Joss Whedon sobre Twitter, los trolls, el feminismo y su relación con los fans

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Joss Whedon ha hablado sobre su marcha de Twitter, negando que haya dejado la red social por la presión de los “militantes feministas” a raíz de lo que ha hecho con el personaje de Natasha Romanoff en Vengadores: La era de Ultrón. Estas son sus declaraciones, realizadas para BuzzFeed​:

“Eso es una gilipollez. Creedme, los militantes feministas me llevan atacando desde que me creé la cuenta de Twitter. Estoy acostumbrado. Todos los grupos feministas están atacando a otros grupos, cada facción liberal siempre está ocupada atacando a otra facción liberal, porque Dios les libre de unirse y luchar juntos por la causa.

“He oído a muchas personas decir ‘¡Los guerreros de la justicia social han destruido a uno de los suyos’. Y mira, no. No es así. También he leído algún tuit diciendo que todo es porque Feminist Frequency ha cargado contra Vengadores 2, que por lo que yo sé, puede haber pasado. Pero literalmente la segunda persona que me preguntó si estaba bien después de irme de Twitter fue Anita Sarkeesian [fundadora de Feminist Frequency]”.

La razón de su marcha de la red social no es otra que el deseo de recuperar su vida personal y buscar de nuevo la chispa creativa:

“Simplemente pensé, ‘Espera, si voy a ponerme a escribir otra vez, tengo que marcharme a un lugar tranquilo’. Y Twitter es el lugar menos tranquilo en el que he estado en mi vida… Es como presentarte a las oposiciones en el festival de Coachella”.

Sobre las acusaciones de machismo dirigidas hacia su persona después de su tratamiento de la Viuda Negra en la secuela de Vengadores, Whedon tiene esta respuesta:

“Ya lo he dicho muchas veces, cuando te posicionas políticamente, te destruyes artísticamente. Porque de repente esa postura se convierte en el ‘litmus test‘ de todo lo que haces. En mi caso por ejemplo es el feminismo. Si no superas el litmus test del feminismo en un solo caso, entonces eres un misógino. Se vuelve en tu contra”.

El director también ha hablado sobre el tema de Jurassic World (os recuerdo que criticó un clip de la película por su “sexismo propio de los 70”):

“Llegó un punto en el debate sobre lo de Jurassic World que alguien me dijo ‘favorecer a las mujeres las margina’, y ahí es cuando dije ‘¡Vale! ¡Se acabó!’ La pescadilla se ha comido la cola. Es imposible hallar coherencia en este tema cuando todo se denuncia y se disecciona sintácticamente”.

Volviendo al tema de Twitter, Whedon asegura que los que culpan a los feministas de echarlo de Twitter no solo no tienen razón sino que no entienden la relación entre los trolls de Internet y los feministas en la red social:

“Que alguien como Anita Sarkeesian permanezca en Twitter y responda a los trolls es todo un alegato de la fuerza, el apoderamiento y la perseverancia, y eso es algo que hay que aplaudir. Que alguien como yo se líe a discutir con un montón de gente que querían que Clint y Natasha se liasen en Vengadores 2 no tanto. Para alguien como yo, entrar en el debate del feminismo es tener las de perder. Porque al fin y al cabo no soy más que un hombre blanco, heterosexual y rico. No es posible hacer cambiar de opinión a la gente con un tuit. Hay que hacerlo con acciones. La acción que supone que Anita esté ahí aguantando lo que aguanta para hacer llegar su mensaje, y como ella tantas otras mujeres, eso es lo importante”.

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El guionista de cómics Brian Michael Bendis advirtió a Whedon de que esto pasaría antes incluso de que Twitter existiera:

“Brian me dijo, ‘Vas a conocer a un nuevo tipo de persona’. Me dio el ejemplo de una carta que le habían mandado que decía ‘En el primer panel de la página 17 Daredevil dice una frase que nunca diría. Muérete. ¡Muérete! ¿Por qué no te mueres de una vez?!’ Yo no he tenido que aguantar mucho ese tipo de cosas, porque mis fans siempre han sido amables, inteligentes, interesantes y compasivos. Por ejemplo, no conozco a ningún troll de Buffy. Pero la corriente de insultos tipo ‘Eres lo peor’ en Twitter era continua, así que no creo que me haga falta volver a visitar Ereslopeorlandia“.

“Mucha gente ha dicho cosas crueles, pero muchas otras personas han dicho cosas maravillosas. ¿Cuánta validación necesito antes de volverme insoportable? Agradezco mucho que la gente se moleste en decirme cosas agradables. Pero llega un momento en el que te conviertes en una sanguijuela absorbe-cumplidos. Eso te ayuda tan poco como que la gente esté cargando contra ti”.

Para terminar, Whedon dice que ha sopesado todo lo bueno y lo malo que se lleva de Twitter, y ha llegado a la conclusión de que la red social no tiene la culpa:

“El verdadero problema soy yo. Twitter es adictivo, si lo tienes, tienes que estar mirándolo todo el rato. Cuando haces algo mucho tiempo y deja de ser placentero, es como cuando un adicto toca fondo. Tuve mi epifanía y pensé ‘¿Sabes qué? Quiero hacer cosas, necesito no estar mirando esto constantemente, buscando noticias, chistes o cumplidos y de repente ponerme triste porque me encuentro con odio, y odio, y más odio'”.

Al preguntarle si volvería algún día a Twitter, Joss respondió:

“Estoy seguro de que lo consideraré en algún momento. Es muy divertido. Me lo he pasado muy bien ahí. Creo que he encontrado en Twitter cosas que no puedes encontrar en otro sitio. Me perderé muchos chistes. ¡A lo mejor hasta tengo que ir a un bar a buscarlos! Eso ya sería una mejora en mi vida. Necesito salir, investigar, pasar página, ver cosas, oír música, vivir como una persona. Y eso no se me da del todo bien. Así que, aunque suene raro, porque siempre me he sentido atrás, como el señor mayor que no entiende de tecnología, ahora mismo creo que estaré mejor sin ella”.

Via Buzzfeed.

12ª Muestra Syfy de Cine Fantástico de Madrid: Tercera jornada (Domingo)

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Los ojos escuecen, pero las ganas no se desvanecen. Ese podría ser uno de los lemas de La Muestra Syfy. Sobre todo aplicable al domingo, último día de proyecciones. Para el Día de la Mujer, La Muestra nos tenía reservada una interesante sesión doble final: A Girl Walks Home Alone At NightUnder the Skin, la primera dirigida por una mujer, Ana Lily Amirpour, y protagonizada por una vampira con hijab, y la segunda con Scarlett Johansson enseñándonos qué es eso de ser mujer en este incomprensible planeta. Ambas películas son de lo mejor que hemos visto este año y en cualquier edición del Syfy.

Pero antes nos esperaban otras dos cintas, una desconcertante y en última instancia chiflada comedia sueca, y un drama sobrenatural indie que parecía rescatado de las sobras de Sundance. Y también, cómo no, Huesitos. Porque como ya viene siendo tradición todos los años, Leticia Dolera se subió al escenario de los cines Callao para lanzarnos chocolatinas, una de las muchas actividades extra-oficiales de La Muestra que tanto irritan a algunos (Dolera se lo pasa genial leyendo para todos las críticas de los detractores de este tipo de distracciones entre películas). A cambio de los Huesitos, Dolera pidió que prometiéramos ver en el cine su primera película como directora, Requisitos para ser una persona normal. Y como ella es tan maja y tan cachonda, se ha ganado que le hagamos publicidad. La película se estrena en julio y se va a ver antes en el Festival de Málaga, y si refleja de alguna manera la personalidad de la actriz (que también escribe y protagoniza), no deberíamos perdérnosla.

Después de este mensaje de nuestros patrocinadores, paso a reseñaros las cuatro películas que vimos el último día en La 12ª Muestra Syfy. Inventores locos, fantasmas víctimas de bullying, vampiros iraníes y… bueno, Scarlett Johansson. Dejémoslo ahí.

 

LFO (Antonio Tublen, Suecia)

LFO_Poster27x40.inddCuando empieza LFO (acrónimo de Low Frequency Oscillation), sabes que estás ante una de esas películas que pueden acabar siendo cualquier cosa. Y por suerte, así es. El segundo film del sueco Antonio Tublen nos presenta a Robert (Patrik Karlson), un hombre que descubre la manera de hipnotizar a las personas utilizando bajas frecuencias del sonido. Con una máquina instalada en su casa empieza a hacer experimentos con sus vecinos, un matrimonio recién llegado al barrio. Al principio, Robert utiliza los tests para ganarse la confianza y la admiración de la pareja, y con la máquina corrige los errores que van resultando de los experimentos. Pero como no puede ser de otra manera, “la cosa” se le va de las manos y se le sube a la cabeza, abusando de su poder para cualquier situación y convirtiendo a los vecinos en marionetas a su merced. LFO posee una cualidad muy inquietante, con una primera parte caracterizada por la incertidumbre y la tensión contenida. Parece que vamos a presenciar un drama de ciencia ficción realista en la línea de Prime, pero Tublen acaba llevando la historia por otros derroteros, y LFO se convierte en una comedia satírica que cada vez se toma menos en serio. En su recta final, LFO se entrega por completo a la pantomima y culmina en un desenlace muy guasón con el que celebramos haber sido sometidos al experimento.

 

Jamie Marks Is Dead (Carter Smith, Estados Unidos)

Jamie Marks is Dead - Poster 01Programar Jamie Marks Is Dead en un festival de cine como la Muestra Syfy es pura provocación. La película de Carter Smith es el blanco perfecto para las mofas, una copia mala de Donnie Darko que se aproxima a temas muy serios como el bullying y sus consecuencias desde un prisma fantástico y con un desafortunado aire de auto-importancia made in Sundance. La historia arranca cuando el chico que da nombre a la película es encontrado muerto. Nadie se acuerda muy bien de Jamie Marks, más allá de su apodo, “Lunático Marks“. Era un chico introvertido, víctima del acoso de algunos de sus compañeros y totalmente invisible para el resto (a pesar de lucir un cuerpazo de atleta que debería ser suficiente para navegar con éxito los pasillos de una high school yanqui). El misterio de su muerte afecta particularmente a otro chaval socialmente inadaptado, Adam (nuestro Cameron Monaghan de Shameless), lo que le une a una chica tan súper-única-y-alernativa-y-especial que colecciona rocas (Morgan Saylor, superando en irritante a su detestada Dana Brody de Homeland), junto a la que ve al fantasma de su compañero muerto.

Jamie Marks Is Dead es una tosca alegoría de la diferencia y la dificultad para encajar de algunos adolescentes, y en concreto de la homosexualidad en el instituto, pero toda la trascendencia de estos temas se desvanece entre diálogos de una cursilería insoportable, una falsa capa de profundidad psicológica y una sarta de tópicos (el prota lee El guardián entre el centeno, por favor…) y metáforas dolorosamente obvias y predecibles. Al final, todo queda en bochornoso fan fiction gay de Harry Potter (por el innegable parecido del chico muerto con el mago de J.K. Rowling) con ínfulas de libro de autoayuda para teenagers.

 

A Girl Walks Home Alone At Night (Ana Lily Amirpour, Estados Unidos)

GIRL_POSTER_V9_outlined_0915La ópera prima de Ana Lily Amirpour después de su multipremiada trayectoria en el mundo del cortometraje es una de las sensaciones festivaleras de la pasada temporada. La directora estadounidense de origen iraní toma la arriesgada decisión de adentrarse en el sobre-explotado universo de los vampiros para demostrar que, a pesar de lo hastiado del género, aún quedan formas de innovar en él. A Girl Walks Home Alone At Night es un soberbio ejercicio de estilo y minimalismo narrativo en el que Amirpour demuestra una sensibilidad estética muy particular. Se trata de una historia clásica (chico conoce vampira) con ecos a Jim Jarmusch (que recientemente se aproximó al mismo género desde un prisma alternativo con Only Lovers Left Alive) y clara voluntad pop, en la que destacan la sensualidad e iconoclastia de sus imágenes (en esplendoroso blanco y negro) y la magnética presencia de sus protagonistas, una vampira hipster/skater con hijab (la revelación Sheila Vand, imposible no enamorarse de ella) y un joven narcotraficante con aires de James Dean, Marlon Brando y James Franco (todos reencarnados en Arash Marandi). A Girl está repleta de secuencias para el recuerdo (el primer encuentro de Arash, disfrazado de Drácula, con la Chica; su primera visita a la casa de ésta; cualquier aparición espectral de la Chica en las oscuras calles de Bad City), pero el film de Amirpour es mucho más que un festín visual para paladares modernosos, se trata además de una lección de economía narrativaA Girl nos cuenta mucho con poco, y logra pasar como si nada por los tópicos del género, contándonos con dos recursos visuales inteligentemente empleados y sin apenas palabras lo que otras cuentan con 60 minutos de exposición. Una auténtica maravilla.

 

Under the Skin (Jonathan Glazer, Reino Unido/EE.UU./Suiza)

Under the Skin - Poster 02Ya se ha escrito todo sobre Under the Skin, así que seré breve. La película de Jonathan Glazer fue una de las más aclamadas del año pasado, hasta el punto de que se llegó a pensar que tendría presencia en la última edición de los Oscar, a pesar de su carácter altamente experimental y arriesgado. No fue así (su increíble banda sonora, sin la que no se entendería la película, sí se llevó premios para llenar un estadio), pero mientras nos olvidamos de la mayoría de películas de 2014, Under the Skin tiene la capacidad para quedarse dentro y no salir de ahí nunca (no voy a hacer el juego de palabras con el título, porque ya no hace falta). Under the Skin no es una película propiamente dicha, es una experiencia, un trance visual y sonoro en el que nos sumimos desde su hipnótico comienzo hasta su desgarrador final, y del que cuesta despertar una vez empiezan los créditos finales. Pero al igual que con A Girl Walks Home Alone At Night, no podemos dejar que su impresionante factura estética y el arrebatador poder de sus imágenes nos distraiga de la maestría con la que se nos cuenta la historia de su protagonista. Porque es muy fácil pasar por alto el sutil trabajo de Glazer construyendo la minimalista trama o la desarmante interpretación de Scarlett Johansson completando sus huecos a base de delicados matices, pero no debería ser así. La actriz, cuyo 2014 será recordado como uno de los más importantes de su carrera, deslumbra y atrapa con uno de los personajes más fascinantes del cine reciente. Under the Skin fue el broche de oro para la Muestra, y desde aquí quiero dar personalmente las gracias a sus organizadores por darnos la oportunidad de ver esta obra de arte en pantalla de cine.

Premios Fuertecito: Lo mejor (y peor) del cine de 2014 según los lectores de FNVLT

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Después de más de un mes de votaciones, me complace traeros el recuento final de los votos a lo más destacado en cine de 2014 según los lectores de fuertecito no ve la tele. Siete categorías que reconocen el mejor y el peor cine, los mejores cineastas, las interpretaciones más destacadas del año, y cómo no, a la gente más guapa del Séptimo Arte, porque si no no sería fnvlt.

Muchas gracias a todos los que habéis participado, se nota que habéis puesto empeño en la elaboración de vuestras listas. Al final de la entrada encontraréis los ganadores del sorteo en el que han participado todos los votantes que han enviado sus listas durante el último mes.

Sin más, os dejo con los resultados de los I Premios Fuertecito:

Her

MEJOR PELÍCULA

1. Her (224 puntos)

 

2. Boyhood (183 puntos)

3. Perdida (151 puntos)

4. Guardianes de la Galaxia (146 puntos)

5. El gran hotel Budapest (126 puntos)

6. Interstellar (118 puntos)

7. El lobo de Wall Street (101 puntos)

8. Mommy (89 puntos)

9. La isla mínima (71 puntos)

10. Nebraska (66 puntos)

 

FinalistasMagical Girl (65 puntos), X-Men: Días del futuro pasado (63 puntos), Coherence (62 puntos), Relatos salvajes (55 puntos), A propósito de Llewyn Davis (50 puntos), Cómo entrenar a tu dragón 2 (45 puntos), La LEGO película (43 puntos), Nymphomaniac Vol. 2 / El montaje del director (42 puntos, 7 votos), El congreso (42 puntos, 5 votos), Dos días, una noche (36 puntos).

 

300 peor pel´cula

PEOR PELÍCULA

1. 300: El origen de un imperio (28 puntos)

 

2. Maléfica (21 puntos)

3. Godzilla (17 puntos, 7 votos)

4. Ninja Turtles (17 puntos, 6 votos)

5. Hércules: El origen de la leyenda (14 puntos)

 

Finalistas: Transformers: La era de la extinción (13 puntos, 5 votos), [REC] 4: Apocalipsis (13 puntos, 4 votos), Dos tontos todavía más tontos (12 puntos), Drácula: La leyenda jamás contada (11 puntos), Transcendence (10 puntos).

 

Boyhood Linklater

MEJOR DIRECTOR

1. Richard Linklater, Boyhood (86 puntos)

 

2. Wes Anderson, El gran hotel Budapest (58 puntos, 18 votos)

3. David Fincher, Perdida (58 puntos, 17 votos)

4. Spike Jonze, Her (43 puntos)

5. Christopher Nolan, Interstellar (37 puntos)

 

Finalistas: Xavier Dolan, Mommy (34 puntos), Carlos Vermut, Magical Girl (21 puntos), Alberto Rodríguez, La isla mínima (16 puntos), Lars Von Trier, Nymphomaniac Vol. 2 / El montaje del director (13 puntos), James Gunn, Guardianes de la Galaxia (11 puntos).

 

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MEJOR ACTRIZ

1. Rosamund Pike, Perdida (89 puntos)

 

2. Patricia Arquette, Boyhood (55 puntos)

3. Anne Dorval, Mommy (32 puntos, 9 votos)

4. Marion Cotillard, El sueño de Ellis, Dos días, una noche (32 puntos, 8 votos)

5. Scarlett Johansson, Her, Lucy (31 puntos)

 

Finalistas: Bárbara Lennie, Magical Girl (26 puntos), Robin Wright, El congreso (24 puntos), Jessica Chastain, Interstellar, La desaparición de Eleanor Rigby (15 puntos), Brie Larson, Las vidas de Grace (14 puntos), Amy Adams, La gran estafa americana, Big Eyes (13 puntos).

 

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MEJOR ACTOR

1. Matthew McConaughey, Dallas Buyers Club, Interstellar, El lobo de Wall Street (74 puntos)

 

2. Joaquin Phoenix, Her, El sueño de Ellis (69 puntos)

3. Leonardo DiCaprio, El lobo de Wall Street (66 puntos)

4. Antoine Olivier Pilon, Mommy (26 puntos)

5. Ralph Fiennes, El gran hotel Budapest (25 puntos)

 

Finalistas: Oscar Isaac, A propósito de Llewyn Davis, Las dos caras de enero (23 puntos, 8 votos), Bruce Dern, Nebraska (23 puntos, 7 votos), Javier Gutiérrez, La isla mínima (20 puntos), José Sacristán, Magical Girl (19 puntos), Jared Leto, Dallas Buyers Club (17 puntos).

 

Chris Pratt

GUAPO DE CINE

1. Chris Pratt, Guardianes de la Galaxia, Her (80 puntos)

 

2. Michael Fassbender, X-Men: Días del futuro pasado (73 puntos)

3. Jake Gyllenhaal, Enemy (23 puntos)

4. James McAvoy, X-Men: Días del futuro pasado, La desaparición de Eleanor Rigby, Filth (21 puntos)

5. Chris Evans, Capitán América: El soldado de invierno (18 puntos)

 

Finalistas: Hugh Jackman, X-Men: Días del futuro pasado (17 puntos), Ben Affleck, Perdida (14 puntos), Joaquin Phoenix, Her, El sueño de Ellis (13 puntos), Logan Lerman, Noé (12 puntos, 4 votos), Bradley Cooper, La gran estafa americana, Serena (12 puntos, 3 votos).

 

Scarlett Johansson

GUAPA DE CINE

1. Scarlett Johansson, Lucy, Capitán América: El soldado de invierno (42 puntos)

 

2. Jessica Chastain, Interstellar, La desaparición de Eleanor Rigby, La señorita Julia (33 puntos, 12 votos)

3. Bárbara Lennie, Magical Girl (33 puntos, 6 votos)

4. Rosamund Pike, Perdida (29 puntos)

5. Marion Cotillard, El sueño de Ellis, Dos días, una noche (25 puntos)

 

Finalistas: Angelina Jolie, Maléfica (23 puntos), Robin Wright, El congreso (19 puntos), Eva Green, 300: El origen de un imperio (17 puntos, 5 votos), Margot Robbie, El lobo de Wall Street (17 puntos, 4 votos), Jennifer Lawrence, La gran estafa americana, X-Men: Días del futuro pasado, Los juegos del hambre: Sinsajo, Parte 1, Serena (16 puntos).

