Dollhouse: Cinco años en el futuro

Dollhouse cast

Esta semana se cumple el quinto aniversario del final de Dollhouse, la efímera serie de Joss Whedon que sobrevivió en los viernes de Fox durante dos temporadas, demostrando el poder del fan y marcando sin proponérselo un antes y un después en la televisión, a pesar de la escasa repercusión que tuvo durante su emisión. Con Dollhouse, la tele empezó a prestar más atención a lo que pasaba en Internet, poniendo además de manifiesto la importancia de dar al espectador una historia completa. La serie de Whedon empezó con mal pie, pero cuando fue libre para convertirse en la serie que quería ser (aunque al principio no supiera qué serie era esa), devino en un relato altamente satisfactorio y cerrado que a día de hoy merece mucho más reconocimiento del que tiene.

Para celebrar estos 5 años sin con Dollhouse, os he preparado esta entrada sobre la serie, en la que además de nuevas reflexiones un lustro después de su final, recupero el texto original que escribí tras la emisión de “Epitaph Two: Return“, el 29 de enero de 2010, con las modificaciones pertinentes para actualizarlo. Dollhouse fue para mí algo más que una serie, supuso la consolidación de una comunidad, el principio de mi actividad “en serio” como blogger y una experiencia seriéfila muy personal, que a día de hoy recuerdo como una de las etapas más bonitas de mi vida. Pero es que además de llevarla muy dentro, creo fervientemente que Dollhouse es una buena serie, mucho mejor de lo que aparenta, y de lo que se dijo en su día. Esperemos que, como suele ocurrir con las historias de ciencia ficción más divisivas, el tiempo la ponga en su sitio. Por lo pronto, cinco años después de su final, sigue encontrando adeptos (como lo hiciera Firefly en su día) y los que la seguimos en su día continuamos reivindicándola como se merece.

¿De qué iba Dollhouse?

Dollhouse es una organización secreta situada bajo tierra en la que habitan los “muñecos” (dolls), un grupo de personas que han entregado su vida (en teoría voluntariamente) a la Casa de Muñecas y cuyas personalidades han sido borradas para convertirse en carcasas vacías donde instalar diferentes identidades, recuerdos, o destrezas específicas -recibiendo así el nombre de “activos“. La Dollhouse, capitaneada por la gélida Adelle DeWitt (Olivia Williams), ofrece sus servicios ilegales a clientes adinerados, que buscan seres humanos para satisfacer sus fantasías, deseos (compañía, sexo, amor) o desempeñar tareas y misiones específicas, en ocasiones de carácter criminal. Echo (Eliza Dushku) es una doll que comienza a tomar consciencia de sí misma y de lo que está ocurriendo en la Dollhouse, convirtiéndose junto a otros muñecos, Sierra (Dichen Lachman) y Victor (Enver Gjokaj), y el agente del FBI Paul Ballard (Tahmoh Penickett) en la resistencia, la semilla de una revolución que pondrá en jaque a la organización y se enfrentará a un futuro desolador en el que la tecnología de la Dollhouse se ha propagado viralmente por el mundo.

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Dollhouse: antes y después

Dollhouse tuvo que atravesar un auténtico campo de minas para llegar hasta su final. Antes del estreno, presiones de la cadena, una franja horaria asesina (viernes noche) y dudas del propio autor con respecto al concepto y el tono de la serie. Después, malas críticas de los primeros episodios, la consiguiente falta de interés de la audiencia y la imposibilidad, debido a la naturaleza de la serie, de atraer a más fieles a mitad de su primera temporada. Para el episodio “Man on the Street” (1.06) Whedon tomaba el control, y su mente se despejaba, llevando a la serie por buen camino, pero era demasiado tarde. Desde luego, es fácil achacar el accidentado devenir de Dollhouse a factores externos, pero lo cierto es que el propio Whedon admitió en los primeros meses de la producción de Dollhouse que la serie se le fue de las manos. Ni él mismo tenía claro cómo quería que fuera. Y esto se reflejó en una primera temporada que de no existir la renovación, habría quedado condenada al ostracismo televisivo.

Al margen del frío recibimiento crítico y la indiferencia generalizada del público no-whedoniteDollhouse consiguió mantenerse en el candelero de la actualidad televisiva, generando noticias y artículos, y dando la campanada con una renovación sorpresa, lo que suponía una discreta revolución en la manera de hacer y ver televisiónDollhouse se marchó con la satisfacción de haber sido la primera serie renovada para una segunda temporada gracias a los fieles en la web, que hacían que semana tras semana la audiencia del episodio se doblase gracias al fiel seguimiento de la serie en plataformas como Hulu o iTunes y dispositivos digitales de grabación doméstica. Esta hazaña no puede pasarse por alto, y no es descabellado achacarla al nombre de Whedon. Si bien la audiencia no llegó nunca a remontar el vuelo, gracias a los fans, al estatus de autor respetado de Joss, y a la confianza que a pesar de todo depositó FOX (que le canceló Firefly 6 años atrás) en la serie, Dollhouse tuvo la oportunidad de evolucionar y tener una conclusión. Y en mi opinion, una muy satisfactoria, teniendo en cuenta las circunstancias.

