo va a pasar mal tanto poniéndose en la piel de los personajes como pensando en el rodaje, que tuvo que ser todo un desafío. La crudeza de las imágenes (con recursos tan vistos como el de la visión nocturna de la cámara) y lo física que resulta cada situación ayudan a alcanzar un punto bastante de agobio y claustrofobia. El final resulta un tanto anticlimático, una decisión diferente habría marcado una gran diferencia. Un aplauso al director Alfredo Montero y a todo su equipo, se agradece que hayan sacado adelante una propuesta así dentro del panorama del cine español. Ese esfuerzo de tres años ha merecido la pena. (Texto de Daniel Andréu)

Texas

 

Crónica: Nocturna Festival de Cine Fantástico de Madrid 2014 – Parte I

posternocturna2014El pasado lunes 26 de mayo dio comienzo la segunda edición del Nocturna Festival Internacional de Cine Fantástico de Madrid, un festival en pañales que sin embargo ya se ha convertido en cita ineludible para todos los aficionados al fantaterror. En palabras del director del Nocturna, Luis M. Rosales, durante la inauguración del certamen, este festival está hecho para cubrir un hueco que nos hacía falta en la capital, uno para congregar a los miles de fans del cine fantástico que durante esta semana llenarán las salas de los Cines Palafox de Madrid. El Nocturna se financia de manera completamente privada, sin subvenciones estatales ni nada por el estilo. Una propuesta sin duda temeraria que todos agradecemos enormemente, y que merece la pena apoyar para que dure muchos años más.

Este año contamos con la presencia de Dario Argento, Tobe Hooper y Jaume Balagueró, maestros del fantástico que recibirán sus premios honoríficos a lo largo de la semana. Además, podremos ver algunas de las películas más esperadas del género en una programación internacional muy ecléctica, asistiremos a la premiere de la muy recomendable Al filo del mañana, tendremos otra imprescindible sesión Phenomena (Los Goonies + Invaders from Mars) y disfrutaremos de eventos para fans de Juego de Tronos y Teen Wolf, con los que el Nocturna presta al fantástico televisivo la atención que merece. Sin más dilación, paso a hablaros de las películas que pude ver durante los dos primeros días del festival (antes de cada título especifico la sección a la que pertenecen).

LUNES, 26 DE MAYO

Blood GlacierPANORAMA The Station (Blutgletscher, Austria, 2013)

Un grupo de científicos alemanes instalados en una remota estación meteorológica de los Alpes alemanes descubren un extraño líquido vírico que está tintando los glaciares de color rojo sangre y provocando extrañas mutaciones en los animales que habitan la zona. Al grupo de científicos se le une una expedición liderada por una política (descacharrante fusión de Angela Merkel y Terminator), que se convertirán en víctimas de las violentas criaturas. El director las oculta en todo momento en planos de oscuridad casi total y montaje epiléptico, para que su aspecto (muy pobre por lo poco que podemos ver) no arruine la película. El film de Marvin Kren es una propuesta diferente, una cinta de terror con elementos de melodrama y acción alocada que resulta en un tono enormemente confuso. Afortunadamente, la premisa y el desarrollo de Blood Glacier es tan absurdo que nos sirve para echarnos unas risas (sea o no esta su intención). A destacar el demencial desenlace, que convierte a la película en una suerte de precuela de Teen Wolf.

p18oueucdmjvnel615oh1o4i1rs3cEVENTO ESPECIAL Juego de Tronos – Visita de Sibel Kekilli

Canal + Series y Nocturna repiten el evento fan de Juego de Tronos que tanto éxito tuvo el año pasado con la visita a Madrid de Natalie Dormer. En esta segunda edición, la invitada especial es Sibel Kekilli, actriz que da vida a Shae en la serie, e intérprete multipremiada por su papel en la aclamada Contra la pared de Fatih Akin. Antes de la proyección del episodio 4×07, la estupenda Isabel Vázquez de Canal + Series realizó una entrevista a Kekilli, que a pesar de que no domina el inglés del todo, lo hizo genial y claramente se lo pasó muy bien -aunque se murió de vergüenza cada vez que había un momento subido de tono en los clips de la serie que pusieron. La actriz alemana de origen turco nos dejó otros momentos muy divertidos: Después de ver con nosotros la escena del juicio de Tyrion, gritó: “Bitch! I hate her.” Nos habló de su relación con el reparto, confesando que con quien mejor se lo pasa es con el actor que interpreta a Lord Varys, y que en la última fiesta que se pegó con Peter Dinklage se bebieron cuatro botellas de vino entre tres. Kekilli también habló de que al principio todos hacían bromas a costa de su inglés, y que ella no se enteraba de nada (por ejemplo, en la primera temporada la invitaron a la wrap party de la serie, y se asustó porque entendió “rape party”). A la pregunta “¿Qué es lo más importante que has aprendido durante tu experiencia en Juego de Tronos?”, Sibil respondió: “Inglés”.