 

 

Ganadores del sorteo de Nymphomaniac – El montaje del director en Blu-ray cortesía de Cameo + obsequios de cine 2014 cortesía de 20th Century Fox:

– Jael Borrell Domingo

– Paula García Nadal

– Víctor Martínez Alfocea

Master Class con los creadores de BIG HERO 6: Notas de clase

Big Hero 6 TAI

Esta mañana he tenido la suerte de asistir a una Master Class impartida por los creadores del nuevo clásico de Walt Disney Animation Studios, Big Hero 6. El encuentro ha tenido lugar en la Escuela Universitaria de Artes y Espectáculos TAI de Madrid, y a él han asistido el productor ejecutivo de la película, Roy Conli, que lleva trabajando en Disney desde El jorobado de Notre Damme, los directores Don Hall (Winnie the Pooh) y Chris Williams (Bolt), y el animador gaditano Valentín Amador. Juntos nos han presentado la película, nos han mostrado varios tests de animación de los personajes y la ciudad de San Fransokio, donde se desarrolla la acción, y nos han puesto un gran número de clips del film, que han sido recibidos con gran entusiasmo, risas y aplausos por los alumnos allí presentes.

Ya que yo he vivido el encuentro, además de como medio, como fanboy (sobre todo) y también como alumno, he tomado apuntes como si hubiera vuelto a la universidad y este fuera mi primer día. Y es que el tema me apasiona. Uno de mis sueños frustrados es el de trabajar como animador para la compañía de Mickey Mouse, y ver a Amador viviendo su/mi/nuestro sueño me ha vuelto a despertar el gusanillo. Tendré que volver a sacar mi cuaderno de dibujo. Aunque por ahora lo que haré será sacar el bloc de notas y pasaros los apuntes de la Master Class a limpio, para que sepáis de qué nos han hablado estos nerds tan simpáticos, responsables de una de las películas más destacadas del año. El 19 de diciembre examen. Digo, estreno de Big Hero 6.

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La nueva era dorada de Disney

Conli ha sido el primero en tomar el micrófono, y se ha encargado de presentar la película, hablándonos antes de su trayectoria en la compañía, con la que lleva colaborando desde mediados de los 90 (ha participado en El planeta del tesoro y Enredados entre otras). Conli ha descrito perfectamente el dulce momento que vive Disney en la actualidad, algo así como un Tercer Renacimiento: “No hay mejor momento para trabajar en Walt Disney Animation Studios que ahora mismo”, ha dicho el productor, “Gracias a John Lasseter se ha desarrollado en el estudio un nivel de confianza con el equipo de guionistas que ha afianzado la importancia de las historias. Estamos viviendo un momento muy emocionante en Disney, y eso se debe a que siempre estamos creando nuevos mundos, buscando historias en las que el público se pueda involucrar y personajes de los que enamorarse“.

Y ahí es donde encaja Marvel. La compra de la Casa de las Ideas por parte de Disney proporcionó a los directores de Big Hero 6 un catálogo de historias y personajes con el que trabajar para crear el universo de la película. Pero Hall insiste en que Big Hero 6 no es exactamente una adaptación del más bien desconocido cómic del mismo título de Marvel, sino que la cinta está “inspirada” en él. La idea era sobre todo llevar al cine esa fusión de sensibilidades que recoge el cómic: las historias de superhéroes y la robótica japonesa. Y el resultado, según el propio Hall, “es a la vez una origin story, una comedia y una profunda y emotiva historia sobre la pérdida“. En cuanto a si esta película encaja dentro del Universo Cinematográfico de Marvel, los directores han asegurado que no, que Big Hero 6 forma parte del universo de Disney. A pesar de ese guiño post-créditos que hará las delicias de los fans de Marvel.

BIG HERO 6

El avance técnico de Big Hero 6

Se suele decir con cada entrega animada del estudio, pero en el caso de Big Hero 6 es un poco más cierto: con su última película, Disney alcanza un nuevo nivel técnico en el cine de animación por ordenador. Después de Frozen, el estudio desarrolló varios programas destinados a llevar sus nuevas películas al futuro, y Big Hero 6 es el primer ejemplo de lo que han conseguido. Según nos ha contado Hall, la investigación y desarrollo que se llevó a cabo dio como resultado dos herramientas que permiten grandes progresos en el campo de la animación: el pack de renderizado Hyperion, que permitió agilizar este proceso y perfeccionar la iluminación en los planos, y el kit Denison, con el que los directores pudieron levantar el universo multicultural de San Fransokio con todo lujo de detalles e incluir en la película “más de 700 personajes individualmente animados“, incluidas versiones caricaturizadas de todos los miembros del equipo. Según los responsables de la película, la animación por ordenador facilita una mayor “sutilidad”, que nos hace pensar que los personajes no están siendo dibujados o creados por un programa, sino que están actuando.

Además de esto, Williams y Hall visitaron el laboratorio de robótica de Carnegie Mellon para documentarse en la creación del robot de la película, Baymax. Cansados de ver siempre los mismos IA en el cine -“casi siempre son villanos o acaban corrompidos”, ha asegurado Hall-, se propusieron dar con un “robot abrazable“, un tipo de inteligencia artificial “nunca antes visto en el cine”. En Carnegie Mellon descubrieron un nuevo campo de la ingeniería robótica denominado “soft robotics“, en el que se está desarrollando un tipo de “máquina” fabricada con vinilo y destinada al ámbito de la salud. Y ahí es donde nació Baymax, el robot inflable y achuhable diseñado para proveer asistencia médica que se convertirá en el mejor amigo del protagonista de Big Hero 6, Hiro Yamada. Los directores nos han mostrado un test de movimiento de Baymax, en el que hemos podido comprobar que su diseño “está basado en el movimiento de un bebé con pañales”, y también varias secuencias de la película que han servido para dar cuenta del triunfo a nivel visual y cómico que supone el diseño del personaje. Valentín Amador ha trabajado principalmente en la animación de Baymax y Hiro, por lo que a él debemos atribuirle gran parte del mérito.

Story matters (as does John Lasseter)

BeymaxPero además de los avances técnicos, y como hemos visto ya, en Disney insisten en que lo más importante a la hora de realizar una película de animación es la historia. Por eso Williams y Hall, que se formaron en Disney trabajando en guiones y storyboards, han centrado su presentación en los detalles de la trama, así como en dar a conocer a los personajes uno a uno y explorar los vínculos que los unen y que dan sentido a la historia. En relación a esto, los cuatro responsables de Big Hero 6 presentes hoy en la TAI han coincidido en atribuir el mérito de esta nueva Disney a John Lasseter.

Sin duda alguna, desde que Lasseter pasó a supervisar la producción animada del estudio, éste ha prosperado enormemente. “John quiere que hagamos películas que despierten nuestra pasión”, ha comentado Hall, a lo que Williams ha añadido: “No obliga a nadie a hacer nada. Promueve el espíritu de equipo y la colaboración. Por eso el estudio está donde está ahora. En Disney no hay miedo a presentar ideas, porque hay confianza a la hora de debatirlas y refutarlas, ya que trabajamos dejando el ego a un lado, siempre en beneficio de la historia y con el objetivo de llegar a la mejor versión posible de la película”. Conli aporta más datos sobre lo que supone trabajar con Lasseter, insistiendo en que es su pasión por el cine y las historias lo que lo convierte en un gran líder: “John no es el jefe en las reuniones, es uno más. Con él puedes entrar a trabajar y acabar viendo el trailer de la última de Bond“. O como cuenta Hall, “todos somos geeks, él incluido. Podemos hablar de cosas de geeks durante horas. Por ejemplo, un día nos puso un clip de una película de Miyazaki para explicarnos cómo quería que hiciéramos una escena, y acabamos viendo la peli entera”. Lo que ha quedado claro tras el encuentro es que estos hombres son algo más que animadores, son nerds, y como ha señalado Conli, “cineastas”.

En constante evolución

Las nuevas películas de Disney y Marvel se caracterizan por ser el resultado de un proceso creativo en el que han participado muchas voces. Desde el inicio del proyecto hasta el resultado final, las películas de ambos estudios pasan por cambios constantes y evolucionan tras numerosos “tests”, hasta dar con la mejor versión. En este proceso creativo similar al writer’s room televisivo, pero extendido a lo largo de tres años de producción, se descartan muchas ideas, y otras tantas se transforman hasta ser completamente diferentes. Por ejemplo, originalmente en Big Hero 6 había mucho más metraje dedicado al villano de la película, pero se creyó que quitaba demasiado tiempo a Hiro y Baymax, por lo que se llevó a cabo una “reducción” de su presencia en pantalla. Esto les permitió asimismo centrarse más en la comedia, uno de los puntos fuertes de la película. Por otro lado, en un principio Hiro iba a ser estudiante de la universidad, pero se decidió convertirlo en un chaval de 14 años, para aportar ese toque aspiracional disneyano a través de los ojos de un niño que desea ver realizado su sueño. Esto conllevó un nuevo reto: “Los chicos de 14 años no son precisamente agradables. Debíamos hacer que Hiro fuera simpático”, ha contado Conli, para después concluir que “lo más importante es que esta es la historia de un grupo de chavales listos sin súper poderes que usan su inteligencia para salvar las situaciones“.

BIG HERO 6

 Consejos para los aspirantes a animadores

“La mejor manera de aprender es empezar siendo storyboard artist. Y dibujar todo lo que puedas” -Williams

“Hay que estudiar guión. Da igual si quieres ser director de fotografía, o diseñador de vestuario, lo más importante es la historia. Y por desgracia es lo que más se pasa por alto. Hoy en día, hay muchas películas de animación que no funcionan por eso mismo. Y la culpa de que una película falle no es del vestuario o de la iluminación, es del guión” -Hall

“Estad dispuestos a trabajar en equipo. Debéis aparcar vuestro ego para concentraros en obtener el mejor trabajo posible. El mejor resultado se consigue en grupo. Y también debéis estar preparados para que os critiquen (constructivamente). Que os digan que una idea o un dibujo vuestro no sirve no quiere decir que seáis malos, sino que no encaja con el proyecto global, y lo más importante es saber aceptar eso para trabajar en beneficio de la película” -Amador

Votad lo mejor de 2014 en cine (sorteo 3 Blu-ray de NYMPHOMANIAC entre los participantes)

It’s that time of year again! Muchos medios especializados ya han publicado sus listas de lo mejor del año, y fuertecito no ve la tele no será menos. Yo estoy trabajando ya en las listas de “Lo + fuertecito” de 2014 en cine y televisión. Pero mientras lo hago, he decidido dejaros el blog para que nos contéis cuáles son para vosotros las mejores (y peores) películas, actores y directores del año.

Nymphomaniac directorPodéis votar en siete categorías distintas. No es obligatorio participar en todas, y no es necesario rellenar todas las categorías. Es decir, si en lugar de diez películas queréis votar siete, es posible. Y lo mismo para el resto de categorías. Lo importante es no rellenar por rellenar, sino votar lo que de verdad creéis que merece estar en la lista.

Y atención, porque entre todos los participantes, sortearé TRES Blu-ray de NYMPHOMANIAC: El montaje del director. Cortesía de Cameo.

Además del Blu-ray, incluiré varios obsequios sorpresa relacionados con algunas de las películas más destacadas del año.

 

CATEGORÍAS:

MEJOR PELÍCULA

Podéis votar hasta 10 películas, ordenadas del 1 al 10, siendo la nº 1 la que consideréis mejor.

MEJOR DIRECTOR/A

Podéis votar hasta 5 directores (indicando la película o películas por las que los votáis), ordenados del 1 al 5, siendo el nº1 el que consideréis mejor.

MEJOR INTERPRETACIÓN MASCULINA

Funciona igual que la anterior categoría.

MEJOR INTERPRETACIÓN FEMENINA

Funciona igual que las dos anteriores categorías.

PEOR PELÍCULA

Podéis votar hasta 5 películas, ordenadas del 1 al 5, siendo la nº1 la que consideráis peor.

GUAPO DE CINE 2014

Podéis votar hasta 5 actores, directores, u otras personalidades públicas masculinas del cine que hayan estado en activo durante 2014, ordenados del 1 al 5 siendo el nº1 el que consideráis más guapo.

GUAPA DE CINE 2014

Podéis votar hasta 5 actrices, directoras, u otras personalidades públicas femeninas del cine que hayan estado en activo durante 2014, ordenadas del 1 al 5 siendo la nº1 la que consideráis más guapa.

 

MUY IMPORTANTE: Todas las películas votadas deben haberse estrenado en salas de cine en España entre el 1 de enero y el 31 de diciembre de 2014. No serán válidas aquellas películas no distribuidas comercialmente en nuestro país (por ejemplo, no entra Under the Skin, lo siento). Lo mismo se aplica para los directores y actores, que deberán ser votados por su trabajo en películas estrenadas en España en 2014. Cualquier voto que no cumpla con estas condiciones será invalidado. Para consultar todos los estrenos de 2014 en España podéis utilizar esta lista de El Multicine.

 

SISTEMA DE PUNTUACIÓN:

Adoptamos el sistema clásico de Eurovisión, twelve points. Los puntos se asignarán a vuestras votaciones de la siguiente manera:

LISTA DE 10

1ª Película: 12 puntos
2ª Película: 10 puntos
3ª Película: 8 puntos
4ª Película: 7 puntos
5ª Película: 6 puntos
6ª Película: 5 puntos
7ª Película: 4 puntos
8ª Película: 3 puntos
9ª Película: 2 puntos
10ª Película: 1 punto

Si votáis menos de 10 películas, los puntos descienden. Por ejemplo, si votáis 4 películas, la primera se lleva 4 puntos, la segunda 3, y así hasta el final.

LISTAS DE 5

1º: 5 puntos
2º: 4 puntos
3º: 3 puntos
4º: 2 puntos
5º: 1 punto

Si votáis menos de 5 actores/directores, los puntos descienden de la misma manera que en las listas de 10. Por ejemplo, si votáis 3 directores, el primero se lleva 3 puntos, el segundo 2…

 

Una vez obtenido el total de puntos de cada película, actor/actriz, director/a o personalidad de cine, elaboraré los Top 10 y Top 5, que serán publicados en este blog.

Tenéis hasta el jueves 8 de enero de 2015 para enviar vuestras listas utilizando una de estos dos opciones:

1. Enviarlas a la dirección de correo: fuertecitonovelatele@gmail.com

2. Enviarlas a través de un mensaje privado en la página de Facebook de fnvlt

Los ganadores del sorteo serán anunciados a partir del día siguiente en la página de Facebook de fnvlt.

¡A votar!

El fenómeno: Bajo la misma estrella

Ansel Elgort Shailene Woodley

A mí me pirra un fenómeno teen. Los productos audiovisuales orientados a prepúberes y adolescentes del siglo XXI han alcanzado una sofisticación inaudita en los últimos años. Es cierto que muchos de ellos no ocultan su naturaleza prefabricada y disfrazan conformismo de singularidad y rebeldía, pero los que más repercusión han obtenido en los últimos años suelen estar edificados sobre una base de buenas intenciones (más allá de las económicas, se entiende), ruptura de estereotipos y en general, mensajes muy válidos para la chavalada, que debemos acoger con entusiasmo en esta época de cinismo y sobreprotección.

Me gusta Los juegos del hambre porque despierta pasión, conciencia sobre la corrupción del sistema y nos ofrece el modelo alternativo de heroína cinematográfica que necesitábamos desde hace años. Me considero directioner, porque yo también fui adolescente y sé lo importante que es la afiliación a un movimiento fan como este, uno que además lanza el encomiable (y mercantilizado, pero qué más da) mensaje “sé fiel a ti mismo”. Y por supuesto, me gusta Bajo la misma estrella (The Fault in Our Stars), el pelotazo editorial de John Green, convertido en una de las películas más (sorprendentemente) exitosas del año. Por eso, cuando Fox Home me invitó a verla otra vez con un código de descarga de Fox Digital HD, no pude negarme. Me descargué la película, cogí el paquete de kleenex, me abracé a la almohada y me abandoné una vez más al dulce sufrimiento de la épica historia de amor de Hazel Grace Lancaster y Augustus Waters.

BLME

Primero os cuento un poco cómo me descargué la película, por si os interesa. Yo elegí la plataforma iTunes, que es la que suelo usar para descargar música y vídeo, aunque también está disponible en wuaki tv, Google Play, PlayStatio Store y Xboxvideo. Lo mejor de la descarga es que están disponibles las dos versiones de Bajo la misma estrella, la estrenada en cines (9,99€) y la versión extendida (10,99€), con un puñado de escenas adicionales (incluido el cameo del autor del libro, John Green). Yo, por supuesto, he visto la versión extendida en alta definición. Necesitaba saber si esos pasajes del libro que eché de menos en la película habían sido incluidos (la respuesta es “todos menos uno”). Lo dicho, la descarga es muy fácil, inmediata y segura. Introduje el código y al rato ya estaba en mi librería (donde se quedará 4ever & ever y desde donde la compartiré con mi hermana, que es público -supuestamente- objetivo), disponible en varios idiomas, con multitud de subtítulos e incluso contenidos adicionales. La versión extendida son 2 horas y 13 minutos de Hazel y Gus, y como fan irredento de esta pareja de adultos atrapados en los (esbeltos) cuerpos de dos adolescentes que saben lo que es bueno –Buffy y Expediente X-, puedo decir que no sobra ni un segundo de metraje. Okay?

Josh Boone, cuya primera película fue la estimable Un invierno en la playa, dirige la adaptación cinematográfica de The Fault in Our Stars, bajo la supervisión del escritor John Green. El resultado es una película tan fiel al libro en el que se basa que parece que las páginas han cobrado vida en la pantalla. La elección de Shailene Woodley y Ansel Elgort como Hazel y Gus es sin duda uno de los mayores aciertos de casting de los últimos años, uno de esos casos en los que parece que los personajes estaban escritos para ellos, y nadie más. Físicamente, quizá Woodley se asemeja más a Hazel que Ansel a Gus, pero ambos realizan un trabajo interpretativo excelente, trasladando a la pantalla las idiosincrasias de los personajes, convirtiéndose absolutamente en ellos (Woodley rebosa talento, pero el irresistible y carismático Elgort es la revelación de la película). Si acaso, la adaptación se deja en las páginas algo de la agresividad y el humor cáustico que caracteriza a la protagonista, cuya encarnación en el cine es algo más apacible y cordial. Este es el único aspecto en el que se distancia la película del libro, en el que Green describe con asombroso acierto qué es eso de la “rabia adolescente“, y cómo funciona cuando además de los “dolores de crecimiento” se padecen los dolores de una enfermedad como el cáncer. La película no evita adentrarse en los pasajes más oscuros y deprimentes del libro, aunque opta siempre por un acabado limpio y aséptico, más acorde al envoltorio de romance adolescente hollywoodiense que la cubre, utilizando la muerte para hablarnos de la vida y promover el optimismo. Por supuesto.

Film Review The Fault In Our Stars

The Fault in Our Stars puede parecer a simple vista la enésima cinta basada en una novela young adult superventas, y hasta cierto punto lo es. Pero no estamos ante un romance crepusculiano o una Divergente más (saga en la que Woodley y Elgort hacen de hermanos, por cierto), nada más lejos de la realidad. Bajo la misma estrella tiene mucho más en común con esa joya sobre el rito de paso de la adolescencia que es Las ventajas de ser un marginado (The Perks of Being a Wallflower) que con cualquier saga Y.A. Los personajes de Perks bien podrían haber sido amigos de Hazel y Grace de haber compartido barrio (y década). Las voces de todos ellos se asemejan, en tanto en cuanto no son más que las de los propios autores utilizando a sus personajes como vehículos para expresarse y narrar sus experiencias o su visión de la adolescencia. Y aunque esto puede chocar al principio, sin esa forma rebuscada y petulante de hablar (a lo Dawson Leery & co.), no serían los mismos chavales autoconscientes y de vueltas de todo (se están muriendo, ¿cómo van a estar si no?) de los que nos enamoramos en las páginas escritas por Green.

A Bajo la misma estrella se le pueden achacar varias cosas: alguna que otra escena excesivamente almibarada y ridícula (la visita a la casa de Ana Frank) o el hecho de que podría catalogarse fácilmente como “pornografía emocional“. Claro que yo soy de los que piensan que el porno no tiene por qué tener nada malo, sino más bien todo lo contrario. La historia de Hazel y Gus nos invita a realizar un ejercicio de purga, de liberación, y nos permite (casi que nos obliga a) llorar a moco tendido en una emotiva y dolorosa recta final que nos habla tanto de los que se van como de los que se quedan. Pero sobre todo insiste en la idea del primer amor, del amor adolescente, como el evento más importante y transformador de nuestras vidas, magnificado como metáfora por la enfermedad que los personajes padecen. El “infinito” del que Hazel y Gus hablan debería ser un concepto muy familiar para cualquiera que recuerde esa intensa etapa de su vida, pero por si acaso, la película se asegura de que no se nos haya olvidado. Bajo la misma estrella es un fenómeno con derecho a serlo, un producto muy cuidado, inteligente y diseñado para la iconoclastia, una de esas películas que nos llegan de vez en cuando, y que se atreven a retratar la adolescencia con tacto y respeto.