El despropósito que resultó ser el episodio anterior, “The Hollow Men”, que cerraba el arco narrativo que tenía lugar en el presente (recordemos que la serie dio un salto hacia el futuro con su primer “Epitafio”), se ve compensado por una emotiva coda en “Epitaph Two: Return”. Todos los personajes y todas las relaciones reciben su cierre. Y todos y cada uno de ellos son en mayor o menor medida, redondos. Dejando a un lado los aspectos negativos que ensombrecieron la serie y supusieron un handicap en su recta final (la precipitación de las tramas, lo poco que conocíamos a los “dolls”, seres vacíos de personalidad y voluntad), creo que Jed Whedon, Maurissa Trancharoen (que tomaron las riendas de Joss) y Andrew Bliss lograron sacar el mayor partido a los personajes, y con el poco tiempo y la dificultad que tenían para desarrollarlos, les dieron (y nos regalaron) el mejor final posible a cada uno. Que en una serie cancelada antes de tiempo todos los personajes tengan un final ya es admirable, pero la sensación de completitud que nos proporcionó “Epitaph Two” fue increíble para los seguidores de la serie.

 Adelle Topher 2x13

Sobre “Epitaph Two: Return” (2×13)

(Spoilers del final de Dollhouse a continuación. Artículo publicado originalmente en Whedonverso.com)

Los diez años que pasan entre “The Hollow Men” y “Epitaph Two: Return” han cambiado a algunos personajes, y han reforzado las personalidades de otros, manteniéndose fieles a lo que conocimos durante la serie. En ambos casos, todos han recorrido un camino lógico y coherente de acuerdo a lo que sabemos de ellos. Anthony y Alpha han cambiado. Sus evoluciones resultan impactantes, pero no desprovistas de lógica. Y es que no conocíamos realmente a ninguno de los dos. En este ultimo episodio presenciamos la conversión de la relación de cuento de hadas de Anthony y Priya en una real, con distanciamiento, rencor y dolor. Su emotiva reconciliación es uno de los puntos álgidos del episodio. Por otro lado, Alpha regresa a Dollhouse, y lo hace después de haber recorrido (en diez años como mucho) el mismo camino que Echo, un camino hacia la auto consciencia que, en el caso del personaje de Alan Tudyk, le lleva a la redención.

Me atrevo a decir que Adelle y Topher son lo mejor del episodio, incluso de la serie. El amor maternal que Adelle profesa a Topher es conmovedor, y es uno de los principales motores de Dollhouse. Topher Brink, el personaje que menos me gustaba durante la primera temporada acabó siendo uno de mis favoritos. Y la reina de Dollhouse, Adelle DeWitt, se marcha definitivamente como el personaje más fascinante de la serie.

La principal historia de amor romántico de la serie, la de Echo y Paul, llega a su conclusión en la última escena de la serie. La muerte de Paul completa a Echo, y tras una violenta epifanía (la Dushku se despide por todo lo alto) se rinde a lo que siente por él. El amor, o la consciencia del mismo, la completa. No somos nadie si no amamos a alguien. La amistad más pura, el amor maternal o romántico son lo que en última instancia nos definen, lo que da a la serie, en mi opinión, un final redondo. Echo se acuesta en su lecho de muerte a pasar el resto de la eternidad soñando junto a su amado (que no la despertará con un beso, porque ya no hace falta), tras cumplir su última fantasía. Un precioso pero devastador final que es imposible catalogar como final feliz, como no podía ser de otra manera, y que nos remite a A.I.: Inteligencia Artificial de Steven Spielberg. En ambas historias, el final feliz del protagonista no existiría sin una muerte, sin el dolor de la pérdida, y este final no es más que una fantasía alejada del mundo “real”.

Dollhouse dejó claro desde el principio que no sería una serie de acción al uso (aunque Fox así lo quisiera), sino que se esforzaría por crear un discurso complejo, y a menudo oscuro y pesimista, sobre el ser humano. Whedon se perdió en este discurso durante la primera temporada, a pesar de tener muy claros los conceptos que pretendía explorar. Por eso, durante la segunda temporada primó la acción y el entretenimiento. Y a pesar de esto, Dollhouse fue capaz de hallar finalmente el esquivo equilibrio entre acción e introspección que definió las anteriores obras de Whedon. Pese a todos sus problemas, Dollhouse acabó siendo un triunfo, una más que digna parcela del Whedonverso a la que hay que volver de vez en cuando.

Did I fall asleep?

Joss Whedon cubierta FINAL copiaComo ya sabéis, el próximo mes de marzo sale a la venta en España el libro De la Estaca al Martillo. Un viaje por los universos de Joss Whedon de BuffyLos Vengadores (Diábolo Ediciones), coordinado por un servidor e Irene Raya Bravo.

En él encontraréis por supuesto un capítulo sobre Dollhouse, firmado por mí, en el que os cuento la historia completa de la producción y analizo la serie en profundidad. Esta entrada es solo un pequeñísimo adelanto de lo que podréis encontrar en ese capítulo, y en el libro. Estoy deseando que lo leáis.

