Índice de cancelaciones y renovaciones 2017

Mayo, el mes en el que los seriéfilos recibimos de forma puntual el aluvión de buenas y malas noticias en forma de renovaciones y cancelaciones de nuestras series de network favoritas. Como cada año por estas fechas, las cinco cadenas generalistas de Estados Unidos ultiman los detalles de su parrilla para la próxima temporada, lo que conlleva salvar a las series más aventajadas y sacrificar las que peor han rendido en los índices de audiencia o que, por un factor u otro, no les merece la pena dar otra oportunidad.

Como viene siendo habitual en los últimos años, varias cadenas se han adelantado a la hora de renovar o dar el hachazo a muchas de sus series (el auge la televisión por Internet está cambiando las costumbres de las networks), por lo que antes del May Sweeps (la última temporada alta del año catódico, en la que las series despliegan todo su arsenal de cara a las season finales) ya conocemos el destino de numerosas ficciones.

A continuación podéis consultar la lista completa con las series de network que sobreviven para la temporada 2017-18 y las que tristemente se despiden de la programación para siempre, agrupadas por cadena y ordenadas alfabéticamente. Regresad de vez en cuando, porque la lista se irá actualizando a medida que las cadenas hagan los anuncios correspondientes a las series que están en la cuerda floja.

¿Cuáles de vuestras series se han salvado? ¿Qué serie cancelada echaréis más de menos?

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ABC

 

American Crime CANCELADA
American Housewife RENOVADA
black-ish RENOVADA
The Catch CANCELADA
Conviction CANCELADA
Designated Survivor RENOVADA
Dr. Ken CANCELADA
Fresh Off the Boat RENOVADA
The Goldbergs RENOVADA (dos temporadas más)
Grey’s Anatomy RENOVADA
How to Get Away with Murder RENOVADA
Imaginary Mary CANCELADA
Last Man Standing CANCELADA
Marvel’s Agents of S.H.I.E.L.D. RENOVADA
The Middle RENOVADA
Modern Family RENOVADA (dos temporadas más)
Notorious CANCELADA
Quantico RENOVADA (para una 3ª temporada de 13 episodios)
Once Upon a Time RENOVADA
The Real O’Neals CANCELADA
Scandal RENOVADA (la T7 será la última)
Secrets & Lies CANCELADA
Speechless RENOVADA
Time After Time CANCELADA

 

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CBS

 

2 Broke Girls CANCELADA
American Gothic CANCELADA
The Big Bang Theory RENOVADA
Blue Bloods RENOVADA
BrainDead CANCELADA
Bull RENOVADA
Code Black RENOVADA
Criminal Minds RENOVADA
Criminal Minds: Beyond Borders CANCELADA
Doubt CANCELADA
Elementary RENOVADA
The Great Indoors CANCELADA
Hawaii Five-0 RENOVADA
Kevin Can Wait RENOVADA
Life in Pieces RENOVADA
MacGyver RENOVADA
Madam Secretary RENOVADA
Man with a Plan RENOVADA
Mom RENOVADA
NCIS RENOVADA
NCIS: Los Angeles RENOVADA
NCIS: New Orleans RENOVADA
The Odd Couple CANCELADA
Ransom CANCELADA
Scorpion RENOVADA
Superior Donuts RENOVADA
Training Day CANCELADA
Zoo RENOVADA

 

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THE CW

 

The 100 RENOVADA
Arrow RENOVADA
Crazy Ex Girlfriend RENOVADA
The Flash RENOVADA
Frequency CANCELADA
iZombie RENOVADA
Jane the Virgin RENOVADA
Legends of Tomorrow RENOVADA
No Tomorrow CANCELADA
The Originals RENOVADA
Reign FINALIZADA
Riverdale RENOVADA
Supernatural RENOVADA
Supergirl RENOVADA
The Vampire Diaries FINALIZADA

 

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FOX

 

24: Legacy CANCELADA
APB CANCELADA
Bob’s Burgers RENOVADA
Bones CANCELADA
Brooklyn Nine-Nine RENOVADA
Empire RENOVADA
The Exorcist RENOVADA
Family Guy RENOVADA
Gotham RENOVADA
The Last Man on Earth RENOVADA
Lethal Weapon RENOVADA
Lucifer RENOVADA
Making History CANCELADA
The Mick RENOVADA
New Girl RENOVADA (La T7 será la última)
Pitch CANCELADA
Prison Break SERIE LIMITADA
Rosewood CANCELADA
Scream Queens CANCELADA
Shots Fired ???
The Simpsons RENOVADA
Sleepy Hollow CANCELADA
Son of Zorn CANCELADA
Star RENOVADA

 

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NBC

Aquarius CANCELADA
The Blacklist RENOVADA
The Blacklist: Redemption CANCELADA
Blindspot RENOVADA
Chicago Fire RENOVADA
Chicago Justice CANCELADA
Chicago Med RENOVADA
Chicago PD RENOVADA
Emerald City CANCELADA
The Good Place RENOVADA
Great News RENOVADA
Grimm FINALIZADA
Law & Order: SVU RENOVADA
The Night Shift RENOVADA
Powerless CANCELADA
Shades of Blue RENOVADA
Superstore RENOVADA
Taken RENOVADA
This Is Us RENOVADA
Timeless CANCELADA RENOVADA
Trial & Error RENOVADA

Fuente: TvBytheNumbers

Lo más fuertecito 2016: Televisión

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Para los que creían que la burbuja de las series de calidad estaba a punto de explotar, un recordatorio: seguimos viviendo en la era de la Peak TV. Es más, después de un 2015 en el que se estrenaron más series que nunca, este año el ritmo no ha decaído, al contrario. El panorama catódico (sobre todo el norteamericano, pero también el europeo) nos ha dejado numerosos estrenos que se han impuesto a las series veteranas y a las sorpresas del año pasado (revelaciones de 2015 como UnREALMr. Robot se han desinflado tristemente en sus respectivas segundas temporada). Como resultado, ha sido un año emocionante, tan lleno de nuevas series por descubrir que, como es habitual, no hemos dado abasto y muchas de ellas se han quedado más bien escondidas, esperando a ser reivindicadas.

2016 ha sido el año en el que el streaming y el binge-watching se han consolidado en nuestro país. A Netflix se han sumado estos meses HBO España y Amazon Prime Video, aumentando así la oferta para acercarla cada vez más al modelo estadounidense. Sin embargo, las dos nuevas plataformas aun están muy verdes, mientras que Netflix continúa su trayectoria ascendiente con series que, en mayor o menor medida, están calando con el público de manera sorprendente. En un resumen de 2016, en el que la nostalgia alcanza su punto de ebullición, no puede faltar una mención especial a Stranger Things, sin duda el fenómeno televisivo del año. Pero tampoco podemos dejar de hablar de los revivals (Madres forzosasLas chicas Gilmore), las superproducciones (The Crown) o las sorpresas (The OA) que están dando forma al catálogo original del gigante de la TV por Internet (sin olvidar Black Mirror, que ha demostrado tener un enorme poder entre el público). Claro que Netflix también está experimentando su evolución como “cadena”, y ya empieza a cancelar series con normalidad (BloodlineMarco Polo) o a estrenar ficciones que no cumplen las expectativas de audiencia (The Get Down).

La televisión de 2016 ha sido un terreno de ficción increíblemente fértil. Después del final de Mad Men (aun se siente el vacío) y con la ausencia temporal de cosas tan buenas como Fargo The Leftovers, la reina de la televisión ha sido una vez más Juego de Tronos, que ha remontado a lo bestia (fan service mediante) con respecto a su floja quinta temporada. Pero como el fin del invierno se acerca, HBO ya se ha sacado de la manga el relevo de su buque insignia, Westworld, que llega para hacer por la ciencia ficción en televisión lo mismo que ha hecho Juego de Tronos por la fantasía. Pero este también ha sido el año de la experimentación (ahí está la sublime The Girlfriend Experience, un drama de media hora diferente a todo lo que hay en televisión ahora mismo), de las series con repartos casi íntegramente negros (InsecureQueen SugarLuke Cage) y el auge definitivo de la comedia de autor (Atlanta, Better Things, One Mississippi, Fleabag), con tantos nuevos productos destacables que las listas se quedan cortas y hay que hacer menciones de honor: People of Earth, Lady Dynamite, Chewing Gum, Dirk Gently, High Maintenance

Dejo de enrollarme para presentaros mi resumen del 2016 en listas (cuánto nos gustan las listas), 29 tops (la mayoría de 10 items, con alguna excepción) elaborados después de haber visto 142 series estrenadas entre el 1 de enero y el 22 de diciembre en sus respectivos países de origen. 29 categorías que resumen un año increíble para la ficción serial, y que nos hacen imaginar un 2017 aun mejor. Comentad, señalad las ausencias que más os duelan (pero tened en cuenta que no lo puedo ver todo) y compartid vuestros propios tops. Como siempre, muchas gracias de corazón por leer y ¡Feliz Año!

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Mejor Serie (Drama)

1. American Crime (Temporada 2)

 

2. Juego de Tronos (Temporada 6)

3. House of Cards (Temporada 4)

4. Shameless (Temporada 7)

5. The Americans (Temporada 4)

6. Halt and Catch Fire (Temporada 3)

7. Black Mirror (Temporada 3)

8. The Good Wife (Temporada 7)

9. Better Call Saul (Temporada 2)

10. Vis a vis (Temporada 2)

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Mejor Serie (Comedia)

1. Girls (Temporada 5)

 

2. VEEP (Temporada 5)

3. Please Like Me (Temporada 4)

4. Silicon Valley (Temporada 3)

5. Broad City (Temporada 3)

6. Unbreakable Kimmy Schmidt (Temporada 2)

7. You’re the Worst (Temporada 3)

8. Galavant (Temporada 2)

9. Scream Queens (Temporada 2)

10. Mom (Temporada 3-4)

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Mejor Nuevo Drama*

1. The Night Of

 

2. The Girlfriend Experience

3. Stranger Things

4. The OA

5. The Crown

6. The Get Down

7. Horace and Pete

8. Westworld

9. The Exorcist

10. The Young Pope

*Incluye miniseries, series limitadas y canceladas

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Mejor Nueva Comedia*

1. Fleabag

 

2. Baskets

3. Search Party

4. Better Things

5. Atlanta

6. BrainDead

7. Love

8. Insecure

9. One Mississippi

10. Haters Back Off

*Incluye miniseries, series limitadas y canceladas

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Mejor Episodio (Drama)*

1. Juego de Tronos, “Battle of the Bastards” (6.09)

 

2. The Girlfriend Experience, “Crossing the Line” (1.04)

3. American Crime, “Season Two: Episode Seven” (2.07)

4. Black Mirror, “Nosedive” (3.01)

5. Stranger Things, “Chapter One: The Vanishing of Will Byers” (1.01)

6. House of Cards, “Chapter 43” (4.04)

7. Black Mirror, “San Junipero” (3.04)

8. The Night Of, “The Beach” (1.01)

9. American Horror Story, “Chapter 6” (6.06)

10. Las 4 estaciones de las chicas Gilmore, “Winter” (1.01)

*Excluye season/series finales, que tienen su propia categoría.

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Mejor Episodio (Comedia)*

1. VEEP, “Camp David” (5.08)

 

2. Girls, “The Panic in Central Park” (5.06)

3. Please Like Me, “Degustation” (4.04) / “Burrito Bowl” (4.05)**

4. Baskets, “Picnic” (1.09)

5. Better Things, “Future Fever” (1.05)

6. Fleabag, “Episode #1.4” (1.04)

7. Love, “The Date” (1.05)

8. Broad City, “Two Chainz” (3.01)

9. Atlanta, “The Club” (1.08)

10. You’re the Worst, “Twenty-Two” (3.05)

*Excluye season/series finales, que tienen su propia categoría.
**No se entiende un episodio sin el otro.

Black Mirror

Mejor Actriz (Drama)

1. Bryce Dallas Howard (Black Mirror)

 

2. Lili Taylor (American Crime)

3. Riley Keough (The Girlfriend Experience)

4. Felicity Huffman (American Crime)

5. Evan Rachel Wood (Westworld)

6. Keri Russell (The Americans)

7. Robin Wright (House of Cards)

8. Eva Green (Penny Dreadful)

9. Claire Foy (The Crown)

10. Sarah Paulson (American Crime Story)

11. Emmy Rossum (Shameless)

12. Lauren Graham (Las 4 estaciones de las chicas Gilmore)

Mejor Actor (Drama)

1. Connor Jessup (American Crime)

 

2. Kevin Spacey (House of Cards)

3. John Turturro (The Night Of)

4. Riz Ahmed (The Night Of)

5. Bob Odenkirk (Better Call Saul)

6. Matt Smith (The Crown)

7. Justice Smith (The Get Down)

8. Louis C.K. (Horace and Pete)

9. Benedict Cumberbatch (Sherlock)

10. Jude Law (The Young Pope)

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Mejor Actriz (Comedia)

1. Julia Louis-Dreyfus (VEEP)

 

2. Lena Dunham (Girls)

3. Aya Cash (You’re the Worst)

4. Phoebe Waller-Bridge (CrashingFleabag)

5. Sarah Jessica Parker (Divorce)

6. Ellie Kemper (Unbreakable Kimmy Schmidt)

7. Pamela Adlon (Better Things)

8. Issa Rae (Insecure)

9. Gillian Jacobs (Love)

10. Anna Faris (Mom)

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Mejor Actor (Comedia)

1. Zach Galifianakis (Baskets)

 

2. Noah Galvin (The Real O’Neals)

3. Adam Driver (Girls)

4. Thomas Middleditch (Silicon Valley)

5. Donald Glover (Atlanta)

6. Jeffrey Tambor (Transparent)

7. Ted Danson (The Good Place)

8. Sam Waterson (Grace and Frankie)

9. Ty Burrell (Modern Family)

10. Josh Thomas (Please Like Me)

Mejor Actriz Secundaria (Drama)

1. Kathy Bates (American Horror Story)

 

2. Thandie Newton (Westworld)

3. Laurie Metcalf (Horace and Pete)

4. Christine Baranski (The Good Wife)

5. Millie Bobby Brown (Stranger Things)

6. Edie Falco (Horace and Pete)

7. Regina King (American Crime)

8. Olivia Colman (The Night Manager)

9. Winona Ryder (Stranger Things)

10. Patti Lupone (Penny Dreadful)

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Mejor Actor Secundario (Drama)

1. William H. Macy (Shameless)

 

2. Silvio Orlando (The Young Pope)

3. John Lithgow (The Crown)

4. Sterling K. Brown (American Crime Story)

5. Tobias Menzies (Outlander)

6. Jon Bernthal (Daredevil)

7. Timothy Hutton (American Crime)

8. Steve Buscemi (Horace and Pete)

9. Richard Kelly (House of Cards)

10. Jonathan Banks (Better Call Saul)

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Mejor Actriz Secundaria (Comedia)

1. Jamie Lee Curtis (Scream Queens)

 

2. Allison Williams (Girls)

3. Allison Janney (Mom)

4. Debra Lawrance (Please Like Me)

5. Yvonne Orji (Insecure)

6. Angela Kinsey (Haters Back Off)

7. Anna Chlumsky (VEEP)

8. Judith Light (Transparent)

9. Jan Maxwell (BrainDead)

10. Jane Krakowski (Unbreakable Kimmy Schmidt)

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Mejor Actor Secundario (Comedia)

1. Tituss Burgess (Unbreakable Kimmy Schmidt)

 

2. Louie Anderson (Baskets)

3. Tony Shalhoub (BrainDead)

4. Tony Hale (VEEP)

5. John Rothman (One Mississippi)

6. Michael Ian Black (Another Period)

7. John Early (Search Party)

8. Zach Woods (Silicon Valley)

9. Glen Powell (Scream Queens)

10. Andre Braugher (Brooklyn Nine-Nine)

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Mejor Interpretación Infantil*

1. Millie Bobby Brown (Stranger Things)

 

2. Hudson Yang (Fresh Off the Boat)

3. Hannah Alligood (Better Things)

4. Gaten Matarazzo (Stranger Things)

5. Bella Ramsey (Game of Thrones)

6. Mason Cook (Speechless)

7. Ian Chen (Fresh Off the Boat)

8. Olivia Edward (Better Things)

9. Forrest Wheeler (Fresh Off the Boat)

10. Ian Alexander (The OA)

*Menores de 16 años

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Mejor Reparto*

1. Stranger Things

 

2. American Crime

3. Shameless

4. American Horror Story

5. Orange Is the New Black

6. Game of Thrones 

7. The Crown

8. VEEP

9. The Get Down

10. Vis a vis

*Se reconoce la labor de casting, el talento generalizado de un reparto completo y/o la química entre los miembros de un elenco.

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Pareja/dúo con más química

1. Gugu Mbatha-Raw y Mackenzie Davis (Black Mirror)

 

2. Vera Farmiga y Freddie Highmore (Bates Motel)

3. Abbi Jacobson e Ilana Glazer (Broad City)

4. Emmy Rossum con cualquiera de sus compañeros de reparto (Shameless)

5. Caitriona Balfe y Sam Heughan (Outlander)

6. Jonathan Groff y Russell Tovey (Looking: The Movie)

7. Issa Rae e Yvonne Orji (Insecure)

8. Jonathan Bailey y Amit Shah (Crashing)

9. Anna Faris y Allison Janney (Mom)

10. Iain De Caestecker y Elizabeth Henstridge (Agents of S.H.I.E.L.D.)

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Personaje Televisivo de 2016

1. Christine Reade (The Girlfriend Experience)

 

2. Eleven (Stranger Things)

3. Fleabag (Fleabag)

4. Maeve Millay (Westworld)

5. John Stone (The Night Of)

6. Issa Dee (Insecure)

7. Punisher (Daredevil)

8. Dory (Search Party)

9. OA (The OA)

10. Lorelai Gilmore (Las 4 estaciones de las chicas Gilmore)

11. Kenny O’Neal (The Real O’Neals)

12. Mickey Dobbs (Love)

13. Jesse Custer (Preacher)

14. Isabel II (The Crown)

15. Earn Marks (Atlanta)

 

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Villano del año

1. Frank Underwood (House of Cards)

 

2. Red Wheatus (BrainDead)

3. The Butcher (American Horror Story)

4. Ramsay Bolton (Game of Thrones)

5. Zulema Zahir (Vis a vis)

6. Dr. Hunter Hap (The OA)

7. ‘Black Jack’ Randall (Outlander)

8. Dr. Robert Ford (Westworld)

9. Lenny Belardo (The Young Pope)

10. Cottonmouth (Luke Cage)

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Mejor Dirección

1. Game of Thrones

 

2. The Girlfriend Experience

3. House of Cards

4. Stranger Things

5. Mr. Robot

6. Girls

7. Atlanta

8. The Get Down

9. The Night Of

10. The Crown

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Mejor Serie de Animación

1. BoJack Horseman

 

2. Steven Universe

3. Bob’s Burgers

4. Archer

5. Adventure Time

6. Gravity Falls

Mejor Nuevo Opening

1. Stranger Things

 

2. Luke Cage

3. Westworld

4. Better Things

5. The Exorcist

6. Preacher

7. The Crown

8. The Night Of

9. Love

10. Lady Dynamite

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Mejor Banda Sonora*

1. Stranger Things

 

2. Game of Thrones

3. The Young Pope

4. The Get Down

5. Westworld

6. The OA

7. Girls

8. Mr. Robot

9. Steven Universe

10. Black Mirror

*Selección musical/Canciones originales/Score original

Mejor Momento Musical

1. Todos los “Previously on” de BrainDead

 

