Rocketman: Bienvenidos al show de Taron Egerton

El biopic musical se ha convertido en uno de los géneros del moda gracias al impresionante éxito de Bohemian Rhapsody en 2018. La película sobre Queen despertó el interés del público (y el de Hollywood) por ver en el cine a las figuras más míticas de la industria musical y esto benefició enormemente a Rocketman, biopic sobre Elton John que llegó a los cines la pasada primavera, rodeado de expectación y justificada fanfarria.

La película, producida por el propio cantante, narra el fascinante viaje de un joven prodigio del piano llamado Reginald Dwight y su transformación en una de las mayores superestrellas internacionales del pop-rock. Taron Egerton (Kingsman) se pone en la piel (y el alma) del icono británico en una película realizada por Dexter Fletcher, que ya dirigió al joven actor en otro biopic, Eddie el Águila, y producida por Matthew Vaughn, con quien trabajó en Kingsman (todo queda en familia).

Rocketman recorre la vida de Elton John a través de sus canciones más conocidas en un espectáculo musical colorido, sexy, deliciosamente kitsch y muy gay que mezcla números teatrales con detalladas recreaciones de algunas de sus actuaciones más memorables. Alejándose del realismo de Bohemian RhapsodyRocketman se zambulle de cabeza en la fantasía (palabra que John eligió para describir la película), con secuencias musicales oníricas y números de Broadway que (aunque no siempre se vuelven todo lo grandes que deberían) reinterpretan el repertorio de Elton John de forma creativa y estrambótica. El resultado es un estallido glam de lentejuelas y purpurina que capta perfectamente el espíritu y la actitud del artista.

Uno de los mayores aciertos de Rocketman es su decisión de no blanquear en exceso la vida de su protagonista. John ha reconocido que la película es una interpretación libre y llena de licencias de su propia biografía, pero esto no quiere decir que se haya dejado fuera algunos de sus pasajes más oscuros, muy importantes en la construcción de su persona, como la complicada relación con sus padres, su mala gestión de la fama o sus problemas de adicción. La película (no recomendada para menores de 16 años) contiene lenguaje explícito y escenas de sexo (homosexual) y consumo de drogas que, si bien no llegan a escandalizar, ayudan a pintar un cuadro más honesto y atrevido de la vida del cantante, no solo de sus momentos más alegres, sino también de los más difíciles.

Rocketman cuenta con un estupendo reparto en el que destacan Bryce Dallas Howard como la odiosa madre de John, un excelente Jamie Bell como su inseparable letrista y amigo Bernie Taupin (su amistad es uno de los aspectos más conseguidos del film) y Richard Madden como su exmanager y expareja John Reid, el villano oficial de la función. Pero sin duda, la película tiene nombre propio, y ese es Taron Egerton, que se entrega por completo al personaje y a la leyenda. Además de cantar de maravilla, el actor evita la imitación burda con una interpretación enérgica, emotiva y muy humana con la que rinde sincero tributo al icono sin caer en la caricatura.

Aunque asume riesgos con los que otros no se atreven, Rocketman es en el fondo un biopic narrativamente tradicional. Uno muy eficaz, eso sí, divertido, emocionante y con buena factura (la puesta en escena y el vestuario sobresalen, por supuesto). Lo que hace que se eleve, que flote por encima de otras películas biográficas es la fuerza de canciones como I Want Love, Your SongCandle in the Wind, el sensacional trabajo de un actor que nació para cantarlas y la figura que homenajea: un chico de pueblo convertido en una de las estrellas más emblemáticas y extravagantes de la historia del pop.

Pedro J. García

Nota: ★★★★

Rocketman ya está a la venta en digital, 4K UHD, Blu-ray, DVD y edición limitada Blu-ray en caja metálica. Este es el contenido adicional de las ediciones que ha sacado Paramount Pictures en nuestro país:

DVD

-Va a ser una aventura salvaje: La visión creativa
-Música reimaginada: Las sesiones de estudio
-Versión Sing-Along: con temas seleccionados

BLU-RAY (incluye los extras del DVD y contenido exclusivo adicional):

-Sencuencias musicales extendidas
-Diez escenas eliminadas y extendidas
-Convirtiéndose en Elton John: La transformación de Taron
-Más extenso que la vida: Diseño de producción y vestuario

La edición 4K UHD + Blu-ray incluye un disco 4K UHD con la película en ultra alta definición y sonido Dolby Atmos en su pista en versión original, y el Blu-ray con todos sus extras.

La edición especial limitada en caja metálica incluye el Blu-ray con todos sus extras en un elegante steelbook para coleccionistas.

[Reseña Blu-ray] Men in Black: International trae la saga marciana al siglo XXI

Mientras Mulder y Scully ponían de moda a los extraterrestres en televisión, la obsesión de la sociedad por la vida en otros planetas llegó al cine, culminando en uno de los grandes éxitos del cine de los 90, Men in Black. La película dirigida por Barry Sonnenfeld y protagonizada por  Will Smith y Tommy Lee Jones fue un auténtico taquillazo con casi 600 millones recaudados en todo el mundo, lo que dio lugar a una de las franquicias más rentables de Sony, generando dos secuelas estrenadas con una década de diferencia (2002 y 2012), pero con el mismo éxito.

Siete años después de MIB3 (la más taquillera de la saga con 624 millones recaudados globalmente), Sony Pictures ha decidido pulsar el botón de reset con un spin-off que se desarrolla en el mismo universo, pero se centra en otros personajes, Men in Black: International. Sustituyendo a Smith y Jones, que no repiten en esta ocasión, se encuentran Chris Hemsworth y Tessa Thompson, dúo dinámico (y espacial) que ya había enamorado a los fans de Marvel con su química como Thor y Valquiria en el Universo Cinematográfico Marvel.

Dirigida por F. Gary Gray (Straight Outta ComptonFast & Furious 8), que releva a Sonnefeld después de que este se ocupase de las tres anteriores, Men in Black: International renueva la franquicia con la incorporación de la Agente M (Thompson), haciendo que por primera vez una mujer coprotagonice una de sus entregas. Este personaje es el punto de partida e hilo conductor de la historia. Tras años intentando confirmar su existencia después de experimentar un contacto alienígena cuando era niña, M consigue ser contratada por la organización secreta MIB. Su primera gran misión le lleva a emparejarse con el arrogante y solitario Agente H (Hemsworth), con el que descubrirá una amenaza a la que MIB no se habían enfrentado nunca: un topo dentro de la propia organización.

Lo mejor de esta nueva Men (and Women) in Black es que no se limita a la reproducción nostálgica, sino que opta por renovarse casi por completo. A pesar de los guiños a la trilogía original y la presencia de Emma Thompson como la Agente O, MIB International está concebida como un reinicio, una actualización orientada a las nuevas generaciones, es decir, al público más joven, lo que sirve para expandir su universo más allá de lo visto hasta ahora. Por eso la nueva historia no cuenta con demasiada continuidad con respecto a las películas de Smith y Jones, las cuales no es estrictamente necesario haber visto para seguir el hilo.

Aunque no es exactamente lo que los fans de la trilogía esperaban (para ellos es inevitable echar de menos a los Hombres de Negro originales), MIB: International es un pasatiempo ligero y sin pretensiones al que no debemos exigirle demasiado. Pese a contar con una historia formulaica y predecible, la película funciona gracias sobre todo a su actitud desenfadada, a la compenetración de sus dos protagonistas y, sobre todo, al trabajo de una enérgica y carismática Tessa Thompson, con diferencia lo mejor del film.

Salvo algún chiste anticuado, MIB: International cumple muy bien como reboot y lleva la saga al siglo XXI, con mayor diversidad y mejor representación femenina. Además, como cabe esperar de MIB, la acción es explosiva y los extraterrestres muy originales e imaginativos. Destaca la incorporación de Peoncín (voz de Kumail Nanjiani en inglés), extraterrestre de bolsillo que tiene pinta de la típica “mascota” pesada, pero acaba dejándonos las mejores frases y los momentos más graciosos.

En resumen, estamos ante una MIB nueva pensada principalmente sobre todo al público más joven, no para treintañeros nostálgicos, una aventura convencional pero eficaz y divertida para desconectar y pasarlo bien.

RESEÑA DEL BLU-RAY

Sony Pictures ya ha puesto a la venta Men in Black: International en digital y múltiples formatos físicos. La película ha salido al mercado en España en DVD, Blu-ray, 4K UHD y dos ediciones metálicas limitadas en Blu-ray con contenido adicional no disponible en las otras ediciones, además del pack con la saga completa.

La edición analizada en esta ocasión es el steelbook limitado con la portada de Peoncín, que reserva la imagen de Chris Hemsworth y Tessa Thompson para el interior del estuche (aquí podéis ver fotos). La simpática ilustración de portada se complementa en la contraportada con una imagen del globo terráqueo, tal y como aparece en el film. Por último, los coleccionistas que odien los steelboks sin título en el canto pueden estar tranquilos, porque este lo lleva.

En cuanto a los contenidos adicionales, el steelbook lleva el disco que también se incluye en la edición Blu-ray normal, además de un disco adicional con extras que solo se encuentran en esta edición.

Los extras en común son lo siguientes:

  • 10 escenas eliminadas con un total de duración de 11:35 minutos
  • Tomas falsas (2 minutos)
  • Alien-cestry.com y Neuralizador: como si no hubiera ocurrido (anuncios de la base de datos de alienígenas protagonizado por Frank el carlino)
  • Reclutas nuevos, trajes clásicos
  • ¡Hagámoslo! Las escenas de acción más peligrosas
  • Mire aquí: aparatos, armas y vehículos
  • Expandiendo el universo de MIB
  • Les twins
  • Los Hombres de Negro conocen a la NBA
  • Frank el carlino y el gallinero de Peoncín
  • En caso de que hayas sido neuralizado: repaso de MIB

El disco adicional incluye:

  • Chris y Tessa salvan el mundo: alrededor del mundo con MIB: International.

A destacar las tomas falsas, que aunque breves (2 minutos), nos dejan momentos muy divertidos e incluso uno muy sexy protagonizado por Rebecca Ferguson y Tessa Thompson. También varias featurettes sobre los nuevos protagonistas y cómo se hizo la película (trajes, escenas de acción, armas, vehículos…), un repaso nostálgico a la saga (presentado por Frank el carlino, para los que su aparición en la película les haya sabido a poco), un crossover con la NBA y por supuesto, escenas eliminadas, con más momentos Hemsworth-Thompson, un final alternativo y la pieza estrella: una escena extendida en la que el Agente H se neuraliza a sí mismo tras acostarse con una alienígena.

En general, la edición cuenta con contenido abundante y está cuidada al detalle para satisfacer a los fans de la saga, tanto a los de toda la vida como a los nuevos. Pero sobre todo se convierte en imprescindible para los seguidores de dos de los actores más queridos del panorama actual, Chris Hemsworth y Tessa Thompson, quienes, tanto por la película como por las imágenes tras las cámaras, está claro que se lo pasaron en grande con el proyecto.

‘Bumblebee’ insufla alma (nostálgica) a la saga Transformers

En 2007, Michael Bay convirtió el fenómeno Transformers en una de las sagas cinematográficas más taquilleras de la historia del cine. La primera adaptación live-action de la popular franquicia de juguetes y dibujos animados, protagonizada por Shia LaBeouf y Megan Fox, recaudó más de 700 millones de dólares en todo el mundo. Las siguientes entregas no hicieron más que mejorar esa cifra, dos de ellas (El lado oscuro de la luna y La era de la extinción) llegando a superar los mil millones de dólares globalmente. Sin embargo, mientras la saga escalaba en taquilla, cada película era peor valorada que la anterior, culminando en 2017 en el relativo fracaso de El último caballero con 605 millones, casi la mitad que la entrega precedente, La era de la extinción (1.104 millones).

La gente había perdido el interés en Transformers, así que había llegado el momento de renovar la franquicia de alguna manera. Las atronadoras orgías de efectos digitales y destrucción de tres horas habían pasado factura a la audiencia, y lo que la saga necesitaba era una simplificación y un cambio de aires. La respuesta: un spin-off precuela centrado en uno de los personajes favoritos de la audiencia, Bumblebee. De esta manera, Transformers podía empezar de nuevo sin tener que continuar la embarullada trama de la saga principal, que en El último caballero ya se había hundido en el absurdo y la incoherencia más insalvables.

Abandonando la línea temporal principal, Bumblebee se traslada hasta los 80 para narrarnos el origen del más famoso Autobot amarillo, y ya de paso resetear la saga contándonos cómo su especie llegó a la Tierra. En la dirección nos encontramos el primer cambio radicalMichael Bay cede la batuta a Travis Knight, avalado por su trabajo como animador y productor en el estudio LAIKA y director de la preciosa Kubo y las dos cuerdas mágicas. Una elección sorprendente, pero en línea con la voluntad de renovación creativa del estudio. A cargo del guion tenemos otra refrescante novedad. Después de cinco películas escritas y dirigidas exclusivamente por hombres, Christina Hodson se convirtió en la primera mujer guionista de Transformers. Su trabajo fue tan bien valorado que le llevó a fichar por DC para hacerse cargo de los guiones de Birds of PreyBatgirl.

Con Bumblebee, Knight y Hodson consiguen aportar a la saga lo que más le hacía falta: corazón. Ambientando la historia en los 80 y centrando su historia en la amistad entre una adolescente y un robot, la película se aleja de la acción descerebrada de las películas de Bay para acercarse más al cine familiar clásico de Steven Spielberg, quien sigue figurando como uno de los productores ejecutivos en la saga. La nostalgia ochentera (tan presente en la cultura audiovisual desde hace unos años) forma parte esencial de Bumblebee, una película con la que Travis emula con éxito el cine fantástico de aventuras de esa época. La diferencia es que en esta ocasión, el héroe de la historia es una heroína, Charlie (Hailee Steinfeld), una chica de 18 años apasionada de los coches que aun está lidiando con la muerte de su padre.