Crítica: Las ovejas no pierden el tren

Las ovejas no pierden el tren

El cine y la televisión están obsesionados con nosotros. Es decir, con la generación de entre 25 y 45 años, almas errantes que buscan su sitio en un mundo que ya no da tan claras sus instrucciones para ser un adulto. Las ovejas no pierden el tren retrata con gran acierto y sensibilidad a esa generación peterpanesca a la fuerza, para la que los sueños, los objetivos personales y metas profesionales se tornan más utópicos que nunca en este panorama de crisis (ya no solo económica). La película de Álvaro Fernández Armero (Nada en la nevera, El arte de morir) explora estas y otras ideas a través de un variopinto plantel de personajes que forman una gran familia española (biológica y creada), “adultos” de todas las edades en ese momento de la vida en el que uno se plantea qué ha hecho con ella, si está donde y con quien quería estar, y si ha perdido el último tren.

La pareja formada por Luisa (Inma Cuesta) y Alberto (Raúl Arévalo) ejerce de hilo conductor de la película. Son dos jóvenes treintañeros, inseguros padres de un niño, que buscan a su segundo hijo a pesar de las dificultades monetarias que están atravesando, y que les han llevado a irse a vivir al campo -para disgusto de él. Inma da clases de moda en una academia con más trampas que Los Goonies, y Alberto Las ovejas no pierden el tren posterresponde al arquetipo del escritor bloqueado que publicó una novela de éxito hace años y nunca logró pasar al siguiente capítulo profesional, problemas que afectarán seriamente a su vida en pareja. Los acompañan Juan (Alberto San Juan), el hermano de Alberto, periodista de 45 años divorciado que sale con una chica de 25 (Irene Escolar), uno de los muchos síntomas de su crisis de los 40, y Sara (Candela Peña), una suerte de Soshanna Shapiro (Girls) a la española, obsesionada con su vida 2.0, propensa a montarse películas y desesperada por encontrar al hombre que la lleve al altar.

Las ovejas no pierden el tren es un fresco cotidiano sobre la vida, las parejas y la familia en los tiempos que corren, una divertida e inspirada comedia coral que juega bien la baza de contar con algunos de los rostros más populares del actual star system patrio (menuda racha llevan Cuesta y Arévalo) y una madrina de excepción como Kiti Mánver. Es cierto que el film adolece de una estructura descentrada, caótica, y una historia tremendamente deslavazada (tanto como la vida de los protagonistas), y que podría haber sacado mucho más partido al material de haber contado con una dirección y un montaje menos… rústico (por ser generosos). Sin embargo, la película sale bien parada gracias a su energía optimista, y sobre todo a sus personajes. Todos están excelentemente escritos, de manera que funcionan a nivel abstracto, como arquetipos (incluso conceptos), pero también como personas reales. Destaca una divertidísima Peña (como siempre), tan caricaturesca como en última instancia humana y conmovedora. Como Sara, todos los personajes de Las ovejas no pierden el tren nos acaban desvelando la posibilidad de controlar el destino propio, de hallar un nuevo rumbo en una vida inesperada, conclusión más que certera para una obra tan moderna y clásica a la vez.

Valoración: ★★★½

Crítica: Invencible (Unbroken)

Jack O'Connell Miyavi Unbroken Invencible

Invencible (Unbroken) es la segunda película como directora de Angelina Jolie, tras la tibia recepción de su debut, En tierra de sangre y miel (2011), ambientada en la Guerra de Bosnia. En ella, Jolie se reafirma en su interés por la historia universal, explorando otro de sus capítulos bélicos, esta vez durante la Segunda Guerra MundialInvencible es la historia del recientemente fallecido Louis Zamperini, atleta olímpico norteamericano convertido en héroe de guerra que sobrevivió durante 47 días en una balsa tras el ataque a su bombardero, para ser finalmente capturado por los japoneses y mandado a un campo de prisioneros, donde logró sobrevivir a las torturas del enemigo durante otra larga temporada.

Jolie se vale de la inestimable ayuda de Joel y Ethan Coen, que firman el guión, una historia dividida en tres pasajes claramente diferenciados que dan como resultado un filme que es en realidad tres películas en una. De hecho, para mantenerlas separadas y garantizar la sensación de desespero y paso del tiempo, la película apenas posee interrupciones que desvíen la atención de sus dos últimas partes. En la primera sección conocemos a Zamperini (Jack O’Connell), un joven con el sueño de triunfar como atleta que ve su prometedora trayectoria profesional truncada por la llamada a filas. La segunda parte supone un largo acto central en el que el protagonista y dos supervivientes al bombardeo, Phil (Domhall Gleeson) y Mac (Finn Wittrock) se enfrentan al océano durante mes y medio, conformando una suerte de Todo está perdido en medio de la cinta. Por último, Invencible dedica su sección final a la pesadilla vivida por Zamperini y sus compatriotas (Garrett Hedlund, John Magaro) durante su cautiverio a manos de los nipones, centrándose en la relación entre el protagonista y “El Pájaro“, el sádico guardia japonés interpretado por Miyavi.

Unbroken posterPor todos es conocida la inclinación humanista y filantrópica de Jolie, sin embargo, esto no es lo que salta a la vista en Invencible. En su lugar, observamos a una directora más interesada en capturar la belleza de la historia en sus imágenes, como si la película fuese una sesión de fotos de Annie Leibovitz con el propósito de glamourizar la guerra. Confirma esta idea la elección de su elenco, un montón de niños bonitos de Hollywood (Jai Courtney aporta vello y músculo), reclutados para participar en el desplegable de moda de la Jolie, un trabajo que sacrifica la dureza del relato para llevar a cabo una oda a la belleza masculina -hasta cuando Hedlund enseña sus uñas destrozadas para dar cuenta del horror que ha vivido parece que estamos viendo un spot de L’Oreal o de Viceroy.