The Zero TheoremINAUGURACIÓN The Zerø Theorem (USA, Rumanía, Reino Unido, 2013)

Para inaugurar el Nocturna 2014 por todo lo alto, a las 22:00h se proyectó la película más reciente del maestro del fantástico Terry GilliamThe Zerø Theorem. En ella, un genio de la informática interpretado por Cristoph Waltz vive “enganchado” a su trabajo en un mundo gobernado por las corporaciones, que vigilan al ciudadano las 24 horas. Qoen vive en una capilla en ruinas y se dedica al último encargo que le ha impuesto la Dirección: descifrar el Teorema Cero, que podía desvelarle el sentido de la vida y de su existencia. “Terry Gilliam vuelve a crear un delicioso paisaje futuro como a él le gusta, sin esparajismos formales pero con un exceso patente en cada plano. La visión de ese futuro imaginado en es muy cercana a la que creó hace casi 20 años en 12 monos. […] Sin haber conseguido una película perfecta, Gilliam ha dado un paso adelante respecto a su anterior trabajo”. Podéis leer la crítica completa de The Zerø Theorem en este enlace.

MARTES, 27 DE MAYO

The Second ComingOFICIAL FANTÁSTICO The Second Coming 3D (China, 2014, premiere internacional)

Cuento asiático de fantasmas sobre una familia atormentada por un espíritu que posee a la hija adolescente y desencadena una serie de revelaciones sobre el oscuro pasado de los padres. La familia Chen se enfrenta a un fantasma que por alguna misteriosa razón quiere hacer daño a los progenitores de la familia, provocando accidentes y sembrando el terror dentro de su residencia. “Inspirada en hechos reales”, The Second Coming 3D es la enésima cinta de terror asiático que insiste en los tópicos de siempre: fantasmas que toman la forma de un niño, secretos del pasado que no se pueden dejar enterrados, y esa extraña percepción sobre las relaciones materno-filiales, que parece obsesionar a todos los directores que realizan este tipo de películas (aunque más que mommy issues, lo suyo es una horrible falta de originalidad). La película es un estrepitoso despropósito sin pies ni cabeza, técnicamente muy deficiente, con un montaje a medio hacer y unos sustos que más que dar miedo, insultan por lo soez de su ejecución. Además, la película utiliza la tecnología 3D únicamente para poner objetos delante del encuadre, suponiendo un desperdicio absoluto de medios. El drama de los Chen es tan afectado, tan telenovelesco que The Second Coming se convierte rápidamente en una comedia involuntaria. Aunque es difícil reírse, o reaccionar de cualquier modo, ante lo que uno tiene que aguantar viéndola.

BeneathOFICIAL FANTÁSTICO Beneath (Estados Unidos, 2013)

Después de la horrible The Second Coming, la norteamericana Beneath (también supuestamente inspirada en hechos reales) sube considerablemente el nivel de la Sección Oficial. La película de Ben Ketai cuenta la historia de un grupo de mineros del carbón que quedan atrapados bajo tierra el día que la hija del jefe decide apuntarse para ver de primera mano el trabajo que su padre ha desempeñado durante 30 años. Después de un accidente, los mineros deben esperar 72 horas bajo tierra mientras el equipo de rescate acude a sacarlos. Sin embargo, una serie de fenómenos extraños empiezan a afectar a los trabajadores, desembocando en una claustrofóbica y terrorífica pesadilla de la que solo uno saldrá vivo. Beneath es un film tremendamente efectivo, una película sencilla y concisa, con buenas interpretaciones, cuya mayor baza es el miedo que provoca lo que no vemos. Ketai juega muy bien la carta de la incertidumbre y la angustia, dando como resultado una película de la que es difícil salir una vez la pesadilla comienza. Será difícil que otra película supere a los sustos de Beneath. Ayer en el absoluto silencio de la Sala 2 de los Cines Palafox se podía respirar la tensión y el terror en el ambiente.