Y aquí es donde Bumblebee más se desmarca de sus predecesoras. La película no solo tiene protagonista femenina absoluta (en una saga tradicionalmente masculina), sino que además Charlie no está objetificada ni sexualizada para la mirada masculina en ningún momento (todo lo contrario a lo que Bay hizo con Megan Fox y Rosie Huntington-Whiteley). El tratamiento del personaje es verdaderamente ejemplar. Se trata de una adolescente independiente, imperfecta y con personalidad, alejada del estereotipo de la chica en apuros (es experta mecánica y no necesita que la salve ningún hombre), con un arco argumental centrado en la amistad y la autorrealización, aderezado con una simpática trama romántica secundaria (con un adorable Jorge Lendeborg Jr.) que nunca llega a definir al personaje. Detalles que hacen que salte a la vista que el guion está escrito por una mujer y Bay no está en la dirección, afortunadamente.

Como decía, el alma de la película es la bonita relación que se desarrolla entre Charlie y Bumblebee, una amistad que bebe directamente de clásicos como E.T. y (sobre todo) El gigante de hierro. Pero a Bumblebee tampoco le falta la acción por la que se caracteriza Transformers. Lo bueno es que en esta ocasión está mejor dosificada (y se ve mejor), dejando respirar a la película y al espectador entre persecuciones y set pieces. Si bien rebaja la escala de grandiosidad con respecto a la saga principal, los efectos digitales siguen siendo excelentes, tanto en lo que respecta a la animación de los Autobots y Decepticons como a la integración de las criaturas CGI con los humanos, clave para que la amistad entre Charlie y Bee resulte más creíble y emotiva (que un abrazo entre una humana y un amasijo de metal resulte tan cálido tiene mérito). Solo tropieza en la obligatoria trama gubernamental, que además de resultar rutinaria, no aprovecha la vis cómica de John Cena.

En definitiva, Bumblebee es lo mejor que le podía pasar a Transformers. Es simple, sí, pero también entrañable, imaginativa y divertida. Una de esas películas orientadas a los más jóvenes, que se gana con creces el derecho a caer en el tópico texto de contraportada: “Para disfrutar en familia una y otra vez”.

Pedro J. García

Bumblebee ya está disponible en España de la mano de Paramount Pictures en los siguientes formatos: DVD, Blu-ray, 4K UHD y dos ediciones especiales en caja metálica (una Blu-ray + DVD disponible en todos los puntos de venta y una 4K UHD + Blu-ray exclusiva de Amazon).

Las ediciones en alta definición incluyen más de una hora de contenido adicional, con escenas eliminadas y extendidas (incluida una escena inicial que no se vio en cines), un Motion Comic inédito que continúa las primeras aventuras terrestres de Bumblebee, y la función “Visión Bee”, que nos permite ver a la primera generación de Transformers en Cybertron con los ojos de Bumblebee.

Spider-Man: Un nuevo universo: Todos somos Spider-Man [Reseña Blu-ray]

Spider-Man es uno de los personajes de Marvel más queridos de todos los tiempos, así como el superhéroe más popular entre los más jóvenes. En sus más de cincuenta años de historia, la icónica creación de Stan Lee y Steve Dikto ha adoptado muchas formas en las páginas del cómic, y otras tantas en la pantalla. En su día, la novedad del personaje consistía en una naturaleza mucho más humana y cercana al lector. Mientras que la mayoría de superhéroes se caracterizaban por ser casi deidades invencibles e inalcanzables, Spider-Man era un chico normal y corriente de Nueva York que debía compaginar las responsabilidades como superhéroe con su vida cotidiana: la familia, el amor, los estudios… Eso es lo que, a día de hoy, hace que el personaje siga conectando con la audiencia, en especial con la más joven.

Recientemente hemos visto muchas versiones de Spider-Man en las historietas y en el cine. Tres actores diferentes se han puesto las mallas del Trepamuros en los últimos 15 años, Tobey Maguire, Andrew Garfield y el actual defensor del título, Tom Holland. Pero en 2018, la imagen de Spider-Man en el cine se volvía a renovar de forma refrescante y sorprendente con la cinta de animación Spider-Man: Un nuevo universo (Spider-Man: Into the Spider-Verse). Una reinvención que plantea un Spider-Man diferente pero con la esencia del personaje intacta, diseñado no para sustituir al Hombre Araña cinematográfico actual, sino para complementarlo, para encontrar nuevas maneras de deconstruir el personaje y su conocida historia de orígenes, y con ellas llegar a una audiencia más diversa.

En esta ocasión, el foco se desplaza de Peter Parker a Miles Morales, adolescente latino-afroamericano  de Brooklyn creado por Brian Michael Bendis y Sara Pichelli que irrumpió en Marvel Comics en 2011 para ponerse el nuevo traje de Spider-Man e inaugurar una etapa de la Casa de las Ideas caracterizada por una mayor diversidad e inclusión en sus colecciones. Inspirado por Barack Obama y Donald Glover, Miles fue un éxito entre los lectores y su figura ha sido una constante en la editorial durante los últimos años. Producida por Phil Lord y Christopher Miller (La LEGO película, 21 Jump Street) y dirigida por Bob Persichetti, Peter Ramsey y Rodney RothmanSpider-Man: Un nuevo universo supone el debut de Miles en la gran pantalla, y lo hace con una carta de presentación inmejorable, un espectáculo de animación innovador, diferente y de desbordante energía y creatividad.

Pero Miles Morales no llega solo. La puesta de largo del personaje viene arropada por viejos y nuevos conocidos del universo arácnido, entre ellos el propio Peter Parker, que se encarga de ceder el testigo generacional a su joven aprendiz. Spider-Man: Un nuevo universo va precisamente de eso, de la posibilidad de que cualquiera pueda llevar la máscara de Spider-Man. Y para hacer llegar este oportuno mensaje, tan inherente a la esencia del personaje, el film introduce la noción del Multiverso, o Spiderverso, y con él la existencia de un número indeterminado de dimensiones paralelas en las que diferentes personas (o cerdos) pueden ser Spider-Man, para a continuación reunir a estas identidades arácnidas en un mismo lugar, el Nueva York de Miles Morales.

Spider-Man: Un nuevo universo está realizada con un detallismo apabullante y un evidente cariño y respeto tanto por los cómics de Marvel como por sus fans, a los que regala numerosas sorpresas y guiños a la historia de la editorial y a la creación de Miles Morales. La película presenta un look sorprendente, incluso revolucionario, con una paleta de colores que salta de la pantalla, estilos muy diferentes que encajan sin problemas y una animación dinámica y original que mezcla 3D y 2D con los mejores resultados. Los directores sacan todo el partido del medio para componer escenas alucinantes que no funcionarían en acción real e incorporan el lenguaje de los cómics a la puesta en escena con agilidad e inventiva, realizando hallazgos narrativos y cómicos a lo largo de todo el metraje.

Visual y sonoramente, Un nuevo universo es una explosión para los sentidos, pero es mucho más que eso. También cuenta una historia bien construida (a pesar del exceso de información que descarga en el espectador), hace alarde de un sentido del humor inteligente y descarado, tiene mucho ritmo, y lo más importante, profundidad emocional y unos personajes excelentemente caracterizados por los que es imposible no sentir apego.

La película desprende personalidad a raudales, y esta solo se puede definir con una palabra: cool. Su estética graffitera, su fantástica banda sonora hip hop y el carisma juvenil de sus protagonistas hacen de ella una pieza cinematográfica totalmente moderna, en sintonía con las nuevas generaciones a las que retrata y se dirige. Pero precisamente otro de sus grandes aciertos es que no se cierra a un solo tipo de público, sino que encuentra la manera de satisfacerlos a todos: niños, adolescentes, adultos y fans de Marvel de todas las edades. Encontrar ese equilibrio es difícil y esta película no solo lo hace, sino que lo domina de principio a fin.

Por último, sin nacer con ese propósito, Spider-Man: Un nuevo universo supone la despedida perfecta a los creadores del Hombre Araña, Lee y Dikto, que nos dejaron en 2018. Tras su fallecimiento, el imprescindible cameo de Lee (el último que hizo en animación) adquiere una nueva dimensión, y la lección que nos regala durante esa breve pero trascendental escena es un broche redondo. Aunque suene a tópico y empiece a correr el riesgo de no significar nada para muchos, Spider-Man: Un nuevo universo revitaliza el cine de superhéroes con una película que no es solo divertidísima, ocurrente, emocionante y espectacular, sino que también es consciente de lo necesario que es llevar el género un paso (o un salto de fe) más allá para explorar todas sus posibilidades. Está claro que Miles Morales ha llegado para quedarse. Bienvenido.

Nota: ★★★★★

RESEÑA DEL BLU-RAY

“Quería que, al congelar la imagen, cada fotograba fuera una obra de arte.

Algo que pareciera hecho a mano”

Spider-Man: Un nuevo universo conquistó unánimemente a crítica y público, alzándose como la mejor película de animación del año pasado, y para muchos, la mejor película de Spider-Man de la historiaSpider-Verse se hizo con todos los premios importantes en la categoría de Mejor Película de Animación, desde el Globo de Oro hasta el BAFTA, pasando por el Annie y culminando con el preciado Oscar. La lluvia de galardones recompensaba el increíble trabajo del equipo detrás de la película, pero su mayor triunfo fue la acogida que recibió entre el público, convirtiéndose instantáneamente en una de las películas mejor valoradas de los últimos años.

Por eso, el lanzamiento doméstico de Un nuevo universo tenía que estar a la altura de su estatus como obra de culto. Y Sony Pictures lo sabía perfectamente. La película sale a la venta en cinco ediciones físicas con diseños de portada diferentes: DVD, Blu-ray, Blu-ray 3D + Blu-ray + Bonus Blu-ray, 4K UHD + Blu-ray + Bonus Blu-ray y una edición especial limitada en caja metálica que incluye Blu-ray, Bonus Blu-ray y un artbook exclusivo. Ni que decir tiene que la mejor opción para disfrutar de la revolucionaria animación de Un nuevo universo en casa es el 4K, pero si no se dispone de reproductor, el Blu-ray también ofrece una experiencia de imagen y sonido excepcional.

El detallismo de Un nuevo universo es tal, que para hacer la experiencia de la película lo más completa posible, es recomendable no solo repetir visionado, sino también explorar los documentales, entrevistas y featurettes que nos ayudarán a “pintar” un cuadro mucho más completo del laborioso trabajo detrás de la película. Sus creadores nos abren la puerta al estudio para mostrarnos el fascinante proceso creativo, desde los diseños hasta las diferentes técnicas de animación empleadas para cada personaje, los miles de huevos de pascua ocultos en el film o el casting de voces. Solo así descubriremos realmente la filigrana artística y el ejercicio de amor por los cómics y el personaje de Spider-Man que se llevó a cabo para hacer esta película realidad. A continuación os dejo con los contenidos de las ediciones físicas de Spider-Man: Un nuevo universo.

Edición DVD – Extras:

• Estreno de la mini película “Una trampa para Spider-Ham” – El héroe arácnido-porcino se ve arrastrado a otra dimensión a través de un misterioso portal.
• “Tributo a Stan Lee y Steve Ditko” – Celebra el gran legado y el irrepetible espíritu de los creadores de Spider-Man.
• “El reparto de Ultimate Comics” – Un repaso a todos los personajes y al fantástico reparto que ha puesto las voces en la versión original.
• “El superfan del Nuevo Universo: encuentra las referencias escondidas” – ¡Que comience el reto de easter eggs definitivo!
• Vídeos con la letra de las canciones: “Sunflower” de Post Malone y Swae Lee y “Familia” de Nicki Minaj y Anuel AA (Feat. Bantu).

• Comentario del director

Edición Blu-ray – Extras:

La edición Blu-ray incluye todos los extras del DVD en alta definición y los siguientes contenidos exclusivos:
• “Modo Universo Alternativo” – Al activar esta función interactiva, descubriremos escenas alternativas, elementos de la trama, detalles de los personajes y mucho más de la mano de los cineastas.
• “Somos Spider-Man” – Explora la extraordinaria diversidad de este Nuevo Universo: ¡cualquier persona, de cualquier género o procedencia, puede llevar la máscara!
• “Un Nuevo Universo: una nueva dimensión” – No es solo una película; es una carta de amor a los cómics en papel, una revolución visual y una nueva visión del género de superhéroes. Sigue el viaje de los cineastas y creadores en su empeño por alcanzar nuevas fronteras artísticas.
• “Diseñando los personajes de cómic del cine” – Un recorrido exhaustivo por todos los aspectos del diseño de personajes, desde los trajes al movimiento o la recreación de sus distintos superpoderes.

Edición Blu-ray 3D + Blu-ray + Blu-ray de extras:

Cuenta con un Blu-ray 3D con la película en este formato, un Blu-ray con la película y sus extras, y un Bonus Blu-ray que incluye el documental “La reinvención radical de Spider-Man”.

Edición 4K UHD + Blu-ray + Blu-ray de extras:

Incluye un disco 4K UHD con la película en ultra alta definición, un Blu-ray con la película y sus extras y el Bonus Blu-ray.

Edición limitada en caja metálica:

Incluye la película en Blu-ray, sus extras y el Bonus Blu-ray. Esta edición cuenta con un artbook exclusivo no disponible en otros puntos de venta, con 48 páginas de textos e ilustraciones de los artistas desgranando todos los aspectos de diseño de esta obra de arte.