Este énfasis en lo estético desvía la atención del talento de sus actores, y sobre todo del mensaje, uno que además no está del todo claro, más allá del latente y almibarado patriotismo yanquiInvencible concluye con los clásicos rótulos que cuentan qué fue de los protagonistas, y ofrece una moraleja sobre el perdón que se antoja vacía e inoportuna, teniendo en cuenta que la directora no ha explorado nada de esto durante su metraje (como sí lo hizo recientemente Un largo viaje, secuela no oficial de esta película). Invencible es una obra visual y técnicamente excelente (impresionantemente filmadas las escenas aéreas durante el bombardeo que abre el film), sin embargo, sale perjudicada por la ausencia de un discurso claro y esa necesidad de revestir la mugre con una capa de Maybelline. La salva la portentosa interpretación de Jack O’Connell, loable ejercicio de resistencia de un actor joven cuya entrega absoluta al personaje de Zamperini es lo único que parece estar en sintonía con la angustia de esta historia real. Aunque no deje de estar guapo e ideal en ningún momento de su calvario.

Valoración: ★★★

Crítica: Autómata

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Texto escrito por David Lastra

¿Sueñan los Antonios con Melanies eléctricas? Lejos de parecer el titular de una nueva entrega de #LaHoraRosadeFNVLT esa es a grandes rasgos la premisa de la nueva película de Antonio Banderas y la que podría ser la última que le una a Melanie Griffith. Pero aparquemos el morbo de la ruptura del verano y hablemos de lo que realmente importa: Autómata, la nueva obra de Gabe Ibáñez (Hierro).

Antonio Banderas cumple al encarnar a Jacq Vaucan, un Josef K cualquiera, alienado por su trabajo y por su vida familiar. En su día eligió ser un agente de seguros de robots y se casó con una mujer, actualmente embarazada, pero todo eso ahora mismo no le hace sentir nada. El nihilismo de Vaucan agobia y empatiza con el espectador desde el primer momento. No sabe qué hacer, ni tampoco sabe dejarse llevar por los acontecimientos. Un prólogo bastante bien construido, nos coloca en medio de una distopía a medio camino entre la novela La carretera de Cormac McCarthy y los suburbios del Distrito 9 de Neil Blomkamp. La huella del realizador sudafricano es notable en Autómata, tanto que Ibáñez incurre en errores similares al realizador de Elysium. En ambos casos, las premisas son, si no genuinas, cuanto menos interesantes, pero se van diluyendo en una sucesión de tópicos y algún que otro estropicio a la hora de resolver 041751conflictos, especialmente en el caso de algunos secundarios que más que aportar a la trama, sólo sirven para maquillar el reparto, como es el caso de Dylan McDermott (American Horror Story) en Autómata o lo fue el de Jodie Foster en Elysium (esperemos que Hugh Jackman y Sigourney Weaver no se unan a la lista con Chappie).

Pero no todos van a ser palos para Autómata, si el trabajo de Blomkamp se ha llevado unas cuantas candidaturas a los Oscar, Ibáñez se merece cuanto menos algún que otro aplauso. Su pulcritud sucia a la hora de filmar es inusual. Posee una tecnicidad y una visión dentro del fantástico nunca antes vista en España y superior a los últimos productos europeos. El universo que ha ideado para este film es un regalo visual para todo amante del género. Desde la ciudad nocturna à la Blade Runner hasta el agobiante e interminable desierto por el que se adentra el protagonista, pasando por los autómatas rebeldes que dan título a la película. Además, su película nos sirve para recuperar a la mismísima Honey Whitlock, o lo que es lo mismo Melanie Griffith. Su participación (doble para aquel que vea la película en versión original) no nos proporciona ninguna lección de interpretación, pero sí un simpático guiño y un personaje que podría haber dado mucho más a la cinta. Esperemos que este papel y el advenimiento de su hija Dakota Johnson (Ben and Kate) como reina del sado para cutres en 50 sombras de Grey haga que nuestra Melania vuelva a tener interés por el celuloide (y que sea recíproco).

Autómata es una fábula existencialista con un envoltorio de primera y un esqueleto de saldo. Una verdadera pena con lo bien que pintaba.

Valoración: ★★½

¡Concurso! Consigue el juego Marvel Dice Masters – Avengers vs. X-Men (Set de inicio)

 Este concurso ya ha finalizado. Atentos a fuertecito no ve la tele para futuros concursos.

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¡Atención juegones, fans de Marvel, y demás interesados/as! Devir acaba de sacar a la venta el exitoso juego de dados Marvel Dice Masters – Avengers vs. X-Men en español y para celebrar el lanzamiento nos mandan un set de inicio para 2 jugadores (ya agotado en tiendas) para sortear entre todos los lectores de fuertecito no ve la tele.

 

Para participar, lo único que tenéis que hacer es responder a una sencilla pregunta:

¿POR QUÉ QUIERES LLEVARTE EL JUEGO?

Podéis participar de dos maneras:

1. Respondiendo a la pregunta en esta entrada
2. Respondiendo en ESTA FOTO de la página de Facebook de fuertecito no ve la tele

Si participáis en los dos sitios tenéis más oportunidades de ganar.