Valoración: ★★★★

‘Play It Again, Dick’, el meta-spin-off de Veronica Mars

PIAD Hansen Dohring

This is the dawning of the age of Mars. Definitivamente, 2014 ha sido el Año Marshmallow. Rob Thomas logró resucitar a finales de 2013 la serie de culto Veronica Mars con una película financiada por los fans que pulverizó récords en Kickstarter, y que pudimos disfrutar la pasada primavera (crítica fuertecita aquí). La ficción protagonizada por la “prácticamente perfecta en todos los sentidos” Kristen Bell (que ha tenido un año muy dulce gracias a Frozen, VM, y sus otros churumbeles) volvió a primera plana, desatando una auténtica fiebre nostálgica y revisionista en televisión. Si Veronica Mars, una serie de la network bebé CW con un culto fiero pero más bien discreto, había sido resucitada, ¿qué serie cancelada no podíamos rescatar? Lo cierto es que ya nos hemos calmado, y las webs de entretenimiento han parado de publicar listas de series canceladas que podrían volver, pero el renacimiento de Veronica Mars nos sirvió para darnos cuenta del poder del fan (limitado pero importante) en la despiadada maquinaria televisiva, y nos regaló a los marshmallows la continuación de un universo que ni nosotros ni sus responsables nos habíamos negado a abandonar todos estos años.

En el tiempo transcurrido entre la cancelación de Veronica Mars y la génesis de la película, un personaje secundario de la serie se transformó progresivamente en uno de los favoritos del fandom. Dick Casablancas no era precisamente importante, ni siquiera le prestábamos demasiada atención (al menos yo no lo hacía). Era simplemente un alivio cómico, un personaje de confianza, pero menor, a la sombra de Veronica y Logan. La afiliación personal de Ryan Hansen, el actor que da vida a Dick, con Rob Thomas y su creación, ha provocado que éste pase poco a poco a primer plano, convirtiéndose en algo así como en embajador marshmallow, en la nueva estrella de la franquicia que asume las labores de animador en ausencia de la pluriempleada Bell. De esta manera, era de esperar que Dick Casablancas acabara protagonizando un spin-offde la serie. Y Play It Again, Dick es el resultado natural del proceso de hansenización de VM, una nueva celebración de la serie que esta vez es más un agradecimiento a sus intérpretes que a sus fans, es decir, una oportunidad para que los actores se diviertan experimentando con sus personajes, y sobre todo, la coronación oficial de Ryan Hansen como regente actual del Marsverso.

Play It Again, Dick es una webserie emitida por la filial online CW Seed. Consta de 8 episodios de apenas 9 minutos de duración cada uno. En ellos, Ryan Hansen quiere capitalizar la fiebre de Veronica Mars y organiza para ello la producción de un spin-off centrado en su personaje, que ahora también es investigador privado. A lo largo de los 8 capítulos, Hansen lidia con la burocracia de la cadena (con el CEO, Mark Pedowitz, haciendo una aparición especial), trata de reunir a todos los actores de la serie madre (requisito de CW para dar luz verde al proyecto), y rueda el episodio piloto de Private Dick, para el que además ejerce como director. Es decir, PIAD es un auténtico festival meta, y no solo en lo que se refiere al universo de VM, sino a la televisión en general. La webserie está plagada de guiños a otras series y se alza como sátira alocada de la televisión y el estilo de vida hollywoodiense que gustará a cualquiera que se llame seriéfilo. Además, no hay calificación por edades, con lo cual Thomas se ha permitido llevar la franquicia hacia un terreno más “adulto”, y no ha dudado en aumentar las dosis de picante y recurrir al “fuck” siempre que ha hecho falta (o no). Algo que los actores agradecen, y nosotros percibimos al verlos pasándolo incluso mejor que de costumbre.

Play It Again Dick pósterSin duda, lo más destacable de Play It Again, Dick, es el desfile de cameos de actores de la serie madre. La webserie comienza con una guasona aparición de Kristen Bell, gancho perfecto que da paso a un sinfín de caras conocidas para el marshmallowJason Dohring, Enrico Colantoni, Francis Capra, Percy Daggs III, Chris Lowell, Ken Marino, y un puñado de secundarios recurrentes (incluyendo un divertido recast de Duncan Kane). Como ocurrió con la película, casi nadie ha querido perderse la fiesta. Sin embargo, esta vez los actores se dan vida a sí mismos. Esto da mucho juego al permitir reconfigurarlos con personalidades opuestas a las de sus personajes o exagerando su imagen pública. Por ejemplo, Dohring es un vigoréxico egocéntrico y vanidoso que se pasa todo su tiempo en pantalla exhibiendo musculatura, Daggs III es básicamente un gángster, Capra un actor de método con ínfulas de thespian, y Colantoni es un crápula y capullo redomado, por nombrar unos cuantos. Las interacciones del bufonesco Hansen con todos ellos dan afiladísimos momentos cómicos que nos dejan entrever la gran familia en la que se han convertido todos, y que disfrutarán especialmente los marshmallows, por la cantidad de referencias a la serie.

Sin embargo, Play It Again, Dick pierde fuerza en su tramo final, cuando pasamos de la preproducción del spin-off (que nos deja entrevistas impagables e interacciones brillantes entre Hansen y sus compañeros) al rodaje del piloto. Entonces la webserie sacrifica parte de su gracia al convertirse en la típica bobada a lo Pineapple Express 2 (la continuación casera de Superfumados que James Franco & co. realizan en This Is the End). Salta a la vista que los actores se lo están pasando genial recreando lo que sería un producto deliberadamente malo (una parodia de Magnum P.I. o Starsky y Hutch), pero no se traslada del todo hacia fuera de la pantalla. Aun con todo, Play It Again, Dick es un producto bastante redondo, un absurdísimo mockumentary que recupera el espíritu de Party Down The Office y funciona tanto para fans de Veronica Mars como para aquellos que simplemente adoran a sus actores, o a la televisión. Con un sinfín de juegos de palabras con “dick” (“polla” en inglés), a cada cual más genial, bien de shirtless porque sí (como la foto del encabezado y mucho más), e incluso un número musical que alegrará el día a más de uno, Play It Again, Dick es sin duda porno para marshmallows.

Reseña: “No soy ese tipo de chica”, el primer libro de Lena Dunham

Lena Dunham Autumn de Wilde

“Lo que se manifiesta como un miedo ¿es en realidad una especie de instinto de resistirse a ser joven? A la juventud, con todos los riesgos que conlleva, las humillaciones, las incertidumbres, la presión de hacerlo todo antes de que sea demasiado tarde. ¿Está la sensacion de la muerte inminente ligada al deseo de dejar una especie de legado? Una vez escribí, pero nunca filmé, un corto en el que se celebraba un gran funeral en mi honor. Todo el mundo a quien quiero hablaba de mí. Al final, saltaba de mi ataúd y gritaba: ¡Sorpresa!”

Si hay algo mejor que recibir una oferta de tres millones de dólares a los 26 años por escribir tu primer libro, es tenerlo medio escrito para cuando firmas el contrato. Eso es exactamente lo que le ocurrió el año pasado a Lena Dunham, creadora, productora, directora, guionista y protagonista de la serie GIRLS, de HBO. Después de autoproclamarse sin reparos “la voz de una generación” a través de su álter ego televisivo Hannah Horvath, Dunham ha demostrado que el título no le venía precisamente grande. Con tres años en el candelero, una fuerte presencia en las redes sociales y habiéndose confirmado como una de las personas más influyentes de la cultura estadounidense, la autora publica su primer libro, No soy ese tipo de chica (Not That Kind of Girl: A Young Woman Tells You What She’s “Learned”), en el que invita a los lectores a adentrarse (todavía más) en su ajetreado mundo interior.

Lena Dunham is Not That Kind of GirlY digo que Dunham tenía escrito ya medio libro, porque No soy ese tipo de chica es en realidad una colección de ensayos de la autora, escritos en diversas etapas de su vida. Lena se presenta en la introducción como “una chica de 20 años”, pero los artículos que conforman el libro abarcan desde la infancia hasta su actual trabajo en GIRLS. Y es que la autora lleva desde niña documentando compulsivamente su vida. Por eso, No soy ese tipo de chica es en cierto modo  una autobiografía, la historia de alguien que, con menos de 30 años, puede jactarse de tener suficientes experiencias como para presentar unas memorias a tan temprana edad. ¿Y cuál es el propósito de este libro (más allá de seguir amasando millones)? Sencillamente narrar el proceso de transformación que ha experimentado a lo largo de su vida para llegar a convertirse en la mujer que es hoy en día, aún insegura, tremendamente imperfecta, pero capaz de respetarse y valorarse a sí misma en un entorno en el que el resto del mundo se empeña en decirle que no tiene derecho. Hasta cierto punto, No soy ese tipo de chica puede funcionar como un libro de autoayuda orientado a su generación que sin embargo debería leer todo el mundo (hombres y mujeres) para entenderla.

Para ello, Dunham se desnuda una vez más, esta vez de forma figurada. Los relatos incluidos en esta su primera aventura editorial están escritos sin tapujos, sin ningún tipo de miedo a la sobreexposición, al qué dirán. Al igual que su serie, son en cierto modo una provocación, un desafío, un gran fuck you a todos aquellos que siguen sin entender lo que pretende con su obra: contribuir a que vivamos en un mundo en el que lo normal sea que aceptemos socialmente a una mujer que se quiere y se respeta, especialmente si no es un bellezón de piernas largas y (supuestamente) le sobran unos kilos. Así, Dunham nos da la bienvenida a su complicada, desbordante y contradictoria mente de la misma manera que a su vagina, y a cada rincón de su cuerpo, sin temor a mostrarse tal y como es, orgullosa, autoconsciente y brillante. No soy ese tipo de chica es por tanto la crónica de una mujer que ha considerado que su historia, por muy poco extraordinaria que pueda resultar a muchos, y por muy autoflagelante que parezca, es lo suficientemente interesante y valiosa como para ser compartida con el resto del mundo. Y eso es lo que hace que sea tan importante.

No soy ese tipo de chica está dividido en 5 secciones donde Dunham agrupa sus ensayos por temáticas:

No soy ese tipo de chicaAmor y sexo: Lena empieza el libro directa al grano, contando cómo y cuándo perdió la virginidad. Para el relato de sus primeras experiencias sexuales no escatima en detalles. Cuántas veces puede uno pensar a lo largo de un libro “si yo hubiera escrito esto, me moriría de vergüenza que lo leyera mi familia”. Pero a Dunham poco le importa dejar constancia de su complejo de Electra, o hablar de cuando dormía con su hermana pequeña y se masturbaba pegada a su espalda sin que ésta se diera cuenta. Estos primeros ensayos llegan a adentrarse en terrenos incómodos, incluso escabrosos (su atracción por los tipos despreciables), y los detalles son sorprendentemente gráficos, pero en todo momento al servicio de un estilo siempre divertido (“Estaba segura de que mi himen se había roto al saltar una valla en Brooklyn persiguiendo a un gato que no quería ser rescatado”), y en ocasiones sublime (“En un gesto a la igualdad de géneros, ninguno de los dos se corrió”). Pero en esta primera sección, Lena no solo nos relata sus aventuras de alcoba, sino que nos habla en detalle sobre su infancia y adolescencia, caracterizada por la enfermedad mental (hipocondría, TOC), los trastornos alimenticios (tuvo que renunciar al veganismo por su salud), una educación liberal y una autoconsciencia digna de estudio (de pequeña, Lena quedaba embelesada por su propia belleza ante el espejo). Resultan especialmente amenos y enternecedores los pasajes en los que revive sus años de secundaria, cuando su principal referente de comportamiento era Angela Chase, la protagonista de My So-Called Life, y antes de iniciarse tardíamente en el sexo: “A pesar de todas las películas de caprichosas chicas de secundaria que me gustaba ver, mis años de instituto los dediqué a querer a mis mascotas, escribir poemas de amor clandestinos, y entregando mi cuerpo solo a mis propias fantasías. Y todavía no estaba lista para dejar todo eso atrás”.

Cuerpo: El cuerpo de Lena Dunham ha generado más conversaciones, artículos de opinión y discusiones acaloradas que cualquier otro “cuerpo famoso” en los últimos años. Y eso es precisamente lo que ella pretendía exponiéndose de esa manera en su serie, desplazar la mirada al cuerpo “real” en oposición al que vemos en el porno o la comedia romántica, y a través de este experimento normalizar el sexo. En esta segunda sección, la autora cuenta sus problemas con la alimentación, cómo nunca le cogió el tranquillo a la bulimia, o cuando le diagnosticaron adenomiosis y le dijeron que tenía el útero desplazado (lo que da paso a una reflexión sobre sus deseos de maternidad). Como decía antes, Dunham no se pone cortapisas, y nos relata con todo lujo de detalles todo aquello que acontece dentro de su cuerpo, desde su primera regla hasta sus enfermedades de transmisión sexual. Resulta particularmente valioso el capítulo “Escenas de sexo, escenas de desnudo y mostrar tu cuerpo en público“, recomendado especialmente a los detractores de su exhibicionismo nato, que solo ven en ello un acto de egocentrismo y vanidad. En esta sección también hay cabida para curiosidades que más bien parecen artículos de Buzzfeed, como “15 cosas que he aprendido de mi madre” o “Qué hay en mi bolso“.

Amistad: Es significativo que ésta sea la sección más corta del libro, y no porque Lena no haya tenido, o no tenga amigos, sino porque queda patente así cuáles es su prioridad número 1 a partir de los 20: el trabajo. Sin embargo, Dunham tiene historias de sobra sobre la amistad, en especial junto a su mejor amiga desde la infancia, Audrey, hija de una de sus psicólogas, con la que coincidió en la universidad años después de dejar la terapia. En esta parte del libro destacan sin embargo dos ensayos que no tienen que ver con la amistad de manera estricta: su primera y única experiencia cuasi-lésbica (atención a la fijación de Lena con las lesbianas a lo largo de todo el libro) y la preciosa relación que mantiene con su hermana pequeña, Grace (que resulta ser lesbiana, he ahí la clave). El retrato en palabras que la autora hace de su hermana es uno de los pasajes más inspirados de No soy ese tipo de chica, un texto que rezuma amor, respeto y admiración. Amistad cierra con una oda a uno de los mejores amigos de Lena, Nueva York, su ciudad natal.

Lena Dunham

Trabajo: “Para mí, dormir equivale a morir”. Está claro, Lena Dunham es hiperactiva, y necesita estar trabajando constantemente para sentirse viva. En esta sección, Lena nos habla de sus primeros trabajos en Brooklyn, concretamente de su empleo en una tienda de ropa cara (carísima) para bebés cuya clientela incluye a Gwyneth Paltrow, donde trabajó con una de sus mejores amigas, Isabel. En el capítulo “Guantecitos de piel: el placer de perder el tiempo” comprobamos que Isabel es la inspiración directa para el personaje de Jessa en GIRLS (interpretada por Jemima Kirke, también una de las mejores amigas de Lena, y la única girl de la serie a la que Lena incluye en los agradecimientos). Aunque el libro al completo sirve para averiguar de dónde provienen todos los temas, personajes y obsesiones de Lena en su serie, este ensayo es uno de los que más relación directa tienen con GIRLS, llegando a parecer un episodio de la serie novelizado. Sin embargo, en esta sección no encontramos demasiadas anécdotas tras las cámaras de GIRLS, más allá del relato de una tórrida y en última instancia decepcionante relación con un miembro del equipo. Lo que sí obtenemos es un poderoso escrito sobre su desafiante condición de mujer veinteañera en Hollywood, y su negativa a convertirse en un trozo de carne para todos esos repugnantes “ladrones de energía” de la industria. Solo una muestra de las convicciones feministas que salpican todo el libro.

Panorama general: Como indica el título, aquí se incluyen aquellos ensayos de temática general que no encajaban en las anteriores secciones. Estas historias nos llevan de nuevo hacia su infancia, tan idílica y acolchada que creó en ella una imagen equivocada de lo que era el mundo real. En “La terapia y yo“, Lena nos hace un repaso exhaustivo por todas sus etapas de terapia con diferentes psicólogas. Es uno de los capítulos más estimulantes e inteligentes del libro, un texto que resalta la vulnerabilidad de la autora, pero que también refleja como ninguno su crecimiento, y que se antoja como el más sincero y revelador del libro. Aquí también terry-richardson-shoots-lena-dunhamencontramos un bonito “cuento” sobre sus años en el campamento femenino Fernwood Cove, que es en realidad un homenaje encubierto a su madre y un ensayo sobre la muerte que nos remite a aquel fantástico episodio de la tercera temporada de GIRLS, desvelando una vez más que los conflictos internos de Hannah formaron parte alguna vez de Lena, aunque muchos de ellos ya hayan sido superados con creces (de ahí que se pueda permitir escribir así sobre ellos). El libro cierra con una preciosa “Guía para fugarse“, en la que la autora nos habla del deseo innato de desaparecer del mundo, algo mucho más triste que la muerte.

No soy ese tipo de chica recurre en demasiadas ocasiones al relleno en forma de listas y otros trucos para aumentar número de páginas (un e-mail reproducido y comentado como si fuera un clásico de la literatura en edición anotada, su diario de comidas…), y encontramos en él mucha información repetida y contradictoria (¿escaso trabajo de edición o hecho adrede para resaltar las imperfecciones de la autora, porque de eso se trata precisamente?) Y aun con todo, el primer libro de Lena Dunham es la prueba definitiva de que algo que lo espectadores de su serie sabíamos, que estamos ante una escritora excelente con una mente privilegiada. Dunham posee una increíble capacidad de observación y autoanálisis, hace alarde de una inagotable fuente de referencias (de lo más culto a lo más pop), y crea una prosa rica y naturalista que fluctúa entre lo naíf y lo trascendental para dar lugar a una serie de reflexiones muy perspicaces sobre la incertidumbre que supone vivir en la veintena, y vivir en general. Estos ensayos funcionan como testimonio de su trayectoria personal y profesional, pero también como muestra de cómo podría ser su primera novela de ficción. Esperemos que para cuando le llegue la oferta, también la tenga medio escrita.

No soy ese tipo de chica ya está a la venta en España, editado por Espasa.

Mi verano de maratones seriéfilos

La vuelta al cole siempre conlleva una primera tarea en clase: la redacción sobre qué hemos hecho durante el verano. Cuando estaba en el colegio, nunca tenía nada interesante que contar y me veía obligado a tirar de mi imaginación (amigos inexistentes, anécdotas exageradas…). La cosa no ha cambiado demasiado desde entonces. Mi verano no ha sido especialmente memorable. Un viaje corto a Londres y mucho trabajo, más que ningún otro verano (al menos se me ha pasado rápido por esa razón). Pero entre una cosa y otra, siempre he encontrado hueco para colar episodios de alguna serie. Un episodio por la mañana antes de ponerme a escribir, uno en la comida, dos por la noche (series como medicina), y en días “libres” o fines de semana, 10 episodios seguidos o más. Feliz sobredosis. Porque para eso está el verano. Binge-watching FTW! A continuación os hablo brevemente de las series que he maratoneado durante las vacaciones estivales. Espero que vosotros/as hagáis lo mismo y me contéis qué habéis visto entre baños playeros y siestas delante del ventilador.

Curb Your Entusiasm

CURB YOUR ENTHUSIASM

La comedia de Larry David ha sido mi gran maratón de comedia de este verano. Ocho temporadas en dos meses. Oigo la peculiar voz del cómico de Nueva York en todas partes. Cierro los ojos y veo su cráneo calvo y puntiagudo. Y estoy empezando a obsesionarme (más de lo habitual en mí) con cómo me tratan y cómo trato a la gente durante mis interacciones sociales y en lugares públicos. Y es que de eso se trata precisamente. Curb Your Enthusiasm es la historia de un hombre que es “víctima de sus circunstancias“, una persona tremendamente peculiar, a menudo intransigente, con sus propias normas y presunciones sobre la sociedad (algunas lógicas, otras caprichosas, otras sencillamente demenciales), que choca constantemente con el resto del mundo y sus absurdas reglas de comportamiento. Larry David ha dicho en más de una ocasión que el protagonista de Curb es la versión de sí mismo que le gustaría ser. De ahí que en la serie vierta toda su bilis y se desahogue a base de bien con las personas a las que no decimos “que te jodan” a la cara, por educación y por evitar conflictos, y que deje claro cuantísimo le obsesiona el racismo (sin corrección política que valga). Es un concepto muy interesante, reforzado por la genial improvisación en los diálogos (no hay guión propiamente dicho, solo directrices), pero pierde fuerza con el tiempo. Ver 80 episodios de esta serie tan seguidos no es del todo recomendable, sobre todo para aquellos poco acostumbrados a los maratones seriéfilos. Y no es por lo que dijo Mitch Hurwitz (creador de Arrested Development), sobre que una comedia va perdiendo gracia progresivamente a medida que vemos más capítulos seguidos. Sino porque de esta manera saltan más a la vista sus defectos. Lo peor de Curb es lo tremendamente repetitiva que es, desde el segundo episodio hasta el final. Larry David procede de una sitcom clásica como es Seinfeld, y aunque Curb sea una comedia single-cam de media hora, sin censura, e incluya un gran arco argumental por temporada, es inevitable detectar en ella la repetición de fórmulas, las catch phrases, y en definitiva, todo lo que caracteriza a la comedia de situación de network. Ojo, no digo que esto sea malo, solo que yo no he terminado de conectar con ella.