Aniquilación: Destrucción creativa

El mundo se va a la mierda. No lo digo yo, lo dicen los científicos, los grandes pensadores y hasta alguna estrella de pop en su Instagram. No es ser catastrofista, es la pura realidad. Cada día comprobamos en nuestras carnes los efectos del calentamiento global. Vemos en las noticias cómo los casquetes polares se deshielan, la extinción irreversible de especies animales, sequías extremas, olas de frío polar… Pero no seamos agoreros, ¿y si esto no es el final, sino el principio de una nueva era? Ni mejor, ni peor, simplemente diferente. Esto es el Área X, el campo de juego de Aniquilación (Annihilation), la última película de Alex Garland (Ex_Machina).

Tras volarnos la mente con la inquietante y perfecta pieza de orfebrería fílmica que es Ex_Machina, Alex Garland vuelve por todo lo alto con otra sesuda cinta sci-fi con la que vuelve a poner nuestra existencia patas arriba. Una psicóloga (Jennifer Jason Leigh, eXistenZ) comanda una investigación científica al citado Área X. Su cuerpo de expedición está formado por cuatro especialistas de diferentes ramas: una bióloga (Natalie Portman, Jackie), una física (Tessa Thompson, Sorry To Bother You), una paramédica (Gina Rodriguez, Jane the Virgin) y una topógrafa (Tuva Novotny, Borg McEnroe. La película).

Ellas no son las primeras en adentrarse en esta misteriosa región, sino la duodécima patrulla. ¿Qué ocurre en el Área X para que nadie pueda entrar y salir de esa zona sin supervisión? Según los informes clasificados a los que hemos podido acceder destrangis, desde el momento en que cruzas la iridiscente atmósfera de la zona, todos tus conocimientos no valen para nada. Las leyes de la naturaleza pierden su carácter absoluto y se comban y rompen a su antojo. Nada es lo que parece, ni los animales, ni las plantas que nos rodean, realmente, ni nosotros mismos lo somos. Menos mal que lo que pasa en el Área X, se queda en el Área X. Sino que se lo digan al único superviviente de la anterior expedición, interpretado por Oscar Isaac, que repite con Garland tras deslumbrarnos como domador de ginoides en Ex_Machina.

Basándose libremente en la novela homónima de Jeff VanderMeer, Garland logra construir una intrincada y aséptica pesadilla de ciencia ficción en la que nada es lo que parece y ante la que el espectador no puede hacer otra cosa que dejarse llevar. Al igual que las cinco mujeres protagonistas al entrar en el Área X, Aniquilación nos embriaga y nos atrapa. Nos inquieta y nos aterroriza (la escena del oso ya forma parte de los momentos más terroríficos del cine moderno). Nos deja sin aire y nos fascina. El lento tempo del film, magistralmente marcado por la composición musical de Geoff Barrow (un tercio de Portishead) y Ben Salisbury (co-compositor junto a Barrow de la banda sonora de Ex_Machina y del episodio Men Against Fire de Black Mirror, entre otros trabajos), destroza por igual nuestro cuerpo y mente, haciendo que trascendamos de nuestra existencia terrenal y alcancemos algo… No sabemos el qué, pero algo diferente y novedoso. Una transformación reminiscente en sus compases finales a la hermosa Under the Skin. Una sensación parecida al sentido amor infinito de La fuente de la vida de Darren Aronofsky, pero mucho más amenazador y peligroso, extremadamente seductor y carnal.

Aniquilación es un cambio radical. El comienzo del fin o el fin del comienzo de la humanidad. Todo un hito en la nueva ola del cine fantástico y otro triunfo más para Alex Garland.

David Lastra

Aniquilación ya está a la venta en España en formato Blu-Ray y DVD, editada por Universal Pictures Home Entertainment. El Blu-Ray incluye los siguientes contenidos adicionales: Southern Reach: ‘Refracciones’ y ‘A los que vengan después’; Área X: ‘Resplandor’ y ‘Desaparecidas en el caos’; Hacia el faro: ‘Mente insondable’ y ‘La última fase’.

Sorry to Bother You: Un delirio surrealista que hay que ver para creer

Boots Riley se dio a conocer el año pasado con su opera prima, Sorry to Bother You, una película muy aclamada por la crítica que, sin embargo, tuvo un estreno muy discreto en Estados Unidos, y apenas vida comercial fuera de su país. En su día, el director se quejó en Twitter de que nadie estaba interesado en distribuir la película en el resto del mundo, a pesar de haber conseguido una taquilla bastante respetable en su país (17 millones de dólares) teniendo en cuenta lo pequeño y arriesgado del proyecto, ya que según le habían dicho, “las películas negras no funcionan bien internacionalmente”. Afortunadamente para nosotros, Universal Pictures Home Entertainment ha decidido rescatar la película del limbo comercial para lanzarla directamente a vídeo en nuestro país. Una oportunidad perfecta para descubrir por fin y de manera legal uno de los films más originales de los últimos años.

Sorry to Bother You transcurre en una versión alternativa de Oakland, Estados Unidos. La historia sigue a Cassius Green (Lakeith StanfieldAtlanta), un joven sin rumbo y con problemas de autoestima que vive en un garaje y no llega a fin de mes. Cuando un día encuentra un trabajo como teleoperador, Cassius descubre lo difícil que es trabajar en ventas siendo un hombre negro, por lo que decide poner “voz de blanco”, con sorprendentes resultados. A partir de ahí, iniciará un meteórico ascenso en la empresa, mientras sus colegas luchan por mejorar las precarias condiciones de su trabajo, lo que lo distanciará de sus amigos y su novia, Detroit (Tessa ThompsonThor: Ragnarok), una carismática artista y activista política. Al subir la escalera empresarial, Cassius se verá envuelto en un mundo cada vez más extraño y perturbador, donde deberá replantearse lo que está haciendo para detener los siniestros planes del horrible director de la compañía, Steve Lift (Armie Hammer).

Junto a un reparto estupendo (a los ya mencionados se suman Terry Crews, Seven YeunJemaine Fowler y Danny Glover), interpretaciones muy afinadas por parte de Stanfield y Thompson y una inventiva visual y estética irresistible, Boots Riley realiza uno de los debuts más prometedores y extravagantes de los últimos años. Sorry to Bother You es como un cruce entre Dear White PeopleBrazil, un excéntrico y divertido viaje al corazón de la América corporativa en el que la comedia se transforma en pesadilla y la crítica al capitalismo y el racismo adopta las formas más absurdas y creativas. La voz de Riley es contundente y da forma a una propuesta muy estimulante que no deja indiferente, una ácida sátira social llena de hallazgos y rebosante de personalidad que nos sume en un viaje psicotrópico surrealista y provocador. Esta es una de esas películas de las que es mejor saber lo menos posible, especialmente sobre su loquísima recta final, en la que nos zambulle en la fantasía más perturbadora y salvaje.

Junto a Jordan Peele, Ari Aster, David Robert Mitchell o Robert Eggers, Boots Riley se erige como uno de los cineastas más interesantes del panorama cinematográfico actual, en el que las ideas originales y las nuevas perspectivas para abordar el terror, la ciencia ficción y la fantasía son más valiosas que nunca.

Sorry to Bother You ya está a la venta en España en formato DVD, editada por Universal Pictures Home Entertainment. El DVD incluye los siguientes contenidos adicionales: Audiocomentario con el director; Featurette ‘El maravilloso desorden con el director Boots Riley’; Galería de fotos.

[Reseña Blu-ray] Venom abraza su lado más cómico y romántico

Palabra de simbionte. 2018 fue un año muy loco en todos los sentidos, incluido el cinematográfico. Una de las mayores sorpresas de la cartelera fue Venom, la gran apuesta de Sony Pictures para empezar a construir su Universo Cinematográfico alrededor de los villanos y secundarios de los cómics de Spider-Man. Sin poder usar al propio Hombre Araña (Tom Holland) fuera de las películas del UCM, el estudio tenía una tarea complicada. Pero contra todo pronóstico, acabó con un exitazo entre manos y los cimientos bien asentados para desarrollar la saga de superhéroes interconectada que todo estudio desea.

Dirigida por Ruben Fleischer (que regresa este año con Bienvenidos a Zombieland), Venom cuenta con el aclamado Tom Hardy (Mad Max: Furia en la carretera) en el icónico papel del antihéroe de Marvel, uno de los personajes más populares de la Casa de las Ideas. El actor británico da vida a Eddie Brock, intrépido periodista de investigación que, después de perder su trabajo y a su novia (Michelle Williams), se convierte en el anfitrión del simbionte alienígena. Mientras Eddie trata de destapar la atroz verdad sobre el creador de la Fundación Vida, Carlton Drake (Riz Ahmed), cuyos experimentos han liberado a la peligrosa criatura, Venom se fusiona con su cuerpo, desatando impresionantes poderes, pero también un lado oscuro que deberá aprender a controlar.

Venom no parece una película de la nueva era de los superhéroes, sino una previa al Universo Cinematográfico de Marvel y el boom del cine basado en cómics (es decir, más noventera que de 2018). Pero esto no es necesariamente malo. Está claramente diseñada para derivar en franquicia y conectarse a un universo mayor, pero esto tampoco impide que se desarrolle como una historia contenida, sin exceso de guiños o personajes metidos con calzador para generar spin-offsVenom es mucho más simple que eso, y es de agradecer. No es más que una historia de orígenes clásica, y meter más elementos sería complicarlo demasiado desde muy pronto. La ausencia de Spider-Man, para muchos polémica, no supone inconveniente alguno, puesto que esta es la historia de Eddie Brock y su relación con Venom.

Y eso precisamente es lo mejor de la película. El tira y afloja entre Eddie y el simbionte aporta el conflicto moral que define la historia, pero también la principal fuente de humor, que estará considerablemente más presente de lo que la campaña promocional (mucho peor que la propia película) nos ha dado a entender. Hardy es conocido por dejarse la piel en sus personajes y Venom no es una excepción, pero aquí nos muestra una nueva faceta. El actor británico (haciendo gala de un cuestionable acento americano) se emplea a fondo y lo da todo, con un trabajo físico estupendo, pero también una interpretación excéntrica, descontrolada y por momentos muy excesiva que nunca deja de sorprender, incluso en sus momentos más ridículos. Hardy es la principal atracción de Venom y con él, la película se vuelve mucho más divertida de lo que imaginábamos.

Su trabajo suple con eficiencia los defectos de la cinta, que no son pocos. En primer lugar, un plantel de secundarios desaprovechados y poco interesantes, encabezado por un simplemente correcto Riz Ahmed y Michelle Williams en la que es su peor interpretación en años. La actriz nominada cuatro veces al Oscar está fatal y su química con Hardy es tan inexistente como sus ganas de estar ahí. Consigue destacar Jenny Slate, aunque su personaje es más bien pequeño y solo una herramienta narrativa para impulsar la acción.

Muchos han criticado su calificación PG-13, pero lo cierto es que esto no es verdaderamente un problema. A pesar de no ser para mayores de 18 años y no mostrar decapitaciones o fuentes de sangre, el film contiene bastante violencia, y aunque el “fuck” lo tiene prohibido, uno pierde la cuenta de las veces que dicen “shit”. Vamos, que no es Deadpool, pero tampoco es una versión infantilizada de Venom. Como tampoco es una película Rated-R mutilada. De hecho, su estructura es en su mayor parte íntegra y coherente, y aunque sí hay confusión tonal y brusquedad a la hora de saltar del thriller/terror a la comedia (tontorrona), al menos no adolece del síndrome de la tijera loca que sí sufrían Batman v Superman Escuadrón Suicida.

Venom tarda bastante en hacer acto de presencia, pero las pesquisas de Eddie Brock nos entretienen hasta que el simbionte se fusiona con su huésped y la acción empieza de verdad. A partir de ahí, el ritmo no baja en ningún momento. La dinámica Eddie-Venom, el entregado trabajo de Hardy y las escenas de acción convierten Venom en una película muy divertida. Solo flojea realmente durante el enfrentamiento final con Drake, donde la acción digital se vuelve más farragosa y no nos deja ver bien lo que está ocurriendo. Por lo demás, tanto el terrorífico diseño como los efectos digitales para dar vida al simbionte y las secuencias de acción física con Hardy cumplen holgadamente, pese a que visual y estéticamente sea más bien plana.

Venom nunca será considerada una gran película de superhéroes y es una de las principales responsables de abrir aun más la brecha entre crítica y público. Pero tampoco es el desastre que muchos esperaban. Es divertida, Hardy está glorioso, tiene más personalidad de lo que los trailers indicaban y momentos de humor muy memorables (aunque los más malvados digan que es una comedia involuntaria, hay mucha intención y autoconsciencia). En definitiva, Venom es una buena presentación que acaba haciendo justicia al emblemático personaje de Marvel y abre la puerta a una secuela que, puliendo los errores de esta, puede y debería ser mucho mejor.

EDICIONES DISPONIBLES

Venom ya está a la venta de la mano de Sony Pictures Home Entertainment España, que lanza siete ediciones físicas diferentes. Estas incluyen las ediciones sencillas en Blu-ray y DVD, combos Blu-ray 3D + Blu-ray y 4K UHD + Blu-ray, las ya tradicionales ediciones metálicas (una disponible en todos los puntos de venta y otra ecxlusiva de GAME), y finalmente, una edición coleccionista con todos los formatos y una impresionante estatua de resina limitada y numerada, que reproduce con todo lujo de detalles la lucha entre Venom y el simbionte Riot, y no se podrá conseguir en ningún otro sitio.

El éxito de Venom (que ha recaudado 855 millones de dólares en todo el mundo) ha derivado en incontables memes con los que algunos aspectos de la película se han viralizado. El más popular es sin duda el ¿imaginado? romance entre Eddie y el simbionte, tan extendido entre los fans que hasta Sony se ha apuntado a la broma con un trailer especial para celebrar el lanzamiento sacando el lado más romántico de Venom, y una aplicación (Venomlovefit.com) para dar besos de superhéroe (con lengua).