Bases:

xmen avengers dice– De entre todos los participantes elegiremos a un ganador (via Sortea2) que se llevará totalmente gratis 1 set de inicio para 2 jugadores de Marvel Dice Masters – Avengers vs. X-Men (foto). El ganador lo recibirá en su casa sin ningún gasto por su parte.

– El participante debe incluir su correo electrónico en el formulario de respuesta del blog (no aparecerá público) y se recomienda firmar con nombre y apellido (los pseudónimos son válidos). En Facebook no es necesario.

– Sólo contará una participación por dirección IP, las respuestas desde la misma IP con distinto nombre serán marcadas como spam. En Facebook solo se podrá participar una vez por cuenta personal.

– El plazo para participar en el concurso finaliza el viernes 6 de febrero de 2015 a las 23:59 (hora peninsular española). El ganador será anunciado a partir del día siguiente en la página de Facebook de fuertecito no ve la tele.

– Concurso válido sólo para España (península e islas).

– fuertecito no ve la tele se reserva el derecho de modificar o anular el concurso si fuera necesario.

¡Mucha suerte!

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  • ¡¡El revolucionario juego de Dados que triunfa en todo el mundo!!
  • Creado por Mike Elliott y Eric M. Lang
  • Sistema de construcción de mazo con dados
  • Reinterpretación del sistema de juego del legendario Quarriors
  • Todos los héroes de Marvel con sus ilustraciones más conocidas
  • Todo lo necesario para que 2 jugadores empiecen a jugar

Descripción del juego:

En Dice Masters, cada jugador se convertirá en un lider para dirigir las acciones de un equipo de individuos con superpoderes, como Spiderman, el Capitán América o Lobezno, entre muchos otros. En cada turno, se tiran los dados para comprar más dados, determinar los recursos, desplegar a los miembros del equipo y finalmente atacar al líder enemigo. Además, cada héroe tiene sus cartas de referencia, que le otorgan habilidades especiales. ¡Si reduces los puntos de vida de tu rival a cero, habrás ganado! Contiene 44 dados especiales: 12 de acción, 16 de personaje y 16 de comparsas, más 38 cartas, bolsa para dados y manual de instrucciones, todo en Español. 2 jugadores, 15 minutos por partida. Ampliable mediante sobres con cientos de nuevos dados para nuevas experiencias de juego, !!no hay dos partidas iguales!!

Componentes del set de inicio:

– 44 dados especiales (12 de acción básica, 16 de personajes, 16 de comparsas)
– 38 cartas (24 cartas de personajes, 10 cartas de acción básica y 4 tarjetas de recordatorio de color)
– 2 bolsas para dados

Más saber más y comprar Marvel Dice Masters – Avengers vs. X-Men visitad la página oficial de Devir.

Crítica: Fury (Corazones de acero)

Logan Lerman Brad Pitt

Texto escrito por David Lastra

En 2015, una película bélica puede dar más miedo y respeto que Macarena Gómez en Musarañas y un Babadook juntos. Como aquel que se atrevió a afirmar que “la Historia ha muerto”, el espectador clamaba que ya se había cansado de tiros, balas y soldados estadounidenses descuajeringando nazis (y viceversa). De ahí que esta clase de películas desapareciesen de las carteleras. Un reposo latente, no tan cercano a la muerte como otros géneros clásicos, como el western. De vez en cuando, alguna valiente como Kathryn Bigelow con En tierra hóstil, nos ha demostrado que todavía no lo hemos visto todo, que seguía habiendo historias que contar. Este 2015 es David Ayer (director de Sin tregua, guionista de Training Day) el culpable de que volvamos a ver tanques en la gran pantalla con su Corazones de acero (Fury).

Si destacábamos la originalidad de Bigelow a la hora de acercarse al conflicto, en el caso de Ayer, el aspecto más destacable es su sobriedad a la hora de rodar. Corazones de acero es un alivio ante las producciones de acción de nuevo cuño. Su clasicista decisión de no descoyuntarnos con movimientos de cámara imposibles que desafían a la velocidad de la luz es su gran acierto. Ese temple, junto a su acertada forma de narrar y de acotar los detalles y no dejarse llevar por tramas secundarias innecesarias, hace que la obra de Ayer remita directamente a clásicos como Sahara (en la que el mismísimo Humphrey Bogart capitaneaba un tanque el desierto libio) más que obras bélicas contemporáneas como La delgada línea roja o Salvar al Soldado Ryan. Corazones de acero nos cuenta los horrores de la guerra basándose en imágenes potentes y un guión solvente (que no Cartel CorazonesAcerosorprendente) sin caer en el romanticismo poético y aburrido de las dos últimas películas citadas. En este film, un caballo abierto en canal es la única opción de una mujer para encontrar comida y no una metáfora de la libertad del pueblo europeo.

El grupo salvaje encargado de domar a Fury (tanque) y acribillar alemanes, está capitaneado por un cumplidor Brad Pitt (también productor de la cinta), todo un seguro interpretativo en la última década, a medio camino entre John Wayne (en sus mejores momentos en el film) y su caricaturesca interpretación italiana de Malditos bastardos (en los peores). Acompañan correctamente al marido de Angelina Jolie, el enfant terrible de la performance Shia LaBeouf; Michael Peña, chico Ayer en Sin tregua; y el televisivo Jon Bernthal (The Walking Dead). A destacar la presencia del niño mimado de esta página, Logan Lerman (Las ventajas de ser un marginado), que se apunta otro tanto en la taquilla y otra notable interpretación. La credibilidad de este grupo puede haber ayudado a la elección de Ayer para lidiar con Will Smith o Jared Leto en Suicide Squad, el que está llamado a ser uno de los hypes cinematográficos del próximo año.