2. Garnet canta “Here Comes a Thought” (Steven Universe, “Mindful Education”, 4.04)

3. Shelly Pfefferman canta “Hand In My Pocket” (Transparent, “Exciting and New”, 3.10)

4. “I Don’t Like You”, batalla de rap de Madalena e Isabella (Galavant, “Do the D’DEW”, 2.08)

5. Chip ve por primera vez a Penelope en París (Baskets, “Picnic”, 1.09)

6. Miranda canta “Defying Gravity” (Haters Back Off, “Uploding My Fist Video”, 1.01)

7. La canción de geisha de Tituss (Unbreakable Kimmy Schmidt, “Kimmy Goes to a Play!”, 2.03)

8. “Love Kernels” (Crazy Ex-Girlfriend, “Where Is Josh’s Friend?”, 2.01)

9. Lulu toca la guitarra y los demás improvisan canciones (Crashing, “Episode #1.3)

10. Kate canta “Time After Time” (This Is Us, “Kyle”, 1.03)

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Mejor Season/Series Finale

1. Westworld, “The Bicameral Mind” (1.10)

 

2. Girls, “I Love You Baby” (5.10)

3. Game of Thrones, “The Winds of Winter” (6.10)

4. Shameless, “Requiem for a Slut” (7.12)

5. Fleabag, “Episode #1.6”

6. The Girlfriend Experience, “Separation” (1.13)

7. Las 4 estaciones de las chicas Gilmore, “Fall” (1.04)

8. Stranger Things, “Chapter Eight: The Upside Down” (1.08)

9. The OA, “Invisible Self” (1.08)

10. Looking: The Movie

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Peor Season/Series Finale

1. Scream, “When A Stranger Calls” (2.12)

 

2. Fear the Walking Dead, “North” (2.15)

3. House of Lies, “No Es Fácil” (5.10)

4. Awkward, “Happy Campers. Happier Trails” (5.24)

5. Masters of Sex, “The Eyes of God” (4.10)

6. Zoo, “Clementine” (2.13)

7. Quantico, “Yes” (1.22)

8. 22.11.63, “The Day in Question” (1.08)

9. UnREAL, “Friendly Fire” (2.10)

10. Aquarius, “I Will” (2.13)

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Peor serie de 2016

1. Fuller House

 

2. Easy

3. Fear the Walking Dead

4. The Ranch

5. Scream

6. Billions

7. Flaked

8. Empire

9. Aquarius

10. Good Girls Revolt

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Guapa de la Tele 2016

1. Mary Elizabeth Winstead (BrainDead)

 

2. Hayley Atwell (Agent CarterConviction)

3. Deborah Ann Woll (Daredevil)

4. Sophie Turner (Game of Thrones)

5. Keke Palmer (Scream Queens)

6. Gillian Anderson (The X-FilesThe Fall)

7. Lauren Cohan (The Walking Dead)

8. Chyler Leigh (Supergirl)

9. Rosario Dawson (DaredevilLuke Cage)

10. Vera Farmiga (Bates Motel)

 

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Guapo de la Tele 2016

1. Tyler Hoechlin (Supergirl)

 

2. Nikolaj Coster-Waldau (Game of Thrones)

3. Alfonso Herrera (The Exorcist)

4. Evan Peters (American Horror Story)

5. Jamie Dornan (The Fall)

6. Jeremy Allen White (Shameless)

7. Derek Theler (Baby Daddy)

8. Emory Cohen (The OA)

9. Donald Glover (Atlanta)

10. Milo Ventimiglia (This Is UsLas 4 estaciones de las chicas Gilmore)

Lo más fuertecito 2016: Top 15 peores películas del año

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Después de hacer mi repaso a lo mejor del año en este especial, toca hablar de las peores películas que han llegado a nuestros cines en los últimos 12 meses. Han sido muchas, pero solo 15 lo suficientemente malas como para ser dignas de mención. El 2016 cinematográfico ha estado marcado por el fracaso de numerosas secuelas y reboots, lo que nos da ciertas esperanzas de que Hollywood haya captado la idea y se curre un poco más sus ideas. Pero malas películas ha habido en todos los formatos y géneros. Inicios fallidos de sagas, lamentables cintas de acción, comedias que más que risa dan lástima o aburridos films de terror hechos en cadena. Pasen y vean (o mejor, no vean) lo peor del año en cine.

Nota: Antes de que preguntéis, Dioses de Egipto no está en la lista porque no la he visto. Pero ahí tenéis su mención de honor, porque estoy seguro de que se la merece.

ALICE THROUGH THE LOOKING GLASS

15. Alicia a través del espejo (James Bobin)

Esta secuela se construye (por decirlo de alguna manera) como una odisea a través del tiempo, aumentando considerablemente las dosis de acción y, sin embargo, perdiéndose en mil y un dobleces temporales y las correspondientes paradojas que no hacen sino añadir confusión y caos a la ya de por sí endeble historia (una historia a la que el caos le debería sentar bien, porque es su estado natural, no perjudicarla tanto). Al final, a Alicia a través del espejo le falta imaginación (pecado capital teniendo en cuenta el material del que parte) y vuelve a caer en el mismo error que la primera entrega: dar prioridad al envoltorio sobre lo que hay (o debería haber) dentro de la caja, al espectáculo sobre la sustancia. [Crítica completa]

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14. La leyenda de Tarzán (David Yates)

La leyenda de Tarzán es una película muy mal hecha. Parece mentira que su presupuesto ascendiera a 180 millones de dólares, porque en pantalla no se nota por ninguna parte. La inconsistencia visual del film es increíble (parecen tres películas de diferentes estilos mal pegadas), el torpe montaje acentúa los defectos en lugar de cubrirlos, y lo peor de todo, tiene unos efectos digitales lamentables (flaco favor le ha hecho tener tan cerca El Libro de la Selva de Disney), cromas chirriantes y falsísimas criaturas CGI (incluyendo un Tarzán de videojuego que parece hecho en 2001). En definitiva, la película no funciona a ningún nivel, ni siquiera como pasatiempo o espectáculo, que es lo mínimo a lo que debería aspirar, y parece una versión inacabada que todavía no estaba preparada para su proyección en cines. [Crítica completa]

The program El ídolo Ben Foster

13. The Program (Stephen Frears)

Frears desaprovecha un material rico en posibilidades para hacer una película anodina e insustancial, cuando podía haber sido empleado para llevar a cabo una aproximación interesante a la vida de un ídolo caído. Aunque hay escenas en las que parece que va a mostrarnos la verdadera cara de Armstrong, el film nunca llega a hacerlo, terminando sin conclusiones, dando la sensación de que en ningún momento se supo qué se quería contar con ella. [Crítica completa]

Antes de ti

12. Antes de ti (Thea Sharrock)

Antes de ti es pura pornografía sentimental (o “disability porn”, como dicen muchos), una película que discurre por los derroteros más predecibles y trata de compensar su falta de originalidad o personalidad forzando las emociones del espectador. El resultado es un trabajo plano y artificial, una pastelada lacrimógena digna del “mejor” Nicholas Sparks. [Crítica completa]

11. Zoolander Nº2 (Ben Stiller)

Vamos a pasar por alto sus incursiones en el humor ofensivo y machista, porque lo identificamos como una provocación muy intencionada, incluso inocua (el problema no es que sea ofensiva, es que no sabe ser ofensiva con gracia). Pero no podemos ignorar el hecho de que Stiller y compañía han realizado una secuela muy desatinada, un refrito sin gracia que llega tarde a la broma y no es capaz de ponerse al día con los tiempos. No le pedíamos demasiado, porque sabemos el tipo de comedia que nos propone (y nos gusta), pero no habría estado mal un poco más de ingenio y esfuerzo para evitar caer en las redes de la desidia. Nos lo han puesto a huevo: Zoolander 2 es una película pasada de moda. [Crítica completa]

10. La fiesta de las salchichas (Greg Tiernan, Conrad Vernon)

El impacto que puedan generar sus puntuales momentos divertidos se diluye por culpa del decepcionante tratamiento general, con una historia que se burla de los tópicos de otros para caer en los suyos propios, y que alardea de humor autoconscientemente ofensivo (machista, racista, y todos los -istas que hay) sin preocuparse de darle algo de garra e inteligencia (como sí hace South Park, y ahí está la diferencia entre ambas), lo que hace que la mayor parte del tiempo sea una comedia simplemente pueril y simplona, y que su humor derive continuamente hacia el cuñadismo. No ayuda tampoco que sea más bien pobre técnica y visualmente (una cosa es el feísmo, otra diferente es lo cutre) y que su ritmo sea atropellado. Y es que la historia es en realidad tan rudimentaria que la película puede resultar bastante pesada y plasta (como un cuñado, vaya). [Crítica completa]

9. Altamira (Hugh Hudson)

Hudson tiene el poder de desaprovechar un notable trabajo de ambientación histórica y un reparto potencialmente solvente, mutándolos por arte de magia en salones de cartón piedra y maniquíes sin sangre. Sensación que se ve potenciada aún más por la desafortunadísima composición musical de Mark Knopfler para la cinta. […] Altamira no logra estar a la altura del Patrimonio de la Humanidad que son dichas cuevas. Una oportunidad perdida, destrozada por un director acabado. [Crítica completa]

El bosque de los suicidios

8. El bosque de los suicidios (Jason Zada)

El bosque de los suicidios cae en todos los tópicos habidos y por haber del cine de terror de centro comercial. En lugar de aprovechar el potencial del escenario en el que transcurre para crear verdadera angustia y zozobra, Zada opta por los trucos de siempre, los sobresaltos tramposos (planos sostenidos del bosque a oscuras con rostros fantasmales que aparecen de repente junto a un golpe estruendoso de música, vamos, como los vídeos de sustos que se comparten en Whatsapp) y losgiros argumentales que es imposible que sorprendan al que ha visto más de dos películas de terror de este tipo. [Crítica completa]

7. Rock the Kasbah (Barry Levinson)

Rock the Kasbah es una de esas películas cuya existencia no puede ser razonada más allá de lo absurdo que puede llegar a ser Hollywood a la hora de decidir lo que llega a las pantallas de cine o lo que se queda en el limbo. Nos podemos imaginar la reunión para determinar si Rock the Kasbah recibía el visto bueno o era archivada, y es difícil entender por qué su premisa no disparó ninguna alarma. […] Una idea terrible que da como resultado una película aun peor. [Crítica completa]

summer camp

6. Summer Camp (Alberto Marini)

Summer Camp propone una variación llamativa del slasher, pero se pierde completamente en la ineptitud narrativa y de la puesta en escena (suspense cero), por no hablar de que su conflicto principal no podría ser más predecible: de las posibles respuestas al misterio se elige la más obvia, después de poner las pistas tan a la vista que uno no puede evitar pensar si le están tomando por tonto. […] Ya no es que sea una estupidez divertida, sino una película frustrantemente estúpida. [Crítica completa]

Escuadron Suicida 1

5. Escuadrón Suicida (David Ayer)

Lo que falla: el argumento sin sentido, la total falta de estructura narrativa, la incoherencia del plan del Task Force X (que se crea para evitar una amenaza que se inventa sobre la marcha), los forzados cameos, la patética villanaEncantadora (la “interpretación” de Cara Delevingne es dolorosa, pero no tanto como lo mal gestionado que está su personaje) y su incluso más patético hermano CGI, el flagrante machismo, la epiléptica banda sonora, el absurdo clímax (calco de todas las películas de superhéroes con agujero en el cielo y una Big Bad que tiene el poder de aniquilar a todos sus enemigos con su magia pero opta por enfrentarse a ellos a puñetazos, claro que sí), los personajes indefinidos e intercambiables (Katana, Killer Croc y Slipknot se llevan la palma), la forzada conexión emocional entre personajes que no hemos visto conectar de verdad, la iconoclastia vacía, los chistes de parvulario, la confusión tonal… Y así podría seguir hasta mañana. [Crítica del estreno en cines] [Crítica de la versión extendida]

4. La Quinta Ola (J Blakeson)

Nada tiene sentido en su incoherente y sobre explicativo argumento, todo cuanto ocurre en ella responde a la necesidad de ajustarse a la fórmula del género como sea, y cuanto más en serio se toma a sí misma (que es mucho), más se hunde en el absurdo y más risible resulta. Hasta el punto de convertirse en una de las comedias involuntarias del año. Un epic fail absoluto. [Crítica completa]

3. La Serie Divergente: Leal (Robert Schwentke)

Los actores se pasean estáticos por la película (sobre todo la impasible Woodley, que no podría tener menos ganas de estar ahí), se mueven y se relacionan gélidamente, con el mismo ímpetu con el que uno se levanta del sofá un domingo para coger el mando a distancia que está en la otra punta del salón. Claro que esa falta de entusiasmo y entrega no es solo culpa suya (el reparto está lleno de gente con talento, jóvenes y veteranos), sino sobre todo del material tan estéril y falto de emoción con el que trabajan. Esta serie no da más de sí, porque de entrada no tenía mucho que dar, y su difuso planteamiento ha alcanzado un punto muerto en esta película. [Crítica completa]

Warcraft

2. Warcraft. El origen (Duncan Jones)

Esta es una película tediosa, farragosa, con una historia mal contada (y peor montada), personajes indefinidos, motivaciones inexistentes y un sentido atrofiado del ritmo que puede resultar en una experiencia frustrante y desesperante para el espectador que no vaya con el aliciente de reconocer lugares, nombres o motivos narrativos del videojuego. [Crítica completa]

1. Objetivo: Londres (Babak Najafi)

Lo de menos es que Objetivo: Londres sea una cinta de acción inepta, repetitiva, repleta de secuencias irrisorias y demasiado inverosímiles hasta para el género. O que, a pesar de las miles de muertes y la destrucción masiva, lo más importante sea siempre mantener a salvo a un hombre blanco americano. Lo peor es que busca instigar la aversión más beligerante, y se jacta de ello. [Crítica completa]

Lo más fuertecito 2016: Top 25 mejores películas del año

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Twitter y los memes lo magnifican todo, pero lo cierto es que este año pasará oficialmente a la historia como uno de los más horribles de nuestra era, por muchas razones que no voy a enumerar porque las conocéis de sobra, y porque esta es la época en la que damos las gracias por lo bueno que nos han dejado los últimos doce meses e intentamos dejar lo malo atrás.

Gracias al cine (y a la televisión, claro, pero eso lo dejamos para otra entrada) hemos podido huir del futuro distópico en el que parecemos haber despertado. Puede que 2016 no haya sido el mejor año cinematográfico de lo que llevamos de década, pero las grandes películas no han faltado. A continuación os dejo con mi lista personal de las 25 mejores películas estrenadas en España del 1 de enero al 31 de diciembre de 2016.

25. Bone Tomahawk (S. Craig Zahler)

Western atípico cargado de humor, violencia extrema (condensada en su magnífica recta final, donde podemos ver una de las muertes más despiadadamente brutales y gráficas de la historia del cine) y grandes interpretaciones, en especial la de Richard Jenkins, que vuelve a sobresalir con un personaje absolutamente entrañable. Una auténtica gozada que lleva el concepto midnight movie a otro nivel.

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Calle Cloverfied 10 es un thriller claustrofóbico y desconcertante que divierte enormemente sin por ello sacrificar la seriedad de sus temas y el desarrollo de sus personajes (“Yo veo Cloverfieldpor los personajes”). El éxito de la película plantea una nueva forma de hacer blockbusters fantásticos, otro tipo de “cine evento” que es posible con un presupuesto reducido, gracias a una campaña publicitaria inteligente y por encima de todo, ideas “fuera de la caja”. [Crítica completa]

Brooklyn Saoirse Ronan

23. Brooklyn (John Crowley)

En parte oportuno retrato generacional, en parte preciosa historia de amor (no apta para cínicos), Brooklyn destaca por estar contada con mucho cariño, algo que se refleja en sucuidada puesta en escena, con un estupendo trabajo de fotografía, diseño de producción y vestuario, que (al igual que la también reciente Carol) nos traslada a los 50, tanto en las acogedoras calles de Nueva York, sus casas estilo brownstone y sus distinguidos centros comerciales, como en la costa de Irlanda. Pero en realidad Brooklyn no busca impresionar o acumular premios (aunque los merezca), sino arropar al espectador en una historia enormemente cálida y emotiva, un relato muy cercano a pesar de su lejanía en el tiempo y la distancia, que es mucho más trascendente y profundo de lo que pueda parecer a simple vista. [Crítica completa]

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22. Green Room (Jeremy Saulnier)

Green Room desquicia gracias a su endiablado ritmo y a la ingente cantidad de pruebas a las que somete a sus héroes, sentimiento de agobio que es acentuado gracias a la enfermiza atmósfera de tonos verdes que domina los pasillos. Se trata de un estilizado producto de terror de serie B y una justa compañera de cintas como It Follows o la citada You’re Next en la lista de películas de culto de esta década. [Crítica completa]

21. Dos buenos tipos (Shane Black)

Recuperando el espíritu desenfadado y old-fashioned del cine de acción de los 70 y 80, con un ritmo que no decae en ningún momento y un velo de surrealismo lisérgico y excéntrica psicodelia popDos buenos tipos se construye sólidamente como un noir efervescente repleto de situaciones memorables (el muy onírico accidente de la pornstar, la absurda protesta en las escaleras),violencia “sofisticada”, diálogos chispeantes, una gran banda sonora y un timing cómico impecable. Gosling se lleva la película de calle con su dominio absoluto del humor físico. [Crítica completa]

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20. American Honey (Andrea Arnold)

American Honey es autocomplaciente y difícil, pero está tan llena de vida. Un retrato de Norteamérica y su juventud exuberantemente natural y libre de grilletes narrativos. Puede frustrar tanto como fascinar, pero nunca deja que te vayas, en ninguno de los 163 minutos que dura. Shia LaBeouf nos deja una interpretación tan vibrante que nos hace desear que el actor siga en el buen camino artístico en el que esta desbordante película lo sitúa. We fell in love in a hopeless place…

19. Animales nocturnos (Tom Ford)

Oscura, sensual y elegantemente imperfecta, Animales nocturnos continúa la disección que Ford inició de las esferas más altas de la sociedad con su opera prima, de la gente distinguida y refinada que se ahoga en sus jaulas de diseño y deambula en sus acomodados vacíos existenciales (ya sabéis lo que dicen, “escribe sobre lo que conoces”). Pero amplía sus horizontes como autor añadiendo uncomponente de suspense que al final (y afortunadamente) acaba dominando la película. [Crítica completa]

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18. Neruda (Pablo Larraín)

Neruda es la historia de un líder de pensamiento que se ganó al pueblo con sus versos y su voz. Para dar forma a este relato biográfico tan poco convencional, Larraín y su guionista, Guillermo Calderón, fusionan ficción y poesía de manera que, a la vez que nos cuentan la historia, nos desvelan sus mecanismos narrativos, así como la estrecha relación entre arte y política. El inteligente guion de la película entrelaza estas dimensiones para construir una inspirada reflexión sobre la creación literaria y la inmortalidad que otorgan las palabras, en la que los personajes se preguntan hasta qué punto son reales o producto de la voluntad creativa del autor. [Crítica completa cortesía de eCartelera]

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17. Captain Fantastic (Matt Ross)

Viggo Mortensen nos regala una de las mejores interpretaciones del año y probablemente la mejor de su carrera en esta maravilla que tiene el poder de atravesarnos la piel y conmovernos como pocas. Excéntrica, divertida, preciosa, humana, una película que contiene una carga de ideología mucho más compleja y estimulante de lo que pudiera parecer, y que presenta una historia más cruda de lo que su campaña promocional (muy inspirada en el cine de Wes Anderson) pudiera sugerir. Temáticamente, tiene mucho más en común con Hacia rutas salvajes, pero ya quisiera aquella llegarle a la suela de los zapatos a esta. Inolvidable.