En cuanto a las ediciones, la que nosotros hemos adquirido es el steelbook exclusivo de GAME, que presenta un diseño alternativo de carátula con una ilustración de Venom sobre fondo rojo (puedes ver fotos del estuche aquí) e incluye un Bonus Blu-ray con el mini-documental exclusivo “Del simbionte a la pantalla”, que narra la historia completa de Venom, desde los cómics originales a su traslación a la gran pantalla. Este mini-documental también se encuentra en la edición steelbook normal. Los contenidos adicionales comunes a todas las ediciones en Blu-ray son los siguientes:

  • “Modo Venom”- Al seleccionar este modo, en la película irán saliendo pop-ups informativos con datos sobre la relación con los cómics, y referencias que hasta al más avezado se le pueden haber escapado.
  • “El protector letal en acción” – Tras las cámaras con el equipo de producción.
  • “La visión de Venom” – Cómo el director Ruben Fleischer llegó al proyecto, reclutó al equipo e hizo de Venom una realidad.
  • “Diseñando Venom” – El increíble viaje para diseñar y crear a Venom.
  • “Los secretos de la simbiosis” – Una colección de referencias ocultas.
  • Videoclip de Eminem y tráiler de Spider-Man: Un nuevo universo

Searching: Siguiendo la huella digital

En 2014 se estrenó Eliminado, una película con una premisa tan arriesgada como interesante: una historia de terror que transcurría íntegramente en pantallas de ordenador. Gustase más o menos, lo que no se podía negar del film de Blumhouse era la forma tan creativa y detallista de utilizar la tecnología y el lenguaje de Internet para contar una historia. Esta idea, que poco después también vimos en Open Windows de Nacho Vigalondo, sedujo al director Aneesh Chaganty y el guionista Sev Ohanian, tándem que había trabajado varios años realizando vídeos publicitarios para Google.

Así nació Searching, de la necesidad de buscar nuevas formas de narración basadas en la tecnología y adaptar los géneros a la era digital. Pero tener claro el formato a través del cual se quiere contar la historia no es suficiente. Debe haber un guion, y Chaganty y Ohanian sabían exactamente cómo hacerlo. Searching no es un gimmick (un truco para enganchar a la audiencia sin ofrecerle mucho más), es un thriller absorbente y excelentemente estructurado que pone la tecnología al servicio de la historia, y no al contrario.

La película gira en torno a David Kim (John Cho), un hombre cuya hija de 16 años, Margot (Michelle La), ha desaparecido misteriosamente. Lo que inicialmente parece un acto completamente normal por parte de una adolescente se convierte en una búsqueda desesperada. El tiempo pasa y la investigación policial, con la agente Rosemary Vick (Debra Messing) a cargo del caso, no les lleva a ninguna parte, por lo que David decide buscar por su cuenta. Sin ninguna pista sobre el paradero de Margot, recurre al lugar donde nadie está mirando: el portátil de su hija. Ahí, donde se esconden todos nuestros secretos, descubrirá que quizá no conocía a la aparentemente apacible chica tan bien como creía, destapando una inquietante maraña de acontecimientos que podrían llevarle a descubrir una verdad sobre lo ocurrido que jamás podría haber imaginado.

Aunque como ya hemos señalado, la idea de ambientar una película enteramente en pantallas de ordenadores o dispositivos móviles no es nueva, Chaganty y Ohanian le sacan el máximo partido y la llevan a otro nivel. La clave está en construir un misterio que atrape al espectador, y utilizar el lenguaje tecnológico de forma realista para desarrollar el lenguaje fílmico. Es imposible apartar la mirada de Searching, ya que siempre está ocurriendo algo importante en alguna sección de la pantalla, detalles o pistas que sirven para que el espectador reconstruya lo ocurrido en su cabeza y desarrolle sus propias teorías.

Claro que, como buen thriller que es, Searching jugará constantemente a despistar, a formar hipótesis para luego desmentirlas, a conducirnos por un camino para dejarnos en una carretera sin salida y obligarnos a volver atrás. Todo hasta llegar a un desenlace que, en busca del giro sorpresa, cae en lo inverosímil y efectista. Hasta ese momento, Searching es ejemplar, maneja el suspense de forma sensacional, llevando a Hitchcock al siglo XXI, y provoca escalofríos a cada paso. Su final empaña un poco el conjunto final, pero sería injusto obviar el increíble trabajo de planificación, desarrollo y ejecución que hay antes.

Searching nos presenta a dos cineastas prometedores, meticulosos y con buenas ideas. La labor de animación y ensamblaje que hay detrás de la película es impresionante, pero todo eso se quedaría en mero alarde si no hubiera una buena historia que lo sustentase. Al fin y al cabo, lo que hace que Searching funcione tan bien es el factor humano. La convincente interpretación de Cho es el pegamento que mantiene unida esta reflexión sobre la dualidad de Internet: la tecnología como herramienta para comunicarnos, para preservar los recuerdos y unir a la familia, pero también la inquietante idea de cómo la persona que mostramos en Internet puede ser diferente a la que somos en la vida real, lo que nos lleva a preguntarnos si conocemos realmente a los que tenemos más cerca.

Searching ya está a la venta en Blu-ray y DVD de la mano de Sony Pictures. La edición incluye el siguiente contenido adicional:

-Buscar la huella digital
-Cambiando el lenguaje fílmico
-Comentario de los cineastas
-Actualiza tu usuario: el reparto y los personajes

Reseña: Ritmos del corazón (Hearts Beat Loud)

Es el verano antes de que Sam (Kiersey Clemons) se marche a la universidad. Su padre, Frank (Nick Offerman), se aferra como puede a sus últimos días con ella mientras afronta el cierre de su tienda de discos, que tiene la misma edad que su hija, diecisiete años. Incapaz de aceptar la idea de que en muy poco tiempo Sam dejará de vivir bajo su techo, Frank le pide que compongan música juntos y formen una banda.

Sin embargo, Sam tiene la vista fijada en su carrera de medicina, así que a pesar de su pasión y enorme talento por la música, tendrá que ser la más madura de los dos y abrir los ojos a su padre, que sigue estancado en el pasado, como las tiendas físicas de discos. Todo cambia cuando Frank decide subir uno de sus temas a Spotify y esto abre las puertas al dúo, bautizado We’re Not a Band, hacia una posible carrera discográfica.

Ritmos del corazón (Hearts Beat Loud) es la nueva película de un habitual de Sundance, Brett Haley (Volverás en mis sueñosThe Hero), dramedia musical con un inmejorable reparto de caras conocidas entre el público del cine indie y las series de la televisión (Nick Offerman, Kiersey Clemons, Toni Collette, Sasha Lane y Ted Danson) que el pasado año conquistó al público a su paso por el circuito festivalero de Estados Unidos.

Y no es para menos. Ritmos del corazón es una película profundamente cálida y reconfortante que aborda temas intrínsecamente melancólicos como el paso del tiempo y la separación de padres e hijos con sentido del humor, ternura y mucho corazón, pero sin pasarse nunca de almíbar. La película se sustenta principalmente sobre el estupendo trabajo de Offerman y Clemons, que desprenden química por los cuatro costados. Su relación, expresada y transformada a través de la música, es tan emotiva como sincera.

A Offerman estamos acostumbrados a verlo interpretando a personajes serios y cascarrabias con un divertido punto marciano, y aquí (como ya hizo en Yo, él y Raquel) vuelve a sacar a relucir su lado más humano y vulnerable como uno de los padrazos por excelencia del cine independiente. Está simplemente adorable. Mientras, Clemons se confirma como una de las jóvenes promesas a seguir más de cerca. Hay mucho talento en esta chica y podemos apostar a que vamos a verla mucho en los próximos años.

A través de las bonitas canciones de Frank y Sam y con ayuda de un guion que hila muchas tramas con soltura, Ritmos del corazón da forma a una preciosa relación paternofilial, pero también a una historia de amor adolescente queer representada de la forma más casual y natural y a una acertada reflexión sobre madurez estancada, todo envuelvo en una nostálgica oda a la música indie (clásica y actual), al vinilo y las tiendas de discos que sobreviven en la era digital. Una de las películas más entrañables que hemos visto recientemente.

Ritmos del corazón ya ha salido a la venta en España en DVD de la mano de Sony Pictures.

‘Tully’ es una de las mejores películas de 2018, pero casi nadie se acordó de ella

Dejamos atrás la estresante época de las listas de lo mejor y lo peor del año. Durante un momento, tuvimos la sensación de que el 2018 cinematográfico no había estado a la altura, pero haciendo balance, resulta que ha sido un año mucho mejor de lo que parecía. Tanto que, como suele ocurrir, muchas grandes películas se caen de los rankings, por una razón o por otra. Y una de esas ausencias esperables, pero no por ello menos injustas, ha sido Tullyel trabajo más reciente de Jason Reitman.

Reitman repite con Charlize Theron y Diablo Cody tras su colaboración en Young Adult (2011). En ella, la actriz surafricana asumía otra de esas interpretaciones valientes que la caracterizan con un personaje nada complaciente que despertó tanta antipatía como fascinación, mientras que la guionista de Juno continuaba su sofisticación como escritora de personajes imperfectos y complicados. Tully supone la sublimación de los tres miembros principales del proyecto con una historia conmovedora y real sobre la maternidad y el paso del tiempo.

La película gira en torno a Marlo (Theron), una mujer sobrepasada por la maternidad que, después de dar a luz a su tercer hijo, decide buscar ayuda. Marlo está casada, pero su marido, Drew (Ron Livingston), también abrumado por su vida, no ofrece mucha ayuda con los niños. Como si de una Mary Poppins moderna se tratase, la salvación llega en la forma de una niñera, Tully (Mackenzie Davis), que se ocupa del recién nacido durante la noche. Aunque al principio la idea de una “niñera nocturna” le hace sentir incómoda, tras recuperar el sueño perdido y ver aligerada su carga de responsabilidades, Marlo no puede estar más agradecida por Tully, con la que forma un vínculo muy especial que le ayudará a conocerse mejor a sí misma.

Diablo Cody sigue contando historias alrededor de la experiencia femenina, consiguiendo con Tully un honesto y emotivo relato sobre el matrimonio, el embarazo y la maternidad. Como en sus anteriores trabajos, la guionista no omite las partes más desagradables, sino que las pone en primer plano porque forman parte esencial e indivisible de la realidad, y las encarna principalmente en la figura de Marlo, una Charlize Theron completamente entregada en la que es una (otra) de sus mejores interpretaciones recientes. Los de Tully no son personajes fáciles, y tanto Theron como Livingston (un marido nunca caracterizado como villano, sino como otra víctima ahogada por las circunstancias), los dotan de una humanidad absoluta. La presencia de una irresistible Davis y su palpable química con Theron redondean la propuesta.

Tully nos habla sobre lo difícil que es ser padres, de la pérdida de la comunicación en la pareja y también sobre tener que decir adiós a la juventud y asumir nuestra madurez (sin perder nunca el contacto con la persona que fuimos). Lo hace con crudeza, pero también inteligencia, ingenio y emoción, a través de un guion detallista, bien construido y repleto de significado, con diálogos graciosos y un sorprendente toque de realismo mágico. Todo esto hace de Tully una de las mejores películas de 2018 de la que apenas se ha hablado, un viaje noctámbulo melancólico y nostálgico, pero también divertido, que nos abre los ojos a la realidad y sus contradicciones con amabilidad y compasión.

Tully ya está a la venta en España en Blu-ray y DVD de la mano de Universal Pictures. Incluye una featurette de 10 minutos llamada ‘Las relaciones de Tully’, con entrevistas al equipo.

Joyas de autor: ‘Purasangre’, ‘Las horas pasadas’ y ‘No dejes rastro’

Para empezar el año con una buena dosis de cine llegan tres nuevos estrenos que Sony Pictures y Universal Pictures añaden a su catálogo doméstico. Tres títulos inéditos en cines o que tuvieron un paso limitado por salas comerciales y ven la luz en formato DVD, sumándose a su creciente colección de joyas de autor modernas. Se trata de la aclamada comedia negra Purasangre, y los dramas familiares Las horas pasadas y No dejes rastro, filmes que pasaron injustamente desapercibidos el año pasado y merece la pena recuperar, ya que ofrecen propuestas refrescantes con puntos de vista muy personales e interesantes.

Purasangre (Thoroughbreds)

Purasangre es la opera prima de Cory Finley, una perversa comedia negra adolescente que le ha granjeado críticas muy positivas y lo ha situado como uno de los cineastas recién llegados más prometedores de Estados Unidos.

La película está protagonizada por dos jóvenes portentos, Olivia Cooke (Yo, él y RaquelReady Player One) y Anya Taylor- Joy (La bruja, Múltiple), que dan vida a Amanda y Lily, dos chicas de clase alta que recuperan su amistad de la infancia después de años de distanciamiento, encontrando la conexión en sus tendencias más sociópatas y su odio hacia el padrastro de la segunda. Finley ofrece una versión retorcida de la comedia adolescente en la que las protagonistas se ven envueltas en un plan criminal tan macabro como divertido, lo que ha despertado las inevitables comparaciones con el clásico generacional Escuela de jóvenes asesinos.

Con irresistible malicia, gran sentido de la estética y buen gusto para el encuadre, Finley narra la curiosa y disfuncional amistad de dos almas perdidas que encuentran la conexión en su aversión a la normalidad. Junto al tristemente fallecido Anton Yelchin, en uno de sus últimos papeles, Cooke y Taylor-Joy dan forma a una comedia irreverente, descarada y con mucha personalidad. Aunque sus diálogos puedan pecar de artificiales, delatan a un autor astuto y seguro de su visión, lo que da lugar a uno de los debuts más estimulantes que nos ha dejado el indie norteamericano recientemente. La película fue nominada a mejor guion en los Independent Spirit Awards, y no es para menos.