Corazones de acero es cine bélico hecho con plantilla. No sorprende, ni emociona, pero tampoco aburre en ninguno de sus ciento treinta y cuatro minutos, y eso tiene mucho mérito.

Valoración: ★★★½

Crítica: Into the Woods

INTO THE WOODS

Antes de que Disney sacase el proyecto adelante en 2012, Into the Woods llevaba más de veinte años en preproducción. Llegó a tener varias casas (Columbia y la Henson Company se encargaron de las primeras versiones), varios directores, y repartos completos que fueron sustituidos con cada (falsa) puesta en marcha, hasta que finalmente quedó en parón durante 15 años. La adaptación del popular musical de Broadway escrito por Stephen Sondheim (canciones) y James Lapine (libreto) parecía condenada a permanecer en el limbo de Hollywood hasta que fue rescatada por la compañía de Mickey Mouse, donde el proyecto encajaba como zapato de cristal. El renacimiento de los cuentos de hadas (ya oficialmente empacho y saturación) en la Disney y sus afiliadas televisivas (Disney Channel y ABC a la cabeza) propiciaba el panorama idóneo para que Into the Woods por fin viese la luz más allá de los árboles. Y así ha sido, bajo la nueva línea comercial de la compañía, y la dirección del veterano Rob Marshall (Chicago, Nine), los amantes de Broadway por fin pueden (podemos) disfrutar del célebre musical en su deslumbrante versión cinematográfica.

Into the Woods practicaba el meta-humor, la reinvención de estereotipos, la autoparodia, el crossover, el mash-up y otras estrategias postmodernas mucho antes de que estas estuvieran tan en boga. La película entrelaza los cuentos de los hermanos Grimm en una historia donde los personajes de Caperucita Roja, Rapunzel, Jack y las habichuelas mágicas y La Cenicienta comparten el mismo espacio narrativo, con el propósito de explorar las consecuencias de sus deseos y sus actos (algo así como un “y qué pasó después”). Para juntarlos a todos, el musical parte de dos personajes originales, el Panadero (James Corden) y su mujer (Emily Blunt), dos humildes campesinos que no pueden tener hijos a causa de la maldición de una Bruja (Meryl Streep), que regresa para devolverles la fertilidad a cambio de que estos le consigan una lista de objetos mágicos del bosque: el zapato de Cenicienta, un mechón dorado de Rapunzel, la capucha roja de Caperucita y una vaca blanca. Esta premisa da lugar a una comedia de enredos cuya acción principal tiene lugar en el bosque, un espacio de sueño y pesadilla (casi una representación onírica del subconsciente en la que todo puede pasar), reconvertido en escenario donde las “fábulas” entran y salen de escena, se cruzan y desaparecen entre la maleza, conservando así el espíritu teatral de la obra.

INTO THE WOODS

Y es que el punto fuerte de Into the Woods no son las canciones (si me lo permitís, con excepción de una o dos, fáciles de olvidar), sino la comedia. Es cierto que vista hoy en día, la historia ha perdido parte de la cualidad transgresora y originalidad, lo que la convertía en una obra rompedora y única a finales de los 80. Sin embargo, el material sigue siendo excelente y ha logrado aguantar el tiempo, sobre todo gracias a un sentido del humor irreverente, con un punto oscuro y perverso, e incluso un poso de tristeza, que nos deja números y diálogos para el recuerdo (o el trauma, según se mire): el encuentro del Lobo (Johnny Depp a punto de cargarse la película) y Caperucita, reimaginado como el incomodísimo cortejo de un pederasta a su víctima (definitivamente trauma); “Agony!”, el tronchante duelo de egos en el arroyo entre los dos Príncipes (divertidísimos Chris Pine y Billy Magnussen); o la muy millenial “On the Steps of the Palace”, en la que la indecisa Cenicienta (Anna Kendrick) se convierte básicamente en Shoshanna Shapiro. Todo va viento en popa, hasta que un giro inesperado cerca del final produce un impasse a partir del cual el ritmo decae dramáticamente, provocando que la última media hora de la película parezca un epílogo interminable (a pesar de un par de números sobresalientes).

Into the Woods es un film técnica y artísticamente impecable, pero también irregular. Uno capaz de darnos secuencias soberbias, como el prólogo -cuyo espectacular montaje ya le valía la nominación al Oscar que le han negado-, pero también de perderse (nunca mejor dicho) en sus numerosos y repetitivos rizos argumentales. Al final, es el reparto lo que aporta la unidad necesaria en una obra con tantos flancos abiertos que es imposible no perder el norte. Los actores están espléndidos (y sus cuerdas vocales a la altura), en especial los niños, Lilla Crawford y Daniel Huttlestone (reencarnación de Pedro, el del dragón Elliott) y las esperpénticas Christine Baranski y Lucy Punch (carcajadas aseguradas con ellas). Pero sin duda alguna, la robaescenas oficial de Into the Woods es Emily Blunt -quien merecía la nominación tanto o más que Streep, aunque fuera solo por sus encuentros con el Príncipe. Ya la teníamos más que fichada, pero con esta película confirma lo que sabíamos: posee uno de los talentos más completos y polivalentes del Hollywood actual. Blunt se revela como el alma de Into the Woods, proyectando luz propia en una historia que no tiene miedo a adentrarse en los vericuetos más oscuros del bosque, y que en última instancia nos proporciona una moraleja agridulce sobre la responsabilidad y la familia que corona una película más fiel en forma y espíritu a los cuentos originales de los Grimm que cualquier otra de Disney.