16. Cegados por el sol (Luca Guadagnino)

Con un toque surrealista y burlón, y un ojo puesto en la obra de Patricia Highsmith (la cinta bebe mucho de El talento de Mr. Ripley), Guadagnino nos envuelve en una sensual orgía de los sentidos que no solo seduce con sus imágenes, sino también con su exquisito sentido del humorCegados por el sol es una película lasciva, delirante, una experiencia de la que uno sale con ganas de desnudarse, de desnudar, y de apaciguar el calor con un baño refrescante, a poder ser en compañía. [Crítica completa]

Spotlight

15. Spotlight (Tom McCarthy) 

En Spotlight no hay tiempo ni espacio para el melodrama. Ante la tentación de dejarse llevar por los momentos sentimentales que podría haber reportado un film sobre abusos a menores,McCarthy opta por acercarse de una manera aséptica y serena. Esta estabilidad emocional no debe verse como frialdad o desinterés, sino como muestra de respeto. No solo para con las víctimas de los abusos, sino también con el espectador. El film no menosprecia al espectador. Le expone una realidad traumática y aterradora sin cortapisas, ni sobrexplicaciones. Spotlight es inteligente, que no sabionda. Esa humildad se respira durante todo el metraje y se refleja de igual manera en sus protagonistas. [Crítica completa]

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14. El cuento de la princesa Kaguya (Isao Takahata)

Realizada en animación tradicional al estilo de las acuarelas japonesas(con impresionantes secuencias de acción abocetadas en las que se puede ver el trazo del lápiz cobrando vida), Kaguya es una absoluta preciosidad, una auténtica obra de arte de una belleza extraordinaria, aderezada con deliciosos e inesperados toques de humor. El folklore y lahistoria japonesa van de la mano de la magia en una película que incide en uno de los temas que han definido la trayectoria de Ghibli: el lugar de la mujer en la sociedad, y su lucha por salirse de los conformistas moldes que otros han dispuesto para ella. Kaguya es un personaje hermoso en todas sus facetas y su historia una gozada recomendable para todo amante de la animación tradicional y el cine nipón. [Crítica completa]

13. Todos queremos algo (Richard Linklater)

En Todos queremos algo volvemos a vivir los últimos días del eterno verano cinematográfico. Entre birras, sexo y el Cosmos de Carl Sagan nos hacemos, como el que no quiere la cosa, las grandes preguntas. Quiénes somos, quiénes queremos ser, adónde queremos ir, y sobre todo, qué queremos. Porque todos queremos algo, lo complicado es saber qué exactamente. Lo último de Linklater es camaradería, es optimismo, vitalismo, testosterona rebotando por las paredes, es juerga, música a todo volumen, exploración, un entrañable retrato generacional y unagran celebración de la juventud. Es el tipo de película que nos dice mucho más de lo que parece a simple vista, que, sin que nos demos apenas cuenta, nos convierte en cine. [Crítica completa]

12. Peter y el dragón (David Lowery)

La labor de Lowery nos confirma a un director de considerable talento para narrar visualmente, un cineasta con temple y visión que ha sabido conjugar con suma elegancia la sensibilidad del blockbuster actual (es su primer película “de estudio”) con el intimismo de un cine más “pequeño”, dando tanta importancia a la dirección de actores como al espectáculo. Todo sin dejar de cumplir con la etiqueta disneyana de “cine para toda la familia”. Efectivamente, Peter y el dragón es una película hecha para el disfrute de grandes y pequeños, hecha para ahora y para durar en el tiempo, una de esas aventuras clásicas (en el mejor sentido cinematográfico de la palabra) que captan el asombro y la magiade la infancia, tal y como nos la mostró el mejor cine familiar de los 80 y los 90. [Crítica completa]

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11. Hasta el último hombre (Mel Gibson)

Durante sus perfectamente coreografiadas y montadas secuencias en el campo de batallaHasta el último hombre supone un golpe sin miramientos al espectador,un mazazo que aturde y remueve por dentro. El horror que vivimos junto a Doss se va transformando en esperanza, en fe. Pero no fe en la religión o el ser divino que motiva al protagonista y que Gibson claramente presenta convencido de ser la verdad absoluta, sino en la bondad innata del ser humano y su capacidad para el sacrificio, la compasión y la paz. He ahí la verdad absoluta que hay en Hasta el último hombre, una idea que Gibson transmite de manera tan eficaz, con un dominio tal de la cámara y la tensión narrativa, con tanta emoción, que no queda más remedio que darle esa segunda oportunidad. [Crítica completa]

10. Kubo y las dos cuerdas mágicas (Travis Knight)

Además de ser una cinta aventuras impecable, un film familiar entrañable y con sentido del humor, y de contener algunas de las mejores escenas de acción que se han visto en el cine de animación recienteKubo establece (a través de las cuerdas del shamisen) una importanteconexión emocional con el espectador que resulta en una mayor implicación que las anteriores películas del estudio, y culmina en un poderoso clímax que completa el viaje de su bondadoso héroe y legitima sus mensajes y valores. No es una película perfecta, pero sí una obra de arte digna de ser revivida y recordada, que es mucho mejor; un trabajo hecho con corazón (LAIKA lo tiene en las manos), en el que la técnica está al servicio de lo más esencial, lo que da forma a la realidad: la narración. [Crítica completa]

9. Anomalisa (Duke Johnson, Charlie Kaufman)

Kaufman utiliza los muñecos para desmontar, literalmente, a su protagonista, y mostrarnos así el engranaje de su mente. Si la película se hubiera hecho con actores de carne y hueso no habría surtido el mismo efecto, no habría resultado tan conmovedora. Hay algo en el hecho de observar a estas marionetas existir, interactuar o hacer el amor en un supuesto tan mundano (y tan automatizado) que hace más fácil, y más gratificante, mirar directamente en su interior en busca de la esencia que los (nos) hace humanos. [Crítica completa]

8. Carol (Todd Haynes)

Haynes ha realizado una película de una enorme fuerza y belleza, una obra íntima y erótica, que navega constantemente en la tristeza para dejarnos con un mensaje de esperanza y autoafirmación, y que responde, por encima de todo, al modelo clásico del gran romance cinematográfico americano. El que no busca un público concreto, sino que está hecho para todos. [Crítica completa]

7. Midnight Special (Jeff Nichols)

Con un poco de publicidad, todos estaríamos hablando ahora de Midnight Special. El sorprendente cuarto trabajo de Jeff Nichols, uno de los autores cinematográficos más interesantes y personales de la actualidad, es junto a La llegada, la mejor película de ciencia ficción del año, una propuesta intensa, diferente, llena de inteligencia emocional, y con un acertado punto nostálgico (pero sin pasarse) que evoca a Encuentros a la tercera faseE.T. El extraterrestre. Puede que Stranger Things ya haya cubierto ese hueco este año, pero aun así merece la pena descubrir esta maravilla y reivindicarla como la obra de culto que merece ser.

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6. Zootrópolis (Byron Howard, Rich Moore)

Zootrópolis supone un salto considerable en la trayectoria moderna de Disney al llevar un paso más allá su mensaje, convirtiendo una fábula modélica de crecimiento personal protagonizada por una chica que se eleva por encima de sus circunstancias y sus opresores en un manifiesto en contra de los prejuicios sociales y la estereotipación, un proyecto de futuro que propone un mundo (una utopía) donde nadie sea juzgado o dado por sentado debido a su especie (raza/condición/sexo). Zootrópolis no es solo un regalo para la vista, una bonita historia de amistad y una irresistible aventura cómica, también es una valiosa obra de ficción que, de convertirse en clásico, contribuirá a dar forma a las próximas generaciones de adultos de la mejor manera posible. [Crítica completa]

5. Paterson (Jim Jarmusch)

En las palabras que Paterson nos recita con cadencia reconfortante mientras las plasma en el papel (poemas escritos por Ron Padgett) está todo lo que necesitamos, pero en ellas hay mucho más. Jarmusch explora el día a día con inteligencia contemplativa y, casi sin que nos demos cuenta, compone una reflexión que llega a adquirir tintes metafísicos a través de los pequeños detalles, coincidencias y repeticiones que desvelan una realidad interconectada que se puede observar si se presta atención, un universo que no hace más que mandarnos señales.

Gracias a la absoluta precisión emocional que hay en la interpretación de Adam Driver (quizá que ese sea su apellido también sea una señal), que aquí se confirma como uno de los actores de mayor talento de su generación, y a la capacidad de Jarmusch para decirnos tanto con tan poco, Paterson acaba trascendiendo las fronteras del cine, derramándose en nuestra propia realidad y alterándola mucho más allá de los créditos finales. [Crítica completa]

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4. Elle (Paul Verhoeven)

Con Elle, Verhoeven nos sitúa en una posición en la que nos encontramos a nosotros mismos disfrutando de la violencia y el comportamiento desviado que vemos en pantalla, reflejándolo en nuestro propio punto de vista en un alarde a lo Michael Haneke, solo que con mucho más humor. Porque Elle es el crudo y deslumbranteretrato de una sociópata que además de removernos constantemente y empujarnos a reflexionar, nos hace reír. Una película inquietante, de la que es imposible apartar la mirada, perversa, malsana, y por encima de todo divertida. [Crítica completa]

La bruja

3. La bruja (Robert Eggers)

Todos los elementos que conforman La bruja están meticulosamente construidos para dar como resultado una opera prima de gran pulsión cinematográfica: las impactantes y perturbadoras imágenes que recorren todo el film (bellamente fotografiado por Jarin Blaschke), la increíble banda sonora de Mark Korven, las interpretaciones (de adultos y niños, inolvidable la escena de posesión del pequeño Harvey Scrimshaw), los diálogos, cadencias y acentos, la imponente voz de Ralph Ineson, ese poderosísimo clímax que redefine la historia y obliga a revisitar todo lo acontecido para saber qué nos ha estado contando en realidad, sin olvidar la inquietante (omni)presencia de la cabra Black Phillip, animal en el que confluyen todos los miedos y angustias que sostienen el film. Todo esto hace que La bruja presente una visión escalofriante y hermosa de un terror que pocas veces se nos manifiesta de forma tan lúcida y sugestiva, y se postule seriamente como un clásico moderno del género. [Crítica completa]

Room 2

2. La habitación (Lenny Abrahamson)

La labor de Tremblay es el sumun de la inocencia y la complejidad de registros, recordando a la de Max Records en Donde viven los monstruos. No es un niño haciendo de niño, sino un actor haciendo de el niño que soy yo. Cada una de sus frases absurdas y tremendamente inocentes, desmontan al espectador casi tanto como a su Ma. Sus repetitivos saludos a las cosas animadas, su infinita serpiente de cáscaras de huevo (lo más bonito del mundo), su amor a la televisión y su madre sobre todas las cosas (como cualquier niño normal). El niño que soy yo es la inocencia dentro de la mierda. Es la única razón por la que yo (Ma) voy a sobrevivir.

El instante en que Jack logra desenrollarse de la alfombra, conoce por primera vez el cielo sin una claraboya de por medio y su mirada refleja el infinito es uno de los grandes momentos cinematográficos del año. [Crítica completa]

1. La llegada (Denis Villeneuve)

Todo en La llegada, empezando por su protagonista (Adams está inconmensurable) y continuando con su envolvente atmósfera, la acertada intensidad y afectación de su narración, la elegante puesta en escena o la sublime música de Jóhann Jóhannsson (más una preciosa pieza de Max Richter), dan lugar a una obra cinematográfica superlativa, un trabajo bellísimo, profundamente magnético y emocionalmente desbordante que ha llegado para quedarse entre nosotros. [Crítica completa]

Dezuu: Camisetas personalizadas para todos los gustos

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Estáis tan obsesionados con Stranger Things que queréis que el mundo entero lo sepa. Echáis tanto de menos Juego de Tronos cuando no está en emisión que necesitáis sentir a la Khaleesi muy cerca de vuestra piel. Sois tan fans del cine de Stanley Kubrick que os gusta ir por la calle encontrando almas gemelas cinéfilas que vistan algo relacionado con La naranja mecánica2001. Por eso hoy en día más que nunca las camisetas personalizadas con imágenes de nuestras series y películas favoritas son una prenda indispensable en cualquier armario, y no solo del freak medio o el comic book guy de toda la vida. Seguro que no te extrañaría ver a tu padre con una camiseta de Walter White.

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Tras el éxito en Europa de Tenvinilo, empresa líder en la fabricación de vinilos decorativos personalizados, los mismos emprendedores del sector de la moda y el diseño han desarrollado Dezuu.es (“el zoo de los diseñadores”), una web que aplica el mismo concepto al sector de la moda y las camisetas. Diseños a medida para hombres, mujeres y niños que van desde lo moderno a lo retro, pasando por estilos minimalistas y por supuesto mucha cultura pop.

Además de ofrecer acceso directo a la creatividad de una comunidad de diseñadores profesionales y la posibilidad de crear camisetas 100% personalizadas con vuestras propias fotos y mensajes, en la web de Dezuu podéis encontrar una gran variedad de diseños y colores que se adaptan a todos los gustos: deportes, música, animales, retro, infantiles, citas célebres, frases graciosas, gaming, chistes visuales, etc. Y lo que más nos interesa a nosotros, cine y tv. Las camisetas están realizadas con la última tecnología para la impresión de textiles, y la mayoría de diseños son total o parcialmente personalizables para que podamos vestir las prendas de forma única y exclusiva.

Os dejo a continuación con una pequeña muestra de lo que podéis encontrar en Dezuu, aunque hay muchísimos diseños más, así que os animo a daros una vuelta por la web hasta que deis con vuestro(s) favorito(s).

Más de mil diseños en total y hasta 180 solo de cine y TV para satisfacer a todos los tipos de fans: Doctor WhoEl Señor de los Anillos, Los Juegos del Hambre, Tarantino, Friends, The Big Bang Theory, Star Wars, Los Vengadores, Indiana Jones… y para los nostálgicos, El Equipo ATeen Wolf, V, Los Cazafantasmas, Regreso al Futuro, incluso cosas como Plan 9 del Espacio Exterior, de Ed Wood. Seguro que encontráis más de una idea para regalo, o para daros un capricho y elegir atuendo especial para el próximo Festival de Series. Yo ya le tengo echado el ojo a unas cuantas. A ver si adivináis cuáles.

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Índice de cancelaciones y renovaciones 2016

Como todos los años por estas fechas, las cadenas generalistas estadounidenses desvelan su parrilla para la próxima temporada, y esto conlleva hacer hueco para las series de nuevo cuño, y por tanto, despedirnos de varias series que estaban en la cuerda floja. Este año las cadenas que se han tomado más en serio su papel de verdugo en mayo son ABC y NBC.

La primera se ha cargado de un plumazo varias series muy, muy queridas por la audiencia que, sin embargo, tenían índices tan bajos que ni el amor de sus fans ha sido capaz de obrar el milagro. Aunque nos lo esperábamos, no deja de doler que la cadena haya cancelado Agent Carter, The Muppets Galavant. Por otro lado, ha sorprendido la cancelación de Nashville tras su cuarta temporada, mientras que Castle queda finalmente también cancelada después de la marcha (¿forzada?) de Stana Katic. Lo sentimos, Nathan Fillion, aunque la serie tuviera el nombre de tu personaje nombre por título, no tenía sentido continuar sin Beckett. Por último, el spin-off de Agents of S.H.I.E.L.D.Marvel’s Most Wanted también queda cancelado antes de empezar. ¿Regresarán ahora Bobbi y Lance con el equipo de Coulson?

En NBC (que ya ha tenido otros años negros) han cancelado prácticamente todas sus nuevas comedias. Está claro que desde que eliminaron su ‘Jueves de Comedia‘ (antaño con Friends Will & Grace, recientemente con 30 RockParks and Rec) el género no levanta cabeza en la network. Mientras, la saga Chicago aumenta con una nueva serie (la cuarta ya): Chicago Justice.

Por el lado bueno, CBS ha renovado Supergirl, aunque la serie de DC Comics se muda a The CW, donde quizá debería haber estado desde el principio. Ahora los crossovers con el resto de series DC serán seguramente más frecuentes. Y aunque en esta lista no incluya las nuevas series para la próxima temporada, la misma cadena nos ha dado una gran alegría después del polémico final de The Good Wife: Habrá spin-off sobre Diane Lockhart (Christine Baranski), en el que también participará Lucca (Cush Jumbo). Con esta gran noticia las cancelaciones duelen un poco menos.

Como la lista de series de network es larguísima, os dejo con un índice completo donde podréis consultar el destino de vuestras series favoritas. Están agrupadas por cadena y ordenadas alfabéticamente.

¿Qué serie cancelada echaréis más de menos?

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ABC

 

American Crime RENOVADA
black-ish RENOVADA
Blood & Oil CANCELADA
Castle CANCELADA
The Catch RENOVADA
Dr. Ken RENOVADA
The Family CANCELADA
Fresh Off the Boat RENOVADA
Galavant CANCELADA
The Goldbergs RENOVADA
Grey’s Anatomy RENOVADA
How to Get Away with Murder RENOVADA
Last Man Standing RENOVADA
Marvel’s Agent Carter CANCELADA
Marvel’s Agents of S.H.I.E.L.D. RENOVADA
The Middle RENOVADA
Mistresses RENOVADA
Modern Family RENOVADA
The Muppets CANCELADA
Nashville CANCELADA
Of Kings and Prophets CANCELADA
Quantico RENOVADA
Once Upon a Time RENOVADA
The Real O’Neals RENOVADA
Scandal RENOVADA
Secrets & Lies RENOVADA
Wicked City CANCELADA

 

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CBS

 

2 Broke Girls RENOVADA
Angel from Hell CANCELADA
The Big Bang Theory RENOVADA
Blue Bloods RENOVADA
Code Black RENOVADA
Criminal Minds RENOVADA
Criminal Minds: Beyond Borders RENOVADA
CSI: Cyber CANCELADA
Elementary RENOVADA
Extant CANCELADA
The Good Wife FINALIZADA
Hawaii Five-0 RENOVADA
Life in Pieces RENOVADA
Limitless CANCELADA
Madam Secretary RENOVADA
Mike & Molly FINALIZADA
Mom RENOVADA
NCIS RENOVADA
NCIS: Los Angeles RENOVADA
NCIS: New Orleans RENOVADA
The Odd Couple RENOVADA
Person of Interest FINALIZADA
Rush Hour CANCELADA
Scorpion RENOVADA
Supergirl RENOVADA (se muda a The CW)
Under the Dome CANCELADA
Zoo RENOVADA

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THE CW

 

The 100 RENOVADA
Arrow RENOVADA
Containment CANCELADA
Crazy Ex Girlfriend RENOVADA
The Flash RENOVADA
iZombie RENOVADA
Jane the Virgin RENOVADA
Legends of Tomorrow RENOVADA
The Originals RENOVADA
Reign RENOVADA
Supernatural RENOVADA
The Vampire Diaries RENOVADA

 

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FOX

 

Bob’s Burgers RENOVADA
Bones RENOVADA
Bordertown CANCELADA
Brooklyn Nine-Nine RENOVADA
Cooper Barrett’s Guide to Surviving Life CANCELADA
Empire RENOVADA
Family Guy RENOVADA
Gotham RENOVADA
Grandfathered CANCELADA
The Grinder CANCELADA
The Last Man on Earth RENOVADA
Lucifer RENOVADA
Minority Report CANCELADA
New Girl RENOVADA
Scream Queens RENOVADA
Second Chance CANCELADA
The Simpsons RENOVADA
Sleepy Hollow RENOVADA
Rosewood RENOVADA

 

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NBC

The Blacklist RENOVADA
Blindspot RENOVADA
The Carmichael Show
Chicago Fire RENOVADA
Chicago Med RENOVADA
Chicago PD RENOVADA
Crowded CANCELADA
Game of Silence CANCELADA
Grimm RENOVADA
Heartbeat CANCELADA
Heroes Reborn CANCELADA
Law & Order: SVU RENOVADA
The Mysteries of Laura CANCELADA
The Night Shift RENOVADA
The Player CANCELADA
Shades of Blue RENOVADA
Superstore RENOVADA
Telenovela CANCELADA
Truth Be Told CANCELADA
Undateable CANCELADA
You, Me and the Apocalypse CANCELADA

Fuente: TvBytheNumbers

Kaguya y Marnie: Las dos últimas joyas del Estudio Ghibli

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Folklore, magia y adolescencia

Estamos acostumbrados a que las películas del Estudio Ghibli lleguen a España con mucho retraso. De hecho, cualquier película que provenga de Japón va a tardar mucho más tiempo del habitual en estrenarse en nuestro país, si es que lo llega a hacer. Con el caso de Kaguyahime no monogatari (2013) y Omoide no Mânî (2014), los (muchísimos) fans del mítico estudio de animación ya habíamos tirado la toalla y no esperábamos ver estas películas en el cine (como mucho las tendríamos en vídeo, pero eso tampoco parecía llegar nunca).