The Good Wife

THE GOOD WIFE

Y este ha sido mi gran maratón de drama. Ya había visto la primera temporada de The Good Wife hace un tiempo (en esta entrada os conté mis primeras impresiones), pero por una cosa o por otra, y aunque me encantó, fui posponiendo la segunda, hasta que este verano, tras leer vuestros enfervorizados comentarios y tweets sobre la quinta temporada (y después de tragarme los spoilers más importantes), he decidido darle el empujón que le debía. Y vaya viaje ha sido. No voy a detenerme a explicar lo que he visto, porque lo sabéis perfectamente, sino cómo me ha afectado. Después de este maratón, The Good Wife se ha catapultado directamente al segundo puesto de mis mejores dramas televisivos actualmente en emisión (ya sabéis cuál sigue siendo el primero). Creo que hoy en día no hay una serie más apasionante que esta. Me parece increíble, irreal, cómo un drama de network, una serie de abogados (perdonad que la defina de manera tan simplista) con altas dosis de investigación, e incluso de procedimental, es capaz de mantener ese (altísimo) nivel de calidad durante 22 episodios. Por esta razón, en la era de los dramas de cable, las series-evento y las temporadas cada vez más cortas, el valor de The Good Wife es aún mayor. Después de una quinta temporada monumental (pero ya desde antes), la serie de CBS es actualmente, junto a Mad Men, el drama más seguro de sí mismo, más inteligente (es más, superdotado), más en control de su propio universo, más detallista, perfeccionista y mejor escrito de la televisión. Viva Santa Alicia.

How to Make It in America

HOW TO MAKE IT IN AMERICA

En la era de HBO inmediatamente anterior a GIRLS y Looking, la cadena intentó acercarse al público más joven y moderno con una dramedia de media hora producida por Mark Wahlberg y un montón más de gente, que se titulaba How to Make It in America (Buscarse la vida en América era el título en España). La serie, una especie de Entourage de la Costa Este, fue cancelada después de dos temporadas. Y con razón. HTMIIA era una propuesta endeble, desdibujada y gravemente falta de chispa y carisma. Esta serie es todo un ensayo y error, un paso en falso de HBO antes de encontrar con la comedia de Lena Dunham el tono adecuado para dar voz a los problemas del joven neoyorquino y el veinte-treintañero moderno y urbanita en general. En HTMIIA se nos habla, evidentemente, del gran sueño americano, y se hace a través de dos chavales que intentan triunfar en el mundo de la moda (concretamente el diseño de pantalones vaqueros), y los satélites que giran a su alrededor (un puñado de personajes sin interés alguno), con la cultura skater de fondo (un poco por la cara). La cosa no era desagradable,  para nada, solo prescindible. Todo resulta desapasionado, aburrido, y su aproximación al mundo hipster, desprovista de la sátira que hoy en día vemos en otras series, hace que la serie haya perdido vigencia terriblemente en tan solo cuatro años. Bryan Greenberg y Lake Bell salvan un poco la función. Pero ni su encanto natural ni sus esculturales anatomías salvan la función.

Dream On

DREAM ON

Curb Your Enthusiasm no es la única comedia clásica de HBO que he devorado este verano. De hecho, me he remontado mucho más atrás, a comienzos de los 90, con la comedia de John Landis y los creadores de Friends, Marta Kauffman y Kevin BrightDream On (en España conocida como Sigue soñando). Yo solía ver esta serie en televisión (la emitía Canal + en abierto en sus primeros años de existencia), y lo hacía un poco a escondidas, porque ya sabéis: TETAS. HBO se encontraba aún definiendo su imagen de marca, y lo que más claro tenía era que sus ficciones debían ser atrevidas, picantes, y que debían ofrecer lo que no podían otras cadenas: desnudos, sexo y palabras malsonantes. Aún así, las primeras temporadas de la serie son más bien inocentes. Sí, hay despelote (principalmente femenino, pero también del protagonista, el estupendo Brian Benben), pero era esto (y la factura de comedia single-cam) lo único que la diferenciaban de las sitcoms de cadenas generalistas. Los conflictos y las tramas eran muy simplistas, la continuidad un desastre, y la coherencia brillaba por su ausencia (véase el horroroso capítulo doble con David Bowie), lo que, visto con ojos actuales, puede resultar demasiado primitivo y chocante. Pero Dream On fue encontrando su voz poco a poco, incluso se permitió reírse de las exigencias de la cadena (¡¡más rubias en tetas, más sexo, más saxo, más fucks!!). Lo mejor (además del gran trabajo de Benben aunando carisma y patetismo) sigue siendo el uso de clips de películas clásicas para expresar los pensamientos del protagonista y añadir “notas al pie” en las escenas (gran labor de documentación y un recurso humorístico muy bien aprovechado). Sin embargo, la serie ha perdido mucho con el tiempo, y aunque es una de las pioneras de la neotelevisión (de hecho, Sexo en Nueva York es como una costilla de esta serie, aunque mucha gente no lo sepa), ha caducado casi por completo.

The Walking Dead

THE WALKING DEAD

Esta es una de esas series que, aunque me arriesgue a muchas críticas por decirlo, veo por obligación. Porque es la serie de mayor audiencia en su país de origen, porque es una de las imprescindibles de los seriéfilos, y porque debo estar al día con la actualidad televisiva. La primera temporada de The Walking Dead se me hizo eterna, y eso que es cortísima. Este verano he maratoneado la segunda y la tercera (a ver si consigo ponerme al día), y la cosa ha mejorado ligeramente. La segunda temporada tiene capítulos que son una auténtica tortura, pero otros bastante notables. Además, si algo hace muy bien esta serie es aprovechar el formato serial para contar la historia, y crear los cliffhangers más impactantes y los finales más memorables (nada superará a la escena de la pequeña Sophia saliendo del granero, eso sí). Por eso, lo quiera o no, se puede decir que estoy ligeramente enganchado, así que, a pesar de no soportar a los personajes (me consta que hasta los fans más acérrimos de la serie reconocen que donde más falla es en este aspecto) y del ocasional episodio repleto de diálogos vacíos y soporíferos, he aprendido a disfrutar la serie por lo que es (un poco lo mismo que me ha pasado con The Leftovers). Sobre todo gracias a una tercera temporada bastante más trepidante que las anteriores, empiezo a ver The Walking Dead en parte por obligación y en parte por placer. Es un progreso. Cuando termine mi maratón (que dentro de dos días se convierte oficialmente en otoñal), os cuento si mi percepción sobre la serie ha cambiado.

Respuesta a Mayim Bialik por el asunto Frozen

mayim frozen

Mayim Bialik (Blossom, The Big Bang Theory) y (supuestamente) sus hijos odian Frozen. El reino del hielo. La actriz ha explicado los motivos en su popular blog, y me sorprende encontrarme con los mismos argumentos contra Disney de siempre, aplicados muy endeblemente a una película que se construye precisamente para evitar ataques infundados como el suyo. Frozen tendrá sus problemas, pero parece que Mayim no la ha entendido (o en realidad no la ha visto). Me llama la atención que en su entrada reconoce que la película trata de desmontar los estereotipos de los que ella se queja, pero falla en la ejecución. Me parece una idea interesante, y estaba dispuesto a dejarme convencer por ella, pero la actriz también falla en la ejecución a la hora de explicarla y no consigue realizar un discurso sólido.

Aquí tenéis la entrada del blog de Mayim.

A mí SÍ me gusta Frozen, pero mi entrada no es una respuesta por despecho realizada por un fan ofendido (nada más lejos de la realidad, conozco a mucha gente a la que no le gusta la película, y entiendo perfectamente sus argumentos, incluso algunos los comparto). Esto tampoco es exactamente una defensa de Frozen per se, sino más bien una llamada de atención a todos aquellos que no se relajan ni un solo segundo y se empeñan en ver injusticias, lecciones morales erróneas y mal ejemplo en todos los objetos de la cultura popular (especialmente en Disney). ¡Viva el cinismo, y viva el sobreanálisis en la era de las redes sociales! Ah, y otra cosa. Como muchos sabéis, también soy muy fan de Blossom, así que esto va con amor, Mayim.

Por partes:

“La búsqueda de un hombre/amor/príncipe sigue siendo la idea principal del argumento de la película, como lo suele ser en la mayoría de las películas de animación para niños”.

NO, Mayim, precisamente esa idea, que sí se puede aplicar a los clásicos Disney de los 50 y a algunos del renacimiento de los 90 (donde muchos os habéis quedado), NO es el argumento principal, y sólo aparece tal y como tú la has entendido en la primera parte, y además de forma paródica (porque para desmontar algo primero hay que montarlo). Anna se enamora del príncipe a primera vista, y hay un número musical en el que se llama la atención, a base de humor, sobre lo almibarado y absurdo de la idea. El estereotipo de la princesa que se define por su necesidad de estar con un hombre (Hans) se desmonta, y el enamoramiento (de Kristoff) sucede más bien en segundo plano. El conflicto central tiene que ver con las dos hermanas, y así se mantiene hasta el final, cuando es Elsa la que “salva” a Anna, en lugar del “beso de amor verdadero” del príncipe. Además, siguiendo la estela feminista de Merida de Brave, Elsa es una reina soltera, y no tiene pretendiente, por tanto no es definida en ningún momento por su relación con un hombre. Paradójicamente, Anna termina con un hombre al que acaba de conocer, pero la relación de Anna y Kristoff se desarrolla de manera orgánica, natural, y el enamoramiento no es impulsivo, pasional, o ciego. Hasta los más pequeños pueden darse cuenta de eso. La prueba está en que la película no termina con su boda, como sería de esperar, sino con un simple beso. Y no un beso de “vivieron felices y comieron perdices”, o uno de dominación masculina, sino un beso de inicio de relación.

“El deseo de la hermana es casarse con ese chico al que acaba de conocer, y la otra hermana se enfada con ella… y nosotros seguimos teniendo un argumento sobre el concepto de identidad femenina basado en el deseo de conocer a un hombre”.

De nuevo, me da la sensación de que, o no has visto la película entera, o has visto clips sueltos, o simplemente has oído hablar de ella y dejaste a tus hijos viéndola para ir corriendo a escribir tu post polémico del día. Volvemos a lo mismo de antes. Anna desea casarse con el chico que acaba de conocer, sí. Esto ocurre en la primera parte de la película, y forma parte de la exposición de lugares comunes que más tarde serán dinamitados. Cuando Anna conoce a Kristoff, este le dice “¿En serio te vas a casar con un tipo que acabas de conocer?” Y al final, cuando se descubre que Hans es en realidad el villano de la función, este le espeta “Estabas tan desesperada por amar que estabas dispuesta a casarte conmigo a la primera de cambio”. ¿Por qué te quedas sólo con lo que te interesa para construir tu discurso y fuerzas lo demás, Mayim?

Por otro lado, no entiendo por qué utilizas el enfado de Elsa con Anna por la boda con Hans para apoyar tu argumento sobre la identidad femenina. Elsa no se enfada con su hermana porque Hans sea un hombre, o porque Anna se vaya a casar y ella no. Elsa se enfada porque DESCONFÍA de esa persona que, como bien dices tú, acaba de conocer (“No te puedes casar con un hombre que acabas de conocer. Me da igual que hayáis compartido un número musical”, le dice Elsa a su hermana). Es una cuestión de confianza, de miedo (que viene desde la infancia, y está relacionado con haber hecho daño a su hermana, no con ningún hombre). ¿O acaso creíste que había celos? Me preocupa que esa sea tu visión del asunto. A ver si eres tú la que observa a la mujer en el cine y la televisión única y necesariamente vinculada al “concepto de la identidad femenina basada en el deseo de conocer a un hombre”… Elsa no será el personaje más coherente y redondo del mundo, pero si algo hace bien es precisamente construir su propia identidad completamente al margen de los hombres.

“El príncipe/héroe resulta ser el villano. Fingió amarla y luego le tendió una trampa, de lo que ella saca la lección de que no se debe confiar en esos hombres asquerosos, manipuladores y confabuladores. Porque claro, ¿no se puede confiar en los hombres? Meh”.

Aquí es donde me pierdes por completo, Mayim. Qué manera de tergiversar el asunto. ¿Por qué no eres capaz de desvincular el género del personaje con sus actos en la película? Haces justo lo que criticas. ¿Qué pasaría si el villano fuera una mujer (como tantas veces en el Disney clásico: Maléfica, Madame Mim, la madrastra de Blancanieves, Úrsula)? Entonces hablarías de sexismo y de la identidad de la mujer madura en relación a sus celos de la joven y las normas de la sociedad que dictan que…. MEH. La conclusión que saca Anna es que no se puede confiar ciegamente de una PERSONA que acaba de conocer, que ha de molestarse en conocerla un poco antes. No tiene nada que ver con la guerra de géneros. ¿No te sirve que en la película haya dos personajes masculinos opuestos para desmontar esa idea? Kristoff es un hombre bondadoso, honesto, leal, no manipula a Anna, no le dice lo que tiene que hacer. El arquetipo que representa Hans es desechado en favor del que representa Kristoff, por tanto, ¿a qué viene eso de que no se puede confiar en los hombres? Me recuerda a la gente que critica la escena en la que Úrsula convence a Ariel para que le entregue su voz a cambio de piernas, argumentando que los hombres no quieren que las mujeres hablen. ¿De verdad es tan complicado no entender estas escenas de manera literal y asumir que se trata de la caracterización del villano y, por tanto, de la exposición de la idea que la película denuncia? Una vez más, te quedas con la fase inicial del concepto, y desechas la conclusión de la película, para construir la tuya propia, la que te viene bien.

“Mi problema es que esta es una película dirigida a niños pequeños que no creo que necesito estar basada en ideas como esta, especialmente cuando no está basada en un clásico cuento de hadas. Y además, todos los personajes son jóvenes y obviamente no tienen edad para, en mi conservadora opinión, andar buscando pareja”.

Te equivocas de nuevo. Frozen sí está basada en un cuento de hadas. Concretamente en La reina de las nieves de Hans Christian Andersen. De acuerdo, está muy libremente adaptada, puesto que lo cambia tanto que al final no queda casi nada del material original. Pero aún así, técnicamente estamos ante un cuento de hadas, y por tanto es normal (o quizás sea más adecuado decir “tradicional”) que las princesas protagonistas sean muy jóvenes (¿no serás tú también de los que critican Mad Men “porque es machista!! buuu buuu”?). Pero bueno, ese no es el problema, seguimos con la misma idea que vertebra tu discurso, y que de raíz no tiene fundamento. Frozen no es una película sobre chicas demasiado jóvenes buscando pareja, por todos los dioses. Si esa es la idea que sacaron tus hijos después de verla, es que han pasado demasiado tiempo en brazos de su madre.

“Los personajes masculinos parecen personajes de dibujos animados, pero siguen respetando las proporciones del cuerpo humano. No ocurre los mismo con las chicas. Tienen ojos enormes, ridículamente grandes, naricitas pequeñas y delicadas. Y proporciones de muñeca Barbie: cinturas diminutas, pechos grandes y cabezas enormes. ¡Parecen muñecas!”

¿Ves? Aquí te tengo que dar la razón. Si tu denuncia a la película se hubiera basado en esto principalmente, no tendría mucho que decir en tu contra. Los diseños de Anna y Elsa están realizados, efectivamente, pensando en los millones de muñecas que se iban a vender, y por tanto sufren de proporciones barbianas, ojos de anime y narices microscópicas sin puente, y situadas donde debería estar la boca. Esto fue lo que menos me gustó de Frozen, y creo que unas proporciones más naturales habrían apoyado mejor todas las ideas progresistas de la película que hemos destacado. Pero esto no deja de ser una película de animación, y tengo la sensación de que los niños y las niñas saben distinguir un dibujo animado de una persona real.

 

Si lo que querías era ir a contracorriente, Bialik, te podrías haber apoyado en otros argumentos. Por ejemplo, las canciones (en la entrada dice que odia los musicales) o los agujeros de guión (que hay doscientos), pero has preferido aplicar unos cuantos conceptos que tienes grabados a fuego (con toda la razón del mundo) sin tener en cuenta más variables, sin analizar verdaderamente lo que ocurre en la película. Y oye, yo soy el primero que mira estos temas con lupa en el cine y la tele, y también en las opiniones de la gente en Internet, y es normal hacerlo con algo tan influyente como Frozen, pero también tenemos la opción, de vez en cuando, de llamar la atención sobre lo que una película hace bien. Y los aciertos de Frozen en este caso, y en mi opinión, refutan lo que según tú hace mal. Sin renunciar a su identidad de cuento de princesas, o de clásico Disney, (y sin necesidad nosotros de entrar en el debate sobre su calidad) Frozen es una película ciertamente transgresora en su representación de la mujer en los cuentos de hadas cinematográficos , y un ejemplo de cómo el estudio se ha adaptado a los tiempos, apostando por las protagonistas fuertes, independientes, esencialmente buenas (que no haya villana no es digno de mención, ¿verdad?) y sí, guapas, porque la belleza no debe estar reñida con la transmisión de valores positivos. No te voy a aconsejar verla otra vez (cuidado, pierde en sucesivos visionados :P), pero sí a pensar un poco en lo que has visto. Y tampoco seré yo quien te diga cómo educar a tus hijos, pero quizás sea aconsejable que los dejes pensar por sí mismos.

Fuente

How Xena Changed Our Lives

NO ESTA

Me hallo sorprendido, emocionado y agradecido después de leer el libro de Nikki Stafford How Xena Changed Our Lives: True Stories By Fans for Fans (ECW Press, 2002), que encontré en una librería de segunda mano de Portobello Road, en un viaje reciente a Londres.

Sorprendido porque no esperaba encontrarme con tantos testimonios valiosos y serios, de gente que va más allá de la mera obsesión (casi material) por un objeto de la cultura popular y que lo utiliza realmente para mejorar su vida. Esperaba leer a muchas fans locas de atar por Xena, freaks sin más, pero me he encontrado con muchos textos escritos desde la sensatez más absoluta, por gente inteligente, totalmente cuerda (no digo que ser superfan sea estar loco, ya me entendéis), con una visión muy certera y equilibrada del mundo y de cómo su obsesión encaja en él. Admirable.

Emocionado por testimonios de adolescentes que encontraron en Xena y en Gabrielle la confianza en sí mismos que les faltaba, de víctimas de bullying que se enfrentaron a sus acosadores con éxito, de chicas que descubrieron un nuevo mundo en el que la mujer podía valerse por sí sola, de enfermos que salieron adelante con la ayuda de la Princesa Guerrera (llamadas de teléfono de la mismísima Lucy Sin ley incluidas), de escritoras de fan fiction que acabaron escribiendo guiones para la serie, y por supuesto, de muchas mujeres que gracias a Xena aceptaron su orientación sexual.

También por leer muchas anécdotas sobre las actrices protagonistas, de la mano de los fans que acudían a las muchas convenciones que se organizaban de Xena: La princesa guerrera a lo largo y ancho del mundo (la de Pasadena de 2001 sale a colación en casi todas las historias, y se equipara en todas a La Meca del xenite, leyéndolas duele mucho habérsela perdido). Me conmueve absolutamente la entrega de estas dos mujeres, y del equipo que tenía alrededor, para con todos los fans de la serie. Esto ocurría sin duda porque eran conscientes del impacto que causaban en la gente, y de lo importantes que eran para tantas personas, algo que por desgracia muchos otros no valoran.

Sorprendido también por leer en todos estos relatos cómo era esto de ser fan en el cambio de milenio. Parece que fue ayer, pero allá por 2001 (cuando se escribieron los relatos de este libro) casi nadie tenía Internet en sus casas y el DVD aún daba sus primeros pasos. Me ha impactado leer historias en las que los fans descubrían Xena porque alguien les dejaba un VHS con capítulos grabados, o que pedían a sus amigos que les trajeran información impresa sacada de Internet en el trabajo de sus padres, o de fans alemanes e italianos a los que les dejaron de emitir la serie por la tele y al no tener manera de ver las últimas temporadas, leían en los foros y miles de webs de Xena lo que había pasado en ellas. También es curioso lo de los arcaicos mailing lists, y cómo se forjaron las primeras amistades y relaciones amorosas a través de Internet, pre-Facebook y pre-Todo.