Valoración: ★★★½

Crítica: Big Eyes

BIG EYES

Cuando nos enteramos de que Tim Burton se iba a ocupar del biopic de Margaret y Walter Keane, Big Eyes, sonaron campanas de esperanza para los fans del director de Eduardo manostijeras. ¿Será posible que Burton vaya a volver a sus días de Ed Wood? ¿Se ha dado cuenta por fin de que tanta pantalla verde estaba matando su creatividad? ¿Detendrá con esta película su imparable caída en la autoparodia? Poco después, cuando confirmamos que ni Johnny Depp ni Helena Bonham Carter formarían parte del elenco de Big Eyes, clamamos Aleluya al cielo. La cosa pintaba bastante bien, y el proyecto auguraba una vuelta a la forma que tanto el director como sus fieles seguidores necesitaban.

Pues bien, después de ver Big Eyes, podemos decir que Burton no ha recuperado el lustre de antaño (quizás ni esté interesado ni el siglo XXI se lo va a permitir), pero al menos ha realizado su film más centrado en años, un trabajo des-burtonizado y descargado de florituras innecesarias (y de ridículos bailes de celebración anticlimática) que desvía la atención hacia lo importante: el excelente trabajo interpretativo de Amy Adams como la amantísima y achantadísima ama de casa de los 50 Margaret Kane.

Big EyesBig Eyes cuenta la fascinante historia de esta artista obligada a pintar cuadros en la sombra mientras su marido se llevaba la gloria por su trabajo. Así, nos adentramos en la psique de Margaret para descubrir la motivación tras los famosos óleos de niños con los ojos enormes que incitaron el debate en los 60 sobre la validez del arte pop y la (re)producción en cadena de las obras de arte (muy bien aderezado con la cómica presencia de Jason Schwartzman como el galerista Ruben). Burton rasca y encuentra, sin embargo no logra profundizar todo lo que pedía una historia con tanto potencial como esta –queríamos sobresaliente drama de autor y nos conformamos con notable peli de sobremesa. El director establece un claro paralelismo entre la obra de Keane y el matrimonio de Margaret y Walter, ese monstruo despiadado con disfraz de caballero salva-divorciadas-en-peligro que interpreta el ubicuo (eufemismo de pesado) Christoph Waltz. De ambos extrae una suerte de reflexión sobre las apariencias y la falsedad/falsificación que resulta atinada, pero que se diluye en las formas de biopic tradicional que Burton adopta.

Al final, Big Eyes es eso, una oportunidad perdida, un film al que poco se le puede reprochar (la también des-elfmanizada partitura de Danny Elfman, la puesta en escena, el diseño de producción, el estilismo, todo más que adecuado), pero al que nos vemos obligados a cantar las alabanzas con la boca pequeña. Para bien, el sutilmente virtuoso trabajo de Adams, que personifica a la perfección el paradigma de la mujer en la época de transición de los 60 y muestra en sus expresivos y acuosos ojos todo lo que Burton no nos cuenta sobre el personaje. Para mal, el de Waltz, que a pesar de regalarnos la escena del juicio (un acto final que divierte pero nada más), se deja en evidencia con una (otra) interpretación histriónica, clonada de las anteriores, y cargada de mohínes que, al menos, nos sirve para celebrar con mayor entusiasmo la catarsis del triunfo y liberación de Margaret Kane.

Valoración: ★★★½

Crítica: Project Almanac

PROJECT ALMANAC

En Project Almanac, David Raskin (Jonny Weston), nerd de elevado cociente intelectual, socialmente inadaptado y (cómo no) con aspecto de modelo de Abercrombie & Fitch, encuentra junto a su hermana la cámara de vídeo de su difunto padre en el ático. En ella hay una grabación del día de su séptimo cumpleaños, donde David se descubre a sí mismo (o sea, a su yo del presente) reflejado en un espejo. Es la primera pista que le llevará a desempolvar un proyecto secreto del gobierno en el que su padre había estado trabajando antes de morir: una máquina del tiempo. Junto a sus dos mejores amigos, cerebritos pringaos, su hermana (un ente rubio sin personalidad) y la chica de sus sueños (que pasaba por ahí), el muchacho forma una suerte de “Club de los cinco” (en realidad son más “El club de los incomprendidos“) con el que logra poner en funcionamiento el dispositivo. El potencial de la máquina es ilimitado, y los chicos la usan como todos lo haríamos, claro está: tras descartar el asesinato de Hitler (chiste obligado), ganar la lotería, hacer cara a sus bullies, irse a desfasar a un festival de música, ser popular en el insti y conseguir que la chica se enamore de ti. Sin embargo, con cada aventura en el pasado van alterando el presente, hasta que el efecto mariposa desemboca en tragedias personales y a escala mundial.