Claro que se trata respectivamente de la última película del maestro Isao Takahata (La tumba de las luciérnagas, Mis vecinos los Yamada) y el último film del estudio antes de su cese temporal en la producción de largometrajes, tras la retirada (¿definitiva?) de Hayao Miyazaki. Por eso, Ghibli se merecía una despedida oficial a la altura en nuestro país, una oportunidad para que los fans pudieran decir “hasta pronto” al estudio como Hayao manda. Por suerte, esto lo sabía Vertigo Films, que nos trae por fin a España las dos últimas joyas de Ghibli, El cuento de la princesa KaguyaEl recuerdo de Marnie, dos exponentes de lo mejor del estudio que dejan constancia de su maestría y versatilidad. Nunca es tarde si la dicha es buena.

Kaguya

El cuento de la princesa Kaguya

Mientras Hayao Miyazaki se llevaba la gloria y su cine atribuía a Ghibli las señas de identidad estilísticas y temáticas por las que sería reconocida en todo el mundo, su segundo de abordo, Isao Takahata, exploraba terrenos cinematográficos más alternativos y experimentales. Ninguna película de Takahata es similar a la anterior: La tumba de las luciérnagas (conmovedor drama bélico que asombra por su dureza), Recuerdos del ayer (film adulto sobre el paso del tiempo), Pompoko (alocada aventura protagonizada por tanuquis), Mis vecinos los Yamada (comedia costumbrista familiar por capítulos, en la tradición de Yasujiro Ozu). Siguiendo la senda de inconformismo y exploración que marcan estos trabajos, Takahata firma la que es probablemente su obra más bella y exuberanteEl cuento de la princesa de Kaguya.

Kaguya está basada en el popular relato japonés El cuento del cortador de bambú. En ella, una pareja de campesinos encuentra a una niña diminuta dentro de una planta de bambú y deciden adoptarla para darle una vida digna de una princesa, pero la chica anhela otro tipo de existencia menos encorsetada. Realizada en animación tradicional al estilo de las acuarelas japonesas (con impresionantes secuencias de acción abocetadas en las que se puede ver el trazo del lápiz cobrando vida), Kaguya es una absoluta preciosidad, una auténtica obra de arte de una belleza extraordinaria, aderezada con deliciosos e inesperados toques de humor. El folklore y la historia japonesa van de la mano de la magia en una película que incide en uno de los temas que han definido la trayectoria de Ghibli: el lugar de la mujer en la sociedad, y su lucha por salirse de los conformistas moldes que otros han dispuesto para ella. Kaguya es un personaje hermoso en todas sus facetas y su historia una gozada recomendable para todo amante de la animación tradicional y el cine nipón.

Valoración: ★★★★

Marnie

El recuerdo de Marnie

Además de las historias épicas de Miyazaki y los grandes dramas de autor de Takahata, Ghibli se ha especializado en historias íntimas que han sido calificadas de “menores”, sobre todo al ser comparadas con sus títulos más populares. Nicky, la aprendiz de bruja, Susurros del corazón o Arrietty y el mundo de los diminutos entrarían en esta categoría. Pero si nos detenemos a analizar los temas que tratan, así como su manera en la que lo hacen (sin moralina, condescendencia o adoctrinamiento), nos daremos cuenta de que no tienen nada de “menor”. El recuerdo de Marnie, segundo film de Hiromasa Yonebayashi (director de Arrietty) se suma a la lista con otro inspirador relato protagonizado por una adolescente que está descubriendo el mundo y a los demás. Y como las cintas mencionadas, Marnie también es otra película del estudio Ghibli que no solo no subestima al niño o al adolescente (dentro y fuera del relato), sino que lo trata con cariño y deferencia.

Basada en la novela Cuando Marnie estuvo allí de Joan G. Robinson, El recuerdo de Marnie es un tierno y encantador cuento de amistad y amor (pre)adolescente que aúna lo mejor del estudio: su sensibilidad para componer personajes femeninos, el preciosismo más arrebatador y esa fusión de magia y naturalismo que tan buenos resultados le ha dado siempre. Aunque Marnie corre el riesgo de ahogarse en el almíbar de su historia, Yonebayashi logra que en ningún momento su cursilería sea un obstáculo, sino más bien lo contrario. Su naturaleza amable, romántica y bienintencionada, así como la sinceridad e ingenuidad con la que se cuenta la historia de Anna y Marnie, es lo que hace de ella una película tan destacable. Marnie es preciosa en todos los sentidos, un emotivo y melancólico retrato sobre esa edad de incertidumbre y descubrimiento que tan bien ha sabido “dibujar” el estudio, y un broche de oro a los 30 años de Ghibli.

Valoración: ★★★★

Las 30 mejores películas de 2015 (según fuertecito)

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30. Magic Mike XXL, Gregory Jacobs

29. Kingsman: Servicio Secreto, Matthew Vaughn

28. Pride, Matthew Warchus

27. Lost River, Ryan Gosling

26. El viaje de Arlo, Peter Sohn

25. La visita, M. Night Shyamalan

24. 45 años, Andrew Haigh

23. Macbeth, Justin Kurzel

22. Nightcrawler, Dan Gilroy

21. Una chica vuelve a casa sola de noche, Ana Lily Amirpour

20. Langosta, Yorgos Lanthimos

19. Cenicienta, Kenneth Branagh

18. Ex Machina, Alex Garland

17. Sicario, Denis Villeneuve

16. Citizenfour, Laura Poitras

15. La casa del tejado rojo, Yôji Yamada

14. Mistress America, Noah Baumbach

13. Birdman, Alejandro González Iñárritu

12. Whiplash, Damien Chazelle

11. Maps to the Stars, David Cronenberg

 

THE MARTIAN

10. Marte, Ridley Scott

Marte aúna la frialdad técnica de Gravity y el sentimentalismo de Interstellar, pero mantiene a raya ambos aspectos para encontrar un buen equilibrio entre el rigor científico y el dramatismo. Es decir, apela a las emociones, pero no nos zarandea para conmover a la fuerza ni nos empalaga. La acción es sobresaliente, las charlas técnicas y políticas no se hacen pesadas (en ellas hay bastante sátira y algo de pitorreo), y el componente humano del relato está muy trabajado. En definitiva, Marte es una de las óperas espaciales más cautivadoras de los últimos años, una historia épica de superación, de compañerismo (y una pizca de colonialismo yanqui, claro) que nos devuelve a Ridley Scott en plena forma en el género donde más ha destacado. Esta es una de esas películas que se deben ver en una pantalla de cine (IMAX, 3D, todo lo que haga falta para amplificar la experiencia), o en su defecto, en una de esas súper televisiones que nos permitan sumergirnos en ella. La relativa proximidad en el tiempo de la historia (para 2035 no queda tanto) nos hace pensar que algún día seremos testigos del primer paso del hombre en Marte. Mientras no lo veamos en las noticias, dejemos que el cine nos haga soñar con que algún día lo haremos. [Leer crítica completa]

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9. Ant-Man, Peyton Reed

A veces menos es más. Y esto es justo lo que viene a demostrar Ant-Man. Su aire despreocupado y autoconsciencia dan lugar a un producto fresco y encantador, que se regocija en los placeres pequeños de Marvel y juega la carta de “entrega menor” para convencer de que se trata de una película mayor. Aunque el film sirva como enlace dentro del universo narrativo marveliano (atención a las dos escenas post-créditos, jugosos adelantos de la Fase 3 que no se van por la tangente), los abundantes easter-eggs, cameos y conexiones no convierten la historia en esclava de la serialidad del UCM. Es más, estamos ante un film decididamente más independiente que se puede disfrutar por sí solo gracias entre otras cosas a su fusión de comedia, drama y acción con estilo propioAnt-Man cumple con lo que se espera de la Casa de las Ideas, pero a la vez es el Marvel más insolente y avispado (pun intended), una película que piensa en pequeño para obtener grandes resultados. [Leer crítica completa]

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8. It Follows, David Robert Mitchell

Además de una soberbia película de suspense, It Follows es una (evidente) metáfora del paso a la adultez, un relato impregnado de angustia (y afectación) adolescente sobre lo que supone dejar atrás la inocencia, que a ratos evoca los contemplativos universos suburbanos de Spike Jonze o Sofia Coppola. Su originalidad reside en haber reordenado unos componentes de sobra conocidos por el espectador (los códigos del cine de terror de los 70 y 80) para hacer algo diferente, algo tan esencialmente clásico como moderno; un trabajo que evidencia a un cineasta que entiende y admira los géneros que está abordando, y que además posee una visión muy particular sobre sus personajes adolescentes, actualizada a la par que universal y con inclinación a lo literario, lo que no hace sino enriquecer el texto. It Follows es cine en estado puro, pero también es un retrato generacional imprescindible. [Leer crítica completa]

FOXCATCHER

7. Foxcatcher, Bennett Miller

Con Foxcacther, Bennett Miller (Truman CapoteMoneyball) realiza un potente retrato de la América más patética, un fresco empapado de tristeza sobre la idiotez más profunda, lleno de personajes que, lejos de poseer cualidades redentoras o psicologías verdaderamente complejas, son o bien rematadamente tontos, o directamente trastornados. Pero Miller no está especialmente interesado en mostrar a sus personajes como típicos antihéroes cinematográficos. Incluso cuando estos se desnudan emocionalmente (véase la potente escena en la que Tatum rompe el espejo con la cabeza), no dejan de ser en ningún momento seres extremadamente idiotas y pusilánimes, lo que quizás resulte en una película difícil de digerir. Sin embargo, Foxcatcher es un film apasionante en su empeño por destapar las miserias de estas personas aburridas e insignificantes, un trabajo de dirección preciso e impecable que recoge con maestría el espíritu oscuro y decadente del relato. [Leer crítica completa]

Star Wars: The Force Awakens

6. Star Wars: El despertar de la Fuerza, J.J. Abrams

El Despertar de la Fuerza cumple holgadamente las (desorbitadas) expectativas, llevando a cabo una perfecta síntesis de lo clásico y lo nuevo con la que se consigue algo singular: rejuvenecer y modernizar la saga apoyándose fuertemente en la trilogía original. Se trata de una película hecha con tanto mimo por su mitología como buen ojo mercantil, una superproducción ante todo divertida, en la que la comedia destaca tanto como la acción, y la historia y los personajes no son fagocitados por la pirotecnia. En definitiva, Abrams ha orquestado con éxito la película-evento que esperábamos ver, haciendo así que Star Wars recupere la vida que perdió hace quince años y dejándonos con ganas de más. “Chewie, estamos en casa”. Ahora sí. [Leer crítica completa]

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5. Lo que hacemos en las sombras, Jemaine Clement, Taika Waititi

Este falso documental sobre cuatro vampiros que comparten “piso” (en realidad es una mansión, pero ellos se consideran flatmates), que a priori suena demasiado a la serie Being Human, es una de las comedias más descacharrantes y geniales que hemos visto en los últimos años. Lo que hacemos en las sombras no da tregua (nunca había oído tantas risas no-irónicas en una sesión de festival fantástico, donde la vi por primera vez). Repleta de situaciones absurdas y muy familiares derivadas de la convivencia diaria de los vampiros, con una extraordinaria inventiva visual que saca provecho de todas las posibilidades que brindan las “leyes” de los vampiros (brillantes los enfrentamientos, vuelos, transformaciones), y un inteligente repaso por los clichés del género, Lo que hacemos las sombras logra lo imposible: aproximarse al agotadísimo género vampírico y darle la vuelta por completo para hacer una de las comedias de terror más originales del cine reciente. Imprescindible para los fans de Flight of the Conchords, y recomendadísima para todos los demás.

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4. Yo, él y Raquel, Alfonso Gómez-Rejón

El desenlace de Me and Earl and the Dying Girl contiene la que es sin duda una de las escenas más intensas, conmovedoras y desarmantes que vamos a ver en mucho tiempo (cuando veáis/si habéis visto la película, sabréis a cuál me refiero). Una catarsis aplastante (acentuada por la increíble banda sonora de Brian Eno y Nico Muhly) que da pie a un precioso y revelador epílogo con el que el film sella su destino: Me and Earl and the Dying Girl es una obra de ficción a la que querremos regresar de vez en cuando para abarcar su significado al completo, que necesitaremos recomendar, poner a nuestro “compañero de curro” y verla por primera vez a través de sus ojos. Greg quiere compartir su experiencia con todos nosotros, y (yo ya he asumido que) es nuestro deber hacerla llegar al mayor número de personas posible. No cabe duda, esta historia “se seguirá desplegando ante nosotros siempre que le prestemos atención”. Por favor, prestadle atención. [Leer crítica completa

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3. Victoria, Sebastian Schipper

Por si todavía hay algún despistado que no se haya enterado, Sebastian Schipper ha tenido el arrojo de realizar esta película en una sola toma, sin ningún tipo de corte oculto, artimaña en la que sí incurrieron Alfred Hitchcock en La soga o, más recientemente, Alejandro González-Iñárritu en Birdman. La toma única de Victoria es real, increíble y, por qué no decirlo, acojonante. Schipper consigue la sensación más emocionante y agobiante de la temporada gracias a esa continuidad en el plano, así como a una inteligente utilización del tono de los diálogos y los idiomas (el uso del alemán como lenguaje en clave ante la extranjera española). Pero esto no es todo, además de dejarnos sin aliento por la hazaña técnica que lleva a cabo, Victoria es una de las historias de amor más bonitas y especiales del año, además de una excelente reflexión sobre la soledad del inmigrante joven en Europa […] Por último, Laia Costa soporta el peso del film, y su interpretación solo puede ser catalogada como ejemplar. Victoria. Una mujer. Una ciudad. Una noche. Una toma. Una pasada. [Leer crítica completa]

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2. Del Revés (Inside Out), Pete Docter

Inside Out es una de las cintas de animación más redondas de los últimos años, un trabajo perfectamente calibrado en todos los aspectos: las magníficas voces del reparto (Amy Poehler traslada su luminosa personalidad, y por extensión la de Leslie Knope, a Alegría, mientras que Mindy Kaling, Bill Hader y Phyllis Smith hacen lo propio con sus respectivos personajes); la deliciosa animación, que aparca el fotorrealismo para recuperar el estilo cartoon de Walt Disney, Tex Avery o Chuck Jones; o la extraordinaria banda sonora de Michael Giacchino, con un precioso tema central que permanecerá para siempre en la memoria del cinéfilo. Inside Out es una experiencia sensorial desbordante, una historia apasionante y divertida, no obstante enraizada en la verdad estructural y científica, que nos devuelve la emoción de las historias originales y la importancia de las ideas en el cine de animación. En definitiva, otra inolvidable obra maestra de Pixar. [Leer crítica completa]

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1. Mad Max: Furia en la carretera, George Miller

WHAT A FUCKING LOVELY DAY.

 

Menciones especiales

Fuerza mayor (vista en 2016, entraría en el top 10), ’71Amy, El año más violentoBabadook, Beasts of No Nation, Black Mass, La canción del mar, El francotiradorCarlitos y Snoopy: La película de Peanuts, Corazones de acero (Fury), The Diary of a Teenage Girl, The GuestLos Juegos del Hambre: Sinsajo, Parte 2, Jurassic World, Leviatán, Love & Mercy, La oveja Shaun, Slow WestLa teoría del todo, Viaje a Sils Maria.

Nota: Esta lista contiene solo películas estrenadas comercialmente en España entre el 1 de enero y el 31 de diciembre de 2015.

Las 20 peores películas de 2015 (según fuertecito)

Fuertecito peor 2015

Como todos los años, doy comienzo a mi repaso por las mejores y peores películas de 2015. Y como es recomendable dejarse lo bueno para el final, la primera lista que os traigo es la de los veinte peores films del año según mi criterio personal e intransferible.

Este 2015 será recordado como el inicio de la “superhero fatigue”, a la que contribuyó bastante el truncado reboot de Los Cuatro Fantásticos, el año en el que varios directores consagrados (Crowe, Mann, Wenders) regresaban para hacer el ridículo, o en el que tuvimos no una, sino dos películas de ese virus llamado Adam Sandler.

Como veréis, en la lista hay de todo, y aunque las películas que ocupan los últimos puestos poseen algún que otro elemento que las redime, todas caen en la categoría de desatino fílmico. Sin más dilatación, os dejo con el Top 10 del peor cine de 2015 (al final de la lista encontraréis unas cuantas menciones especiales).

20Todo saldrá bien (Wim Wenders)

19Blackhat (Michael Mann)

18Cincuenta sombras de Grey (Sam Taylor-Johnson)

17La entrevista (Evan Goldberg, Seth Rogen)

16El libro de la vida (Jorge R. Gutiérrez)

15Cómo acabar sin tu jefe 2 (Sean Anders)

14Aloha (Cameron Crowe)

13Dark Places – Lugares oscuros (Gilles Paquet-Brenner)

12The Ridiculous 6 (Frank Coraci)

11En tercera persona (Paul Haggis)

10San Andrés (Brad Peyton)

9Sweet Home (Rafa Martínez)

8Sin hijos (Ariel Winograd)

7Cómo sobrevivir a una despedida (Manuela Burló Moreno)

6V3nganza (Olivier Megaton)

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5. Ocho apellidos catalanes (Emilio Martínez Lázaro)

Es el cuento de siempre. Una película se convierte en éxito sorpresa y hay que sacar adelante una secuela en tiempo récord para aprovechar el tirón mientras dure. Ocho apellidos vascos fue uno de los mayores fenómenos mediáticos del pasado año en nuestro país, un taquillazo tremendo que permaneció meses y meses en cartelera, ganándose el título de película española más taquillera de la historia. La secuela estaba cantada, y no había tiempo que perder. Apenas un año después de la primera película llegaba a nuestras pantallas de cine Ocho apellidos catalanes, una segunda parte que, en lugar de aprender de los errores de la primera y aprovechar para pulir la fórmula, se limita a repetir la jugada, pero con más desgana y descuido. Una chapuza nacional que, más que un estreno cinematográfico, parece un episodio extendido de una serie de Tele 5 hecho en dos días y medio. [Leer crítica completa]

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4. Mortdecai (David Koepp)

Johnny Depp ya no es lo que era. O sí. De hecho es exactamente lo que era, porque lleva ya muchos años haciendo lo mismo. ¿Cuándo se dará cuenta de que el mundo ya no soporta sus mohínes? Qué hartazgo. Mortdecai es la gota que colma el vaso, una película que, a pesar de ser perfectamente consciente de su estupidez (y esto se agradece), no logra divertir como se propone, estrellando en el suelo todos sus chistes y gags. Y la culpa principalmente es de su protagonista, que elabora un pastiche de interpretaciones pasadas con las que sigue empeñado en boicotear su carrera.Este film es la prueba definitiva de que Depp, y también Gwyneth Paltrow, han perdido su “star power” (los Globos de Oro lo han ignorado a él este año por su sobresaliente trabajo en Black Mass, que se suponía que iba a redimirlo). Mortdecai es un cuadro. Nunca mejor dicho.