Las horas pasadas (The Keeping Hours)

La exitosa productora Blumhouse, responsable de sagas de terror como Insidious La noche de las bestias y la última entrega de La noche de Halloween, lleva unos años intentando expandir horizontes con ideas originales y nuevos enfoques para el género fantástico. En este sentido, dieron en la diana con Déjame salir, una de las grandes sorpresas de 2017, y esta tendencia continúa con sus siguientes estrenos, incluyendo Las horas pasadas, con la que el estudio de Jason Blum se decanta por el drama.

Diez años después de la muerte de su hijo, una pareja divorciada se reúne tras un suceso sobrenatural que les brinda una segunda oportunidad: el regreso del niño en forma de fantasma. Karen Moncrieff dirige este drama fantástico con tintes de terror que da un giro de 180º al subgénero de casas encantadas. Lee Pace (Halt and Catch Fire) y la omnipresente y siempre excelente Carrie Coon (The Leftovers) elevan la película con sendas interpretaciones profundamente emotivas e inspiradas.

Ganadora del premio del público en el festival de cine de Los Ángeles, Las horas pasadas no ha tenido un recorrido comercial a la altura de lo que merecía. Salpicada de momentos de tensión y algún que otro sobresalto que evidencia a la productora que hay detrás, la película sobresale más bien por su acertada aproximación al drama psicológico, erigiéndose como un melancólico y conmovedor relato sobre el perdón, protagonizado por dos personas rotas en busca de la conexión perdida y un nuevo comienzo.

No dejes rastro (Leave No Trace)

Debra Granik se dio a conocer en 2010 con Winter’s Bone, la película por la que Jennifer Lawrence obtuvo su primera nominación al Oscar (de cuatro en total que se llevó el film). A continuación, la realizadora se volcó en el documental, y años después regresa con su segundo largometraje de ficción, No dejes rastro, drama familiar en el que su tendencia a la no-ficción se vuelve a hacer más que evidente.

La película narra la relación entre un padre (Ben Foster) y una hija (Thomasin McKenzie) que viven escondidos en Forest Park, una gran reserva natural situada cerca de Portland. Tras varios años sobreviviendo en el bosque con recursos limitados, un pequeño error desvela su situación y pone sus vidas patas arriba. La niña pasa entonces a manos de los servicios sociales, y padre e hija se ven obligados a reajustar sus costumbres para adaptarse a la vida en sociedad, lo que provocará el distanciamiento entre ellos.

Sin caer en la sensiblería o el dramatismo facilón, Granik compone una historia cruda pero sentimental que no ofrece soluciones fáciles. Sencilla en apariencia, pero enormemente compleja en la dinámica paternofilial que retrata y el dilema que plantea (reminiscente de películas como Hacia rutas salvajes Captain Fantastic), No dejes rastro destaca por su tacto y sutilidad, mientras que las interpretaciones de Foster y McKenzie la dotan de rebosante humanidad, sobre todo durante su triste recta final.

[Reseña Blu-ray] Jurassic World – El reino caído: No hemos reparado en gastos

La más reciente entrega de la saga jurásica creada por Steven SpielbergJurassic World: El reino caído, ya ha salido a la venta en España de la mano de Sony Pictures Home EntertainmentUniversal Pictures en una gran variedad de formatos y con un despliegue que solo se dedica a los blockbusters de su calibre. Pero antes de pasar a detallar todas las ediciones que han salido al mercado, pasemos a analizar la película.

Jurassic World llegó en 2015 y sorprendió a todo el mundo convirtiéndose en una de las películas más taquilleras de la historia. El reboot dirigido por Colin Trevorrow y protagonizado por Bryce Dallas Howard y el omnipresente Chris Pratt dio comienzo a una nueva trilogía cuya segunda entrega pudimos ver en cines el pasado verano. El español J.A. Bayona (El orfanato, Lo imposible, Un monstruo viene a verme) recoge el testigo de Trevorrow (que permanece en la franquicia como guionista y productor) para dirigir Jurassic World: El reino caídouna aventura jurásica más oscura que se mantiene fiel a la saga, pero a la vez la mueve hacia nuevos lugares.

Han pasado tres años desde los terribles acontecimientos que llevaron a la destrucción del nuevo parque temático y complejo turístico de Jurassic World. Isla Nublar ha sido abandonada por el hombre, y los dinosaurios sobreviven como pueden, mientras un volcán que se creía inactivo entra en erupción, amenazando con acabar con toda la vida en la isla. Ante una posible nueva extinción de los dinosaurios, las autoridades deciden no actuar y dejar que la naturaleza siga su curso.

Claire Dearing (Howard), ahora líder de un grupo de activistas defensores de los derechos de los animales, se embarca en un viaje de regreso a Isla Nublar junto a una doctora (Daniella Pineda) y un técnico informático (Justice Smith) para salvar a los dinosaurios. Para llevar a cabo su plan, tendrá que contar de nuevo con la ayuda de Owen Grady (Pratt), que sigue manteniendo un vínculo especial con Blue, el inteligente raptor al que crió en el parque, y que está desaparecido en la jungla. Cuando llegan a la isla, la expedición descubre una conspiración que podría poner en peligro el planeta entero.

La primera mitad de Jurassic World: El reino caído transcurre en Isla Nublar y nos conduce por itinerarios muy conocidos de la saga. Volvemos a la zona cero para encontrarnos las ruinas de Jurassic World amontonándose sobre los vestigios que quedan del antiguo Parque Jurásico. Es por tanto un doble ejercicio de regresión el que realiza Bayona, continuando la nueva historia que se presentó en 2015 a la vez que mantiene el espíritu del clásico original de Spielberg. Al igual que Tevorrow, Bayona deja patente su amor por la saga en cada plano, ya sea con las mil y una referencias al pasado, como mediante el tratamiento de la historia, en el que se nota mucho la mano orientadora de Spielberg.

La sensación de déjà vu es muy fuerte a lo largo de todo el metraje, con planos, situaciones y giros argumentales que nos remiten directamente a las dos primeras entregas de la saga (las que dirigió Spielberg). Aunque el guion se esfuerza en justificar el regreso a Isla Nublar, la película no puede evitar caer en múltiples agujeros narrativos y, sobre todo, en la repetición, ya que las posibilidades después de cuatro películas empiezan a ser muy limitadas. Por eso, la segunda mitad sirve para romper el molde. En una trama similar a la de El mundo perdido (con la que establece muchos paralelismos), la acción se traslada a Estados Unidos, concretamente a la enorme mansión de Benjamin Lockwood (James Cromwell), la persona que ideó Parque Jurásico junto a John Hammond. Allí, Jurassic World empieza a dejar atrás el pasado para mirar al futuro.

Lo que hay hasta llegar a ese intenso clímax es un trepidante y estruendoso espectáculo de acción a la altura de lo que se espera de ella. Bayona pone su pericia técnica y su excelente gusto para lo visual al servicio de una película llena de secuencias impresionantes y planos construidos con mucha atención al detalle (su manejo del espacio y la oscuridad para crear tensión es brillante). El reino caído incluye algunos de los set pieces de acción más ambiciosos de toda la saga (la huída de Isla Nublar deja clavado en la butaca) e imágenes para el recuerdo (el último plano en Isla Nublar es precioso y devastador), los efectos digitales han mejorado con respecto a la anterior -las criaturas son más realistas y esta vez se han usado más animatronics, lo cual se agradece-, y los dinosaurios dan más miedo que nunca (aunque se pasen buena parte del metraje sedados y en jaulas). De hecho, El reino caído es la entrega con más terror de la saga Jurassic.

Sin embargo, el espectáculo se ve ocasionalmente lastrado por un guion inconsistente y lleno de tópicos, villanos peores incluso que el de Jurassic World y un componente de thriller de conspiración con el que la película quizá se toma demasiado en serio a sí misma. En El reino caído no falta la diversión propia del cine de monstruos y catástrofes, pero el film aspira a ser algo más, y no siempre lo consigue. Se nota que Bayona está tras las cámaras, no solo por la mansión llena de secretos y la presencia de Geraldine Chaplin, sino también por cómo intenta insuflar emoción al terror y la fantasía. Lo hace recuperando los dilemas morales planteados por Ian Malcolm (Jeff Goldblum en un pequeño cameo), convirtiendo a los dinosaurios en personajes, explorando la conexión entre Owen y Blue o con el nuevo personaje infantil (Isabella Sermon). El problema es que las emociones no siempre resultan genuinas (quizá por su empeño en subrayarlas siempre tanto), como tampoco suficientes para cubrir las carencias del guion, a pesar de que el reparto hace un buen trabajo dotando de alma humana a una historia un tanto mecánica y falta de lógica. Especialmente Pratt, esta vez con el factor canalla rebajado, y Howard, heroína con agallas y corazón (y calzado más cómodo).

Aun con sus fallos, la película cumple de sobra en su papel escapista y espectacular y acaba siendo una de las mejores entregas de la franquicia desde Parque Jurásico, a cuyos fans recompensa con numerosos guiños cómplices. Al igual que con Jurassic World, es recomendable no buscarle los tres pies al Rex y dejarse llevar. El reino caído se disfruta más cuanto menos se piensa y más se siente. Si uno entra, el buen rato está garantizado.

Después de cuatro películas, el asombro que Spielberg creó con la primera Parque Jurásico ya es imposible de reproducir, por eso es un acierto que hayan buscado la manera de insuflar nueva vida a la franquicia, aunque antes de introducir el verdadero cambio hayan repetido el mismo esquema otra vez. El final de El reino caído abre todo un mundo de opciones, dejando entrever un futuro con implicaciones escalofriantes y muchas posibilidades para la saga, y sobre todo, abriendo la puerta para que esta sea libre y, por fin, evolucione.

Nota: ★★★½

Detalles de todas las ediciones de Jurassic World: El reino caído

Como decía al principio, Sony (distribuidora oficial de home video de Universal Pictures en España) ha tirado la casa por la ventana con el lanzamiento de Jurassic World: El reino caído, y no es para menos, tratándose de una de las superproducciones más taquilleras de Universal junto a Fast & Furious. La película de J.A. Bayona llega en formato físico con ediciones en DVD, Blu-ray, 3D y 4K UHD, y una auténtica estampida de extras. Al adquirir cualquiera de ellas podremos conseguir una versión virtual e interactiva del velociraptor Blue de bebé.

En total, Sony pone a la venta SIETE ediciones de la película, cuatro estándar y tres limitadas para coleccionistas. A continuación, todos los detalles de las ediciones y sus contenidos extra:

Ediciones limitadas

• Edición limitada en caja metálica Blu-ray 3D + Blu-ray + Bonus DVD
• Edición limitada en caja metálica 4K UHD + Blu-ray + Bonus DVD
• Combo limitado Blu-ray 3D + Blu-ray + Bonus DVD + dos llaveros Funko exclusivos,
que no se venderán en ningún otro lugar

Ediciones estándar

• DVD
• Blu-ray
• Combo Blu-ray 3D + Blu-ray
• Combo 4K UHD + Blu-ray

Además, Sony recopila las cinco películas de la saga en el pack ‘Colección Jurassic’, disponible en DVD, Blu-ray y 4K UHD + Blu-ray.

Contenido extra

La edición estándar en DVD incluye los siguientes extras:
• El Diario Jurásico de Chris Pratt – el actor nos presenta, con su peculiar estilo, a parte del
equipo en estas divertidas piezas grabadas por él mismo en el set.
• En escena con Chris y Bryce – Descubre qué hay tras las cámaras de la gran superproducción
de la mano de sus estrellas, Chris Pratt y Bryce Dallas Howard.
• La evolución del Reino – Los directores hablan sobre cómo la segunda entrega de la trilogía
Jurassic World lleva a la franquicia hacia una nueva dirección.
• Nacimiento del Indoraptor – Un vistazo al monstruoso experimento genético conocido como
el Indoraptor.
• Enfrentamiento sobre el tejado – Una mirada al terrorífico duelo en el tejado de la Mansión
Lockwood.
• El monstruo en la mansión– El director J.A. Bayona explica cómo Parque Jurásico y
Drácula (1979) le influyeron a la hora de dirigir esta escena.
• ¡Que empiece la subasta! – Una mirada a cómo se rodó la escena de la subasta.
• Muerte por dinosaurio – Conviértete en el Indoraptor y enfréntate a los personajes
principales como lo haría el temido dinosaurio.
• El regreso de Malcolm – Detrás de las cámaras con el único e inigualable Jeff Goldblum.
• Acción en la Isla – Cómo se rodó la escena del búnker y la espectacular huida en la girosfera.

Las ediciones en Blu-ray y 4K incluyen, además de los extras de DVD ya mencionados,
el siguiente contenido adicional exclusivo para estos formatos:

• Efectos visuales evolucionados – El equipo de ILM habla sobre la creación de los
dinosaurios.
El reino caído: Una conversación – El equipo técnico y elenco charlan de forma
distendida sobre Jurassic World: El reino caído.
• Una canción para el Reino – Justice Smith canta para todo el equipo.
• Regreso a Hawai – Todo el equipo técnico y los actores hablan sobre el rodaje en Hawai.
• A bordo del Arcadia – El equipo habla sobre el trabajo con la animación de los dinosaurios.