También impactado por lo muchísimo que devastó a los fans el final de la serie. No había leído textos con tanta ira en muchísimo tiempo. “Friend in Need” desató la furia de la mayoría de seguidores, según ellos, porque Robert Tapert traicionó todos los valores en los que se sustentaba la serie. Los seguidores se refugiaron en el fan fiction, uno de los más importantes de la historia del medio, para “arreglar” y continuar el final ellos mismos, dando lugar a una infinidad de textos que se sumaron a los ya existentes.

Y finalmente, agradecido porque yo formo parte de este, y de otros fandoms, y porque, por tanto, entiendo hasta qué punto puede cambiarte la vida una obsesión sana como esta, y como tantas otras 🙂

¿Qué serie os cambió a vosotros la vida?

Entrada dedicada a mi adorada Patricia Gm (alias /laesculli)

Reivindicando tres nuevas comedias canceladas antes de tiempo

comedias canceladas

La temporada televisiva 2013-2014 ha sido un año duro para la comedia de network. Todas las sitcoms que NBC lanzó en otoño han acabado canceladas, y aunque About a Boy les ha salvado el año, no cabe duda de que el clásico Jueves de Comedia ha dado ya sus últimos coletazos -el fracaso de los comebacks de Michael J. Fox y Sean Hayes y la cancelación de Community tras varios años agonizando han sido los últimos clavos del ataúd. Por otro lado, en Fox siguen confiando en sus comedias mucho más que la propia audiencia, y avalan series como (la excelente) The Mindy Project, (la olvidada) New Girl o (la todavía muy verde) Brooklyn Nine-Nine, como si fueran grandes éxitos de público y crítica, a pesar de que no las ve nadie (y de que ese Globo de Oro a B99 fue evidentemente comprado). Y por último, ABC ha experimentado en general un bajón enorme en sus índices, lo que ha afectado particularmente a sus comedias. No ha tenido reparos en cargarse Suburgatory, a pesar de que su audiencia era mayor que la media de sus sitcoms, quizás porque iba siendo hora de hacer purga. La cadena no levanta cabeza (tampoco en drama), aunque se consuela con que su comedia estrella, Modern Family, sigue funcionando muy bien.

En este panorama desolador para la comedia televisiva en abierto intentaron salir a flote tres series que, ya sea por mala política de programación, nula promoción o la falta de interés del público, han acabado canceladas a pesar de rebosar potencial. Tres comedias que han sido sobrevividas por sus hermanas de menor talento, y que no han tenido oportunidad para brillar y convencer a la audiencia de que, si se les daba un voto de confianza, tenían cuerda para muchos años de buena (o al menos divertida) televisión. Son dos series de ABC y una de Fox. Ninguna de las tres alcanzará estatus de serie de culto, pero son mucho mejores de lo que parece, y bien merece la pena echarles un vistazo, sobre todo ahora en temporada estival, que puede que andéis buscando series con las que llenar vuestras tardes tirados junto al ventilador. Ya sabéis, son cortas, son fáciles de ver, muy simpáticas, y a ratos pueden llegar a ser verdaderas joyas:

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Enlisted (13 capítulos)

Otro ejemplo de que Fox sigue siendo la cadena que peor programa sus series, y la que peor trata a su audiencia. Enlisted recibió su sentencia de muerte cuando se le asignó la franja horaria de la muerte (death slot) en la parrilla de la mid-season: los viernes, conocidos en las cadenas (sobre todo en Fox) como “El saco donde echamos todas las series en las que no confiamos y/o de las que nos queremos deshacer”. Enlisted, creada por Kevin Biegel (productor de Scrubs Cougar Town), es una sitcom pseudo-bélica que recupera la tradición de M.A.S.H., pero adaptada a las nuevas sensibilidades seriéfilas. Sigue las aventuras y desventuras del destacamento de retaguardia del Ejército situado en Florida, un grupo de soldados que se encargan de aguantar el fuerte en territorio americano, y se dedican a entrenar, tratar con las familias de los militares en el extranjero y a otros asuntos burocráticos. El centro de atención recae en tres hermanos, Pete (Geoff Stults), Derrick (Chris Lowell) y Randy Hill (Parker Young), irresistibles niños grandes cuya relación es el corazón de la serie, algo que se traslada fuera de la pantalla.

Enlisted no es una obra maestra ni de lejos, pero lo que hace lo hace muy bien. Es un entretenimiento más que digno (y estúpido a partes iguales, pero ahí está la gracia) en el que prima el buenrollismo por encima de todo, y que evita meterse en política a pesar del tema que trata. La serie tiene ese aire a workplace comedy que tan buenos resultados ha dado en NBC, con series como The Office Parks and Recreation. Aunque Enlisted no es un mockumentary, sino una comedia single-cam que recuerda inevitablemente a Community o la malograda Go On, pero salvando las distancias con ambas (con Community porque no alcanza en ningún momento su nivel, con Go On por todo lo contrario). De hecho también se da un aire a B99, con la que pedía a gritos ser emparejada en la noche de los martes. Pero al parecer la lógica esquiva a los programadores de la cadena.

A pesar del protagonismo del trío fraternal, cuyas peleas y competiciones ocupan gran parte de los episodios, Enlisted pone mucho énfasis en el carácter coral de su reparto, y a medida que avanza la temporada, los secundarios (el equipo de perdedores y freaks que forman el destacamento) empiezan a adquirir personalidad, demostrando gran química juntos. Enlisted daba para muchas temporadas de comedia bobalicona (o tontiligente), tenía un arsenal inagotable de one-liners, había prometedores casos de TSNR, y nos ha proporcionado la mejor carnaza masculina de este año (para muestra, un botón). En especial Parker Young (otro botón), al que otorgamos una medalla por dar vida a uno de los personajes más graciosos del año. Enlisted tenía todo lo que hay que tener para convertirse en comedia de culto, pero no ha podido ser. Eso sí, la serie al menos se despide por todo lo alto, con un último capítulo precioso y una secuencia final increíblemente emotiva elevada a épica por el temazo de M83Outro“. Esperamos volver a ver a los Hill algún día, a ser posible juntos (y si puede ser, en la ducha).

Super fun night ABC

Super Fun Night (17 capítulos)

La australiana Rebel Wilson llegaba a la tele americana para comérsela (no, no pun intended), después de convertirse en revelación de películas como Bridesmaids y (sobre todo) Pitch Perfect. Internet adoraba a la Wilson, era una cómica de culto convertida en imparable fuerza mediática, bordaba las entrevistas en todo late night en el que aparecía, y era uno de los gifs más socorridos de la red. Sin embargo, como suele ocurrir en estos casos, al intentar universalizar algo que funcionaba a pequeña escala, se rompió la magia. Rebel estrenó su serie, Super Fun Night, el pasado otoño, y desde el primer capítulo quedó claro que lo suyo con la audiencia americana no estaba escrito en las estrellas, al menos no por ahora.

Super Fun Night es la historia de Kimmie Boubier, una adorablemente excéntrica chica de Nueva York que trabaja en un buffet de abogados y vive con sus dos mejores amigas del instituto, Helen AliceMarika (¿la rebautizarían en España?). Kimmie es la líder de este trío de parias, freaks vírgenes terriblemente dañadas por sus experiencias en el instituto, pero con muchas ganas de adentrarse en el mundo de los adultos y empezar a vivir por fin la vida. A lo largo de una temporada, Super Fun Night explora la amistad de estas tres amigas mientras Kimmie intenta compaginar la vertiente más seria de su vida, su trabajo, con sus relaciones, y las super fun nights que organiza todas las semanas junto a HA y Marika (por cierto, otra medalla a Lauren Ash por otro de los mejores personajes del año). La disyuntiva entre convertirse en un adulto serio y responsable y seguir comportándose de manera (supuestamente) inmadura es uno de los conflictos centrales de la serie, aderezado como no podía ser de otra manera por la clásica TSNR, en este caso entre Kimmie y su jefe, Richard (Kevin Bishop).

Es cierto que los primeros capítulos de Super Fun Night resultan algo desalentadores. Nunca llega a ser especialmente mala, pero es comprensible que el público norteamericano no se enamorase de Kimmie & co. Una pena que la audiencia mayoritaria no conecte con este tipo de comedia awkward, algo que ya comprobamos con la joyita que fue Don’t Trust the B—- in Apartment 23, otra marcianada con la que Super Fun Night haría una pareja genial. Pero si le damos un par de capítulos, Super Fun Night es capaz de sorprendernos muy gratamente, e incluso emocionarnos. Ya no solo por los impagables momentos musicales que nos depara (se nota que a Wilson le encantan los musicales y quiere que lo sepamos) o por los destellos de genialidad cómica que hay en cada episodio (creo que esta es una de las series con las que más me he reído este año). Sino porque en el fondo, Super Fun Night es una preciosa historia de superación, una serie sobre el patito feo, el gafotas devora-cómics, la fan de Murna: Princesa Guerrera, o la víctima de bullying que deja atrás la pesadilla del instituto, pierde el miedo al mundo y echa a volar. Nos hacen falta más cosas como Super Fun Night, una serie refrescantemente anormativa y motivacional protagonizada por mujeres que no se ajustan a los cánones de belleza y celebra la diferencia con un gran festival de música y color. Freaks and Geeks 4ever.

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Trophy Wife (22 capítulos)

Además de “serie cancelada antes de tiempo”, Trophy Wife ha sido durante 2013-2014 una de las “mejores series que no estás viendo”, y sobre todo, una buena serie con un mal título, siguiendo los pasos de otra comedia de ABC, Cougar Town, que acabó burlándose de lo inapropiado de su título desde su cabecera (“Bad Title, Good Show” llegó a ser su tagline). Efectivamente, Trophy Wife engaña por su título, es más, lo transciende una vez terminado el piloto. Es el problema de muchas nuevas series americanas, que se centran exclusivamente en la premisa, y no piensan a largo plazo (algo que podría ocurrirle a The Good Wife también, por cierto). Lo de “Trophy Wife” parece indicarnos que el conflicto central de la serie va a ser el hecho de que Pete (Bradley Whitford) se haya casado con una mujer mucho más joven que él, o que Kate, interpretada por Malin Ackerman (que también produce), se llevará todo el protagonismo. Pero nada más lejos de la realidad.

Estamos ante una comedia coral en la tradición de Modern Family. De hecho, a primera vista no parece más que uno de los tropecientos clones del hit de ABC que todas las cadenas han desarrollado en estos últimos años, sin ningún éxito. Sin embargo, si vamos más allá de la estructura de la serie (tres núcleos familiares interconectados que generan tres tramas a la semana), nos daremos cuenta de que Trophy Wife es mucho más que un sucedáneo, y que tenía suficientes bazas como para erigirse por sí sola como una de las mejores nuevas comedias de la tele. Una pena que ABC cometiera el mismo error que Fox con Enlisted y no la emparejase con Modern Family, que era lo lógico (en la midseason cometió el absurdo error de darle ese hueco en la parrilla al cáncer televisivo por suerte ya erradicado que fue Mixology).

Lo que hace que Trophy Wife destaque por encima de otras comedias familiares que han fracasado esta temporada (The Michael J. Fox Show, Sean Saves the World, Welcome to the Family, Growing Up Fisher) es su numeroso reparto, a la altura del talento de los monstruos cómicos de Modern Family, y la química natural que los cohesiona (cada capítulo prueba con varias combinaciones diferentes de personajes y todas funcionan a las mil maravillas). Ackerman está sencillamente adorable, pero la eclipsan otros personajes. Especialmente los niños, Warren (alma gemela de Luke y Phil Dunphy) y el increíblemente maravilloso Bert, un saco de ilusión y entusiasmo que afortunadamente no suena a adulto en miniatura en ningún momento -como suele ocurrir con todos los niños de sitcom (ejem Lily ejem). Y sobre todo las verdaderas estrellas de la serie: las ex mujeres de Pete, una absolutamente descaharrante Michaela Watkins y una inconmensurable Marcia Gay Harden. Espero que algún productor se haya percatado de que esta señora DEBE tener una comedia para ella sola. Pero si hay algo que convierte Trophy Wife en una de las pérdidas más trágicas de esta temporada es que era una comedia genuinamente graciosa y divertida, algo cada vez más raro en las networks.

Estamos todos juntos en esto: Serieadicción, comunidad seriéfila y cultura blogger

cartel_RESET_CasEl pasado martes 17 de junio de 2014 tuve el honor de participar en RESET. Reseteando la pequeña pantalla. El serieadicto en la nueva televisión, una serie de encuentros bajo el tema común de ‘la nueva era de la televisión’ que tuvieron lugar en el Centro de las Artes de Sevilla CAS, coordinados por Sergio Cobo-Durán, de la Universidad de Sevilla.

Yo tuve el privilegio de cerrar este ciclo dando una charla junto a uno de los bloggers de TV más conocidos en España, Alberto Rey (Asesino en serie), titulada “Las series de televisión crean comunidades. El universo del blogger“. Durante dos horas reflexionamos entre otros temas sobre el origen de la quality television, las nuevas formas de producción, difusión y consumo de las series de televisión en el siglo XXI, las claves para entender el fenómeno blogger vinculado a la crítica de cine y televisión, y el por qué de la necesidad de ver y (sobre)analizar todo lo que nos ofrece la ficción norteamericana.

Para todos aquellos que no pudieron asistir a la charla (y para todos los que quieran leerla), a continuación os dejo con mi parte de la presentación. En primer lugar os hablo de la historia de fuertecito no ve la tele y mi iniciación en el universo blogger, y después paso a desarrollar los temas que tratamos a lo largo de la tarde, más alguno que otro que se quedó en el tintero.

De nuevo muchas gracias a todos los que os acercasteis a hablar de series con nosotros (a pesar del calor), y un agradecimiento muy especial a Sergio Cobo y el CAS por contar conmigo, y también a la Liga de Investigadores en Comunicación por la gran labor que están desempeñando en el campo de los Estudios Televisivos en España.

cuartito

UN POCO DE HISTORIA

Para los que no estéis familiarizados conmigo, soy Pedro J. García, más conocido en Internet como fuertecito, y ejerzo como coordinador, redactor jefe, plantilla completa y community manager del blog fuertecito no ve la tele.

FNVLT nace en 2010, año en el que inicié mis estudios de posgrado en la Universidad de Sevilla, donde me dediqué a investigar sobre Narrativa Televisiva e Historia de la Televisión, trabajando bajo el ala de Virginia Guarinos en mi investigación predoctoral sobre drama televisivo y la cuestión de la autoría en la televisión norteamericana. El blog surgió como complemento de mi investigación en la universidad, como un espacio abierto que necesitaba para poner en práctica todo lo que estaba aprendiendo, y a su vez para verter todo aquello que no tenía cabida en la tesina.

Mi pasión por las series de televisión existe prácticamente desde la infancia/adolescencia -aún recuerdo cuando grababa mis series favoritas en VHS y me pasaba tardes enteras y noches en vela haciendo lo que hoy conocemos como binge-watching, o maratones de series. Sin embargo, es un autor en concreto el que hace que me interese por el medio desde una perspectiva más profesional: Se trata de Joss Whedon (no era difícil adivinarlo, ¿verdad?). Mi pasión por sus series, y el descubrimiento de los Slayer Studies (importante corriente de investigación académica dentro de los Television Studies que se centra en el autor), es lo que me urge a escribir, investigar y teorizar sobre las series y las personas que las crean y desarrollan. De hecho, mi iniciación en los blogs fue antes de FNVLT, con Whedonverso.com, página en la que, junto a mis amigos whedonites, analizábamos en profundidad las series de Whedon.

Claro que luego está la serie que revolucionaría la televisión y su relación con Internet, el fenómeno al que nos debemos remontar para entender esto de la serieadicción y descifrar al nuevo espectador de televisión. Efectivamente, estoy hablando de Perdidos. El año que empecé a escribir en el blog, Lost estaba en su última temporada. El blog empezó a despegar gracias a los análisis del día después que realizaba de cada capítulo, y con los que empecé a ampliar el radio y espectro de lectores, que como suele ocurrir, al principio no son más que tus grupo de amigos y/o compañeros de clase debatiendo contigo sobre la serie en cuestión. De esa manera empecé a darme cuenta de lo mucho que estaba creciendo esta comunidad de seriéfilos, y gracias a la respuesta tan positiva de los lectores, después del final de Lost y de la conclusión de mis estudios predoctorales, decidí seguir escribiendo sobre pasado y presente de la televisión en fuertecito no ve la tele. Y así hasta hoy.

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¿POR QUÉ FUERTECITO NO VE LA TELE?

Mucha gente me pregunta de dónde viene el título de mi blog, un título que por cierto he intentado cambiar varias veces -por aquello de que un nombre de marca debe ser corto y porque siempre me preocupa que por culpa de un título tan “informal” no se tome en serio lo que es sin duda un trabajo muy serio. Pues bien, la coletilla “no ve la tele” tiene doble sentido:

Por un lado, hace referencia al hecho de que los hábitos de consumo de series de televisión han cambiado por completo, y muchos de verdad ya no vemos la tele. Es decir, la “tele” ya no designa necesariamente un aparato físico, sino que nos referimos a ella más bien como si habláramos de un género o de un ámbito de la cultura. Ya no vemos la tele en la tele, la vemos en portátiles, en dispositivos móviles, en tablets mientras vamos en el metro, vaya, incluso en el cine… Y no la vemos siguiendo los horarios establecidos por las cadenas, sino que hemos adoptado por completo la experiencia de la televisión a la carta o hecha a medida por el propio espectador gracias a Internet. Cuando yo digo que no veo la tele, es verdad (no tengo TDT).

Por otro lado, el “no ve la tele” también es un guiño a todos esos que dicen “yo no veo la tele”, despreciando el medio como causa de los males de la sociedad, y renegando de la existencia de la tele de calidad. Los tiempos han cambiado, y las series ya no sufren el estigma del entretenimiento barato que tradicionalmente se atribuyó a las novelas por entregas, los seriales radiofónicos o incluso el cómic. Hoy en día, las series ocupan el lugar que les corresponde después de más de una década de esplendor, y ese reaccionario “ya no veo la tele” se ha quedado obsoleto. Por suerte, ya no lo oímos tanto como antes.

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LAS FRONTERAS ENTRE EL CINE Y LA TELEVISIÓN

Después de dos años escribiendo sobre series en mi blog, me mudé de Sevilla a Madrid. A comienzos de 2013 entré en contacto con el mundo de las distribuidoras de cine, y empecé a asistir a ruedas de prensa, pases y otros eventos. Comencé a escribir críticas de cine, que además es lo que a mí me gustaba hacer hasta ese momento, a lo que me dedicaba más como aficionado. Conté con el apoyo de todas las distribuidoras, y los lectores reaccionaron mucho mejor de lo que esperaba a que el blog ampliase horizontes.

Con esto me di cuenta de varias cosas:

  1. El espectador ya no tiene tan en cuenta el medio, sino que lo único importante son las historias y los personajes.
  2. El seriéfilo de hoy fue antes cinéfilo. Sigue siéndolo, y no son mutuamente excluyentes en casi ningún caso. Al que le gusta leer sobre series le gusta leer sobre cine, y viceversa.
  3. El cinéfilo más endogámico ya ha abrazado la seriefilia y ha asumido la evidencia: Las series ofrecen gran calidad. Podemos identificar el punto de inflexión en aquella significativa Cahiers du Cinéma España que colocó en la portada de su publicación -exclusiva y herméticamente dedicada al cine- a nuestro querido Don Draper.

Por eso, como blogger, yo me posiciono a la hora de escribir habiendo superado un lugar común que ya ha quedado muy anticuado: “Esta serie es muy buena, tanto que parece cine”. Hace 10 ó 15 años, con Los Soprano o The Wire, era comprensible exclamar tal cosa ante una serie insólitamente buena. HBO nos estaba mostrando las nuevas posibilidades de la narrativa serial, y eran alucinantes. Pero hoy en día ya hemos superado esta distinción, y tenemos muchas series que lo demuestran.

Además, volvemos al tema de los medios de difusión y consumo. Con el auge de los sistemas VOD, los estrenos simultáneos en salas e Internet, y la tendencia a crear y consumir el cine como series (largas sagas que abarcan años, películas divididas en dos con un cliffhanger), el cine y la televisión (norteamericana) empiezan a fusionarse.

Mad Men

SUPERÁVIT DE SERIES, ZEITGEIST Y CULTURA RECAP

Como decía, tenemos muchas series de calidad. De hecho tenemos superávit de series. Hay demasiadas, un gran porcentaje de ellas son de gran calidad, y estoy seguro de que os pasará como a mí: No hay tiempo de verlas todas. Necesitamos días de 72 horas. La vida del serieadicto es un continuo maratón de episodios en torno al que organizamos nuestros trabajos, nuestras responsabilidades y vidas sociales (si alguna tuviéramos), y aún así nos falta tiempo. Hay que estar al día con Juego de Tronos, The Walkind Dead, Mad Men… Además hay mil y una series de culto y/o clásicos que tenemos en la lista de espera. Sin olvidar nuestros guilty pleasures, los revisionados de nuestras series favoritas, y aquellas series que empezamos a ver hace años, y no sé por qué razón, nos negamos a abandonar.