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3. Cuatro Fantásticos (Josh Trank)

Para distinguir entre la película que Trank quiso realizar y la que 20th Century Fox tenía en mente solo hay que fijarse en el pelo de Sue Storm. Tras ver el progreso de Trank, el estudio decidió que Cuatro Fantásticos necesitaba más acción, y mandó grabar nuevas escenas, meses después del supuesto fin de rodaje. Las partes añadidas se identifican fácilmente gracias a la horrenda peluca que lleva Kate Mara en ellas (la actriz se había dejado el pelo muy corto para su siguiente trabajo), un postizo rubio platino que cambia de forma y posición apareciendo y desapareciendo entre escenas (¡a veces incluso dentro de una misma secuencia!), distrayendo de la trama y haciendo que a la película se le vean siempre las costuras (literalmente). Pero este es solo uno de los parches incomprensiblemente mal colocados que acaban hundiendo el film, yéndose todo al traste definitivamente durante su media hora final (en la que Mara lleva la peluca casi todo el tiempo, por cierto), con un clímax apresurado, incoherente y sin correlación alguna con el resto de la historia. Un auténtico desastre. [Leer crítica completa]

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2. La pirámide (Grégory Levasseur)

La Pirámide transcurre a base de topicazos del género, pero este no su principal problema (¿qué película de estas características no lo hace?). Los personajes son insoportablemente irritantes (la periodista se lleva la palma) y su comportamiento pondrá de los nervios hasta al más sereno (esta es una de esas películas en las que uno no se lo pasa bien advirtiendo a los personajes y simplemente espera a que todos mueran cuanto antes), los absurdos diálogos son repetitivos hasta el paroxismo (el guión es una iteración continua del esquema “Arqueólogo escupe datos históricos sobre la pirámide” + “Compañero dice ‘gracias por la lección de historia, pero tenemos que encontrar una salida’”), y los efectos digitales son para echarse a llorar, dignos de 1992. Por todo esto, el terror es prácticamente inexistente (más allá de los sustos traicioneros de rigor) y la sensación de claustrofobia que parece prometernos la película al principio se desvanece por completo, para acabar sepultada en el ridículo total durante su lamentable recta final. [Leer crítica completa]

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1. Pixels (Chris Columbus)

Pixels es mala con saña y avaricia, no hay más. No hay excusa que valga. “Es que es fantasía y no hay que tomársela en serio”. “Es que es para los más pequeños”. “Es que no hay que buscarle lógica a una película así”. ¡Es que nada! El film dirigido por Chris Columbus (que no es garantía infalible de calidad, pero tiene su mano con el cine familiar) se vende como aventura nostálgica de los 80 dirigida a varias generaciones, pero la realidad es bien distinta: Esto es simple y llanamente una película de Adam Sandler, con todo lo que conlleva el infra-género sandleriano. Es más, es una película de Adam Sandler en horas bajas y desganado, que es ya el acabose. Repugnantemente machista y sin un ápice de gracia, un despropósito incoherente y perjudicial que tira a la basura una idea con mucho potencial. [Leer crítica completa]

Menciones especiales

*Mayor decepción de 2015: Puro vicio (Paul Thomas Anderson)

*Mejor Peor Película: El destino de Júpiter (Los Wachowski)

*Peor película salvada por una buena interpretación: Ma Ma (Julio Médem)

*Peor interpretación masculina (ex aequo): Eddie Redmayne (El destino de Júpiter) y James Franco (La entrevista)

*Peor interpretación femenina: Cameron Diaz (Annie)

*Premio “So Fetch” (Stop trying to make it/him/her happen): Jai Courtney. Que sí, que está muy bueno, pero tiene el talento y el carisma de un lápiz.

*Películas que casi entran en la lista: InsurgenteTed 2Vacaciones, La sombra del actor, Extinction, Felices 140, El niño 44

*Películas que no me parecieron tan malas como a la mayoría: Lost River, Eliminado, Magic Mike XXL, Ricki, En el corazón del mar, y, a pesar de estar en la lista, Cincuenta sombras de Grey (es mala, pero podría haber sido mucho peor; lo maticé aquí)

*Películas que no me parecieron tan buenas como a la mayoría: Alma salvaje, The Imitation Game

Katniss Everdeen y el feminismo distópico

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Texto escrito por Juan Naranjo

En alguna ocasión he provocado risas irónicas y ojos en blanco cuando, en discusiones sobre asuntos relacionados con el feminismo en los Mass Media de hoy en día, he citado a la saga de “Los Juegos del Hambre” como un referente más que positivo de buenas prácticas y de empoderamiento femenino, dentro de la literatura juvenil reciente y dentro del cine blockbuster.

En esos casos, los que me han tomado a chufla se creían que lo que me parecía feminista era una chica mona con una trenza de espiga que dispara flechas a los malos, y que está inmersa en un triángulo amoroso típicamente hollywodiense… Pero el motivo por el que he defendido esta idea (y la seguiré defendiendo) es porque LJDH es un producto en el que se presentan personajes y escenas de un elevado rango de diversidad, y de alta representatividad femenina, de forma natural y sin aspavientos, cuestionando los roles tradicionales de género y las cuotas de minorías en la pantalla. Y esta representación no sólo hace referencia a la heroína protagonista, sino a todo el mundo que le rodea y a todas las situaciones a las que se enfrenta.

Tenía esta percepción tan positiva desde que leí los libros… pero esta idea cristalizó del todo en mi mente gracias a una escena de la última entrega, “Sinsajo, Parte 2“, en la que la saga se da por finalizada. Estaba sentado en la sala, y me di cuenta de que estaba viendo una escena que, a pesar de que parece cotidiana y ordinaria, era revolucionaria. En esta escena, tres mujeres, todas presumiblemente mayores de cincuenta, y una de ellas de color (y no es que estemos sobrados de representaciones de ninguno de los dos grupos en el cine comercial actual), hacían de líderes políticos y militares de sus regiones, y mantenían una conversación en la que se discutía sobre la conveniencia o no de atacar militarmente un puesto estratégico fiel a un gobierno dictatorial, con el fin de derrocarlo.

Sobre la conversación de estas tres mujeres flotaban diversos dilemas morales (la legitimidad o no de la venganza a sangre fría cuando hay civiles de por medio; la vaga sospecha de que se está derrocando un gobierno dictatorial para imponer otro también por la fuerza), que nada tenían que ver con hijos, maridos o padres, sino con el destino de una nación, el camino de una revolución, y el bienestar de un pueblo y un ejército. Puede que desde los mejores tiempos de “Orange is the New Black” no viese una escena en la que tantas mujeres hablaban de asuntos que les importan a ellas, y no a los varones de su entorno.

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En esta conversación con tres líderes sociales y militares femeninos, se estudiaba la posibilidad de usar el carisma de una joven, “el rostro de la revolución”, para posibilitar una pronta rendición del enemigo, reduciendo así el número de bajas. Y todo ello estaba filmado por una artista, “la mejor directora del Capitolio“, que abandona su acomodada vida para adherirse a la revolución. Cinco mujeres dominan ese nudo crucial de la historia: las cinco son importantes por sus habilidades y su trabajo, no por quienes son sus esposos, sus amantes o sus padres. De ninguna de estas mujeres (sólo de la protagonista) sabemos ningún dato sobre su vida personal, amorosa o familiar. Ninguna de estas mujeres es una abnegada y perfecta cuidadora, sino que nos encontramos ante un grupo de imperfectos líderes, de valientes guerreras, de febriles libertarias.

Cabe recordar que, además, todo este mundo imaginado, toda esta iconografía reconocible a un primer vistazo, toda esta mitología que ya se ha instalado en el imaginario del espectador medio, está basado en la obra literaria de una mujer, millonaria y exitosa gracias a su trabajo y talento. Una mujer que volvió a poner de moda un género, y que nos ayudó a recordar que la literatura adolescente es digna y respetable, aunque no la haya escrito un varón y aunque no se publicase a mediados del siglo XX. Que a veces parece que las cosas sólo son respetables y dignas de tener en cuenta si han acumulado una vetusta capa de polvo. Parece que si algo lo ha escrito una chica que encima es joven, sólo puede ser valorado por otras chicas jóvenes; mientras que lo que construyen y crean los varones debe ser universal (aunque en su obra las mujeres sean simples arquetipos o, directamente, no aparezcan). Las mujeres de Panem son deslenguadas, crueles, líderes, salvadoras, imperfectas, egoístas, iracundas… y cuando son víctimas, lo son en la misma medida que los hombres. Panem es un territorio libre de paternalismo. Panem es un territorio en el que, en realidad, lo que se está derrocando es el patriarcado.

La visibilidad y la diversidad no vienen sólo dadas en esta saga por el tema feminista. Hay multitud de asuntos tratados con la normalidad que merecen y que me hace ver este conjunto de libros y películas como un referente valioso en una sociedad plural. Como he dicho, tenemos diversidad de edades (algo poco común en las distopías y en las recientes sagas llevadas al cine), pero también tenemos diversidad racial (la adorada Rue, negra a pesar de la polémica suscitada por esa elección de casting; Cinna; Boggs). E incluso hay una considerable visibilidad en lo relativo a la diversidad funcional: así, tenemos a Beetle (en silla de ruedas) o a Pollux (un avox sin lengua). En la saga incluso se trata el tema de la salud mental, ya no sólo en el famoso episodio de Peeta, sino también en el estado emocional de la madre de las protagonistas, inmersa en una depresión desde el principio de la saga. Incluso se trata el tema de los abusos, y no me refiero a los del Capitolio contra todo Panem, sino a los ejercidos por los padres de Peeta contra él mismo durante su infancia, o a como el dictador obliga a Finnick, probablemente el único personaje sexualizado de toda la saga, a ser alquilado sexualmente entre los mejores postores de la aristocracia capitolina. Creo que, al igual que en la otra gran saga adolescente, Harry Potter, es el colectivo LGTB el único excluido: uno puede imaginar algo de Cinna (¿o soy el único?) e incluso de Cressida o Caesar, al igual que lo hacíamos con Dumbledore pero, al menos hasta donde yo sé, tristemente ese tema no se toca en esta saga, invisibilizando a un colectivo y desperdiciando una oportunidad de que los lectores y espectadores adolescentes y LGTB tuvieran algún referente positivo en la cultura mainstream.

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Mucha gente no se toma en serio esta saga precisamente por ser una saga, y porque creen que esto trata de un triángulo amoroso entre una chica mona y dos chulitos. Mucha gente no se da cuenta de que estamos ante una de las historias más apasionantes y más grandes de los últimos años. La gente se ha quedado con la superficie, con el romance adolescente, y ha olvidado lo realmente importante en esta obra: la lucha por los derechos sociales, la revolución e, incluso, el tiranicidio. Qué fácil es ridiculizar y no tomarse en serio algo escrito por una mujer y protagonizado por otra. Para que la jugada hubiese sido perfecta, me hubiese gustado que las películas estuviesen dirigidas por alguna de las múltiples y talentosas directoras de cine que siguen yendo de estudio en estudio tratando de conseguir una oportunidad detrás de las cámaras en algo más que “películas para chicas”. Parece que en Hollywood tener vagina te imposibilita rodar cintas de acción, distopías y hasta cualquiera de las miles de pelis de superhéroes (masculinos) que nos asaltan cada semana en la cartelera.

La gente no toma en serio, por ser joven y guapa, a una realidad del cine como Jennifer Lawrence, a la que ya habían nominado a un Oscar a los 20 años, y que ya tiene más de una docena de películas en su haber. Parece que hay que perpetuar la idea machista de que belleza y juventud son sinónimos de idiotez y arribismo. Al mundo sólo le valen las chicas jóvenes y guapas si son objetos sexuales. Si son talentosas y profesionales (como lo son actriz y personaje) parece que es mejor no tomárselas en serio. Y es que Katniss Everdeen es, en toda la saga, cualquier cosa menos un objeto sexual: por supuesto que, en momentos muy puntuales, muestra sus deseos… pero en ningún momento se le sexualiza. Me apena especialmente que socialmente no se valore lo suficiente  a una actriz que tiene un sentido del humor maravilloso (y que es de ella misma de quien más se ríe), y que encima tiene la cabeza muy bien amueblada, y está luchando mucho por la visibilidad de la mujer, así como del colectivo LGTB, en Hollywood.

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La gente se cree que esto es Crepúsculo. La gente no sabe una puta mierda. Y no se dan cuenta de que, en realidad, Katniss está CERO interesada en uno y en otro, y que sólo está metida en un follón muy gordo por echar un cable a su hermana y, de camino, a todos los oprimidos. Ella lo único que quería era seguir cazando ciervos… todo lo demás es un marrón que se encuentra y del que ya no puede salir por cómo se precipitan los acontecimientos. En esta historia los tíos no son el sueño de la chica protagonista: son sólo dos moscones que, más que otra cosa, se interponen en sus planes. Dos moscones contrapuestos: el gran soldado americano que elimina cualquier posibilidad de que el conflicto territorial se resuelva pacíficamente; el perfecto yerno que es un lastre durante toda la saga y que, en un momento dado, casi ahoga a la protagonista con sus propias manos.

Así que, si tengo que ser sincero, me da igual que los críticos vapuleen estos libros o estas pelis. Me da igual que la gente lo considere una idiotez adolescente. Quien crucifica un género sin tener ni idea de él, y quien demoniza todo lo que se haya escrito o filmado después de los años setenta, así como quien da por sentado que todo lo enfocado para un público generalista es malo… tiene una opinión irrelevante en este asunto, y a mí no me interesa lo más mínimo.

A mí lo que me importa es que mis alumnas, apenas adolescentes, ya no quieren ser Ariel ni Brenda Walsh, quieren ser Hermione o Katniss, sabias y guerreras, y eso me hace confiar en las próximas generaciones y en el destino del mundo.

Hoy me he despedido de Katniss, pero estará para siempre en mi corazón.

Juan Naranjo es profesor de Geografía e Historia en Secundaria, e investigador de la Universidad de Málaga. Sus intereses e investigaciones incluyen una serie de temas muy diversos: feminismo, Guerra Civil, cine y literatura.

Cuatro nuevos dramas televisivos que merecen vuestra atención

No todo en este mundo va a ser Jessica Jones. Este artículo debería haberse titulado “Cinco nuevos dramas…”, pero he preferido dedicarle una entrada aparte al pelotazo de Marvel/Netflix (para la semana que viene, que me quedan unos pocos episodios). Como Jessica Jones ya la habéis visto, la estáis viendo o la conocéis pero no os interesa, hoy os cuento mis primeras impresiones sobre cuatro series dramáticas recientes de las que no se está hablando tanto y que merece la pena descubrir. Cuatro series con premisas muy interesantes, facturas excelentes y potencial para convertirse en dramas muy a tener en cuenta esta temporada. Pasen y lean.

London Spy

London Spy

Se trata de uno de los dramas británicos más destacados del año, una serie que no está haciendo demasiado ruido, pero está generando un fandom muy dedicado y apasionado. Y es que London Spy tiene los dos ingredientes principales para encantar al público fan: es de BBC y tiene un romance gay. Con lo que le gusta a la audiencia más shipper imaginar historias de amor entre sus personajes masculinos favoritos (Will y Hannibal, Sherlock y Watson, Steve y Bucky), aquí el trabajo se da ya hecho, con una de las relaciones entre dos hombres más interesantes y cautivadoras de la televisión actual.

London Spy cuenta la historia de Danny (Ben Whishaw), un muchacho hedonista con pasado atormentado que frecuenta la noche del exceso londinense, y Alex (Edward Holcroft), un joven superdotado y antisocial que trabaja en una banca de inversiones, dos hombres de vidas opuestas que se enamoran y viven una hermosa y ardiente aventura (que experimentamos con toda su pasión y erotismo en el primer episodio). Hasta que un día Alex desaparece sin dejar rastro. En su búsqueda por descubrir qué le ha ocurrido y por qué lo ha abandonado, Danny destapa un secreto que cuestionará todo lo que sabía de su pareja: Alex es en realidad un espía del Servicio de Inteligencia Secreta y su desaparición es solo una pieza de un gran puzle. Sin embargo, lo que Danny nunca cuestionará es el amor de Alex (por mucho que el servicio secreto se empeñe en desacreditarlo), el motor que hará que se adentre cada vez más en el peligroso mundo del espionaje para descrifrar la retorcida conspiración que hay tras la desaparición de Alex.

Con la factura impecable que se espera de un drama de BBC, London Spy es una historia oscura y absorbente en la que el espectador permanece en la sombra junto a su protagonista y vive el complejo enigma poniéndose en su piel. En este sentido, no hay suficientes elogios para Ben Whishaw, que transmite de forma magistral la vulnerabilidad y desorientación del personaje a medida que va destapando capas del misterio en el que se ve envuelto. Una interpretación sublime complementada por el excelente trabajo de Jim Broadbent como Scottie, un ex espía también gay que es el único amigo de Danny. London Spy es una de las series imprescindibles de 2015, una experiencia aturdidora, desconcertante, a ratos sórdida y deprimente, de la que es imposible salir aunque no sepas lo que está ocurriendo.

Duración: 5 episodios de aprox. 60 minutos.

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The Man in the High Castle

Amazon sigue aumentando su oferta de ficción original con el drama The Man in the High Castle, adaptación de la novela El hombre en el castillo (1962) de Philip K. Dick. La serie, producida por Ridley Scott y Frank Spotnitz (Expediente X) es sin duda la más ambiciosa de Amazon hasta la fecha. Forma parte de su programa de pilotos, y el suyo fue el más visto de la temporada pasada, por lo que dio lugar a una primera temporada de diez episodios que acaba de estrenarse en la plataforma. En ella se nos plantea una ucronía fascinante, una historia alternativa que nos sitúa en una década de los 60 en la que Alemania ha ganado la Segunda Guerra Mundial y Estados Unidos ha sido dividida en tres zonas: por un lado, el estado japonés de los Pacific States of America (que comprende el territorio al oeste de las Montañas Rocosas), por otro, el territorio nazi, que ocupa la mitad este del país, y una zona neutral que ejerce como parachoques entre las dos, llamada Rocky Mountain States.

Así, la serie plantea un what if de los gordos, una detallada realidad alternativa en la que Estados Unidos vive una constante opresión por parte de los alemanes (atención al personaje de Rufus Sewell), y las tensiones entre estos y los japoneses generan su propia Guerra Fría dentro del territorio norteamericano. Por su parte, los alemanes atraviesan su propio conflicto interno, ya que Hitler está enfermo y Himmler y Goebbels están empezando a planear sus estrategias para sucederlo en el poder. Este tenebroso nuevo orden mundial (en el que todos los martes se incinera a los inválidos y enfermos terminales de los hospitales para ir purgando la sociedad) se nos da a conocer a través de Julianna (Alexa Davalos), una joven que recoge el testigo de su hermana y se adentra en la zona neutral para llevar a cabo una misión de la resistencia cuyos detalles ni siquiera ella conoce. En Rocky Mountain States conoce a Joe (Luke Kleintank), que se ofrece a acompañarla en su aventura, mientras oculta un secreto: pertenece al partido nazi.