Por otro lado, el bonus DVD incluido en todas las ediciones especiales añade más de media hora de extras:

• La realeza de Hollywood
El reino caído: los villanos
• Vivir y morir en Jurassic World
• Zia y Wheatley
• El amanecer del Reino caído: El diseño de producción
• Secreto revelado: Maisie
• Giacchino/Bayona

Reseña DVD: Gemini / No dejes de mirar

Entre los lanzamientos directos a DVD que Sony Pictures Home Entertaiment ha programado este mes se encuentran dos thrillers opuestos, un misterioso asesinato en Los Ángeles y una retorcida cinta de home invasion. Paso a reseñar ambos títulos, que salen a la venta el 10 de octubre.

Gemini (Aaron Katz)

Gemini es el quinto largometraje del realizador indie Aaron Katz. Se trata de un thriller de suspense protagonizado por Zoë Kravitz (Animales Fantásticos) y Lola Kirke (Mozart in the Jungle). La primera interpreta a una joven estrella de cine, mientras que la segunda da vida a su asistente personal y mejor amiga. Su complicada amistad es puesta prueba por un atroz crimen que desata una trama en la que las piezas no parecen encajar. Los esfuerzos para dar con del asesino llevarán a las protagonistas a buscarse también a sí mismas y desenmarañar no solo el misterio, sino también la naturaleza de su amistad y las consecuencias de la fama.

Filmada con elegancia a pesar del evidentemente ajustado presupuesto, Gemini se desarrolla como un whodunit clásico en estructura, con distinguibles ecos al cine de Alfred Hitchcock, y un neo-noir en forma y fondo. La película recuerda a otros títulos afines recientes como Ingrid Goes West o la serie Search Party, respuesta millennial al cine negro. Con una fotografía saturada como si llevara filtros de Instagram, pinceladas de humor y cierta inclinación meta a comentar el propio funcionamiento interno del misterio, Gemini trata de actualizar el género y sus reglas aprovechándose de su ambientación casi onírica e intrínsecamente cinematográfica y el encanto de sus dos actrices protagonistas.

No dejes de mirar (Sean Carter)

Después de diez años trabajando en el cine como cámara y montador, Sean Carter debuta en el largometraje con No dejes de mirar (Keep Watching), fábula de terror sobre una familia atrapada en su propia casa, que se convierte en las presas de un retorcido asesino con un plan macabro.

La estrella adolescente Bella Thorne (The DUFF, The Babysitter) protagoniza esta película rodada en 2013 y estrenada durante una sola noche, en Halloween de 2017 en Estados Unidos. En el reparto también se encuentran caras conocidas como Ioan Gruffud (Los 4 Fantásticos), Leigh Whannell (guionista de la saga Saw y director de Insidious 3) y Chandler Riggs, Carl Grimes en The Walking Dead.

Que la película tardase cuatro años en estrenarse y lo hiciera de tapadillo durante una noche os puede dar una idea de lo que tenemos aquí. Se trata de una cinta de invasión doméstica al uso, con reminiscencias de La noche de Halloween (incluso el score parece tomar prestadas un par de notas de la de Carpenter) y los elementos que no pueden faltar en el género: trampas y giros inexplicables y unos personajes que toman las decisiones más estúpidas ante cada disyuntiva. Además, Carter incorpora a la historia un mensaje de crítica a la pérdida de sensibilidad y moralidad en el contexto de las nuevas tecnologías, ya que el asesino retransmite la lucha del gato y el ratón por Internet. Pero lo hace sin arriesgar demasiado y con una violencia muy light.

No dejes de mirar es absurda como ella sola, recuerda a muchas otras películas similares (Los extraños, No respires, La noche de las bestias, Tú eres el siguiente…) y la cantidad de agujeros que tiene resulta muy frustrante, pero si no nos la tomamos en serio, puede servir para una noche tonta.

Crítica: La desaparición de Sidney Hall (y Logan Lerman)

Después de conquistar a todo el mundo interpretando a Charlie en el drama adolescente de culto Las ventajas de ser un marginado (The Perks of Being a Wallflower), Logan Lerman parecía destinado a convertirse en una de las nuevas grandes estrellas de su generación. Sin embargo, no ha sido así. El actor californiano ha hecho pocas películas en los últimos años, y se podría decir que está un poco… desaparecido.

El año pasado, gracias a Sony Pictures Home Entertainment, nos llegó Indignación, opera prima de James Schamus que no pasó previamente por nuestros cines. Y ahora la distribuidora publica en nuestro país el último trabajo inédito hasta ahora de Lerman, en el que además de actuar, ejerce como productor, La desaparición de Sidney Hall (The Vanishing of Sidney Hall). Ambas películas han resultado ser muy complementarias por su carácter de drama generacional, su inclinación literaria y la personalidad brillante y atribulada de su protagonista.

La desaparición de Sidney Hall es el segundo largo de Shawn Christiensen, ganador del Oscar a mejor cortometraje de acción real en 2012 por Curfew. La historia gira en torno a un joven novelista y está narrada de forma no lineal, saltando adelante y atrás en el tiempo para mostrarnos tres etapas clave de su vida: su atormentada adolescencia, su éxito en el mundo editorial tras publicar un best-seller de esos que definen a una generación, y su desaparición tras una serie de problemas y tragedias. Los diferentes episodios están marcados por una enfermedad, su dificultad para gestionar su éxito y sus emociones, y el paso de varias personas que condicionarán su vida, su obra y su futuro: su complicada madre (Michelle Monaghan), un compañero del instituto del que guarda un oscuro secreto (Blake Jenner), el amor de su vida (Elle Fanning) y el detective que le sigue la pista tras desaparecer de la faz de la Tierra (Kyle Chandler).

Para su opera primera, Christiensen ha puesto toda la carne en el asador. La desaparición de Sidney Hall es una película ambiciosa en el apartado narrativo, enrevesada en su estructura y cargada de misterio y giros argumentales que la convierten en un rompecabezas. Aunque el director se esfuerza en atar todos los cabos, el film puede resultar confuso y embarullado, si bien enigmático y envolvente. Christiensen tiene buen gusto para la estética, el encuadre y la fotografía (especialmente a la hora de retratar a Fanning), y sabe cómo crear una atmósfera de suspense y melancolía acorde a la personalidad y el viaje emocional del protagonista.

Lerman, por su parte, hace un buen trabajo en las dos primeras etapas de la vida de Sidney Hall (al verlo sentado frente a su máquina de escribir, es inevitable acordarse de su Charlie), pero no logra resultar convincente como vagabundo treintañero, quizá porque, con 26 años y aparentando menos, aun es lo suficientemente joven como para seguir interpretando adolescentes. O quizá la culpa sea de la horrible barba postiza que lleva en los flash-forwards, haciendo que no podamos tomárnoslo completamente en serio. Se agradece que Lerman asuma riesgos interpretativos, pero todavía no tiene la madurez dramática para según qué papeles.

Aun con todo, La desaparición de Sidney Hall es una película intrigante, el trabajo de un director que posee el entusiasmo artístico y la ambición, pero necesita descargar y pulir su estilo. Lerman, por otro lado, también tiene que ponerse las pilas, elegir mejor sus proyectos y dejarse ver más. Porque no queremos tener que preguntarnos dónde se ha metido dentro de cinco años.

La desaparición de Sidney Hall ya está a la venta en DVD de la mano de Sony Pictures Home Entertainment.

Reseña Blu-ray: #SexPact (Blockers), la comedia sexual evoluciona

La tradición de la comedia sexual se remonta a los 70, década en la que el cine estalló en un frenesí erótico-festivo, y culminó en los 80 con la salidísima Porky’sEl género evolucionó y también se suavizó (acorde al puritanismo y la hipervigilancia que empezó a invadir la cultura audiovisual norteamericana), pero a finales de los 90 siguió dejándonos clásicos como American Pie, que aunaba la tradición del cine coming-of-age con la comedia verde. Aunque este tipo de películas han experimentado una transformación, incluso sofisticación, lo que apenas ha cambiado es que suelen narrar la revolución sexual de los personajes masculinos.

Esto está empezando a cambiar en el siglo XXI, donde cada vez tenemos más perspectivas femeninas de los géneros que tradicionalmente han estado dominados por el hombre (¿todos?). Sería el caso de #SexPact (cuyo título original es Blockers, en referencia a la expresión “cock blocker”, que se usa para describir a aquella persona que arruina a otros, a propósito o sin querer, la oportunidad de tener sexo), primera película como directora de Kay Canon, guionista nominada a tres Emmy de 30 Rock y de la saga musical Dando la nota. Canon le da la vuelta a la fórmula American Pie centrándose en tres chicas que hacen un pacto para perder la virginidad en la noche del baile de fin de curso.

Las adolescentes son Julie (Kathryn Newton), Sam (Gideon Adlon) y Kayla (Geraldine Viswanathan, toda una revelación), tres mejores amigas muy diferentes entre sí que desean atravesar al mismo tiempo el ritual de la primera vez. Sin embargo no lo tendrán fácil, ya que, tras enterarse por accidente del pacto de sus hijas, sus preocupados padres les seguirán los pasos y harán todo lo posible para impedir que sus inocentes niñas se entreguen a la vorágine del sexo y la perversión. Esto dará como resultado una noche de aventuras y loquísimos contratiempos tanto para las chicas como (sobre todo) para los sufridos padres.

En cuanto al humor, #SexPact no ofrece nada verdaderamente novedoso. La comedia, en la línea de las películas de la factoría Judd Apatow (en la producción están sus colaboradores habituales, Seth Rogen y Evan Goldberg, y su mujer, Leslie Mann, es una de las protagonistas), se apoya en la improvisación, los diálogos picantes y el gag escatológico, con un trasfondo muy emotivo y voluntad de retrato generacional. Entre litros de cerveza por el ano, orgías con los ojos vendados y cadenas de vómitos, el film nos habla de cómo el fin de una época tan importante como el instituto afecta tanto a los adolescentes como a sus padres, que se deben aceptar que ha llegado el día de verlos volar del nido. #SexPact tiene un argumento muy convencional, pero capta esta etapa de transición con sorprendente ternura y un acento femenino que aporta la frescura necesaria al género.

Hay que destacar especialmente a los tres protagonistas adultos, un divertidísimo John Cena (el famoso luchador se mueve con total confianza en la comedia), el marciano y siempre eficiente Ike Barinholtz (The Mindy Project), y por último, y por ello más importante, Leslie Mann, una de las actrices cómicas más infravaloradas del cine reciente, una mujer capaz de hacer reír y conmover profundamente con una mirada. La química que desprenden juntos y su relación con las protagonistas adolescentes otorgan un empaque emocional que eleva la película. #SexPact destaca entre otras cosas por tener a una adolescente queer, y manejar con mucho acierto y sensibilidad su salida del armario, y también por tratar con respeto, pero sin olvidar nunca el humor, el importante rito de paso de las protagonistas hacia la vida adulta. Esos son los detalles que hacen que #SexPact sea algo más que la típica comedia sexual.

Nota: ★★★½

Universal Pictures pone a la venta #SexPact en Blu-ray y DVD desde el 12 de septiembre. La edición en Blu-ray incluye un generoso apartado de contenidos adicionales que paso a detallar a continuación:

Escenas eliminadas: tres breves escenas de las que destaca una en la que las puertas de un ascensor no pueden cerrarse por culpa del gran trasero de John Cena.
Tomas falsas (2:39 min.)
Misión de rescate (5:15 min.): mini making of con imágenes del rodaje y entrevistas al equipo, incluyendo a los productores Seth Rogen, Evan Goldberg y James Weaver disfrazados de gallo (en referencia al “cock” censurado del título original).
El kit de supervivencia para padres adolescentes de John Cena (2:35 min.): el título lo dice todo, una especie de infomercial en el que Cena presenta los objetos imprescindibles para sobrevivir a la noche del baile de fin de curso de tus hijos.
Line-O-Rama (7:26 min.): selección de diálogos que muestran el trabajo de improvisación de los actores, y las múltiples líneas que pronuncian en una sola toma, de las que más tarde solo una entrará en la versión final.
La noche del baile (6:37 min.): otra featurette con entrevistas e imágenes tras las cámaras, esta vez centrada en las protagonistas femeninas y el rito del baile de fin de curso. Con el equipo compartiendo los recuerdos nostálgicos de su propia prom night.
Historia del sexo (2:06 min.): Ike Barinholtz hace un recorrido en clave de humor por la historia del sexo a lo largo de los siglos acompañado de secuencias animadas.
Chug! Chug! Chug! (3:20 min.): featurette centrada en la filmación de una de las escenas más memorables de la película, John Cena “bebiendo” cerveza por el ano.
Puke-a-Palooza (2:02 min.): otro divertido vídeo que profundiza en la técnica usada para crear y proyectar vómito. Incluye imágenes de los actores ensayando en la parte trasera del set con el aparato para vomitar.
Comentarios de la directora Kay Cannon.

Reseña Blu-ray: Un lugar tranquilo, de John Krasinski

John Krasinski alcanzó la popularidad interpretando a Jim Halpert en la versión estadounidense de The Office. Durante la emisión de la genial comedia de NBC, Krasinski hizo sus pinitos como director poniéndose tras las cámaras en varios episodios y trabajando en su primer largometraje, la ignorada Brief Interviews with Hideous Men. En 2016 retomó su carrera como cineasta con la simpática dramedia indie Los Hollar, que también pasó sin pena ni gloria a pesar del excelente reparto con el que contaba. Este año, Krasinski cambia de tercio y se pasa a la ciencia ficción con el thriller Un lugar tranquilo (A Quiet Place), que dirige y protagoniza junto a su esposa en la vida real, Emily Blunt (SicarioEl regreso de Mary Poppins).