ViyPANORAMA VIY (Rusia, 2014)

Basada libremente en el cuento homónimo de Nikolai Gogol, Viy es una superproducción fantástica al estilo de las grandes sagas épico-medievales que se ha convertido en el estreno más taquillero de la historia del cine ruso. Se trata de la historia de un cartógrafo inglés que llega a un pequeño pueblo perdido de Europa del Este en el que los habitantes, poseídos por el terror a ser consumidos por el mal y el pecado, se defienden de brujas, demonios y demás criaturas mitológicas cavando un gran foso. Pero nada será lo suficientemente grande para librarlos de la maldición y del ataque de las fuerzas oscuras. Esta sinopsis de la película de Oleg Stepchenko no hace justicia, ni remotamente, a lo que es Viy (es más, para saber qué es exactamente lo que cuenta la película y ordenar su mal llamado argumento he tenido que recurrir a Wikilandia). Estamos ante una de esas películas que hay que ver para creer, un horrible festival digital sin pies ni cabeza que estuve a punto de abandonar en multitud de ocasiones durante la proyección. Una historia terriblemente farragosa y larga, con un sentido del humor trágicamente anticuado, un ritmo desesperantemente confuso, y el peor montaje que he visto en mi vida, en la que no se explica la presencia de los británicos Jason Flemyng y Charles Dance (Tywin Lannister). Una auténtica tortura rusa.

11ª Muestra SyFy de Cine Fantástico: Tercera jornada (Domingo)

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La Muestra SyFy tocaba a su fin el domingo 9 de marzo, pero como no podía ser menos, se despidió por todo lo alto. El último día nos esperaba una proyección especial en 3D del especial del 50 aniversario de Doctor Who, la ya clásica sesión doble de Phenomena y dos estrenos para terminar.

Hacia el medio día, Callao se llenó de whovians dispuestos a reencontrarse con el Doctor en todas sus encarnaciones, esta vez en pantalla de cine (y muchos por segunda vez). Aunque no era requisito para acceder a la proyección, los fans no dudaron en disfrazarse de sus personajes favoritos (la mayoría de Tenth o Eleventh) y ninguno se olvidó de traer su destornillador sónico. Podéis ver las fotos del evento Doctor Who en la galería que ha subido SyFy España a su página de Facebook. Seguro que os encontráis (yo os he reconocido a unos cuantos :P). También podéis leer la entrada sobre “The Day of the Doctor” que Alicia Ortega escribió para fuertecito no ve la tele cuando se emitió por primera vez en BBC. La tenéis aquí.

Por lo demás, el último día de La Muestra transcurrió con la loca normalidad de siempre. Con la diferencia de que Leticia Dolera cedió el testigo y/o compartió el escenario en las presentaciones de las películas. Nacho Cerdá, creador del Phenomena Experience, se encargó una vez más de presentar el programa doble de clásicos sci-fiLa mosca y Depredador; El equipo de Faraday (que había tenido el detallazo de repartir croquetas caseras a los primeros en la cola para su sesión) acompañó a Dolera antes de la proyección de la película y se quedaron después para un coloquio -muy poco participativo a pesar de la buena acogida-; y en la última sesión de La Muestra, Diego LatorreEdu CasanovaFele Martínez y Macarena Gómez subieron a presentar el cortometraje Blink, que fue recibido sin piedad, con fuertes abucheos e improperios varios (vaya, que el corto era un despropósito, pero muchos se olvidaron la educación en casa), y  a continuación Eduardo Noriega ejerció como anfitrión de clausura y representante de La Bella y la Bestia de Christoph Gans, en la que interpreta al villano Perducas. Como curiosidad malévola, hubo un intento de reunión Tesis, pero ni Noriega ni Martínez parecían estar por la labor (¿rencillas del pasado?) De hecho, Eduardo se marchó espantado después de ver la reacción del público a Blink, para evitar posibles palos por su película.

Lo cierto es que a lo largo de estos cuatro días de Muestra, y al igual que en ediciones anteriores, el público se ha ido desatando cada día más, perdiendo un poco el respeto por los asistentes. El domingo pudimos oír quejas de gente indignada por los continuos comentarios en voz alta de los que se han autoproclamado este año comentaristas oficiales de las películas. Una cosa es cuando toda la sala se pone de acuerdo para reírse o vitorear una escena en particular (es parte del encanto del festival), y otra es cuando los tres pesados de turno se pasan la proyección entera haciendo chistes para toda la sala (casi siempre sin gracia o de mal gusto) y molestando a los que quieren ver la película. Esperemos que la cosa cambie un poco en 2015.