Sin duda una interesante premisa semi-sci-fi que engancha desde el primer capítulo, tanto por lo elaborado de su planteamiento (que puede que no sea más que un pretexto para hablarnos de la historia que sí ocurrió y de cómo funciona nuestra sociedad actual) como por su excelente factura estética y atmósfera opresiva.

Duración: 10 episodios de aprox. 60 minutos.

Into the Badlands

Into the Badlands

Que AMC lleva varios años necesitando otro éxito es algo que sabemos de sobra. Con Breaking BadMad Men finalizadas, la cadena ha intentado encontrar la próxima ficción que le ayude a conservar su prestigio, pero no lo ha conseguido (la excepción sería Better Call Saul, pero esa tenía medio trabajo hecho)Así que les queda confiar en que la audiencia responda a productos más afines a su pelotazo The Walking Dead, series fantásticas y comiqueras para la audiencia más joven y geek. Antes de que Preacher irrumpa en su programación, AMC acaba de estrenar Into the Badlands, drama de acción libremente basado en la popular novela china del siglo XVI Viaje al Oeste.

Into the Badlands propone una curiosa mezcla de géneros. Se podría definir como una serie de aventuras y artes marciales, pero también contiene elementos de noir, fantasía y drama dinástico. Todo envuelto en un paquete muy vistoso. Into the Badlands recuerda a muchas cosas: tiene algo de Sons of Anarchy, algo de Spartacus, una pizca de Juego de Tronos, y mucho de los modernos clásicos chinos de acción. Pero a la vez resulta única en su especie por la hibridación tan particular que hace de los géneros y el universo tan concreto y pormenorizado que levanta desde su piloto.

Un héroe atormentado (llamado Sunny, ojo), un aprendiz adolescente, un villano con complejo de Dios o una misteriosa guerrera perteneciente a la nobleza son algunas de las piezas del tablero; una sociedad feudal fortificada donde se somete a los más jóvenes a un duro entrenamiento para convertirse en asesinos para el barón. Este es el punto de partida de una historia que plantea mil y una ramificaciones y un amplio universo más allá del Fuerte. Desde el primer minuto, Into the Badlands empieza a dibujar una enrevesada mitología que crecerá exponencialmente conforme avanza la historia. Y aunque el trabajo de diseño (narrativo y de producción) es loable, lo más destacable de la serie son sin duda sus escenas de acción, impresionantes luchas de artes marciales con coreografías vertiginosas y violencia pasada de rosca con un punto de comedia y descaro (al estilo Miike). Eso es lo que hace que Into the Badlands sea una de las series más atractivas de este otoño. Esperamos que no se pierda demasiado en el mundo que está creando.

Duración: 6 episodios de aprox. 45 minutos.

Deutschland 83

Deutschland 83

Deutschland 83 no es tan reciente como las tres anteriores, pero está de actualidad en España porque su primera temporada se estrena esta semana en Yomvi. El caso de este thriller de espías es muy especial por varias razones. Ha sido la primera serie alemana en estrenarse en Estados Unidos (en el canal Sundance concretamente) y se proyectó en el pasado Festival de Berlín, que desde hace unos años lleva dedicando un hueco de su programación a la ficción televisiva. Con estas credenciales y habiendo recibido muy buenas críticas, Deutschland 83 aterriza en nuestro país dispuesta a demostrar que Alemania también está interesada en destacar como importadora de series de calidad.

La serie nos traslada a la Alemania de 1983 (lógicamente) y nos presenta a Martin (Jonas Nay), un joven de 24 años nativo de la Alemania del Este, que es reclutado por la Stasi (el Ministerio para la Seguridad del Estado) para infiltrarse como espía en la Alemania Occidental. Reticente al principio, Martin acepta la misión coaccionado por su propia tía (Maria Schrader), que trabaja para el ministerio, desde donde le promete que moverá los hilos para que su madre enferma suba en la lista de espera para transplantes de riñón. A partir de ahí, Martin se somete a un entrenamiento para convertirse en Moritz Stamm, nombre en clave Kolibri.

Al igual que The AmericansDeutschland83 nos traslada a una de las etapas más tensas de la Guerra Fría, en la que un nuevo conflicto mundial amenaza con estallar y las desavenencias entre las dos Alemanias divididas por el muro crecen a diario. Pero mientras que la ficción estadounidense opta por el drama puro y un tono más crudo, la alemana posee bastante humor y hace gala de un ritmo más juvenil y animado (estilo coming-of-age), gracias en parte a la importancia que la música de la época cobra en la serie, éxitos internacionales de David Bowie, New Order o Eurythmics y temas de la “Nueva Ola Alemana” (Neue Deutsche Welle) como el “99 Luftballons” de Nena, cuyo productor, Reinhold Heil, se encarga del score de la serie. Un juego de contrastes cuanto menos llamativo.

Duración: 8 episodios de aprox. 45 minutos.

Shia LaBeouf solo quiere caerte bien

Shia Allmymovies

Después de ver su filmografía completa (29 películas en orden cronológico inverso) durante 55 horas ininterrumpidas en su celebrado maratón #ALLMYMOVIESShia LaBeouf ha concedido la primera entrevista (con Newhive, que organizó el streaming, por supuesto) para hablar sobre la experiencia/performance que tantos buenos momentos, reflexiones y capturas/gifs de reacción nos ha dado estos días y que ha hecho en última instancia que mucha gente vea con otros ojos al actor.

¿Hemos asistido en directo a la redención pública de Shia LaBeouf? Os traduzco algunos de los fragmentos más interesantes de la entrevista (via Vulture) para que respondáis vosotros mismos.

Sobre la experiencia de ver la película de Even Stevens acompañado:

“La película de Even Stevens fue interesante, porque forma parte de la infancia de todos nosotros. De la mía y de la tuya. Yo no era el único que sonreía al verla. Si miráis las capturas del streaming veréis que todos están sonriendo, recordando a Beans. Cómo me acordaba de esa estúpida canción. Era como si estuviéramos mirando nuestro anuario juntos y todos estuviéramos en él. Me sentí en familia, fue como estar sentado con mi clase del instituto“.

Sobre cómo consiguió aguantar sus peores películas:

Creo que lo peor empezó después de Lawless. Ahí es cuando las películas empezaron a volverse una mierda. En serio. El público notó que yo estaba sintiendo que eran una mierda, y era como si todos estuviéramos compartiendo un secreto. Y no porque yo salga en las películas. Todos estamos en el mismo barco, yo también era un espectador y para mí también es duro aguantarlas. De hecho, decidí echarme una siesta porque me odié a mí mismo. No porque estuviera cansado, sino porque me estaba muriendo de vergüenza. A nadie le molestó que lo hiciera. Cuando me desperté una hora más tarde y vi Transformers 2 es cuando sentí que me hundía en mi butaca. No estaba haciendo una performance. Era yo atravesando una crisis. Y no era yo solo. Antes de dormirme miré al tipo que estaba a mi lado y también se estaba durmiendo. Puedes vernos sobando a los dos en las capturas. Y al que había detrás también.

Sobre lo que sintió cuando todo terminó y se marchó del cine:

Salí de allí queriéndome a mí mismo. Pero no de forma arrogante, no en plan “eres la puta hostia”, sino como parte de una comunidad. Sentí que formaba parte de algo humano, que yo era humano. Siempre me he sentido como un animal en un mundo de humanos teniendo que jugar al juego de los humanos y llevando una máscara de humano. Pero al salir de ahí sentí que por primera vez formaba parte de esto de verdad. Fue muy humanizador. Salí queriéndome a mí mismo. Y no creo que yo fuera el único que se sintió así.

Y para terminar:

Creo que la gente me odia, y lo único que quiero es caerles bien“.

Aquí podéis leer la extensa entrevista completa: http://blog.newhive.com/allmymovies-interview/

Pilotos 2015-16: Quantico

Quantico Run

Ya está. No busquéis más. Ya tenemos nueva adicción televisiva para el otoño-invierno, nuevo mejor guilty pleasure si lo preferís. Quantico, una serie que es tan TAN Shondaland que se os quedará el culo torcido cuando os enteréis de que no forma parte del #TGIT ni está creada por la todopoderosa Shonda Rhimes. Claro que la confusión es más que normal. Quantico es uno de esos dramas marca ABC con dosis elevadas de soap opera y comedia picarona, un tipo de serie que por supuesto Rhimes ha contribuido a definir (Mujeres desesperadas mediante). Lo tiene todo: gente guapa, reparto multiétnico, personajes con millones de secretos, transgresión, feminismo, y banda sonora a base de temas de radiofórmula pop con sensibilidad indie (no importa si se trata de una escena que nos muestra el mayor atentado en Estados Unidos desde el 11-S, un alegre temazo pop nunca está de más; esa ABC siempre intentando ser moderna a toda costa).

Quantico es por encima de todo una serie sexy y atractiva. Lo más importante es que sus bellos y jóvenes protagonistas, un grupo de novatos de la academia de formación del FBI en Quantico (Virginia), van vestidos siempre como Dexter Morgan (menos cuando van semi-desnudos o en ropa interior mormona). El uniforme de la academia es unisex, muy pertinentemente, y está pensado para acentuar bustos y perfilar musculaturas varias (el número de botones desabrochados te dirá quién es cada uno), invitando a ver la serie un poco con la entrepierna, que tampoco está de más. Y luego, ya de manera secundaria, tenemos su historia. Una que nos recuerda inevitablemente al inicio de Anatomía de Grey (hace ya más de una década) y que es demasiado loca y divertida como para resistirse. La premisa de Quantico es exactamente igual a la de Grey’sHTGAWM, un ecléctico grupo de estudiantes perfectamente maquillados luchan en un competitivo entorno académico para ser el primero de la clase. Y el resto de ingredientes son los que cabe esperar de una serie así: todos guardan algún secreto, los profesores y superiores tampoco son lo que parecen (más secretos), y las alianzas y enemistades no tardan en formarse. Solo que aquí tenemos un telón de fondo mucho más osado (para tratarse de una serie en abierto): el terrorismo islámico.

Como decía, el piloto de Quantico, titulado “Run“, comienza como el de Grey’s, con la protagonista (Priyanka Chopra, muñeca viviente) acostándose con un rollo de una noche (o de una mañana) para luego descubrir que este también es uno de los nuevos reclutas de la academia del FBI, con el que estará forzada a convivir (un detalle inteligente en este sentido es que ella diga delante de todos y desde el principio que se ha acostado con él, en lugar de ocultarlo o hacer de ello un drama meredithiano). Y continúa como el de HTGAWM, dividiendo la acción en dos tiempos que nos muestran por un lado el primer día de clase y por otro el atentado terrorista a la estación Grand Central de Nueva York seis meses más tarde, y el inicio de la investigación para descubrir cuál de los novatos está detrás de él. Porque Quantico también tiene ese regusto a reality, a juego en el que el espectador debe intentar averiguar quién seguirá en el FBI, quién se quedará fuera, y por supuesto, quién es el topo (la presencia de una de las protagonistas de UnREAL, Johanna Brady, potencia esta sensación). Y para que entremos en este juego desde el principio, el piloto nos desborda con una cantidad ingente de información y character background que se antoja excesiva para una primera hora (pilotitis total) pero que resulta indudablemente jugosa y sorprendente, además de servir para llevar a cabo una sólida caracterización de personajes tipo ya desde el comienzo.

Quantico Brian J Smith

Las primeras revelaciones (la del gay, Simon, o los dos rubios niños bien, Shelby y Caleb) no son nada comparadas con lo que nos espera en los últimos 10 minutos del episodio, un no parar de WTFs (se lleva la palma el rocambolesco giro que tiene que ver con la recluta musulmana, Nimah, con el que clamé mi primer “¿Pero qué invento es esto?”, pero la escena más impactante la protagoniza nuestro Brian J. Smith de Sense8). El clímax de “Run” nos deja con la sensación de que se han jugado demasiadas cartas en el primer capítulo, pero si lo pensamos, se han planteado tantos misterios y se han abierto tantas tramas de personajes, que esto tiene cuerda para rato. Y no esperamos otra cosa. Con su estreno, Quantico nos promete diversión culebronesca y giros argumentales para marear, y aunque caiga en el error de los productos que imita al tomarse demasiado en serio (con un tema como el que trata no puede permitirse otra cosa), se presta al visionado “ligero”, al igual que otras series pasadas de rosca como Empire o (salvando mucho las distancias) UnREAL. Lo dicho, ya tenemos nueva cita semanal obligada (mejor en grupo) con el novelón de la temporada. ¿Os apuntáis?

Por qué he visto el piloto: No pensaba hacerlo, pero visto el revuelo que ha causado en Twitter, me he visto obligado a verlo. Y me alegro de haberlo hecho.

Recuerda aAnatomía de Grey, How to Get Away With Murder y cualquier cosa que salga de la mente de Shonda Rhimes, fusionado con Homeland y 24, (su lado “serio” y “adulto” quiere que la veamos como un thriller tipo juego del gato y el ratón), Chicago Fire (por el reparto de jóvenes sacados de un catálogo de ropa interior), The Blacklist, varios reality showsUnREAL.

Nota del piloto: 6,5 (todavía no nos vamos a volver locos del todo, aunque podríamos).

VeredictoQuantico es un batiburrillo de ideas que hemos visto en muchas otras series, pero sabe cómo optimizar sus virtudes y no se anda con rodeos. Va directa a entretener, seduce con sus personajes (en más de un sentido) y busca reclutar adictos que estén dispuestos a entregarse a su irresistible propuesta. Conmigo lo ha conseguido.

Pilotos 2015-16: Heroes Reborn

Heroes Reborn

Texto escrito por David Lastra

Mi primera reacción ante la noticia del retorno de Heroes fue una mezcla de estupor y temblores que recorrió todo mi cuerpo… pero en ningún momento relacionada con alegría o felicidad alguna. Hace ya cinco años que enterramos la serie primigenia tras una aberrante y espantosa aventura circense sin pies ni cabeza. La cuarta temporada fue un descalabro máximo, lo cual no fue una sorpresa para nadie. Heroes nació siendo una golosina pop con estética cómic y más buenas intenciones que buenos guionistas. Tras un notable arranque, la serie se fue desplomando capítulo a capítulo, haciendo que hasta el más fan perdiese los papeles ante tanto personaje alargado (duplicado), tramas sin sentido y (aquí viene el mayor crimen) traicionando la naturaleza y el potencial de personajes icónicos como Sylar, Hiro Nakamura o la brutal comanda “Save the cheerleader, save the World“. Es normal que mi posición ante esta nueva entrega fuese cuanto menos negativa… pero aquí estoy, la curiosidad me puede y me siento en el deber de visionar cuanto menos los dos primeros episodios de Heroes Reborn. ¿Será esta una nueva serie para el apartado de hate-watching o un sorprendente reencuentro?

Dar al play de Brave New World me estomagaba más que una voz en off de Mohinder Suresh, pero había que ser valiente y sobreponerse a las adversidades, porque de todos es sabido que todo el mundo es un héroe (a su manera). Cinco minutos después, una premisa, que no muy original, sí muy propia de los orígenes de Heroes, hacía que me callase la bocota de hater: un misterioso atentado terrorista en Odessa vuelve a poner en jaque la paz entre humanos y mutantes, perdón, evos. Nos volvemos a encontrar con un viejo conocido, Noah Bennet. Acompañamos a él y a sus gafas a través de la investigación sobre los hechos de Odessa y lo que es más importante SPOILER quién mató a Claire cheerlader Bennet FIN DEL SPOILER.

De igual manera, conocemos los puntos de partida de los nuevos de la clase. Esta era la asignatura más difícil para su creador, Tim Kring, crear una nueva plantilla de héroes que nos hiciese olvidar a los antiguos, tanto a los añorados (los citados Sylar, Claire, Hiro) como por los pesados (Niki, Matt). Aún guiándose por estereotipos harto conocidos, los recién llegados aprueban con creces. Tenemos al adolescente que no encuentra su lugar y se ve abrumado por los cambios (a.k.a. adolescente a secas), el vengador latino enmascarado (y su relevo insospechado), la damisela en apuros, la pareja mala malísima, el gamer y la nerd, el(los) padre(s) coraje(s). Nada nuevo bajo el sol, pero bastante bien llevado todo… por el momento.

Zachary Levi Heroes

Tim Kring sabe de sobra lo mal que evolucionó su creación y lo descontentos que terminamos los fans con ella. Por esa razón, ha querido realizar un homenaje no solo a los inicios de la serie, sino a nosotros, los fans. El tributo no viene solamente de la mano de las apariciones de viejos conocidos (el haitiano, Noah) o el prometido retorno de Hiro o la señora Petrelli (a nadie le interesa el de Matt), sino del ambiente de la serie. Heroes Reborn recupera el toque fantasioso de la primera temporada de Heroes. Grácil, sin tomarse demasiado en serio. Un verdadero disfrute tanto para los fans como para los nuevos telespectadores. ¿Qué espero para los once episodios restantes? Un ritmo más acelerado sería más propicio para una serie de esta naturaleza, las reiteraciones y explicaciones en Heroes nunca vinieron bien. De igual manera, confío en que no se vuelva a desaprovechar un hito/amenaza, como fue el caso del eclipse en la anterior serie, que los personajes progresen por el buen camino (Tommy, Carlos, la pareja de villanos) y que la capacidad creadora de catchphrases e iconos mejore (Molly Parker no es una fiel heredera de la animadora y “Save your father, the sword is the key” palidece ante el “Save the cheerleader, save the World”).

La gran pregunta es si Heroes Reborn nos decepcionará tanto como Heroes. Por ahora, no seamos agoreros y esperemos al próximo jueves a ver cómo va yendo la cosa.

Por qué he visto el piloto: La curiosidad mató al gato.

Recuerda a: La primera temporada de Heroes y Sense8. No caigamos en la catetada de obviar que la serie de los Wachowski le debe mucho a Heroes.

Nota del piloto: 7.

Veredicto: Notable punto de partida y buena revitalización de la saga. Expectativas bastante altas para esta serie-evento.

Pilotos 2015-16: The Muppets

The Muppets ABC

Madonna tiene (o tenía) la fama, pero Los Muppets cardan la lana. Los populares personajes de Jim Henson son los verdaderos reyes de la reinvención. Llevan cuarenta años (sí, cuatro décadas) con nosotros, y han logrado sobrevivir a varias etapas del cine y la televisión, adaptándose a los tiempos y resurgiendo periódicamente. Sus regresos no siempre han cosechado los mejores frutos, pero se las han arreglado para volver al candelero una y otra vez, manteniéndose siempre fieles a sí mismos y por supuesto respetando la visión original de su creador. Después de un reboot cinematográfico de éxito (Los Muppets, 2011) y una secuela que demostraba que el efecto Muppet pega fuerte pero dura poco (El tour de los Muppets, 2014), los Teleñecos regresan al medio que los vio nacer, la televisión. Y lo hacen precisamente también como Madonna, apuntándose a una moda que acabó hace ya varios años, en este caso el mockumentary.

El comeback de los Muppets a la televisión es el resultado de un proceso ante todo orgánico. El hábitat natural de los Teleñecos es la tele, y que vuelvan a protagonizar su propia serie (después de un revival fracasado del Show de los Muppets en los 90) era el siguiente paso para garantizar su supervivencia en el nuevo siglo. Los Muppets eran meta antes de que cualquier serie lo fuera, tenían su propia versión del live-tweet ya en los 70 (los comentarios críticos de los vejestorios Waldorf y Statler), nos mostraron lo que ocurría entre bambalinas de un programa de variedades antes de que Tina Fey hiciera lo propio en una de las mejores telecomedias de la historia, 30 Rock, e hicieron del cameo un arte antes de que se convirtiera en un reclamo publicitario más. Por eso su nueva serie para ABCThe Muppets, les viene como anillo al dedo. Un falso documental estilo workplace comedy que nos invita a mirar tras las cámaras de un talk show presentado por la Srta. Peggy y producido por su ex, la rana Gustavo.