Pues bien, a la tercera va la vencida, porque Un lugar tranquilo ha sido todo un éxito en Estados Unidos y el resto del mundo (ya se está desarrollando la secuela para 2020), convirtiéndose en la sensación terrorífica de la pasada primavera e impulsando la carrera de Krasinski, que está más en demanda que nunca (protagoniza la serie Jack Reacher y ya prepara otro thriller de ciencia ficción para Paramount, Life on Mars). Un lugar tranquilo ha atrapado a la audiencia con una propuesta original escrita por Krasinski junto a Scott Beck y Bryan Woods, que fusiona con inteligencia y destreza ciencia ficción, terror y drama familiar. El film estuvo a punto de formar parte del universo Cloverfield, pero se acabó desechando la idea. Aunque después de verla no nos cuesta imaginar por qué se barajó asociarla a la franquicia de J.J. Abrams.

Un lugar tranquilo gira en torno a una familia que trata de sobrevivir en un mundo asolado por unas temibles criaturas ciegas que se guían por el sonido para cazar. Evelyn y Lee Abbott (Blunt y Krasinski) viven en silencio junto a sus hijos, intentando hacer el menor ruido para evitar atraer a los sanguinarios monstruos, y haciendo lo posible para salir adelante como familia en una situación tan desesperada. Cuando creen haber encontrado un lugar seguro en una remota granja, la familia Abbott se enfrentará a una serie de acontecimientos que harán que sea cada vez más difícil mantenerse en silencio, y por tanto, con vida.

Además de ser un inquietante y tenso thriller de suspense, Un lugar tranquilo se adscribe a la corriente actual del género que mezcla terror y fantasía con drama y comentario social, en la línea de películas como No respires, Llega de nocheDéjame salir, títulos que claramente inspiraron a Krasinski a la hora de dar forma a la película. Un lugar tranquilo nos habla de la paternidad, la responsabilidad y los lazos que unen a una familia, puestos a prueba en un contexto extremo. El núcleo de la película está formado por estos vínculos entre los personajes, ya sea el matrimonio, que lucha por proteger a sus hijos y educarlos para que sean fuertes e independientes, o los niños, que aprenden a ser útiles y valerse por sí mismos, en especial la mayor, Regan, que es sorda (la actriz que la interpreta, Millicent Simmonds, también lo es en la vida real). Este recurso podría haberse quedado en el simple truco, pero acaba siendo uno de los aspectos más importantes y mejor aprovechados del film.

A pesar del buen hacer de los actores más jóvenes (Noah Jupe, visto en Wonder, también realiza un trabajo destacable), las estrellas de la película son Krasinski y Blunt, una pareja tan bien sincronizada en la vida real como en la pantallaUn lugar tranquilo se beneficia no solo del gran talento de Blunt, sino también de la química con su marido, que ayuda a que nos creamos a los Abbott como una familia real y nos involucremos emocionalmente con sus vivencias, sobre todo en las situaciones de mayor peligro. Krasinski se asegura de que nos preocupemos por los personajes para que suframos con ellos y deseemos verlos salir con vida. Y ahí está una de las claves por las que la película funciona tan bien, que tiene corazón y hace énfasis en la narración al servicio de los personajes.

Pero lo más reseñable de Un lugar tranquilo siguen siendo sus escenas de suspense y sus momentos más terroríficos, que provocan y demandan silencio en la sala (o el salón). Krasinski saca buen provecho de las posibilidades de la premisa ideando situaciones muy creativas en torno al silencio y el ruido, así como sobresaltos de los que es imposible escapar. En este sentido, hay que alabar el diseño de sonido y la excelente banda sonora de Marco Beltrami. Sin olvidar a las propias criaturas, monstruos de presencia amenazante y diseño realmente terrorífico que recuerdan a Alien Parque Jurásico, películas que, junto a Tiburón, Krasinski claramente tenía en mente mientras dirigía.

Aunque a lo largo del metraje es inevitable plantearse constantemente qué habríamos hecho nosotros en el lugar de los Abbott (síntoma de que nos hemos involucrado en la historia), Un lugar tranquilo no es una película para desmenuzar en busca de lógica científica, sino una experiencia más bien visceral, en la que es recomendable dejarse llevar y no romperse la cabeza cuestionando sus normas o su realismo. A cambio de firmar este pacto, Krasinski nos ofrece un trabajo verdaderamente memorable, un thriller elegante, preciso, emocionante, con un buen conflicto dramático en el centro y algunas de las escenas más tensas y escalofriantes que se han visto últimamente en el cine (la secuencia con Blunt en el sótano es simplemente magistral). Para no rechistar, vamos.

Nota: ★★★★

Reseña del Blu-ray

Paramount y Sony Pictures ponen a la venta en España Un lugar tranquilo en todos los formatos disponibles: DVD, Blu-Ray y 4K UHD, junto con una Edición Metálica Limitada en Blu-Ray que incluye un libreto exclusivo.

El formato que reseñamos aquí es el Blu-ray. La calidad de imagen y sonido es la que ya cabe esperar de la compañía para una película de estreno, con una gran nitidez de imagen que en este caso se agradece especialmente, sobre todo en las secuencias más oscuras. De la misma manera, el sonido es de capital importancia en esta película, y la edición también cumple en este departamento, potenciado el gran trabajo que hay detrás del proyecto para sacar el máximo partido del ruido, el sonido ambiente, la música y el silencio.

En cuanto a los contenidos adicionales, la edición incluye tres featurettes que desgranan los aspectos más importantes en la creación del film. Se trata de minidocumentales muy generosos en tiempo y contenido, pero para aquellos a los que se le quede corto, la edición metálica incluye además un extenso libreto con todos los detalles del rodaje para ampliar información. La película ya está a la venta.

Creando la calma: Imágenes del rodaje de Un lugar tranquilo (14:45 minutos). Making of con entrevistas e imágenes de la producción y el rodaje. Un interesante recorrido por la historia del proyecto, su origen, cómo se involucraron Krasinski y Blunt, el admirable trabajo de los niños y cómo se saca adelante una película de género sin apenas diálogos. 
El sonido de la oscuridad: Editando el sonido de Un lugar tranquilo (11:44 minutos). Extra que ahonda en la importancia del silencio, los ruidos de la naturaleza y los diferentes elementos que crearon el detallado paisaje sonoro de la película, y cómo esto afectó al rodaje, necesariamente más silencioso de lo habitual. 
La razón del silencio: Los efectos visuales de Un lugar tranquilo (7:33 minutos). Finalmente, esta featurette explora las complejidades técnicas del film, la creación de los efectos digitales, que corren a cargo de Industrial Light and Magic, y el diseño de la terrorífica criatura.

‘Lady Bird’ y ‘El hilo invisible’: De lo mejor del año (Reseña Edición Limitada)

Como cada año, la pasada edición de los Oscar nos dejó grandes películas para la posteridad, entre ellas, Lady Bird, de Greta Gerwig, y El hilo invisible (Phantom Thread), de Paul Thomas Anderson, dos de los films con más nominaciones y dos de mis películas favoritas estrenadas en España en 2018. Ambos títulos ven la luz en formato físico de la mano de Universal Pictures, que las pone a la venta en ediciones sencillas en Blu-ray y DVD, más dos ediciones limitadas con libreto disponibles en exclusiva a través de fnac. Aprovecho este lanzamiento para hablar de estas dos maravillas del cine de autor reciente.

Lady Bird, de Greta Gerwig

Lady Bird es la opera prima como directora (o “realizadora”, como ella prefiere) de Greta Gerwig, conocida entre otras cosas por sus papeles en las recomendables Frances Ha, Mistress America Mujeres del siglo XX y su laureado trabajo como guionista en las dos primeras. Con su primera película, Gerwig regresa a su Sacramento natal para presentarnos una historia que bien podría servir como precuela de Frances Ha.

Protagonizada por la jovencísima tres veces nominada al Oscar (una de ellas por esta película) Saoirse RonanLady Bird es un precioso ejercicio nostálgico y semi-autobográfico en el que Gerwig ha depositado todo su corazón y talento. El film se suma a la tradición del mejor cine coming-of-age para contarnos la historia de una joven testaruda y rebelde con inclinaciones artísticas y don para el drama que se enfrenta a la recta final en el instituto en el año 2002, tras lo cual cumplirá su deseo de atrás su pueblo de una vez por todas.

Con grandes dosis de melancolíaexcelentes diálogos (“Muchas cosas pueden ser tristes, no solo la guerra”) y mucho sentido del humorLady Bird retrata con gran acierto la adolescencia y el paso a la vida adulta (concretamente durante la agitada etapa de transición post-11-S), experiencia formadora que todos hemos atravesado, y que hace que sea fácil verse reflejado en las vivencias de Lady Bird, magistralmente interpretada por Ronan.

Lady Bird nos habla de la forja de la identidad propia, de las relaciones entre padres e hijos (más concretamente el lazo materno-filial, que aprieta el personaje de la inconmensurable Laurie Metcalf) y el amor incondicional de la familia, de la amistad, y por último, de nuestro agridulce vínculo con el lugar de donde procedemos, donde crecimos; un sitio que “no podemos ver mientras estamos allí, porque estamos seguros de que la vida está en otra parte” adonde anhelamos marcharnos, pero con el que, tarde o temprano, aprendemos a reconciliarnos. Lady Bird transmite con magia y acierto estas sensaciones tan familiares, y tan esenciales a la experiencia de convertirse en adulto, alzándose como un emotivo retrato generacional y una de las mejores películas recientes sobre la adolescencia.

Sobre la edición limitada

Al igual que anteriores lanzamientos como madre! Call Me by Your Name, que también recibieron el lujoso tratamiento limitado, la edición exclusiva en Blu-ray para fnac de Lady Bird viene presentada en un estuche sencillo con un precioso slipcover de cartón, e incluye un libreto de 36 páginas con notas de producción y una extensísima entrevista a Greta Gerwig.

En el disco, los contenidos adicionales son más bien escasos. Los extras incluyen únicamente un audiocomentario de la realizadora y guionista junto al director de fotografía, Sam Levy, y un making of de 15 minutos titulado “Haciendo realidad Lady Bird, con entrevistas al equipo e imágenes del rodaje. Al menos, esta featurette ofrece una visión bastante completa de la producción, del casting a la interpretación, pasando por el vestuario, la fotografía o la composición de la banda sonora.

El hilo invisible, de Paul Thomas Anderson

Desde que nos arrollase en 1999 con su magnum opus Magnolia, Paul Thomas Anderson no solo no tocó techo pronto, sino que ha seguido creciendo como cineasta, volviéndose cada vez más crudo, sutil y sofisticado en su forma de aproximarse a las historias. Después de dos obras difíciles y profundamente tristes como There Will Be BloodThe Master, seguidas de la inclasificable Puro vicio, Anderson firma su trabajo más accesible en mucho tiempo con El hilo invisible, sin por ello renunciar a su excentricidad y su manera tan particular de narrar.

Daniel Day-Lewis protagoniza este exquisito filme ambientado en el mundo de la alta costura en el Londres de los años 50, donde el controlador y meticuloso diseñador de la Casa Woodcock, Reynolds Woodcock, ve su ordenada y glamurosa vida alterada por la llegada de una visita inesperada: el amor. Alma (una portentosa e infravalorada Vicky Krieps) se introduce en su exclusivo entorno convirtiéndose en su musa y amante, muy a pesar de la protectora hermana del modisto (brillante Lesley Manville), y acaba desarrollando con él un atípico romance que desembocará en una relación tensa y retorcida caracterizada por la manipulación y la lucha de poder.

Con El hilo invisible, Anderson plantea una visión muy idiosincrásica del amor, muy peculiar y con un delicioso toque perverso que resulta sorprendentemente divertido. Todo en la película está cuidado hasta el último detalle, desde las magistrales interpretaciones hasta el último pespunte del impresionante diseño de vestuario (que recibió muy merecidamente un Oscar). Otro trabajo minucioso, inspirado y sublime de Anderson que se suma a una filmografía impecable.

Sobre la edición limitada

La edición limitada de El hilo invisible presenta el mismo diseño que Lady Bird, con una funda de cartón y un libreto de 36 páginas en el interior, solo que en este caso, el estuche es más grueso que el de una funda amaray clásica de Blu-ray. El libreto incluye extensas e interesantes notas de producción, fotos de la película y diseños de los preciosos vestidos que se pueden disfrutar en el film.

En lo que respecta a los contenidos adicionalesEl hilo invisible es más generosa que Lady Bird. Los extras incluyen:

·        Pruebas de cámara: Con comentarios de Paul Thomas Anderson. 8 minutos de imágenes de las pruebas de PTA para elegir las herramientas más adecuadas para hacer la película: lentes, iluminación, maquillaje, papel pintado… Esta featurette, ideal para interesados en el aspecto más técnico del cine, es tan hermosa como la propia película, e incluye una extraña y divertida guerra de comida entre Daniel Day-Lewis y Lesley Manville.

·        Para el chico hambriento: Una colección de escenas eliminadas con música de Jonny Greenwood. En lugar de una lista de escenas eliminadas al uso, se trata de un montaje con imágenes descartadas que se enlazan con escenas, diálogos y voz en off de la película.

·        La Casa Woodcock: Desfile de pasarela narrado por Adam Buxton (aprox. 3 minutos).

·        Entre bastidores: Fotografías de la película de Michael Bauman con versiones de prueba de las partituras de Jonny Greenwood.

Crítica: Novitiate

Novitiate es el debut en el largometraje de Maggie Betts, directora norteamericana que ha contado con un elenco principalmente femenino para contar una sugerente historia de fe, entrega y deseo reprimido ambientada en uno de los puntos de inflexión más importantes de la Iglesia Católica, y del siglo XX.