Esto ha provocado la ansiedad del seriéfilo, y en relación a esto, lo que mi amigo Javier Pérez, definió como el Síndrome de Diógenes Digital (que podría ser también Seriéfilo o Cinéfilo). Acumulamos textos culturales con la idea de que TENEMOS que consumirlos para ir al día con los tiempos que corren, pero no tenemos tiempo para hacerlo, así que los engullimos como podemos y en muchos casos no los digerimos y los desechamos rápidamente. Es también lo que Alberto Rey llamó la bulimia seriéfila. Queremos verlo todo, porque el auge de Internet y las redes sociales, y la eclosión de la quality television en el S.XXI, ha despertado la necesidad completista y competitiva del espectador. En ocasiones vemos las series y el cine como si estuviéramos siguiendo un checklist, y no nos damos cuenta de que esa lista se renueva todos los años y es infinita. Esto salta a la vista durante la carrera de los Oscars. Seguro que muchos de vosotros, o amigos vuestros, viven los meses de enero y febrero con estrés, intentando llegar a la meta (la ceremonia) habiendo visto todas las películas nominadas.

Es un síntoma de la necesidad que tenemos de formar parte del Zeitgeist, de estar ultra-informados, hiper-cultivados, y de ver todo lo que los críticos, bloggers o académicos denominan “cine o televisión obligada”. Por eso cada vez hay más bloggers y webs especializadas en cine y TV, porque cada vez hay más series. Y esto ha hecho que el espectador quiera participar activamente del análisis de las mismas y del diálogo cultural que generan. Porque las series hoy en día (como siempre, pero aún más) cumplen la inequívoca función de explicar el mundo. Y ahora más que nunca, en una época de confusión general, caos y sobreinformación, necesitamos entenderlo, por eso demandamos de las series mayor profundidad y nos involucramos más con ellas.

De ahí que tantos seriéfilos y cinéfilos se hayan convertido en críticos/reviewers/bloggers. Para entender el mundo, queremos entender las series, y estas cada vez nos ofrecen visiones del mundo más complejas, que se prestan al análisis en profundidad. Esto ha dado lugar a lo que se conoce como la Cultura Recap, que auspician páginas importantes como Vulture, EW, IGN o The A.V. Club. La cultura que ha sustituido a la conversación del día después en clase o en el trabajo, donde debatimos el capítulo que hemos visto la noche anterior. Estos análisis están alcanzando un nivel de calidad impresionante. En muchos casos, los recaps son incluso mejores que las series, textos periodísticos y literarios brillantes, puro arte del sobreanálisis, pero arte al fin y al cabo, y sin duda ponen el listón muy alto para el resto de bloggers.

Yo pertenezco, o intento pertenecer, a esta Cultura Recap, aunque lo haga solo con un par de series, porque no es viable para mí analizar en profundidad toda la quality television que existe, ya que llevo yo solo el blog y no doy abasto. Como muchos sabéis, ejerzo como recapper de Mad Men, que es en mi opinión el culmen de la televisión de calidad, y una de las mejores series de la historia, por no decir la mejor (que me perdone Buffy, mi otra mejor serie de la historia), y semana a semana realizo un análisis en profundidad de cada capítulo mientras la serie de Matthew Weiner está en antena. Hoy por hoy, esto es lo que más me gusta hacer en el blog, y es el trabajo que me deporta las mayores satisfacciones.

En España hay cada vez mejores recappers, y hacemos competencia digna a los de Vulture y compañía. A mí por ejemplo me encantan los análisis de Mad Men (y de otras series) que hacen Sara Bureba en Series de Bolsillo o Valentina Morillo en el podcast Del sofá a la cocina.

Resumiendo, en lugar de debatir delante de un café o entre clase y clase, ahora lo que hacemos es escribir reviews, recaps, leer hasta que nos explota la cabeza, empaparnos de las teorías de los que escriben, compartiendo las nuestras, y creando al fin y al cabo una cíber-comunidad donde las fronteras entre el crítico y el espectador son cada vez más difusas.

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CRÍTICO VS. BLOGGER/RECAPPER

Por eso, cada vez hay más críticos autodidactas o amateur, que “compiten” con los críticos profesionales en los medios tradicionales. Los bloggers han irrumpido en el periodismo digital y cultural, y los medios tradicionales están aprendiendo a convivir con ellos. No sin recelo inicial.

¿Conocéis el dicho anglosajón “Everyone’s a critic”? Pues eso. Yo os puedo contar, a modo de anécdota, cómo en uno de cada tres pases de prensa escucho a algún corrillo de crítico de diarios hablar despectivamente de los bloggers y llamarlos “los frikis estos”.

Existe un rechazo, comprensible hasta cierto punto, hacia lo que mi amigo y antiguo profesor de crítica de cine Manuel Lombardo llama el “crítico pop”. Estos bloggers, en muchos casos seriéfilos antes que críticos de cine, y en casi todos los casos FANS, personas inmersas en la cultura popular, pueden dar la sensación a menudo de no ser rigurosos, de no ir en serio. Pero el lector los lee cada vez más, y por eso son tomados muy en cuenta por las empresas, las distribuidoras, los canales de TV, porque su voz es cada vez más importante. Y esto puede percibirse sin duda como una amenaza desde los medios tradicionales. ¿Por qué? Porque el blogger hace prácticamente gratis, por amor al arte, lo que el crítico de plantilla hace cobrando. La solución ha sido incorporar este universo blogger a los medios consolidados, e institucionalizarlo de alguna manera.

Pero, ¿por qué los lectores y las empresas tienen tanto en cuenta la opinión y la presencia en la red de los bloggers en oposición a la de los críticos consolidados?

  • Porque el espectador siente que le están hablando de tú a tú, y no desde una posición elevada, por encima de ellos.
  • Porque al lector le gusta sentir que forma parte de una comunidad, y el blogger le permite esto, mientras el crítico tradicional normalmente no forma parte del diálogo. Además, antes el espectador leía una crítica para decidir si veía una película o no. Ahora la lee después, para contrastar, completar y dialogar. Algo que sin duda se contagia de la Cultura Recap televisiva y el miedo a los spoilers, y que resulta siempre en el refuerzo de una comunidad que solo ofrece el blogger.
  • Porque el blogger, dejando a un lado su estilo o la calidad de su prosa, escribe como un espectador más, y forma parte activa de la experiencia comunal de ver cine y series (enriquecida con iniciativas como Birraseries).
  • Porque aunque a veces sea inevitable destrozar una película o una serie, el blogger no parece estar escribiendo desde el odio (tiene el ¿privilegio? de poder escribir sobre lo que quiere, sobre lo que le gusta), y no despierta esa connotación despectiva del término “crítico” que sí se puede aplicar a muchos periodistas de diarios nacionales.

Esto es por supuesto una generalización, y no carece de excepciones. Hay críticos que funcionan desde la perspectiva del blogger, y hay bloggers que parecen críticos de Cahiers. Pero en general, lo que diferencia al crítico profesional y al crítico pop es la distancia que interponen entre ellos mismos, el objeto a criticar y el espectador. El crítico, por una cuestión quizás de logística, pone mucha más distancia que el blogger  (llega a más gente y no puede dialogar con todos como hace el blogger), y desde luego no opera con el mismo grado de entusiasmo que él (entusiasmo que en ocasiones puede percibirse lógicamente como falta de seriedad y ausencia de criterio). Desde mi punto de vista (y así es como me aproximo yo a la crítica de cine y televisión) se trata de encontrar el equilibrio entre la cercanía del blogger/crítico pop y el rigor y los conocimientos del profesional.

Lo que está claro es que Internet ha dado poder y voz a la gente “corriente”. Y esto lo saben las distribuidoras y las cadenas, y por eso, a excepción de alguna que otra (no sacaré trapos sucios aunque los haya), nos tratan con mucha atención, como medios serios, que es lo que muchos pretendemos ser (a pesar de que el nombre de nuestro blog pueda indicar lo contrario).

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VIABILIDAD ECONÓMICA DE LOS BLOGS

Mucha gente también me pregunta: “Pero bueno, ¿ganas dinero con el blog? ¿Te da para vivir?” No os voy a engañar, me parece una pregunta un tanto impertinente, pero entiendo perfectamente la curiosidad que despierta el tema. Cabe aclarar que mis palabras no deben ser tomadas como la norma ni nada parecido. Hablo siempre desde mi experiencia, y otros pueden tener una completamente distinta que refute mi visión del asunto. Pero creo que, si me preguntan a mí, y probablemente al 95% de los bloggers, si se puede vivir de un blog, te vamos a responder claramente que NO. Pero con matices.

Existe un pequeño porcentaje de bloggers que son trend-setters, que tienen un seguimiento que se cuenta por los cientos de miles y millones, y estos sí pueden vivir de ello (son por regla general bloggers de moda o de belleza/salud). Pero no es lo normal, aunque tengas buenas estadísticas. Lo normal es tener un trabajo y dedicarte al blog en tu tiempo libre. Aunque en muchos casos el blog sea más trabajo que el primero, tanto por el tiempo que le dedicas como porque le pones más cariño y esfuerzo (al fin y al cabo, un blog suele ser lo que a uno le gusta hacer, su trabajo ideal).

No nos paga nadie, y la única vía para monetizar nuestro trabajo en el blog es a través de publicidad, sponsors, patrocinadores que ofrecen anunciarse mediante publirreportajes o product placement en tu página. Sin embargo, en la mayoría de los casos, la recompensa económica es tan irrisoria que para muchos no merece la pena “mancillar” su blog por dos duros. Por eso, hay que buscar otra manera de capitalizar el trabajo en el blog y utilizar la popularidad que te pueda dar para:

  • colaborar con otros medios que sí remuneren,
  • intentar convertirte en un blogger-firma de un diario o revista,
  • adentrarse en el mundo editorial (España está despuntando en la publicación de libros sobre series),
  • organizar/participar en eventos, conferencias, etc.
  • pasarse al video-blogging, que es más rentable.

Buffy laptop

RESUMIENDO

Los blogs son para mí una herramienta que utilizo para formar parte de esta cultura de inmersión completa en lo audiovisual y participar activamente de esta gran comunidad (palabra clave sin duda) de seriéfilos y cinéfilos que ha cambiado la cara del periodismo digital y la cultura audiovisual. La incorporación de los blogs a los periódicos y revistas de todo tipo confirma que estos han alcanzado un nuevo status y reciben el respeto que merecen. Los bloggers son cada vez más tenidos en cuenta y en algunos casos, se convierten en referentes a la altura de aquellos que escriben en los medios consolidados.

Personalmente, fuertecito no ve la tele me ha dado la satisfacción de haber reunido a una comunidad de seriéfilos y cinéfilos muy participativa, cordial y respetuosa, con la que me encanta hablar a diario. No hay mayor alegría que cuando alguien te dice que ha seguido una recomendación tuya y le ha gustado, aunque no sea tu objetivo ejercer como “referente” o como guía de lo que hay o no hay que ver (porque a mí no me gusta nada que me lo digan, sobre todo lo que no debo ver). Claro que no todo son satisfacciones. Además del hecho de que es complicado ganarse la vida con un blog, yo tengo dos inconvenientes de esto de ser blogger: Dolor de espalda permanente y haberme tenido que poner mis primeras gafas.

Muchas gracias a todos por leer y por apoyar fuertecito no ve la tele. Sois la cura para la vida común.

Crítica: Las dos caras de enero

Viggo Mortensen

Para su debut en la dirección, el nominado al Oscar Hossein Amini (guionista de Drive, Blancanieves y la leyenda del cazador o 47 Ronin), apuesta sobre seguro con la adaptación de una novela de la reina de la suspense psicológico Patricia HighsmithLas dos caras de enero (The Two Faces of January). Después de más de dos décadas asimilando el trabajo de otros a la dirección, Amini manifiesta con su ópera prima un considerable savoir faire cinematográfico y sobre todo un notable sentido de la estética.

Las dos caras de enero transcurre en el año 1962, y su relato despega en la Acrópolis de Atenas, junto a una pareja de americanos que disfrutan de sus vacaciones en Europa, y un guía turístico que se involucra en sus vidas hasta verse atrapado en una turbia trama criminal. La esplendorosa década de los 60, el lujo de las clases altas y la magia de las capitales europeas son sin duda los ingredientes perfectos para filmar una obra repleta de glamour y elegancia, y eso es exactamente lo que hace Amini. Pero no sería una adaptación de Patricia Highsmith si bajo esta capa de belleza y sofisticación no se escondieran oscuros secretos y traumas psicológicos, y si no emanara de ella esa exquisita ambigüedad que caracteriza a sus personajes.

Es inevitable establecer paralelismos con otras obras de Highsmith adaptadas al cine. Extraños en un tren (Alfred Hitchcock, 1951), o la que para el que esto escribe es una de las más satisfactorias y estimulantes (en muchos sentidos), El talento de Mr. Ripley (1999). Como ocurría en ambas películas, son los personajes masculinos de Las dos caras de enero los que presentan mayor profundidad frente al femenino. Kirsten Dunst desempeña un papel similar al de Gwyneth Paltrow en Mr. Ripley, una mujer de porcelana atrapada entre dos hombres que se enzarzan en un perturbador juego físico y mental. La relación entre ellos dos es el centro del relato, y la inolvidable atracción homoerótica entre Ripley (Matt Damon) y Dickie Greenleaf (Jude Law) encuentra su homóloga aquí en la no menos interesante y tormentosa relación paterno-filial que se establece entre los personajes de Viggo Mortensen y Oscar Isaac.

Oscar Isaac

Queda patente en todo momento que Amini está más interesado en explotar el magnetismo y la sensualidad de sus personajes masculinos que de la protagonista femenina, Colette, objeto de deseo (solo) para Rydal (Isaac) y Chester (Mortensen), pero en última instancia mera herramienta narrativa y catalizadora de conflictos entre ellos. Dunst pasa de esta manera a un segundo plano para que Amini explore los claroscuros de estos personajes de doble fachada, y los enfrenta en una batalla de egos arbitrada por sus fantasmas del pasado.

Amini traslada a la pantalla con acierto el ambiente de misterio y peligro creado por la pluma de Highsmith y enarbola un film indudablemente arraigado en la tradición hitchcockiana, que sin embargo sale perjudicado por lo predecible y formulaico de la propuesta. Las dos caras de enero es una adaptación de Highsmith, y como tal, funciona exactamente como uno espera que lo haga, para gozo de los que disfruten incondicionalmente de su intemporal estilo, y probablemente para indiferencia del resto. Lo que no dejará indiferente es el trabajo interpretativo de un fiero y atractivo Viggo Mortensen, cuyo talento animal no se reconoce lo suficiente, y el del galán Oscar Isaac, cuya irresistible presencia contribuye a la atmósfera pseudo-erótica y en ocasiones sofocante de la película, representando a la perfección las pulsiones contenidas y la profunda dualidad que caracterizan a los personajes de Highsmith.

Valoración: ★★★½

El Pato Donald cumple hoy 80 años

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El pato más famoso del mundo celebra hoy su 80º cumpleaños. El Pato Donald se dio a conocer por primera vez en el corto de las Silly Symphonies The Wise Little Hen el 9 de junio de 1934. Desde entonces, su espíritu bufón y su fuerte temperamento, le han convertido en un personaje muy querido por público de todas las edades (confieso que es mi personaje Disney clásico favorito de toda la vida).

Hoy, Donald Duck sigue siendo tremendamente popular. Además de inspirar productos y diseños para ropa, papelería o menaje del hogar, forma parte de La Casa De Mickey Mouse y tiene un papel importante en los nuevos cortos de Mickey, con un diseño muy diferente al que estamos acostumbrados, más moderno y minimalista (foto de encabezado).

Donald Wise Little Hen

Algunos datos curiosos sobre el Pato Donald:

· Desde su debut en 1934, Donald ha aparecido en 200 largometrajes de animación, más que ningún otro personaje Disney
· Tras los primeros años y a medida que su popularidad crecía, a mediados de los años 30 empezó a aparecer el primer merchandising inspirado en el Pato Donald, como peluches, sábanas y lámparas
· En 1938, el ilustrador Disney Al Taliaferro comenzó a dibujar una tira diaria de comic de Donald para el periódico, que llegó a publicarse en 322 cabeceras
· Cuatro años después de su primera aparición conoció al amor de su vida, Donna Duck, a la que más tarde conocimos como Daisy
· Además Donald tiene tres sobrinos, Juanito, Jorgito y Jaimito y su tío Gilito, que llegó a igualar en popularidad a su sobrino
· En 1995, un asteroide recibió el nombre del Pato Donald (Asteroide 12410) y en 2004 se le homenajeó con su propia estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood en Los Ángeles
· En 2013 se vendieron 80 millones de copias de las revistas del Pato Donald, con ediciones locales en 16 países de Europa, Oriente Medio y África, que confirman una creciente demanda de este entrañable personaje en el mundo editorial. En Italia, Donald sigue protagonizando uno de los cómics más populares.

Os dejo con una cronología sobre Donald:

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Via Walt Disney Studios Motion Pictures Spain

Teen Wolf: Sin pelo en el pecho

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Teen Wolf marca un antes y un después en la ex cadena musical MTV, liderando una oferta de ficción cada vez más estimulante. Se trata de la relectura en clave de serie del clásico ochentero protagonizado por Michael J. Fox De pelo en pecho, la historia de un adolescente normal y corriente, Scott McCall (Tyler Posey), cuyo mundo cambia de la noche a la mañana tras ser mordido por un hombre lobo y convertirse en un licántropo.

Las diferencias con la película de 1985 son más que sustanciales. Se podría decir que Jeff Davis, creador y showrunner de la serie, ha reimaginado por completo el relato, desechando el desenfado camp de aquella en favor de un tono más serio y afectado, y amplificando el componente terrorífico. Como nos muestra su sofisticada factura digital, el imprescindible elemento autorreflexivo y el uso del lenguaje videoclipero y la música más actual para contarnos la historia de Scott y su pandilla, Teen Wolf es un producto de nuestros días, y la evolución natural de la cadena que lo emite.

Lo que comenzó en 2011 como un tontorrón placer culpable para sofocar las calurosas noches de verano se ha transformado progresivamente en un éxito de culto que ha generado un fandom enfervorizado y ha catapultado la serie a lo más alto del teen horror. Hoy por hoy, Teen Wolf es (salvando las distancias) lo más parecido que tenemos al clásico televisivo Buffy, cazavampiros, serie con la que comparte varios núcleos temáticos, así como ese gusto por utilizar el imaginario monstruoso y mitológico como metáfora de la adolescencia.

Derek FistingComo Buffy Summers, Scott McCall se enfrenta cada día a los peligros que acechan en Beacon Hills, un pequeño pueblo en el que no solo habitan hombres lobo, sino toda clase de criaturas fantásticas. A su vez, debe compaginar la batalla contra las fuerzas del mal con su vida cotidiana como estudiante de secundaria, hijo único y jugador del equipo de lacrosse. Como no podía ser de otra manera, Scott cuenta con la inestimable ayuda de un grupo de amigos, de entre los que destaca Stiles (Dylan O’Brien), personaje favorito del público, que con el tiempo ha desplazado al protagonista y se ha convertido en el principal foco de atención de la serie.

Teen Wolf también es un hiper-hormonado romance adolescente, el de Scott y Allison (Crystal Reed), algo que no puede faltar en una historia de estas características. Claro que con el tiempo la serie se ha ido distanciando de los lugares comunes del género para construir una mitología cada vez más intrincada que desvela una gran ambición creativa.

Si algo diferencia a Teen Wolf del resto de series teen es su entusiasmo y compromiso. También su desarrollado sentido de la estética, siempre en busca del plano más hermoso y explotando la belleza inmaculada del cuerpo (sobre todo el masculino) para gozo de los miles de seguidores que a base de aullidos en Internet, especialmente desde plataforma Tumblr, han convertido la serie en todo un fenómeno de fans.

Pedro J. García

Texto originalmente publicado en el Diario de Nocturna 2014

Upfronts ’14: Las nuevas series para la próxima temporada

Ya ha llegado ese tiempo del año otra vez. Después de anunciar qué series sobreviven a la criba de mayo (May Sweeps) y cuáles perecen, las networks dan a conocer sus parrillas para la próxima temporada otoñal. Durante los Upfronts de las cadenas conocemos más detalles sobre las ficciones que coparán la temporada 2014-2015, y que nos mantendrán entretenidos, no solo por la series en sí mismas, sino por presenciar la cruenta carrera que estas libran para llegar al próximo mayo con vida.

A continuación os dejo con los trailers de los nuevos dramas y comedias (“No quiero más dramas en mi vida, solo comedias entretenidas”) de las networks, junto a la información básica para saber quién se encuentra detrás de cada proyecto y de qué va la cosa, y para terminar, mis primeras impresiones, por si os sirven para decidir si os animáis o pasáis de ellas. Iré añadiendo series a medida que las cadenas vayan desvelando sus trailers.