The Muppets room

La campaña publicitaria de la serie se puso en marcha este verano a toda máquina con el anuncio de la separación de Peggy y Gustavo, la clave más importante de esta nueva reencarnación de los Teleñecos. Lo que nos prometía ABC con esta serie era una mirada más adulta y moderna al universo de los Muppets, sus neuras, miedos e inseguridades tanto en el ámbito romántico como en el laboral. Y eso es justo lo que adelanta el piloto. Este nuevo enfoque no debería pillar por sorpresa a nadie, sin embargo, como era de esperar, las asociaciones familiares de Estados Unidos ya han puesto el grito en el cielo por su contenido picante y “pervertido”. A este respecto, hay que aclarar una cosa muy importante: Los Muppets nunca han sido personajes infantiles. Los habitantes de Barrio Sésamo o los Fraggle Rock sí, pero los Muppets no. Ellos siempre han estado ligados al prime time, al show de variedades y los cómicos del late night, de hecho, antes de estrenar su propio programa, formaron parte de Saturday Night Live durante su temporada 1975-76 (con una encarnación previa llamada The Land of Gorch). Sí, Los Muppets siempre han sido kid-friendly (también es verdad que la nostalgia se ha encargado de potenciar esta dimensión de los personajes), pero Henson los creó pensando en el público adulto. Así que aquí no se ha pervertido nada, al contrario.

A juzgar por el piloto, The Muppets ABC pretende ser una serie menos familiar y más orientada (aunque no de forma excluyente) al público que no ve a estos personajes como simples muñecos para niños. La intención es crear un programa rico en reflexividad que se sume a la tradición  de la meta-comedia laboral. Y ahí está el primer problema de la serie, que para darle una nueva vuelta de tuerca a los Muppets han tenido que echar mano de un género que, a pesar de pertenecerles por derecho propio, ya había dado sus últimos coletazos. Por tanto, las comparaciones con The OfficeParks and Recreation 30 Rock (que no era falso documental, pero se adscribe a la misma corriente de comedia de culto y es con la que más tiene en común) le hacen flaco favor. The Muppets arranca de forma irregular, pero recordad cómo fueron los primeros episodios de Parks and Rec 30 Rock. Ambas tardaron en encontrar su personalidad, y cuando lo hicieron se convirtieron en auténticas maravillas. El piloto de The Muppets es una carta de presentación desigual, en ocasiones desafinada, pero si el progreso de las series mencionadas sirve como ejemplo, podría llegar a ser una digna sucesora de las mejores workplace comedies.

MISS PIGGY, KERMIT THE FROG

Para conseguirlo le hace falta sobre todo pulir el humor. En el piloto se puede detectar un tira y afloja continuo entre el tipo de comedia más blanca que popularizó El show de los Muppets en los 70 y un humor más moderno y arrojado que en cierto modo reconfigura a los personajes para incluirlos en la nueva televisión del siglo XXI. Las payasadas, mini-gags y juegos de palabra bobalicones de Animal, Pepe the King Prawn o la rata Rizzo chocan con escenas como la de Fozzie conociendo a los padres de su nueva novia, Riki Lindhome (parodia de Adivina quién viene esta noche en la que el conflicto racial da paso a uno interespecie; zoofilia, vaya), las reuniones del equipo (donde a la serie se le ve más el Rockefeller), las bromas sexuales (la nueva cerda chupando la pajita mientras Gustavo da a entender que se han acostado) o las secuencias de carga dramática, como las conversaciones serias de Peggy y Gustavo al final del episodio, en la más pura tradición de los “momentos robados” por la cámara de The Office. Si The Muppets quiere encontrar su lugar en el firmamento de la comedia televisiva, debe primero hallar el punto medio entre ambas sensibilidades. Y mi sugerencia es menos slapstick y chistes malos, y más drama y atrevimiento, aunque esto suponga reducir un poco la esencia Muppet.

Por lo demás, la serie empieza con muy buen pie, presentando la historia con eficacia, con agudas observaciones sobre el mundo del espectáculo, moviendo a los Muppets con una fluidez y naturalidad que hace que se te olvide que son de fieltro (como siempre, pero incluso mejor), y dejando bien claro el rol de cada uno de los personajes principales (Gustavo es Liz Lemon, Peggy es Jenna Maroney/Tracy Jordan, Scooter es Kenneth Parcell o Pete Hornberger, todavía no está claro, y el águila Sam representa el poder del piso de arriba, a lo Jack Donaghy). Además, el primer cameo es de lujo, la omnipresente Elizabeth Banks (otro nexo de unión con 30 Rock). Se me hace la boca agua imaginando las posibles estrellas invitadas que nos esperan en  la serie. Compartiendo techo con Disney y Marvel no nos extrañaría ver desfilar por ella a Chris Pratt, los agentes de SHIELD o Kristen Bell, por nombrar unos pocos. Y espero que ningún contrato impida que Tina Fey, Amy Poehler o Jane Krakowski se pasen por “Up Late With Miss Piggy“. Daría lo que fuera por ver un reencuentro entre Gustavo y la directora de la prisión serbia Nadya (Fey) o una batalla de egos protagonizada por Peggy y Jenna Maroney. Sé que es cuestión de tiempo, justo lo que The Muppets necesita para alcanzar su máximo potencial.

Por qué he visto el piloto: ¿Me conocéis? ¡Son los Muppets! Una de mis mayores obsesiones desde pequeño. Yo tengo esto en mi habitación, ¿vale?

Animal y Fuertecito

Recuerda a: Ya lo hemos dicho todo. The Office, Parks and Rec y 30 Rock, de las cuales la última encuentra su origen precisamente en El show de los Muppets.

Nota del piloto: 7

Veredicto: Un piloto correcto que dispone las cartas de manera que se pueden ver bien sus ases. Aun no los ha usado, pero si todo sale bien, lo hará en los próximos episodios. Me quedo porque tiene todo lo que necesito para disfrutar de una comedia: corazón, contenido meta y marionetas.

Pilotos 2015-16: Scream Queens

Emma Roberts SC

Scream Queens (Fox)

Era uno de los estrenos más esperados de la temporada, una de las series que los analistas daban como éxito seguro. Sin embargo, Scream Queens se dio un batacazo considerable en las audiencias el día de su presentación. Puede que el estreno de doble duración tuviera que ver con el desinterés de la audiencia, puede que quizá esta serie sea más para el público de Internet (los datos de seguimiento en redes sociales fueron impresionantes), con lo que seguramente estemos ante un producto de la nueva era de la televisión norteamericana, en la que Nielsen ya no corta el bacalao. Pero bueno, vamos a lo más importante: ¿Qué tal estuvo el comienzo de Scream Queens? Pues mal, bastante mal. Un fail, para qué nos vamos a engañar.

No es que no supiera qué me iba a encontrar en ella. Más bien lo contrario. Resultó ser exactamente lo que imaginábamos que sería, del más grande al más nimio detalle, solo que nada llegaba a cuajar. El problema principal puede ser el agotamiento de la fórmula de Ryan Murphy (y Brad Falchuk), que creía estar inventando con esta serie “un nuevo género”, concretamente la comedia de terror (hay que ser arrogante), y lo que estaba haciendo era meter GleeAHS en una batidora a máxima potencia a ver qué salía, nada más. Scream Queens es la fórmula y estética de Ryan Murphy llevada al extremo, un pastiche meta y autoconsciente que se limita a repetir esquemas, ideas y motivos sin preocuparse de darles la forma adecuada (lo de siempre, vamos). Murphy no está inventando nada, lo que está haciendo es reafirmarse en el subgénero televisivo que él mismo ha creado. No es poco, pero para muchos ya no es suficiente.

Scream Queens cuenta con muchos aciertos y está salpicada (nunca mejor dicho) de escenas memorables y contundentes golpes de humor, pero de forma muy puntual: los asesinatos son divertidísimos, la escena de Ariana ‘Donut Licker’ Grande y Twitter es una locura maravillosa (Popular en estado puro), Deaf Taylor Swift es una genialidad, la agente de seguridad interpretada por Niecy Nash parece sacada directamente de Scary Movie, la ex-SNL Nasim Pedrad lo borda (la explicación de por qué viste como si estuviera en 1995 es antológica), el look bubble-gum y la BSO a base de sintetizador ochentero son una auténtica gozada, la carnaza es de calidad (Nick Jonas sabe cómo coger por los huevos a su público gay) y por supuesto, Jamie Lee Curtis está fantástica (haciendo de Sue Sylvester, por cierto). Pero aun así, por alguna razón, el conjunto no está a la altura de los aciertos individuales.

SQ

En teoría, la serie es lo suficientemente petarda y mamarracha como para funcionar, pero en la práctica falta chispa y gracia, y se antoja excesiva hasta para el canon de Murphy. Y la culpa la tiene sobre todo el tono de la serie. Comedia y parodia exageradísima que desorienta y carga sobremanera en su primer episodio (por cada momento cómico que funciona, cinco se estrellan) y cuyo calculado cinismo se acaba volviendo en su contra. Es un caso clásico de “trying too hard”, que en términos murphyanos es ya rozar el paroxismo. Por último, pero no por ello menos importante, cansa ver otra vez a Emma Roberts interpretando al mismo personaje antipático y viperino. La sobrina de Julia hace de zorra como nadie, parece llevarlo en la sangre, pero su Chanel Oberlin se queda lejísimos de otras Queen Bitch, como la gran Regina George, sobre todo porque no es capaz de encontrar el equilibrio entre hijaputez y cachondeo con el que sí daba Rachel McAdams. Al final, en vez de divertir, el personaje simplemente irrita y satura (cazadora de cartas). Vamos, como la serie en general.

Por qué vi el piloto: ¿Cómo no iba a verlo? Me gusta mucho American Horror Story (yo defiendo Coven, temporada de AHS con la que SQ tiene más en común) y esta serie era una de las imprescindibles del otoño seriéfilo.

Recuerda aAHS, GleePopular (es una fusión matemática de las tres, Ryan Murphy al cubo), Scream the Series (en el segundo capítulo, SQ se convierte directamente en la serie de MTV); y por supuesto, todos los slashers, teen movies y películas de hermandades de los que bebe (Heathers, Mean Girls, Jawbreaker, Clueless, Scream 2, Sorority Row…).

Nota del piloto: 5 (primera parte), 6 (segunda parte)

Veredicto: Comedia (muy) negra, descaro e incorrección política a raudales (el racismo y la homofobia de Chanel rozan lo temerario, ¡bien!), guiño constante al público LGBTQ y freak, narcisismo, hormonas desatadas y culto al cuerpo masculino (Glen Powell lo da todo), templo a la cultura pop (especialmente la de los 90), estética irresistible (la música me volvió loco)… Los ingredientes son de primera (Murphy 100%), pero el resultado final no da con la nota adecuada. Quizá influya que su reparto esté tan desequilibrado (Abigail Breslin está fatal y Lea Michele no termina de encajar) o que acabe convirtiéndose muy pronto en lo que parodia (un slasher convencional con protagonista blanca mojigata como punto de vista principal). Una decepción que, sin embargo, solo acaba de empezar. Scream Queens podría convertirse en la serie que esperábamos si es capaz de ajustar el tono (algo que por suerte ya empieza a ocurrir en el 2º capítulo, algo más centrado y fluido). Por eso me quedo, para ver si consigue ser algo más que una mina de gifs.

Pilotos 2015-16: Blindspot

Blindspot Jaimie Alexander

Como todos los años, en septiembre da comienzo la temporada alta de series, estallando por completo durante la segunda quincena, con un desorbitado número de pilotos que cada año cuesta más abarcar. Andy Samberg dijo más verdades que un santo en su número de apertura de los Emmys de este año. Too many shows, too little time!

Por eso, para superar la bulimia seriéfila, el año pasado ya inicié mi rehabilitación cuando decidí no ver todas las nuevas series del otoño (más vale tarde que nunca). No me arrepiento nada de aquella decisión, y este año pienso seguir por el mismo camino. Por eso no voy a cubrir todos los pilotos de la temporada 2015-16, solo aquellos que me llamen la atención, ya sea por su argumento, factura, buzz, creador o reparto. Con esto quiero decir que este especial de pilotos no será un recorrido completo por los estrenos de otoño ni una guía para serieadictos (dejo esa labor a otros blogs, que lo hacen mucho mejor y la mayoría tienen más redactores), sino una selección personal en la que dejaré mis impresiones sobre las series que empiece.

Habrá sobre todo series de network, las cadenas generalistas que renuevan sus parrillas en otoño y nos dejan el mayor aluvión de estrenos televisivos del año. Aunque también tendrán cabida los estrenos de cable, premium y plataformas online, claro. De hecho ya he inaugurado la temporada de pilotos en el blog hablando de The Bastard Executioner.

Bueno, al grano.

Blindspot - Season Pilot

Blindspot (NBC)

Solo fue necesaria una imagen para vender BlindspotJaimie Alexander (conocida por interpretar a Lady Sif en las películas de Thor), completamente desnuda y con el cuerpo cubierto de tatuajes saliendo de una maleta en medio de Times Square. La curiosidad por saber qué ocurría después y qué la llevó hasta ahí hizo que el estreno de Blindspot esta semana fuera un auténtico pelotazo en los índices de audiencia. Y no me extraña, la serie tiene una premisa muy atractiva (que no original) y su historia tiene todo lo necesario para enganchar a los espectadores: intriga y conspiraciones, acción, buena factura y una protagonista interesante (además de bellísima, hemos de añadir).

Sin embargo, la carta de presentación de Blindspot es de lo más formulaico que vamos a encontrar en la nueva remesa de estrenos. Es un piloto de manual que nos (sobre)explica la premisa de la serie (una mujer amnésica con el cuerpo lleno de tatuajes que son la clave para descifrar un plan malvado y con toda seguridad una conspiración mayor) y nos da un ejemplo de lo que vamos a poder encontrar en sus capítulos posteriores (y así hasta que se canse la audiencia). De hecho, al final del primer episodio se llega a pronunciar la frase “A alguien le gustan los juegos y esto es solo el principio“, toda una declaración de intenciones que hemos oído en muchos otros pilotos (The Blacklist por nombrar uno reciente). Uno de los tatuajes de esta Jane Doe sirve para resolver el primer caso y evitar una tragedia, y la protagonista “tiene el cuerpo lleno de ellos”, así que ya sabéis lo que podéis esperar de esta serie. Mucho “Caso de la semana” (o “Tatuaje de la semana”), investigación criminal (escenas de especialistas vomitando datos oportunos frente a un ordenador) y todo lo que suelen ofrecer los procedimentales de network, solo que con un arco central más atractivo y el gancho que supone descubrir la identidad y el pasado de la protagonista.

Por qué vi el piloto: Por Jaimie Alexander y la curiosidad que me daba la premisa (aumentada por la respuesta positiva de la audiencia).

Recuerda aPrison Break (por lo obvio), Dollhouse (porque Jane Doe es muy Echo y el misterio que la envuelve muy parecido, de entrada, al de la serie de Joss Whedon), el cine de David Fincher y en general las películas sobre asesinos y megalómanos que orquestan sus crímenes como juegos para el FBI.

Nota del piloto: 5,5

Veredicto: Lo siento pero yo me bajo ya. Jaimie Alexander es un buen reclamo y el piloto entretiene, pero no deja de ser la misma policíaca de network de siempre, con sus personajes tipo, sus tramas de investigación de usar y tirar y sus diálogos de stock. Uso mínimo de vuestra capacidad cerebral garantizado. Pereza.

8 series para soportar mejor agosto

Mr Robot

Mr. Robot

Este es uno de los estrenos de drama más destacados de esta temporada estival y tiene uno de los mejores pilotos que hemos visto en mucho tiempo. Mr. Robot es una serie revelación que cuenta con la ventaja de estrenarse durante una época del año en la que la competencia es menos feroz y la audiencia no suele esperar dramas serios con aire a “For Your Consideration” (además, se ha visto beneficiada por el boca-oreja gracias al estreno del piloto en Internet un mes antes que en televisión). Emitida en la cadena USA, Mr. Robot es un ciber-thriller que cuenta la historia de Elliot Anderson (Rami Malek), un informático de Nueva York que trabaja para una importante empresa y lleva una segunda vida como hacker justiciero. Elliot sufre de trastorno de ansiedad social, por lo que debe esforzarse especialmente en tratar de llevar una vida normal y cultivar relaciones y amistades para mantener en secreto su oscura identidad. Si os suena todo esto, es porque la serie bebe mucho de Dexter, con la que comparte tono y perfil del protagonista (la voz en off de Elliot se parece demasiado a la de Dexter, y al igual que el Dark Passenger, el hacker guarda trofeos de sus víctimas, en su caso en CD-R que marca con títulos de discos). Mr. Robot es un alegato anti-capitalista que, a través de los intensos monólogos de Elliot, lanza agresivas proclamas con las que pretende destapar los absurdos de la vida moderna, poner en tela de juicio la democracia y denunciar la manipulación de las grandes empresas sobre nuestro homogéneo estilo de vida. La serie, creada por Sam Esmail (que con ese apellido estaba destinado a crear algo así), es un drama de calidad con una historia no demasiado original, pero sí contada con mucho estilo e intensidad, que no pierde fuelle después del piloto. Mr. Robot es una gozada estéticamente (contiene planos magníficos que la elevan de categoría), hace pensar y engancha con un misterio que promete dar mucho de sí.

UNREAL

UnREAL

De UnREAL ya os he hablado largo y tendido en el blog (en esta entrada concretamente), así que no me extenderé demasiado. Si no la estáis viendo, poneos con ella cuanto antes. Este drama de Lifetime, creado por Marti Noxon (Buffy, Mad Men) y Sarah Gertrude Shapiro, es la mayor droga seriéfila de este verano. UnREAL nos muestra los entresijos de un reality show en la línea de The Bachelor (donde Shapiro trabajó durante varias temporadas), la manipulación a la que se someten las concursantes y el espectador, y los límites de la moralidad a los que sus productores están dispuestos a llegar con tal de conseguir los mejores índices de audiencia. UnREAL tiene un aire a culebrón de calidad, pero es mucho más que eso. Cuando menos te lo esperas, te deja caer escenas de sorprendente profundidad, o te golpea con el drama más impactante. Básicamente, cualquier cosa es posible en esta serie, y nunca sabes por dónde va a tirar (tanto es así que en los tres capítulos transcurridos desde mi entrada original sobre la serie han pasado tantas cosas que debería actualizarla para rectificar mi opinión sobre algunos protagonistas y relaciones). Sus personajes son mucho más que vehículos para el melodrama, están excelentemente dibujados y los actores hacen un trabajo sorprendentemente sólido (destacando a una soberbia Shiri Appleby, el corazón -de manzana- de la serie). Lo peor de UnREAL es que su primera temporada tiene solo 10 episodios, y a ver cómo aguantamos la espera de un año para la segunda. Supongo que lo mejor que podemos hacer es volver a verla en agosto. Los que no la hayáis empezado aún, ya tenéis tarea para las vacaciones.