Leticia se despidió tras su undécimo baño de multitudes en La Muestra, no sin antes repartir regalos a los twiteros que más le habían hecho la pelota y enseñarnos palitos fluorescentes de colores, previo aviso de spoiler para nuestro Dani Andréu, que se volvió a tapar los oídos para que no le destriparan Coherence. También hizo de Celestina como el año pasado, saludando a una pareja cuyo primer beso tuvo lugar en la Muestra anterior, y por último nos contó que dentro de dos meses comienza el rodaje de su primer largometraje como directora. Mucha suerte, Leticia. Que triunfes con tu película, pero que esto no te impida volver para la 12ª Muestra de Cine Fantástico SyFy el año que viene.

A continuación os dejo con las reseñas de las películas del domingo, escritas por David Lastra:

Phenomena: La mosca (David Cronenberg, Canadá, Estados Unidos y Reino Unido, 1986)/ Depredador (John McTiernan, Estados Unidos, 1987)

PredatorLas sesiones dobles de Phenomena siempre nos sirven a los que nos las damos de listos para ver algún que otro clásico por primera vez. En esta ocasión, le tocaba el turno a Depredador. Virgen como la selva virgen en la que se ambienta el film de McTiernan, se presentaba el que aquí escribe ante las aventuras de Arnold Schwarzenegger. Nunca negaré el carisma de Dutch (realmente es muy difícil encontrar alguna película en la que Arnie no se coma la pantalla) y el encanto que tiene que Dutch y su batallón arrasen una hectárea a base de cañonazos, pero una vez más, se me vuelve a hacer pesado el tempo de McTiernan. Será que este tipo de cine ochentero en los dos mil y pico me ha pillado muy mayor ya.

The FlyPero antes de la orgía de tiros de la mano de Chuache, una de las musas de este festival (con permiso de Leticia), tuvimos el placer de disfrutar en pantalla grande de La mosca, como muy bien dijo Cerdá en la presentación, una de las producciones de David Cronenberg más asequibles para el gran público, eso sí, sin que esto suene a menosprecio alguno, porque la Brundlefly sigue funcionando como el primer día. Cronenberg fagocita al espectador desde el primer minuto, obviando todo tipo de introducciones. Nos vomita y nos desintegra a lo largo de un metraje en que no hay un solo segundo de relajación. Todo abocado a un discurso aterrador por parte del protagonista (más que la escena en la que se arranca las uñas de la mano) sobre su nueva condición de insecto. La Nueva Carne ha triunfado una vez más. Larga vida a la Nueva Carne (y a David Cronenberg).

FaradayFaraday (Norberto Ramos del Val, España, 2013)

Comedia… ¡pardiez!… además con elementos paranormales… ¡joder!… y además española… ¡vámonos! Faraday jugaba con semejante carta de presentación, que hizo que más de uno abandonase corriendo nada más terminar Phenomena. ¡Craso error! Porque este film es una verdadera maravilla. Esta locura que despedaza el mundo de las redes sociales mezclándolo con ouijas y demás apariciones podría haber sido un descalabro magno, pero no solo solventa la papeleta sino que se confirma como una de las mejores comedias españolas de la última década. El guión de Jimina Sabadú y Pablo Vázquez es un ejemplo de cómo crear gags rápidos, divertidos e irónicos basados en referencias pop de esta nuestra generación sin caer en el cualquiercosismo o en la artificialidad que tan frecuentes son en el cine (y televisión) nacional actual. Ese libreto tan divertido (dato que repetiré una y mil veces más) se ve conjugado con el saber hacer de Norberto Ramos del Val a la dirección, dos protas en estado de gracia (Javier Bódalo y Diana Gómez) y un sinfín de cameos (entre los que se encuentran leyendas catódicas como Arancha del Sol e Inma del Moral, señores y señoras). Ni cine low-cost, ni cine baratito. Faraday es Cine, Cine. Aquí tenéis un follower para siempre.

Bella BestiaLa Bella y la Bestia (Christophe Gans, Francia y Alemania, 2014)

Otro de los platos fuertes de la muestra era el retorno de Christophe Gans a la gran pantalla tras ocho años de reclusión después de su infravalorada Silent Hill (¡trece años distan ya de su espantosa y sobrevalorada El pacto de los lobos!). En esta ocasión, Gans acude a una de las historias populares más conocidas: el cuento de la Bella y la Bestia. No sabemos si ha sido por la presión de las anteriores adaptaciones o por la presencia de media familia Seydoux, pero Gans ha preferido optar por rodar un anuncio de perfume de dos horas más que arriesgarse por dar un lavado de cara a la historia zoofílica más querida por grandes y pequeños. Esta clausura no trajo la polémica que prometía, sino más bien una sensación generalizada de tedio. Ese es el problema del film de Gans, el quedarse en medio de todo, no arriesgar ni un ápice por sorprender, inquietar o molestar al espectador.