La película transcurre en la década de los 60 y sigue a Cathleen (Margaret Qualley – The LeftoversDeath Note), una joven postulante a monja que desde pequeña decide prometerse a Dios, a pesar de la oposición de su madre (Julianne Nicholson). Su llegada al convento coincide con el Concilio Vaticano II, uno de los eventos históricos que transformaron el devenir de la religión católica al prohibir algunas de las costumbres más anticuadas de la iglesia. El film nos muestra los efectos de estos cambios en el convento, donde la estricta Madre Superiora (Melissa Leo) lucha por preservar la tradición, ocultando los nuevos decretos del Papa XXIII a sus postulantes y novicias.

Con enorme respeto y sensibilidad, Betts realiza un interesante, ocasionalmente apasionante, retrato de la vida de reclusión y sacrificio de las monjas, apuntando sin vicios maniqueos o sentencias fáciles a los problemas de una iglesia que, quizá, llevaba siglos entendiendo mal la manera de manifestar la fe y el sacrificio. La figura de la Madre Superiora, interpretada por una desmesurada y aterradora Melissa Leo, representa los valores estancados de una organización arcaica que creía fervientemente en el castigo corporal y llevaba el padecimiento de sus hermanas pecadoras hasta el extremo.

La juventud católica de los 60 viene representada por un sólido reparto de actrices a las que hemos visto sobre todo en series de televisión: Morgan Saylor, Dianna Agron, Liana Liberato, Maddie Hasson o Eline Powell acompañan a Qualley en su viaje de autodescubrimiento, personificando diferentes grados de compromiso con el noviciado: de la abnegación absoluta, que indica que entre ellas puede estar una futura Madre Superiora, a la laxitud, que lleva en varios casos al abandono por una vida mejor. En un principio, Cathleen pertenece al primer grupo, haciendo que destaque como una de las postulantes más prometedoras a ojos de sus maestras, pero su experiencia en el convento hará que se incline cada vez más hacia el segundo y llegue a plantearse si ya no está preparada para lo que ha querido toda la vida.

Dejando a un lado la imponente interpretación de Melissa Leo (que resulta memorable, pero como le suele ocurrir a la actriz, también se le va de las manos por momentos, cayendo en la sobreactuación), Novitiate es la confirmación del talento de Qualley, una joven promesa a la que vamos a ver mucho en los próximos años. Su trabajo dando vida a Cathleen, sus dilemas morales y encrucijadas personales, son el centro de una película delicada, introspectiva, contenida y, especialmente durante su clímax, muy intensa. Con un final que invita al espectador sacar sus propias conclusiones, Betts cierra un relato que no deja de ser sobre la adolescencia femenina, una historia de maduración enmarcada en un entorno atípico que magnifica los dolores del crecimiento.

Novitiate ya está a la venta en Blu-ray y DVD de la mano de Sony Pictures Home Entertainment. La edición en Blu-ray incluye los siguientes contenidos adicionales:

Comentario con la guionista/directora Margaret Betts
Escenas extendidas y eliminadas
Final alternativo
Conversaciones con el reparto

Reseña: Call Me by Your Name – Edición Limitada Blu-ray

¿Qué más se puede decir sobre Call Me by Your Name? Los que me leéis habitualmente conocéis de sobra mi obsesión por la película de Luca Guadagnino. Algunos incluso habréis dejado de leerme por mi insistencia a lo largo del último año en hacer referencia al film o a sus actores protagonistas, algo que entendería perfectamente.

Claro que también espero que vosotros me entendáis a mí. ¿Nunca habéis visto una película que os llegue tan adentro, que os cale tanto, que se convierta instantáneamente en una de las películas de tu vida? Esta es una de las mías y eso es Call Me by Your Name, una de esas películas tan especiales que solo aparecen muy de vez en cuando, una historia con un poder arrollador, que ha enamorado, incluso transformado a miles de personas en todo el mundo, suscitando un culto automático y apasionado de un público que la ha acogido de forma muy personal. Es una experiencia que invita a sumergirse en el idílico y romántico verano durante el que transcurre, a soñar con un pasado que nunca tuvimos o reimaginar el que sí tuvimos, a sentirse identificado y vivirlo en primera persona, a desear y morir de amor con sus protagonistas. En definitiva, una película de la que es imposible salir después de los créditos finales.

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Como he dicho en muchas ocasiones, conocer a Elio (Timothée Chalamet) y Oliver (Armie Hammer) es quedarse con ellos para siempre. Una de las claves principales por las que el público se ha volcado de forma tan profunda con la película es la conexión real que se ha establecido entre ambos actores. Los dos viajaron a Crema, Italia meses antes del inicio del rodaje para familiarizarse con la vida de pueblo, con la naturaleza, y para conocerse el uno al otro. Se desarrolló entre ellos una amistad y una complicidad tan grande que hizo sino beneficiar a su historia de amor en la pantalla. Chalamet y Hammer se entregan el uno al otro de tal manera que es difícil creer que ese amor es ficción.

El trabajo que realizan ambos actores es digno de elogio y admiración, pero lo de Chalamet en particular es prodigioso. El joven actor neoyorquino pasó del anonimato a ser proclamado una de las mayores promesas del cine de los últimos años gracias a su interpretación como Elio. Chalamet personifica de forma sublime la impaciencia, la confusión y el delirio del primer amor, así como el insoportable dolor de perderlo, se abandona a su compañero de reparto en cuerpo y alma (literalmente, se fusiona con él), y nos hace partícipes del recorrido emocional que atraviesa (y que condensa en el sobrecogedor y ya icónico primer plano de los créditos finales). Podría seguir hablando de él eternamente, del atractivo y carisma de Hammer (¿Quién no se enamoraría de Armie Hammer?), de Michael Stuhlbarg y su ya mítico discurso final, de la profunda sensualidad y belleza de las imágenes, del melocotón… Pero lo cierto es que sería repetirme. Os dejo mejor con la crítica que escribí con motivo del estreno en cines, completamente desbordado y embriagado por la experiencia.

Call Me by Your Name: Un clásico moderno que se queda con nosotros para siempre

Aunque no se ha librado de las quejas por la diferencia de edad de los protagonistas (Elio tiene 17 años, Oliver 24) o la supuesta mojigaería a la hora de mostrar escenas de sexo homosexuales, Call Me by Your Name ha conquistado al público y la crítica, culminando su largo trayectoria promocional y comercial en los pasados Oscar, donde se llevó el premio a mejor guion adaptado para James Ivory (un año después del triunfo de otro film con protagonistas gays, Moonlight).

Pero la temporada de premios no fue el final para la película, sino un punto y seguido. Call Me by Your Name se ha ganado en poco tiempo el título de clásico moderno, y su efecto seguirá durando muchos años. Guadagnino ya está preparando la segunda parte junto al autor de la novela en la que se basa la película, André Aciman, en la que veremos a Elio y Oliver viajando por el mundo. Hasta entonces, regresaremos a 1983, al pequeño pueblo de Italia donde todo comenzó, y volveremos a vivir el principio de su historia una y otra vez.

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Sobre la edición

Sony Pictures Home Entertainment ha puesto a la venta Call Me by Your Name en España en Blu-ray, DVD y digital. Además de las ediciones sencillas en Blu-ray y DVD, lanza una edición limitada exclusiva para fnac. Ni que decir tiene que esta es la edición ideal para aquellos que, como yo, están obsesionados con la película, y por tanto, esta es la edición que hoy nos ocupa. En otros países, como Estados Unidos o Reino Unido solo ha habido ediciones simples, así que se agradece que Sony España haya pensado en nosotros y le haya dado un tratamiento más especial.

La edición viene presentada en funda de plástico clásica con slipcover de cartón glossy. El título de la película viene en relieve sobre la funda, lo cual hace que resalte más lo que ya de por sí es una portada preciosa. Además, contrario a otras ediciones internacionales, la portada no viene abarrotada de citas de la crítica, todo un acierto (los carteles llenos de citas mejor para las revistas o la campaña de premios). En el interior, un libreto exclusivo con mensaje del director, notas de producción y entrevistas a Luca Guadagnino, Timothée Chalamet y Armie Hammer. Son 32 páginas de texto que incluyen numerosas imágenes de la película y el rodaje. Un extra que nos hace el apaño mientras esperamos a que se decidan a editar un (obligatorio) libro sobre el rodaje con los cientos de imágenes que se tomaron en Italia.

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En cuanto los contenidos adicionales, la edición no es abundante, pero lo que incluye es bastante jugoso. Un imprescindible making of de 10 minutos de duración con imágenes del rodaje y entrevistas al equipo, que desgrana la relación de Elio y Oliver y el proyecto en todas sus fases, una charla de 25 minutos con Armie Hammer, Timothée Chalamet, Michael Stuhlbarg y Luca Guadagnino, y el precioso videoclip de la canción nominada al Oscar ‘Mystery of Love’, de Sufjan Stevens. Pero lo mejor de los extras es sin duda el magnífico y muy personal audiocomentario con Chalamet y Stuhlbarg, sobre todo por los comentarios del primero, que nos permite entrar en su proceso interpretativo y vuelve a dejar patente su conexión con Hammer, y la admiración que siente por él. Volver a ver la película escuchándolos sirve para descubrir muchos más detalles y resolver dudas que nos puedan surgir viéndola.

Sabemos que hay muchas escenas que se quedaron fuera del montaje final, por lo que resulta algo decepcionante que no se haya incluido ninguna, aunque también es comprensible, porque cabe la posibilidad de que acaben en la secuela a modo de flashbacks. Aun así, contamos con que dentro de unos años aparezca una edición conmemorativa en la que se vierta todo el material que hay. Porque no parece que la pasión por Call Me by Your Name vaya a desaparecer con el tiempo, sino todo lo contrario.

[Crítica] Una vida a lo grande: Crecimiento personal en miniatura

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ElectionA propósito de Schmidt, Entre copas, Los descendientes, Nebraska. La carrera de Alexander Payne siempre ha estado caracterizada por un interés muy claro en ahondar en la naturaleza humana y la forma en la que nos relacionamos con la sociedad. Con su largometraje más reciente, Una vida a lo grande (Downsizing), el director originario de Nebraska ofrece su particular visión de la ciencia ficción con otra comedia de carácter existencialista llena de rostros familiares que presenta una premisa de lo más imaginativa.

Una vida a lo grande nos traslada a un futuro indeterminado en el que los científicos buscan la manera de afrontar los efectos del cambio climático y asegurar la preservación de la especie humana. El doctor Jorgen Asbjørnsen (Rolf Lassgård) realiza el hallazgo que cambiará el mundo para siempre: la forma de encoger a los seres humanos hasta una estatura de 12 centímetros. Este revolucionario avance científico se postula como la salvación de la humanidad, ya que permitirá ahorrar recursos, frenar la destrucción de la Tierra a manos del hombre y facilitar la mejora en la calidad de vida de aquellos que decidan someterse a la reducción de tamaño.

Diez años después del descubrimiento, reducirse empieza a ser habitual y el mundo se está adaptando a la nueva división entre grandes y pequeños. A pesar de sus reticencias iniciales, el matrimonio formado por Paul y Audrey Safranek (Matt Damon y Kristen Wiig), decide abandonar sus insatisfechas existencias a tamaño normal para reducirse y mudarse a Leisureland, lujosa comunidad en miniatura llena de sorpresas donde podrán vivir como si fueran millonarios. Allí, Paul cambiará por completo su manera de ver el mundo tras conocer a gente tan peculiar como Dusan (Cristoph Waltz) y Ngoc Lan (Hong Chau) y descubrir junto a ellos las rápidas y desalentadoras consecuencias que la reducción de personas tiene en la sociedad. Al fin y al cabo, el sistema está abocado a cometer los mismos errores, sea en el tamaño que sea.

La primera hora de Una vida a lo grande parece salida de la mente de Charlie Kaufman (guionista de Cómo ser John Malkovich, Adaptation., ¡Olvídate de mí! Anomalisa). El guion de Payne y Jim Taylor es creativo y sorprendente, llevando una premisa habitualmente reservada para el cine familiar o de aventuras al terreno de la comedia adulta, y aprovechándola para crear comedia visual inspirada y ocasionalmente subversiva e inquietante, gracias en parte a los llamativos efectos digitales. En la segunda mitad de la película, todo cambia. Una vida a lo grande no sigue el camino esperado, sino que se convierte en algo distinto, en una sátira ecológica, política y humanista difícil de predecir.

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Esto puede resultar en decepción para muchos espectadores, ya que las posibilidades narrativas y humorísticas que ofrecen Leisureland y el choque entre humanos grandes y pequeños se quedan sin explorar en profundidad, dejándonos con las ganas de ver más de la vida cotidiana a escala minúscula. En su lugar, Payne opta por contarnos la transformación social del mundo y el cambio interno del protagonista, un hombre pasivo que va modificando su perspectiva a medida que observa y descubre la nueva realidad a su alrededor, que evoluciona de forma más rápida que cuando tenía tamaño normal. Es decir, la historia de un hombre que tiene que empequeñecerse para crecer personalmente. Pero además, la película también pone patas arriba nuestras expectativas convirtiéndose en una inesperada y emotiva historia de amor que depara los momentos más tiernos y divertidos, casi todos gracias a la magnífica y enérgica interpretación de Hong Chau, la gran revelación del film.

Al final, Una vida a lo grande nos deja una afilada y melancólica reflexión sobre la humanidad y sus defectos, utilizando un concepto ambicioso de forma original y por momentos trascendente. Sí, es muy irregular, no aprovecha todo su potencial y quizá no sea la película que esperábamos, pero es la que Payne ha querido hacer, y su convencimiento no es precisamente pequeño.

Una vida a lo grande ya está disponible en Blu-ray y DVD de la mano de Paramount Pictures. La edición en Blu-ray incluye los siguientes contenidos adicionales:

-Trabajando con Alexander Payne
-Reparto
-Un viaje visual
-La importancia de la perspectiva
-Esa sonrisa
-Una preocupación global