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Another Period

Tras el éxito de Broad City, el año pasado IFC probó suerte con su propia comedia “de mujeres”, creada por el dúo musical cómico Garfunkel and Oates. La serie pasó sin pena ni gloria (con razón) y fue cancelada tras una sola temporada. A continuación, una de las dos mitades del dúo, Riki Lindhome, se asoció con una de las secundarias de Garfunkel and Oates, Natasha Leggero, para crear una nueva sitcom para Comedy Central. El resultado de esta colaboración es Another Period, una parodia pasada de rosca que fusiona Downton Abbey con Keeping Up with the Kardashians y lleva el sello CC en cada uno de sus planos. El argumento gira en torno a dos hermanas de la alta sociedad de Newport, Rhode Island, a comienzos del siglo XX, y recoge las vidas y enredos amorosos/sexuales de la familia y los sirvientes en la mansión de las Bellacourt. Estrafalaria, desvergonzada y con tendencia a la sordidez, Another Period es una sátira de época a ritmo de hip hop en la que todo puede ocurrir (incesto, Mark Twain saliendo del armario, un concurso de belleza con repollos, bebés y por primera vez en la historia ¡mujeres!) y la corrección política es un término del futuro siglo XXI. Os gustará si disfrutáis con el humor absurdo pero incisivo de Childrens Hospital y el estilo mockumentary llevado al extremo. Como curiosidad, Another Period es actualmente la serie favorita de Joss Whedon, tanto que se empeñó en presentar su panel en la reciente Comic-Con de San Diego. Si eso no es suficiente reclamo, la serie cuenta con Christina Hendricks (Joan de Mad Men) en el papel de la criada Chair y un desfile de rostros cómicos del que destaca la genial Paget Brewster, lo mejor de la última temporada de Community.

Humans Series 1 Episode 1

Humans

Co-producida por Channel 4 y AMC (dos cadenas que nos han dejado algunos de los mejores dramas de los últimos años), Humans es una serie de ciencia ficción sobre inteligencia artificial basada en el drama sueco Real Humans. Ambientada en un futuro próximo en la ciudad de Londres, Humans nos cuenta la historia de una familia de clase media que adquiere un robot de última generación para ayudar en casa. La androide, que recibe el nombre de Anita (Gemma Chan), es recibida de forma dispar por los habitantes de la casa, despertando compasión y (excesiva) curiosidad en el padre y el hijo, y desatando la inquietud y sospecha en las mujeres de la familia. La serie explora los lugares comunes habituales del género AI, la línea cada vez más difusa que separa al humano de la máquina, la mujer como objeto sexual de forma literal y la posibilidad de que algún día el hombre sea superado en inteligencia por su creación y los robots se salten las leyes de Asimov para conquistar el mundo. La primera temporada cuenta con 8 episodios, en los que se desenvuelve un misterio que involucra a un grupo de robots “tuneados” que han desarrollado inteligencia emocional, capacidad para soñar y voluntad propia, y emprenden una peligrosa búsqueda para dar con Anita. Humans es al cine de robots lo que In the Flesh fue al cine de zombies, una serie que se aproxima al género desde el drama humano y convierte a los robots en el ciudadano de segunda que lucha por sobrevivir en el mundo. Humans recuerda demasiado a A.I. Inteligencia Artificial (de hecho hay escenas calcadas de la película de Spielberg con todo el descaro), pero tiene alicientes de sobra para satisfacer a los fans del género.

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The Astronaut Wives Club

La huella que ha dejado Mad Men en televisión no solo se refleja en la pasión del espectador que la defiende a capa y espada, sino en el empeño incesante de las cadenas por emular la serie de Matthew Weiner. Ninguna otra ficción ha logrado acercarse a la calidad de Mad Men, pero todas siguen intentándolo año tras año (series como Pan Am o The Playboy Club vivieron poco para contarlo y Call the Midwife, Manhattan o la más moderna Halt and Catch Fire no consiguen repercutir en la audiencia). Sin embargo, eso no quiere decir necesariamente que todas estas series sean malas, sino que sufren por el agravio comparativo al que ellas mismas se han sometido. De hecho, yo vengo a reivindicar una serie que nadie está viendo: The Astronaut Wives Club, drama de ABC que fusiona Mad MenMujeres desesperadas para contarnos la vida de las siete grandes mujeres detrás de siete grandes hombres, los primeros astronautas estadounidenses en viajar al espacio. Astronaut Wives no es una serie de cable, y se nota, tanto en los pequeños detalles (las protagonistas sostienen cigarrillos en la mano pero no pueden llevárselos a la boca por normas de la cadena) como en la falta de sutilidad a la hora de hacer llegar su mensaje y caracterizar a sus personajes (en esta serie todo es muy obvio, muy diáfano, y las ideas sobre el sexismo o la injusticia social se presentan de forma alta y clara). Sin embargo, para ser una serie de ABC y haber sido relegada al verano, hay que reconocer que Astronaut Wives está por encima de la media, y no hace un mal trabajo teniendo en cuenta sus circunstancias y las condiciones de la cadena. Mi recomendación es darle dos o tres episodios para que la serie empiece a rascar de verdad en la superficie de su historia y nos muestre la cara oculta de estas siete mujeres, más interesantes y sorprendentes con cada capítulo que pasa.

scream

Scream

Dejémoslo claro desde el principio, Scream the Series es mala. Pero no camp de forma autoconsciente como lo era True Blood, mala de verdad. La serie basada en la película de Wes Craven toma todas las características que convirtieron a la película original en un clásico moderno a mediados de los 90, y las pasa por el filtro MTV. El resultado es otra Teen Wolf, un drama adolescente que se presenta como un producto desenfadado y autoparódico, pero que en el fondo se toma demasiado en serio. En Scream no faltan los adolescentes arquetipo carentes de profundidad psicológica, el melodrama facilón o la banda sonora compuesta de grupos clónicos que suena a todo volumen en los momentos menos adecuados, ahogando los diálogos (la música es molesta, pero quizá nos estén haciendo un favor). Pero si es tan mala, ¿qué hace en esta lista? Pues muy fácil: cumple las cotas de sangre que todo seriéfilo necesita durante la temporada estival. Scream sirve como pasatiempo tonto para ver mientras uno manda a sus neuronas de vacaciones, y aunque todavía no ha llegado a ese punto de “es tan mala que es buena”, podría convertirse en la serie ideal para hacer hate-watching en grupo (que es el hate-watching más recomendable si no queréis morir como viejos amargados o como el Comic Book Guy de Los Simpson). Por destacar algo verdaderamente positivo, Scream hace un buen trabajo llevando la autorreflexividad de la saga cinematográfica al entorno serial, convirtiendo las referencias al cine de la película en guiños a series, un ejercicio meta que agradará al espectador devorador de series.

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BoJack Horseman

Netflix también produce series de animación, aunque estas no gozan de la repercusión de sus ficciones de acción real. Sin embargo, uno de los mejores productos que ha lanzado la plataforma de cable en sus pocos años de aventura en la producción propia es precisamente una de dibujos, BoJack Horseman. A primera vista, BoJack Horseman podría parecer una serie en la línea de Padre de familiaKing of the Hill, pero en realidad es un tipo de animal completamente distinto. La serie nos habla de una ex-estrella de sitcom de los 90 que sufre depresión y lucha en el Hollywood actual por salir de la obsolescencia en la que lleva muchos años sumido, a la vez que trata de comprender el origen de su tristeza crónica. Y bueno, un pequeño detalle sin más, el protagonista es un caballo con cuerpo antropomórfico, y vive en un mundo en el que los animales y los humanos conviven en armonía (es un decir). BoJack Horseman no es una serie de animación común, es algo mucho más ambicioso desde el punto de vista narrativo, una verdadera dramedia introspectiva de acusada serialidad que lo mismo te deja caer un chiste absurdo (pero siempre inteligente) que te abre los ojos para que veas con claridad la naturaleza del comportamiento humano o hace que te replantees toda tu existencia con una frase de impactante carácter filosófico. Pero no penséis que BoJack Horseman es espesa o aburrida, todo lo contrario. Sus capítulos suelen ser muy divertidos, solo que debajo de su apariencia de “simple” comedia satírica reside una historia sorprendentemente triste y desarmante sobre la soledad y la búsqueda de la felicidad que la convierte en una de las mejores series del momento. Si queréis saber más sobre ella, leed este artículo.

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Inside Amy Schumer

Amy Schumer es la mujer del momento en Estados Unidos. Su primera película como protagonista y guionista, Trainwreck (dirigida por Judd Apatow), se acaba de estrenar con mucho éxito en Norteamérica, lo que confirma su enorme tirón. Al igual que Lena Dunham hace cuatro años, Schumer se ha ganado la popularidad gracias al humor autodestructivo y feminista del que hace gala en su serie, Inside Amy Schumer. Pero aunque tenga muchos detractores (que crecen a medida que gana fama y se expone al Tribunal de la Corrección Política en Internet), Schumer cae mejor que Dunham en general. Inside Amy Schumer no es exactamente una serie de ficción, sino un programa de variedades que incluye monólogos de comedia, skecthes, parodias y entrevistas a desconocidos en la calle o a personas peculiares en un bar. La calidad de los sketches oscila demasiado. Algunos son geniales pero otros resultan muy repetitivos o sin gracia, y llega un momento en el que los “punch lines” se ven venir a la legua (hay que decir que el nivel sube considerablemente durante la reciente tercera temporada), mientras que los momentos de “realidad” impredecible que tienen lugar en las calles de Nueva York suelen dejarnos a la mejor Amy Schumer, la más espontánea y ocurrente. Aunque no siempre acierte (ya ha tenido que disculparse por algún chiste sobre violación), Inside Amy Schumer nos deja un importante mensaje feminista, y además lo hace de forma rompedora, abrazando la vulgaridad sin complejos. Recomendada para los que quieran disfrutar de un humor burdo que no se esconde para dejar caer las verdades que otros dicen con la boca pequeña.

Otras series nuevas o recientes que recomiendo si aun no les habéis echado un vistazo: Halt and Catch Fire, The Strain, You’re the Worst, Outlander, Sense8, Penny Dreadful, Silicon Valley, Unbreakable Kimmy Schmidt, Aquarius, Grace and Frankie, Daredevil, Broad City, Empire

Índice de renovaciones y cancelaciones 2015

Como todos los años por estas fechas, las cadenas generalistas estadounidenses se preparan para los Upfronts, donde desvelarán su parrilla para la próxima temporada. Mayo para las networks (y para los seriadictos) es sinónimo de cambio, el mes en el que se dan a conocer las renovaciones y cancelaciones de nuestras series.

Como son tantas y a veces las cadenas coinciden lanzando a la vez sus comunicados, os dejo con un índice donde podréis consultar el destino de vuestras series favoritas. Incluyo las series de mid-season que ya fueron canceladas o renovadas hace meses, para que tengáis el índice completo de series 2014-15. Volved de vez en cuando porque lo iré actualizando a medida que se vayan dando los anuncios.

galavant renovada

ABC

 

American Crime RENOVADA
black-ish RENOVADA
Castle RENOVADA
Cristela CANCELADA
Forever CANCELADA
Fresh Off the Boat RENOVADA
Galavant RENOVADA
The Goldbergs RENOVADA
Grey’s Anatomy RENOVADA
How to Get Away with Murder RENOVADA
Last Man Standing RENOVADA
Manhattan Love Story CANCELADA
Marvel’s Agent Carter RENOVADA
Marvel’s Agents of S.H.I.E.L.D. RENOVADA
The Middle RENOVADA
Modern Family RENOVADA
Nashville RENOVADA
Once Upon a Time RENOVADA
Resurrection CANCELADA
Revenge CANCELADA
Scandal RENOVADA
Secrets & Lies RENOVADA
Selfie CANCELADA

 

The Good Wife

CBS

 

2 Broke Girls RENOVADA
Battle Creek CANCELADA
The Big Bang Theory RENOVADA
Blue Bloods RENOVADA
Criminal Minds RENOVADA
The Dovekeepers MINISERIE
CSI CANCELADA (terminará con un final de 2 horas en septiembre)
CSI: Cyber RENOVADA
Elementary RENOVADA
The Good Wife RENOVADA
Hawaii Five-0 RENOVADA
Madam Secretary RENOVADA
The McCarthys CANCELADA
The Mentalist FINALIZADA
Mike & Molly RENOVADA
The Millers CANCELADA
Mom RENOVADA
NCIS RENOVADA
NCIS: Los Angeles RENOVADA
NCIS: New Orleans RENOVADA
The Odd Couple RENOVADA
Person of Interest RENOVADA
Scorpion RENOVADA
Stalker CANCELADA

 

izombie renovada

THE CW

 

The 100 RENOVADA
Arrow RENOVADA
The Flash RENOVADA
Hart of Dixie CANCELADA
iZombie RENOVADA
Jane the Virgin RENOVADA
The Messengers CANCELADA
The Originals RENOVADA
Reign RENOVADA
Supernatural RENOVADA
The Vampire Diaries RENOVADA

 

Empire renovada

FOX

 

Backstrom CANCELADA
Bob’s Burgers RENOVADA
Bones RENOVADA
Brooklyn Nine-Nine RENOVADA
Empire RENOVADA
Family Guy RENOVADA
The Following CANCELADA
Glee FINALIZADA
Gotham RENOVADA
Gracepoint CANCELADA
The Last Man on Earth RENOVADA
The Mindy Project CANCELADA
Mulaney CANCELADA
New Girl RENOVADA
Red Band Society CANCELADA
The Simpsons RENOVADA (por 2 temporadas)
Sleepy Hollow RENOVADA
Weird Loners CANCELADA

 

blacklist renovada

NBC

A to Z CANCELADA
About a Boy CANCELADA
AD: The Bible Continues ??????
Allegiance CANCELADA
American Odyssey ??????
Bad Judge CANCELADA
The Blacklist RENOVADA
Chicago Fire RENOVADA
Chicago PD RENOVADA
Constantine CANCELADA
Grimm RENOVADA
Law & Order: SVU RENOVADA
Marry Me CANCELADA
The Mysteries of Laura RENOVADA
The Night Shift RENOVADA
One Big Happy CANCELADA
Parenthood FINALIZADA
Parks & Recreation FINALIZADA
The Slap MINISERIE
State of Affairs CANCELADA
Undateable RENOVADA

 

Fuente: TvBytheNumbers

Joss Whedon sobre Twitter, los trolls, el feminismo y su relación con los fans

natasha

Joss Whedon ha hablado sobre su marcha de Twitter, negando que haya dejado la red social por la presión de los “militantes feministas” a raíz de lo que ha hecho con el personaje de Natasha Romanoff en Vengadores: La era de Ultrón. Estas son sus declaraciones, realizadas para BuzzFeed​:

“Eso es una gilipollez. Creedme, los militantes feministas me llevan atacando desde que me creé la cuenta de Twitter. Estoy acostumbrado. Todos los grupos feministas están atacando a otros grupos, cada facción liberal siempre está ocupada atacando a otra facción liberal, porque Dios les libre de unirse y luchar juntos por la causa.

“He oído a muchas personas decir ‘¡Los guerreros de la justicia social han destruido a uno de los suyos’. Y mira, no. No es así. También he leído algún tuit diciendo que todo es porque Feminist Frequency ha cargado contra Vengadores 2, que por lo que yo sé, puede haber pasado. Pero literalmente la segunda persona que me preguntó si estaba bien después de irme de Twitter fue Anita Sarkeesian [fundadora de Feminist Frequency]”.

La razón de su marcha de la red social no es otra que el deseo de recuperar su vida personal y buscar de nuevo la chispa creativa:

“Simplemente pensé, ‘Espera, si voy a ponerme a escribir otra vez, tengo que marcharme a un lugar tranquilo’. Y Twitter es el lugar menos tranquilo en el que he estado en mi vida… Es como presentarte a las oposiciones en el festival de Coachella”.

Sobre las acusaciones de machismo dirigidas hacia su persona después de su tratamiento de la Viuda Negra en la secuela de Vengadores, Whedon tiene esta respuesta:

“Ya lo he dicho muchas veces, cuando te posicionas políticamente, te destruyes artísticamente. Porque de repente esa postura se convierte en el ‘litmus test‘ de todo lo que haces. En mi caso por ejemplo es el feminismo. Si no superas el litmus test del feminismo en un solo caso, entonces eres un misógino. Se vuelve en tu contra”.

El director también ha hablado sobre el tema de Jurassic World (os recuerdo que criticó un clip de la película por su “sexismo propio de los 70”):

“Llegó un punto en el debate sobre lo de Jurassic World que alguien me dijo ‘favorecer a las mujeres las margina’, y ahí es cuando dije ‘¡Vale! ¡Se acabó!’ La pescadilla se ha comido la cola. Es imposible hallar coherencia en este tema cuando todo se denuncia y se disecciona sintácticamente”.

Volviendo al tema de Twitter, Whedon asegura que los que culpan a los feministas de echarlo de Twitter no solo no tienen razón sino que no entienden la relación entre los trolls de Internet y los feministas en la red social:

“Que alguien como Anita Sarkeesian permanezca en Twitter y responda a los trolls es todo un alegato de la fuerza, el apoderamiento y la perseverancia, y eso es algo que hay que aplaudir. Que alguien como yo se líe a discutir con un montón de gente que querían que Clint y Natasha se liasen en Vengadores 2 no tanto. Para alguien como yo, entrar en el debate del feminismo es tener las de perder. Porque al fin y al cabo no soy más que un hombre blanco, heterosexual y rico. No es posible hacer cambiar de opinión a la gente con un tuit. Hay que hacerlo con acciones. La acción que supone que Anita esté ahí aguantando lo que aguanta para hacer llegar su mensaje, y como ella tantas otras mujeres, eso es lo importante”.

Whedon Ultron

El guionista de cómics Brian Michael Bendis advirtió a Whedon de que esto pasaría antes incluso de que Twitter existiera:

“Brian me dijo, ‘Vas a conocer a un nuevo tipo de persona’. Me dio el ejemplo de una carta que le habían mandado que decía ‘En el primer panel de la página 17 Daredevil dice una frase que nunca diría. Muérete. ¡Muérete! ¿Por qué no te mueres de una vez?!’ Yo no he tenido que aguantar mucho ese tipo de cosas, porque mis fans siempre han sido amables, inteligentes, interesantes y compasivos. Por ejemplo, no conozco a ningún troll de Buffy. Pero la corriente de insultos tipo ‘Eres lo peor’ en Twitter era continua, así que no creo que me haga falta volver a visitar Ereslopeorlandia“.

“Mucha gente ha dicho cosas crueles, pero muchas otras personas han dicho cosas maravillosas. ¿Cuánta validación necesito antes de volverme insoportable? Agradezco mucho que la gente se moleste en decirme cosas agradables. Pero llega un momento en el que te conviertes en una sanguijuela absorbe-cumplidos. Eso te ayuda tan poco como que la gente esté cargando contra ti”.

Para terminar, Whedon dice que ha sopesado todo lo bueno y lo malo que se lleva de Twitter, y ha llegado a la conclusión de que la red social no tiene la culpa:

“El verdadero problema soy yo. Twitter es adictivo, si lo tienes, tienes que estar mirándolo todo el rato. Cuando haces algo mucho tiempo y deja de ser placentero, es como cuando un adicto toca fondo. Tuve mi epifanía y pensé ‘¿Sabes qué? Quiero hacer cosas, necesito no estar mirando esto constantemente, buscando noticias, chistes o cumplidos y de repente ponerme triste porque me encuentro con odio, y odio, y más odio'”.

Al preguntarle si volvería algún día a Twitter, Joss respondió:

“Estoy seguro de que lo consideraré en algún momento. Es muy divertido. Me lo he pasado muy bien ahí. Creo que he encontrado en Twitter cosas que no puedes encontrar en otro sitio. Me perderé muchos chistes. ¡A lo mejor hasta tengo que ir a un bar a buscarlos! Eso ya sería una mejora en mi vida. Necesito salir, investigar, pasar página, ver cosas, oír música, vivir como una persona. Y eso no se me da del todo bien. Así que, aunque suene raro, porque siempre me he sentido atrás, como el señor mayor que no entiende de tecnología, ahora mismo creo que estaré mejor sin ella”.

Via Buzzfeed.