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ABC

 

American Crime

Qué: Drama que sigue un caso de homicidio con fuerte carga racial, y cómo esto afecta a las personas y familias involucradas.

Quién: De ABC Studios. Creada por John Ridley (productor ejecutivo de 12 años de esclavitud) y Michael J McDonald (productor de Xena, la princesa guerrera). Reparto: Felicity Huffman, Timothy Hutton y W. Earl Brown entre otros.

Primeras impresiones: ABC se pone las pilas con este intenso drama, llamado a ser uno de los éxitos de crítica de la próxima temporada. Si el trailer es indicio alguno, estamos ante un buen puñado de grandes interpretaciones, y una serie que no acostumbramos a ver en networks, sobre un tema que estas suelen tratar de forma episódica en sus series. Definitivamente, la televisión en abierto se empieza a tomar en serio la competencia de pago y aspira a ponerse a su nivel.

 

Black-ish

Qué: Un hombre de familia negro intenta inculcar en sus hijos su identidad cultural en un barrio de blancos de clase media-alta.

Quién: De ABC Studios. Creada por Kenya Barris basándose en su vida. Producida por James Griffiths, Larry Wilmore, Anthony Anderson, Laurence Fishburne, Helen Sugland, Tom Russo, Brian Dobbins, Peter Principato y Paul Young. Protagonizada por Anthony Anderson, Tracee Ellis Ross y Laurence Fishburne entre otros.

Primeras impresiones: Otra serie de ABC que se aproxima a la cuestión racial en Norteamérica, pero desde la comedia. La saturación de clichés es increíble, y el protagonista, Anthony Anderson, es insoportable. What would Bill Cosby Do?

 

Cristela

Qué: Sitcom de risas enlatadas sobre una estudiante de derecho latina y su alocada familia tratando de sobrevivir en Estados Unidos.

Quién: De 20th Century Fox TV. Creada por Cristela Alonzo. Productores: Kevin Hench, Marty Adelstein, Becky Clements y Shawn Levy.

Primeras impresiones: ¿Estamos en 1992? Después de ver el trailer estoy pensando que esa es la única realidad posible si una cadena de televisión ha dado el visto bueno a este despropósito. Esta serie es el paradigma de lo cutre. Está hecha pensando en el mercado latinoamericano, que es muy importante en Estados Unidos. Pero ni aún cubriendo un nicho importante y contribuyendo a la diversidad se salva.

 

Forever

Qué: Drama fantástico sobre un hombre de 200 años de edad que trabaja en el depósito de cadáveres municipal de Nueva York mientras intenta encontrar una cura a la maldición de su inmortalidad.

Quién: De Warner Bros Television. Creada por Matt Miller (Chuck, 666 Park Avenue), producida por Dan Lin y Jennifer Gwartz, dirigida por Brad Anderson. Protagonizada por Ioan Gruffudd (Los 4 Fantásticos, Ringer).

Primeras impresiones: La premisa y el desarrollo de la historia, según nos muestra el trailer, no podría estar más manida. Aunque precisamente por eso quizás funcione, porque nace con una visión muy clara de lo que es una clásica serie de televisión en abierto. Digamos que esto parece Pushing Daisies  sin la creatividad e imaginación, y con un tufo peligroso a procedimental de investigaciones criminales. Y lo siento, pero yo no puedo con las series tipo Bones, que transcurren la mitad del tiempo alrededor de una mesa de autopsia y con los mismos diálogos clonados de un capítulo a otro. Forever parece que podría convertirse rápidamente en eso mismo.

 

Fresh Off the Boat

Qué: Comedia familiar single-cam ambientada en la década de los 90 sobre una familia de emigrantes taiwaneses que se muda a Orlando.

Quién: De 20th Century Fox TV. Creada por Nahnatchka Khan (American Dad, Don’t Trust the B—- in Apartment 23), producida por Jake Kasdan, Melvin Mar y Eddie Huang. Basada en las memorias del famoso chef Eddie Huang.

Primeras impresiones: A primera vista guarda un gran parecido con la comedia racial de ABC, Black-ish (ya vemos por dónde va la cadena este año, apostando por la diversidad y la representación, genial). Pero la diferencia es que no parece haber intención sermoneadora, y sobre todo que esta sí es graciosa. A destacar la madre de la familia, que nos va a provocar más de una carcajada semanal, mientras la serie dure. Yo la voy a ver seguro, confío ciegamente en la creadora de Apartamento 23 y me recuerda a The Goldbergs.

 

Galavant

Qué: Híbrido de cuento de hadas, musical y comedia sobre un príncipe en busca de venganza para el malvado rey que le arrebató a su amada.

Quién: De Abbey C Studios Ltd. para ABC Studios. Creada por Dan Fogelman (Crazy, Stupid, Love., Malditos vecinos). Productores: Chris Koch, Alan Menken y Glenn Slater.

Primeras impresiones: ¿Pero qué tenemos aquí? ¿Podría ser este el próximo pelotazo de ABC (con permiso de lo nuevo de Shonda Rhimes)? No estoy tan seguro, pero de entrada es uno de los proyectos más llamativos de la próxima temporada. Producida por el mismísimo Alan Menken (compositor de La Sirenita, La Bella y la Bestia Aladdin entre otras), con un reparto más que atractivo en más de un sentido (ejem, Joshua Sasse, ejem), humor alocado y al parecer bastante inspirado (atención al Rey Richard, probablemente será uno de los personajes de la temporada). Galavant parece el mejor remedio a Once Upon a Time. Puede que el hechizo dure tres capítulos, pero yo no me la pierdo.

 

How to Get Away with Murder

Qué: Nuevo drama de Shonda Rhimes para ABC, descrito como un “sexy thriller legal de suspense” que sigue a la brillante agobada Annalise DeWitt (suena a coña, pero no lo es) y sus ambiciosos estudiantes de derecho, que se ven involucrados en un misterioso homicidio que podría afectar a sus vidas y a las de toda la universidad. 

Quién: De ABC Studios. Producida por Peter Nowalk, Shonda Rhimes y Betsy Beers. Protagoniza Viola Davis, nominada al Oscar por DoubtCriadas y señoras, Aja Naomi King y Matt McGorry (Orange Is the New Black) entre otros.

Primeras impresiones: Pero bueno, ¡qué LOCURÓN! Shonda Rhimes es una genia, una auteur de las grandes. No os perdáis el trailer, por favor. Y decidme que no es lo suficientemente ridícula y absurdamente atractiva como para ignorarla. Los ingredientes de Shondaland elevados a la enésima potencia, ambición, sexo, diversidad, gay-friendliness, y ese sentido de la épica melodramática que solo ella tiene. Pelotazo seguro.

 

Manhattan Love Story

Qué: Comedia romántica single-cam sobre el accidentado romance entre un chico y una chica después de una cita a ciegas. La audiencia oirá en todo momento los pensamientos de los protagonistas.

Quién: De ABC Studios. Creada por Jeff Lowell (Dos hombres y medio, Dame un respiro). Producida por Peter Traugott, Robin Schwartz, Rachel Kaplan y Jon Liebman. Protagonizada por Analeigh Tipton y Jake McDorman.

Primeras impresiones: ¿Qué clase de broma de mal gusto es esta? Humor de rebajas que potencia los estereotipos más sexistas y una premisa que, si se agota en apenas un minuto de trailer, ¿cómo demonios va a aguantar toda una serie? Lo de oír los pensamientos de los personajes está bien para un episodio, para un momento puntual, pero no puede usarse para construir una serie. Fatal.

 

Secrets and Lies

Qué: Como Gracepoint, se trata de un drama sobre el asesinato de un niño pequeño en un pueblo, y la investigación que se desarrolla para encontrar al culpable.

Quién: De ABC Studios, Kapital Entertainment y Hoodlum Entertainment. Creada por Barbie Kligman (The Vampire Diaries, Private Practice). Producida por Aaron Kaplan, Tracey Robertson y Nathan Mayfield. Protagonizada por Juliette Lewis y Ryan Phillippe

Primeras impresiones: ZzzZZZZZzzzZZZ¡Ryan Phillippe shirtless!zzZZZZzZZZZZZZZzZz

 

Selfie

Qué: La nueva comedia de los creadores de Suburgatory, sobre una veinteañera obsesionada con las redes sociales, Eliza, que contrata los servicios de un experto en márketing para ayudarle a limpiar su imagen tras protagonizar un vergonzoso vídeo viral.

Quién: De Piece of Pie Productions y Warner Bros TV. Creada por Emily Kapnek y Julie Anne Robinson. Protagonistas: Karen Gillan y John Cho.

Primeras impresiones: Intento desesperado de conectar con la audiencia joven (y sermonearla) a través de la sátira de la comunicación via redes sociales y el narcisismo de las nuevas generaciones. El mensaje está claro: “No le hagas fotos a la vida, vívela”. No sé si Selfie puede tener algo más que ofrecer aparte de lo que vemos en el trailer, cuyo contenido, por cierto, ha quedado obsoleto mientras escribía esto. Eso sí, Karen Gillan parece estar estupenda. Ella es el único reclamo para que nos atrevamos a verla, además de para cubrir el vacío que pueda a haber dejado en nosotros la cancelación de Suburgatory, a la que recuerda indudablemente.

 

The Whispers

Qué: Otro drama con el “sello” Spielberg. Los extraterrestres utilizan a varios niños de la Tierra para planear su próxima invasión.

Quién: De ABC Studios y Amblin TV. Creada por Soo Hugh. Producida por Steven Spielberg, Justin Falvey, Darryl Frank y Dawn Olmstead. Protagonizada por Lily Rabe y Barry Sloane.

Primeras impresiones: Dos palabras: Lily Rabe. Y otras dos: Nada más.

gotham cast

FOX

 

Backstrom

Qué: Basada en la saga literaria del escritor sueco Leif G.W. Persson, Backstrom es un drama procedimental protagonizado por un agente de policía irascible y ofensivo, pero absolutamente brillante, que vuelve de su exilio para incorporarse a la Unidad de Crímenes Especiales de la Policía de Portland.

Quién: De Far Field Productions y 20th Century Fox TV. Producida por Hart Hanson (Bones) y Mark Mylod. Protagonizada por Rainn Wilson (The Office).

Primeras impresiones: Cuando leo la palabra procedimental salgo despavorido. Pero Backstrom tiene una gran baza: Rainn Wilson. Él podría llegar a compensar el hecho de que esto no sea más que otra serie de investigación criminal, aunque parezca un sucedáneo del doctor Gregory House.

Empire

Qué: Ambicioso drama sobre el mundo del hip hop, protagonizado por el presidente de un imperio discográfico cuyos hijos y mujer quieren arrebatarle el trono.

Quién: De Imagine Television y 20th Century Fox TV. Creada por Lee Daniels (PreciousEl mayordomo), escrita por Danny Strong (Game Change), y producida por Brian Grazer y Francie Calfo. Protagonizada por Terence Howard, Taraji P. Henson, Gabourey Sibide. Música original de Timbaland.

Primeras impresiones: Con esas credenciales, Empire es sin duda una de las series a tener en cuenta el próximo año. El trailer parece hacer justicia a lo que promete. La serie pone de manifiesto los cambios que están sufriendo las networks, con dramas cada vez más orientados al público que prefiere las series de cable. Queda por ver cómo responde la audiencia ante algo como Empire en Fox, pero de entrada tiene muy buena pinta.

Gotham

Qué: Serie precuela de Batman que cuenta la historia del policía James Gordon, azote de criminales y sinónimo de ley y orden. Gotham nos contará el ascenso de Gordon en la policía a medida que crecen las capas de corrupción de la ciudad y los villanos que viven en ella empiezan a emerger. La serie será una origin story de personajes icónicos como Catwoman, El Pingüino, Enigma, Dos Caras, Joker, y por supuesto de Batman, todavía un pequeño Bruce Wayne.

Quién: De Warner Bros TV. Producida por Bruno Heller, Danny Cannon y John Stephens.

Primeras impresiones: Sin duda uno de los mejores trailers de los Upfronts. A juzgar por estos dos minutos, el tono es el adecuado, el casting es muy bueno (recuperamos a Ben McKenzie poco después de la cancelación de Southland), y parece que hay razones de sobra para emocionarse.

 

Gracepoint

Qué: Remake de la serie británica Broadchurch, la historia de un pequeño pueblo costero que vive la tragedia de la muerte de un niño pequeño, y la intrincada investigación por parte de dos agentes para descubrir al asesino. “Serie-evento” de 10 capítulos.

Quién: De Shine America en asociación con Kudos and Imaginary Friends. Producida por Chris Chibnall, Anya Epstein, Dan Futterman, Jane Featherstone, John Goldwyn y Carolyn Bernstein. Futterman y Epstein serán los showrunners. Protagonizan David Tennant (que interpreta al mismo personaje que en Broadchurch), y Anna Gunn (Breaking Bad).

Primeras impresiones: A juzgar por el trailer, Gracepoint parece un remake plano a plano de Broadchurch, con los mismos encuadres, la misma fotografía, los mismos recursos estilísticos. La única diferencia a simple vista es el acento de Tennant. Seguramente introducirán los cambios pertinentes para que el desenlace sea distinto, pero aún así cuesta encontrar una razón para verla si ya se ha visto Broadchurch, más allá de Tennant, Gunn y la curiosidad.

 

Hieroglyph

Qué: Serie de aventuras fantásticas ambientada en el antiguo Egipto, durante un tiempo de magia, faraones, dioses y ladrones.

Quién: De Chernin Entertainment y 20th Century Fox TV. Creada por Travis Beacham (Clash of the Titans, Pacific Rim), producida por Peter Chernin, Katherine Pope y Anna Fricke.

Primeras impresiones: Fox sabe cómo vendernos esta serie. En el trailer nos enseña lo más jugoso: un beso lésbico, mucha acción, terror, enigmas ancestrales, unos colmillos demoníacos… Y nos lo envuelve todo en un halo de misterio y sensualidad muy bien empaquetado. Probablemente sea peor de lo que parece, pero atractiva es un rato. A primera vista podría ser una serie de cable, y eso siempre es un plus.

 

The Last Man on Earth

Qué: Phil Miller era un hombre normal y corriente que amaba a su familia y odiaba su trabajo en el banco. Ahora, en el año 2022, es la última esperanza de la raza humana. Miller es aparentemente el último hombre sobre la faz de la Tierra. ¿O no? ¿Es posible que se haga realidad su deseo de que también haya una última mujer?

Quién: Comedia single-cam creada y protagonizada por Will Forte (Saturday Night LiveNebraska) y producida por Chris Miller y Phil Lord (La LEGO película).

Primeras impresiones: El trailer de The Last Man on Earth, que es básicamente un cuarto del episodio piloto, es uno de los más interesantes y llamativos de la temporada. No tanto por la premisa, que hemos visto en muchas ocasiones en el cine y la literatura, sino por la curiosidad que despierta averiguar cómo esta será trasladada a una serie de televisión. Precisamente esto es lo más preocupante. Todos los años nos llegan varias series que a priori no podemos imaginar durando más de una temporada, y este año es esta es la que más destaca del lote. Claro que Will Forte parece estar brillante, así que no costará mucho darle una oportunidad a ver hacia dónde nos lleva.

Mulaney

Qué: Sitcom multicámara protagonizada por un cómico de monólogos que intenta llevar su carrera al siguiente nivel, y su grupo de amigos y mentores.

Quién: De Universal TV, Broadway Video y 3 Arts Entertainment. Creada por John Mulaney y Andy Ackerman, y producida entre otros por Lorne Michaels (SNL). Protagonizada por John Mulaney, guionista de Saturday Night Live ganador de un Emmy.

Primeras impresiones: Refrito cutre de Seinfeld con una pinta tan mala que podría ser la nueva Dads, pero más aburrida e insulsa.

Red Band Society

Qué: Remake norteamericano del exitoso drama catalán Polseres vermelles (Pulseras rojas), sobre un grupo de niños y adolescentes enfermos cuya vida transcurre en un hospital.

Quién: Steven Spielberg es el encargado de adaptar la serie creada por Albert Espinosa, después de confesar que la original le había hecho llorar. También produce Margaret Nagle, de Boardwalk Empire. Protagonizan entre otros Octavia Spencer (Criadas y señoras) y Griffin Dune (¡Jo, qué noche!).

Primeras impresiones: El trailer no es tal cosa, es más bien un vídeo de entrevistas con imágenes intercaladas (sin diálogos), pero por lo que podemos ver, parece que Red Band Society va a ser mucho más que un remake, y va a ser capaz de hacer una relectura puramente yanqui sin copiar plano a plano, como otras series. Eso sí, si habéis visto la original, supongo que sabréis qué esperar de esta. Sonrisas y lágrimas todo el rato. Y oye, lo que nos gusta a nosotros una buena dramedia.

Wayward Pines

Qué: Otra miniserie de 10 episodios (son el futuro de las networks) sobre un agente secreto, Ethan Burke, que llega a la bucólica localidad de Wayward Pines en busca de dos agentes federales desaparecidos, y se ve envuelto en un misterio que involucra a gran parte del pueblo.

Quién: De FX Productions. Producida por Chad Hodge, M. Night Shyamalan, Donald De Line y Ashwin Rajan. Protagonizada por Matt Dillon, Carla Gugino, Melissa Leo, Juliette Lewis y Terrence Howard entre otros.

Primeras impresiones: No cabe duda de que Wayward Pines pretende ser la Twin Peaks del siglo XXI. Y por lo que veo en este adelanto, lo va a tener crudo para sobresalir bajo la sombra del clásico catódico de David Lynch. Si acaso puede merecer la pena por su factura y reparto. Pero ya veremos.

 

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NBC

 

A to Z

Qué: Comedia romántica single-cam sobre los designios del destino. A to Z es la historia de Andrew y Zelda, una pareja de opuestos que se atraen (él es un romántico empedernido y ella una escéptica del amor). Una noche, Andrew vio por primera vez a Zelda, pero la perdió. Dos años después, una serie de coincidencias e incidencias les llevan a conocerse en la empresa donde él trabaja, un servicio online de citas.

Quién: Producida por Warner Bros. Television y Le Train Train. Creada por Ben Queen, Rashida Jones  y Will McCormack.

Primeras impresiones: El trailer es adorable, y Feldman y Milioti son amor. Dudo del potencial de la serie para aguantar más de una temporada con esa historia, pero me ha dado buena sensación, de rom-com de las bonitas-de-verdad-de-la-buena-con-lots-of-química. Me la quedo.

 

Bad Judge

Qué: Comedia sobre una de las juezas más respetadas de Los Ángeles, Rebecca Wright, que también es un desastre en su vida privada, y ocupa todo su tiempo libre en fiestas y esquivando (o no) a los muchos hombres que tiene al acecho. En el juzgado tiene fama de decir lo primero que se le viene a la cabeza y emplear métodos poco ortodoxos y dar sentencias “creativas”.

Quién: De Universal Television y Gary Sanchez Productions. Producida por Chad Kultgen, Will Ferrell, Anne Heche y Kate Walsh entre otros. Protagonizada por Kate Walsh (Anatomía de Grey, Private Practice).

Primeras impresiones: La premisa es simple como ella sola, pero esta serie podría funcionar gracias a Kate Walsh, que es todo carisma y simpatía. Solo por ella merece darle aunque sea una oportunidad. Que no os extrañe que Walsh esté entre las nominadas al Globo de Oro y/o el Emmy el próximo año. “And somebody get me some Gatorade?”

 

Constantine

Qué: Drama fantástico basado en el popular cómic de Vertigo/DC Hellblazer, sobre el cazador de demonios y maestro de lo oculto John Constantine.

Quién: Producida por Bonanza Productions y Warner Bros. Television, Daniel Cerone (Embrujadas, El mentalista) y David S. Goyer (El hombre de acero, Batman vs. Superman). protagonizada por Matt Ryan (Crimen organizadoLos Tudor).

Primeras impresiones: Esta es una de las apuestas fantásticas más fuertes de la próxima temporada, y ya solo por eso merece (al menos desde mi punto de vista) que le echemos un vistazo. Sin embargo, lo que he visto en el trailer me ha parecido muy irregular: protagonista con carisma, descaro British, efectos digitales reguleros, y una tendencia peligrosa hacia el procedimental.

 

Marry Me

Qué: Comedia single-cam sobre una pareja, Annie y Jake, que tras muchos años juntos y unas vacaciones paradisíacas de dos semanas entran en crisis cuando ella arruina la pedida de matrimonio de él, porque esperaba que le “hiciera la pregunta” durante las vacaciones. Para no gafar el matrimonio, los dos deciden posponer el compromiso hasta que la pedida sea perfecta.

Quién: Producida por Sony Pictures TV y FanFare Productions. Del creador de Happy Endings David Caspe, y los productores Seth Gordon y Jamie Tarses. Protagonizan Casey Wilson, Penny en Happy Endings, y Ken Marino (Veronica Mars, Party Down).

Primeras impresiones: Lo siento, pero a pesar de que le tengo cariño a Marino, estoy casi seguro de que voy a pasar. No soporto Happy Endings, y Wilson no me hace nada de gracia (algo en lo que me reafirmo viendo el trailer), así que esto no es para mí. Pero hey, seguro que a más de uno sí os engancha (mientras dure, porque tiene “cancelada” escrito en cada plano).

 

The Mysteries of Laura

Qué: Drama sobre una brillante policía de homicidios de Nueva York que debe compaginar su trabajo “tipo Colombo” con una loca vida familiar que incluye a dos gemelos indomables y un divorcio en proceso.

Quién: Producida por Warner Bros. Television basándose en la serie de TVE Los misterios de Laura. Creada por Greg Berlanti (Everwood, Arrow) y McG (Los ángeles de Charlie). Protagonizada por Debra Messing (Will & Grace, Smash).

Primeras impresiones: Quiero mucho a Messing, porque es y siempre será Grace Adler, pero esto tiene pinta de despropósito mayúsculo, algo que no nos debería extrañar teniendo en cuenta el origen del proyecto.

 

State of Affairs

Qué: Drama sobre el gabinete de crisis de la Presidenta de los Estados Unidos, donde trabaja la mejor analista de la CIA, Charleston Tucker, y su equipo. Día a día, la presidenta se enfrena a cientos de crisis, y el equipo de Tucker le ayuda a priorizar y hacer frente a las más urgentes.

Quién: Producida por Universal Television, Bob Simonds Company y Abishag Productions. Creada por Joe Carnahan y producida entre otros por Katherine Heigl y Nancy Heigl (madre amantísima y manager de Katherine). Protagonizan la Heigl (Tucker), una de las mujeres más odiadas de Hollywood, y Alfre Woodard como Madame President.

Primeras impresiones: Buena factura, buen reparto, y material para enganchar a la audiencia. Podría beneficiarse del público que ha perdido Homeland, con la que guarda evidentes parecidos, si sabe manejar sus elementos seriales con el formato procedimental. Las antipatías que despierta la actriz podrían jugar en su contra o convertir este comeback a la tele en un caso de redención pública. En cualquier caso, estaremos atentos a ella.

Series USA: Índice de renovaciones y cancelaciones 2013-14

Agents of SHIELD

ABC

The Assets CANCELADA
Back in the Game CANCELADA
Betrayal CANCELADA
Castle RENOVADA
The Goldbergs RENOVADA
Grey’s Anatomy RENOVADA
Killer Women CANCELADA
Last Man Standing RENOVADA
Lucky 7 CANCELADA
Marvel’s Agents of S.H.I.E.L.D. RENOVADA
The Middle RENOVADA
Mind Games CANCELADA
Mixology CANCELADA
Modern Family RENOVADA
Nashville RENOVADA
The Neighbors CANCELADA
Once Upon a Time RENOVADA
Once Upon a Time in Wonderland CANCELADA
Resurrection RENOVADA
Revenge RENOVADA
Scandal RENOVADA
Suburgatory CANCELADA
Super Fun Night CANCELADA
Trophy Wife CANCELADA

The Good Wife

CBS

2 Broke Girls RENOVADA
Bad Teacher CANCELADA
The Big Bang Theory RENOVADA
Blue Bloods RENOVADA
The Crazy Ones CANCELADA
Criminal Minds RENOVADA
CSI RENOVADA
Elementary RENOVADA
Friends with Better Lives CANCELADA
The Good Wife RENOVADA
Hawaii Five-0 RENOVADA
Hostages CANCELADA
How I Met Your Mother FINALIZADA
Intelligence CANCELADA
The Mentalist RENOVADA
Mike & Molly RENOVADA
The Millers RENOVADA
Mom RENOVADA
NCIS RENOVADA
NCIS: LA RENOVADA
Person of Interest RENOVADA
Two and a Half Men RENOVADA
Under the Dome RENOVADA (emisión en verano)
Unforgettable RENOVADA (emisión en verano)
We Are Men CANCELADA

Supernatural

CW

The 100 RENOVADA
Arrow RENOVADA
Beauty & the Beast RENOVADA
The Carrie Diaries CANCELADA
Hart of Dixie RENOVADA
Nikita FINALIZADA
The Originals RENOVADA
Reign RENOVADA
Star-Crossed CANCELADA
Supernatural RENOVADA
The Tomorrow People CANCELADA
The Vampire Diaries RENOVADA

The Mindy Project

FOX

Almost Human CANCELADA
American Dad RENOVADA (se muda a TBS)
Bob’s Burgers RENOVADA
Bones RENOVADA
Brooklyn Nine-Nine RENOVADA
Dads CANCELADA
Enlisted CANCELADA
Family Guy RENOVADA
The Following RENOVADA
Glee RENOVADA
The Mindy Project RENOVADA
New Girl RENOVADA
Raising Hope CANCELADA
Rake CANCELADA
The Simpsons RENOVADA
Sleepy Hollow RENOVADA

Hannibal - Season 1

NBC

About a Boy RENOVADA
Believe CANCELADA
The Blacklist RENOVADA
Chicago Fire RENOVADA
Chicago PD RENOVADA
Community CANCELADA
Dracula CANCELADA
Grimm RENOVADA
Growing Up Fisher CANCELADA
Hannibal RENOVADA
Ironside CANCELADA
Law & Order: SVU RENOVADA
The Michael J. Fox Show CANCELADA
Parenthood RENOVADA
Parks & Recreation RENOVADA
Revolution CANCELADA
Sean Saves the World CANCELADA
Welcome to the Family CANCELADA

Todo lo que sabemos por ahora de ‘American Horror Story: Freak Show’

American Horror Story Freak Show

Ya sabéis cómo va esto. Cuando acaba una temporada de American Horror Story comienzan los rumores, las especulaciones y el incesante goteo de información oficial. La espera de casi un año entre temporada y temporada de sus series ha obligado a las televisiones de cable y de pago a diseñar campañas de marketing que se extienden desde el primer minuto después de la series finale hasta el estreno de la siguiente temporada. La cuestión es estar absolutamente todos los días en el candelero, y las redes sociales y la gran cantidad de medios dedicados a la cultura audiovisual en Internet se lo ponen en bandeja.

Por eso nada más terminar American Horror Story: Coven, Ryan Murphy no tardó ni una hora en desvelar los primeros secretos sobre la cuarta temporada de su serie de terror. Venían en forma de dos píldoras de información muy jugosas: Que la temporada estaría parcialmente ambientada en el año 1950, y que Jessica Lange estaba practicando su acento alemán para dar vida a su personaje, en la que será su última temporada en la serie antes de retirarse, según anunció la propia actriz el año pasado. Internet comenzó a indagar, a elucubrar teorías, y la que sonaba con más fuerza era la que decía que la temporada estaría ambientada en un circo.

El rumor llegó a ser desmentido por FX, pero hace poco el guionista Douglas Petrie dejó caer que era verdad, a lo que siguió poco después la confirmación de Ryan Murphy. Está claro que Murphy y FX estaban intentando despistar, pero era demasiado tarde, el rumor habría cobrado mucha fuerza y era inútil seguir negándolo. De hecho, ya no tenía sentido retrasar más el anuncio, puesto que Petrie había dado la exclusiva accidentalmente, después de ser engañado por los presentadores del podcast Nerdist, Moira Kirkland y Ben Blacker, que le aseguraron que la noticia de que la temporada transcurriría en un “circo de los horrores” ya había salido a la luz. A lo que Petrie respondió “Sí, esa es la idea, pero aún no tenemos título”.

Ryan Murphy tweet

Así que ya sabemos a ciencia cierta que la cuarta temporada de AHS transcurrirá en un circo ambulante, un carnaval de fenómenos de la naturaleza, al más puro estilo de la serie de culto de HBO Carnivàle, y que su título oficial es, de manera muy apropiada (y sin haberse roto mucho la cabeza): AMERICAN HORROR STORY: FREAK SHOW.

Jessica Lange Freak Show

¿Y qué más sabemos sobre Freak Show? Pues ya tenemos suficientes datos como para empezar a morir de la expectación (y de la espera). A continuación os ofrezco un resumen con toda la información confirmada por los creadores de la serie y/o publicaciones especializadas. Iré actualizando esta entrada a medida que conozcamos más detalles sobre la temporada.

– La historia transcurrirá a caballo entre el año 1950 y otro año por confirmar.

– La temporada estará ambientada en Jupiter, un pueblo del condado de Palm Beach (Florida).

– Jessica Lange interpretará a una expatriada alemana que dirige el último circo de freaks en Estados Unidos.

– Los actores de American Horror Story que regresarán oficialmente para Freak Show son: Jessica Lange, Kathy Bates, Sarah Paulson, Evan Peters, Angela Bassett, y Frances Conroy.

– Los intérpretes confirmados darán vida a los artistas del circo que son rescatados por el personaje de Jessica.

– [29/03/14] Michael Chiklis, conocido sobre todo por The Shield, se incorpora al reparto. Chiklis interpreta al padre del personaje de Evan Peters y ex marido del personaje de Kathy Bates (por lo que suponemos que Bates dará vida a la madre de Peters).

– [29/03/14] Ayer en el panel de Paley Fest dedicado a AHS, Ryan Murphy confirmó que todos los actores que asistieron “forman parte de alguna manera u otra de la nueva temporada”. Esto quiere decir que además de los intérpretes previamente confirmados, también participarán en Freak Show Gabourey Sibide, Emma Roberts, Dennis O’Hare y Jamie Brewer, todos presentes ayer en Paley Fest.

– [29/03/14] Aunque Freak Show estará ambientada en Florida, se grabará en Nueva Orleans, como Coven.

– [29/03/14] Ryan Murphy también desveló en Paley Fest que está negociando la participación de varios actores de las dos primeras temporadas, y que lo que falta para confirmarlos es cuadrar las agendas.

– [09/05/14] En una entrevista a Entertainment Weekly Ryan Murphy desvela que Freak Show tendrá un payaso asesino (no sabemos si del espacio exterior), y que, atención “será el payaso más terrorífico de la historia”. Murphy también ha confirmado que otro de los freaks clásicos que formarán parte del circo de Jessica Lange será la mujer barbuda.

– [09/05/14] Freak Show heredará algo del sentido del humor alocado de la temporada anterior, Coven, pero Murphy asegura que será más oscura, como Asylum.

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– [12/06/14] Sarah Paulson presenta en Twitter a su personaje en Freak Show. O mejor dicho, a SUS PERSONAJES, porque la Paulson va a interpretar a una mujer con dos cabezas, llamadas Bette y Dot. La actriz ha declarado esta semana a E! News que cuando leyó el guión de Freak Show pensó “Holy Shit!” y lo describe como un híbrido de Coven y Asylum. “Va a tener un tono más oscuro, parecido al de Asylum, pero combinado con el humor de Coven”, ha dicho Paulson. Aquí os dejo el tweet en el que la actriz ha presentado a Bette y Dot: 

https://twitter.com/MsSarahPaulson/status/477151870700384256/photo/1 

– [18/06/14] Aunque para muchos era evidente, Sarah Paulson ha confirmado que su foto con dos cabezas es simplemente un montaje con el personaje de Lana Winters (Asylum), hecho por la compañía de efectos digitales para enseñársela a Ryan Murphy. Y que el aspecto de la mujer de dos cabezas, Bette y Dot, a la que dará vida en Freak Show será muy distinto al de la foto.

– [08/07/14] El actor Wes Bentley, conocido por sus papeles en American Beauty y Los juegos del hambre, se incorpora al reparto para un arco argumental de dos episodios. Será en el capítulo doble de Halloween (en un principio previsto para el 21 y el 28 de octubre), e interpretará a Eddie, una persona del pasado del personaje de Kathy Bates, que vuelve para vengarse de ella.

– [13/07/14] FX lanza el primer teaser de Freak Show [actualización: se trata de un elaborado fan made, no es oficial]:

– [27/07/14] Se filtra la hoja de casting de Freak Show, en la que podemos ver los nombres de los personajes a los que interpreta el reparto. Y atención, porque la hoja nos desvela que vuelve Naomi Grossman, interpretando al mismo personaje al que dio vida en Asylum, ¡Pepper! Aquí tenéis a los principales actores y sus personajes:

  • Jessica Lange como Elsa Mars
  • Emma Roberts como Maggie
  • Sarah Paulson como las hermanas siamesas Bette y Dot
  • Michael Chiklis como Evan del Toreado
  • Kathy Bates como Ethel Darling
  • Angela Bassett como Desiree Dupre, ex mujer de del Toreado
  • Evan Peters como Jimmy Darling, hijo de del Toreado y Ethel Darling
  • John Carroll Lynch como el payaso asesino

– [11/08/14] Patti LaBelle, la mujer detrás de “Lady Marmalade” se une al reparto de Freak Show como artista invitada para un arco de cuatro episodios. LaBelle interpretará a la madre del personaje de Gabourey Sidibe, una mujer que será clave para desvelar los secretos del payaso asesino.

– [14/08/14] Ryan Murphy anunció anoche (por la tarde en EEUU) por Twitter que Jyoti Amge, la mujer más pequeña del mundo, se incorpora al reparto de Freak Show. No es la primera vez que Amge participa en un programa de la tele, ya que formó parte del Gran Hermano indio. Aquí tenéis la foto con la que Murphy acompañó la noticia, que nos da además el primer vistazo a Elsa Mars, el personaje de Jessica Lange esta temporada.

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– [19/08/14] Denis O’Hare ha compartido en Twitter una foto de su primer día en el rodaje de Freak Show y en ella muestra una cesta de bienvenida junto al guión de un episodio. El título del capítulo, “Edward Mondrake Part 1” nos indica que AHS vuelve a inspirarse en la historia, según SpoilerTV. Edward Mordake fue una persona real del siglo XIX, heredero de un par inglés que sufría de diprosopia, o sea, duplicación cráneo-facial. Vamos, que Mordake tenía dos caras, una de ellas en la parte posterior de la cabeza, y aunque no podía realizar las mismas funciones que con la cara de delante, podía reír y llorar. Además, Mordake decía que la segunda cara le susurraba cosas durante la noche, y se refería a ella como a su “gemelo malvado”.  Todo indica que Mordake será interpretado en Freak Show por Wes Bentley y aparecerá en el ya clásico episodio doble de Halloween, que se emite en Estados Unidos el 21 y el 28 de octubre.

– [20/08/14] FX lanza el primer teaser de Freak Show y anuncia fecha de estreno de la temporada: 8 de octubre.

– [22/08/14] Segundo teaser de Freak Show:

– [24/08/14] Matt Bomer aparecerá como actor invitado en un episodio de Freak Show. El actor está nominado este año al Emmy por su papel en The Normal Heart, que también dirigió Murphy. El productor de AHS ha declarado: “Hago lo posible por que haga todo lo que le pido. Le mandé un mensaje que decía ‘Te lo ofrezco a ti primero, y es un papel muy retorcido'”.

– [27/08/14] Tercer teaser de Freak Show:

– [27/08/14] FX lanza el póster oficial de Freak Show donde vemos por primera vez al reparto principal caracterizado.

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– [28/08/14] Cuarto teaser:

– [29/08/14] Quinto teaser:

– [03/09/14] Sexto teaser:

– [04/09/14] Séptimo teaser:

– [06/09/14] Octavo teaser:

– [07/09/14] FX lanza el primer teaser que incluye a los personajes de Freak Show. Esta es la versión extendida (1 minuto). La canción que suena en la promo es “Carousel” de Melanie Martinez:

– [12/09/14] Noveno teaser:

– [13/09/14] Entertainment Weekly publica en exclusiva 14 imágenes del estreno de Freak Show:

– [15/09/14] Décimo teaser:

– [18/09/14] Undécimo teaser:

– [18/09/14] Breve preview del primer episodio, “Monsters Among Us”:

– [18/09/14] FX lanza dos nuevos pósters.

– [19/09/14] Duodécimo teaser:

– [19/09/14] Nueva promo de Fox que compila los previos teasers:

– [20/09/14] Nuevas imágenes oficiales de los personajes en blanco y negro:

– [22/09/14] Galería completa de retratos de personajes (color) en alta resolución (fuente: PopSugar):

– [28/09/14] Ryan Murphy ha anunciado a través de Twitter que el estreno de Freak Show el 8 de octubre será con un episodio “supersized”, es decir, de mayor duración a la habitual, concretamente ¡90 minutos!

4Si tenéis más información contrastada sobre Freak Show que se me haya escapado, compartidla conmigo y la añadiré a esta entrada. Y no la perdáis de vista para ir descubriendo antes que nadie todos los datos que vayan surgiendo.

Y si tenéis mono de AHS y os apetece leer sobre la serie, os recomiendo los artículos de #fnvlt sobre Murder HouseAsylum Coven.

American-Horror-Story Players

Concierto de presentación de ‘Un lugar llamado mundo’ (2ª temporada)

 Un lugar llamado mundo

Texto escrito por Daniel Andréu

Tenemos mucho que agradecer a las tres personas que junto a San Miguel han levantado el proyecto  de Un lugar llamado mundo. Se trata de una fórmula muy sencilla pero también un poco olvidada. Toni Garrido en la coordinación, David Trueba en la realización, y Javier Limón como responsable artístico y presentador, han vuelto a traer a la vida esa propuesta que ya no está de moda y que consiste simplemente en un programa de entrevistas íntimas y actuaciones en directo.

Anoche unos cuantos afortunados asistimos a la presentación de lo que será la segunda temporada de esta aventura televisiva que volverá a empezar en junio en Canal +. La elección del emplazamiento no pudo ser más acertada, la mítica Joy Eslava, que desde la cuidada entrada al local todo hacía ver que iba a ser una noche especial. Dentro, un original photocall con instrumentos incluidos daba la bienvenida tanto a artistas como a público, y dentro todos los asientos y el escenario estaban listos para que el programa diera comienzo.

David Trueba no dio señales de vida más allá de dejarse ver de un lado a otro durante los preparativos, pero Toni Garrido hizo una simpática presentación que dio paso a una directa introducción a la primera canción por parte de Javier Limón. Najwa y la banda con la que está presentando su último disco “Rat Race” abría la noche con los temas “Pijama” y “Feed Us”. A pesar de la habitual fuerza de la artista sobre el escenario, el sonido no estuvo a la altura, nada que ver con la estupenda acústica de hace unos días en la Ochoymedio. Por suerte esto no se repitió con el resto de artistas. Por otro lado, durante la entrevista, la cantante hispano-jordana estuvo más espontánea, natural y relajada de lo normal, lo que dio lugar a momentos realmente divertidos e interesantes como la versión más o menos improvisada que se marcaron con Javier Limón a la guitarra.

Uno de los grandes aciertos de Un lugar llamado mundo es el ambiente que se genera al reunir en el mismo lugar a artistas tan dispares como Najwa, Tomasito, We Have Band o Fangoria. No solo comparten programa, también el sofá es un lugar común. Así Najwa pudo estar sentada junto a los We Have Band, con los que interpretó una fantástica versión del hit de BlurBoys and Girls“, mientras el presentador les entrevistaba, dejando hueco para la interacción entre todos. Najwa llegó a arrancarse por Manolo Escobar después de que Limón repitiera versión a la guitarra con el cantante de la banda británica.

El primer gran boom de la noche vino de la mano de Tomasito, un artista que es puro nervio, que no paró quieto en ningún momento (ni siquiera durante su entrevista), y que convirtió la fiesta en una explosión musical. Estuvo ayudado por Las Negris, esas imponentes coristas gitanas que bien podrían haber aparecido en el documental A 20 pasos de la fama. El mayor y curioso ejemplo de empape cultural se pudo observar en los componentes de We Have Band en el sofá durante la actuación del artista jerezano.

La traca final vino con Fangoria, que terminaron de echar abajo la Joy Eslava con su actuación. Durante la entrevista hicieron suyo el programa (incluso el presentador bromeó con irse y dejarles solos), pero lo mejor vino después, porque la interpretación de su single “Desfachatez”, acompañada de los bailes de Tomasito, no tuvo desperdicio. El otro momento estelar de la velada fue la colaboración de la banda de Alaska y Nacho Canut con Najwa para cantar “Tormenta solar perfecta”. Al final del programa hubo que repetir su temazo “Cuatro colores”, ya que durante la primera vez que la hicieron uno de los focos con los que usaban los bailarines se fundió. En mi opinión no hacía falta, ya que ni el más grave de los fallos técnicos podría haber deslucido una canción tan gigantesca como esa, que en directo se crece aun más, pero recibí con los brazos abiertos esta repetición. ¿Quién se iba a quejar de algo así?

Esperamos que este programa siga adelante durante mucho tiempo y que otras propuestas como la de Alaska y Coronas sigan resucitando este formato de programa musical que tantos buenos momentos ha dado en la historia de la televisión en España. También espero poder volver a asistir a esta celebración de la música en la que artistas conviven con artistas en un clima de amistad y respeto del que participamos todos.