Project Almanac posterAl igual que Ouija es “terror” para treceañeros, Project Almanac es “ciencia ficción” para la nueva generación MTV (cadena que produce el film). Dean Israelite, el realizador de la cinta, nos propone junto a los productores Brad Fuller (los remakes de La matanza de TexasViernes 13Ninja Turtles, la mencionada Ouija) y Michael Bay (sobran las presentaciones) una actualización del cine de viajes en el tiempo que amasa los tópicos recurrentes del género junto a los ingredientes artificiales de la nueva ola de ficción televisiva de la ex Cadena Musical. Es decir, aventuras clásicas, paradojas temporales, chicos guapos de catálogo de surf, chicas en bikini y shorts estranguladores aullando cachondas, espíritu y estética Spring Breakers, product placement (no falla el insólito plano de cierta bebida energética amiga de la cadena) y un falso halo de autoconsciencia e ingenio que pretende que nos la tomemos más en serio de lo que se merece (a lo Teen Wolf). Vamos, que durante todo su metraje Project Almanac se esfuerza en parecer lista, pero no puede ocultar la evidencia: será muy guapa y resultona, pero es tonta de remate.

Por esto, Project Almanac supone una oportunidad perdida. Tenía todo lo que hacía falta para postar como nuevo clásico de culto teen, pero se pierde en incontables agujeros narrativos y se autoboicotea recurriendo al hastiado estilo found footage en un intento de emular a Chronicle (2012) -la película busca desesperadamente motivos para que sus personajes sigan grabando pero no repara en que las escenas grabadas con un solo móvil no deberían tener montaje plano-contraplano. Cuando los protagonistas empiezan a construir la máquina del tiempo, se suceden las escenas sin sentido y la irrisorias explicaciones científicas a medias tintas. Pero da igual, antes de que nos empecemos a plantear de verdad lo pobremente hilado que está todo, la fiesta nos interrumpe, y nos damos cuenta de que el film no aspira a otra cosa más que a embelesar al adolescente salidorro con ganas de Lollapalooza (festival donde el film no le importa perder el tiempo). Para ello, Project Almanac incurre entre otras cosas en el sexismo más lamentable: ellos son los genios que aspiran a entrar en la universidad y obtener la gloria profesional, los que llevan la voz cantante en el proyecto mientras ellas se conforman con estar buenas, ser objetos de deseo y sujetar la cámara (literalmente, la hermana solo se pone delante de ella para enseñar cacho). Nada de esto nos sorprende teniendo en cuenta los distinguidos nombres que hay tras el proyecto, pero nos apena ver cómo lo que empieza como una más que decente y entretenida película de aventuras, que acaba convirtiéndose en otro Red Bull audiovisual.

Valoración: ★★

Crítica: Big Hero 6

BIG HERO 6

“Por aquí no miramos hacia atrás durante mucho tiempo. Seguimos moviéndonos hacia delante, abriendo nuevas puertas y probando cosas nuevas. La curiosidad nos conduce siempre hacia nuevos caminos” -Walt Disney

Esta cita se incluye al final de uno de los primeros “Clásicos Disney” de la nueva era Lasseter de la compañía, Descubriendo a los Robinsons. Aquella extravagante aventura a lo Jetsons ponía de manifiesto la intención renovadora del estudio, que tras varios sonados fracasos necesitaba urgentemente dar un salto hacia el futuro. Y así fue, la casa de Mickey Mouse comenzó un proceso de actualización que, sin dejar de mirar atrás (Tiana y el sapo), se proponía adaptar el estudio a las sensibilidades comerciales y la nueva realidad social del siglo XXI. El punto de inflexión decisivo fue el gigantesco éxito de Frozen, un cuento de princesas que suponía la culminación del ejercicio desmontador de estereotipos que Disney llevaba realizando desde hacía unos años. El público masivo volvía a estar interesado en Disney, a Internet le encantaba el mensaje transgresor que llevaba consigo, y tanto las horas bajas de Pixar como la incorporación de Marvel propiciaban la sinergia perfecta para dar el siguiente paso.

De esa sinergia nace Big Hero 6, basada en un cómic estilo manga de la Casa de las Ideas publicado en 1998, sobre un equipo de superhéroes adolescentes liderados por un genio de 13 años, Hiro Hamada. Sus directores, Don Hall y Chris Williams, insisten en que la película no es una adaptación de Marvel, sino una de Disney ambientada en su propio universo. Sin embargo, a lo largo de todo el metraje queda patente la influencia de las películas de Marvel Studios, cuyo increíble éxito ha proporcionado una fórmula infalible que se ha puesto en práctica tanto en la Fase 2 del MCU como en esta película. Big Hero 6 es una origin story en toda regla, el relato de la formación de un súper equipo marveliano, con todas sus fases y todos sus elementos, incluida la escena post-créditos, que en este caso además incluye un genial cameo que corrobora todo lo anterior.

Big Hero 6Y ahí es precisamente donde Big Hero 6 encuentra su talón de Aquiles, en su naturaleza formulaica. Hall y Williams llevan a cabo una obra vibrante y espectacular que sin embargo sabemos exactamente por dónde va a tirar en todo momento, lo que elimina el factor sorpresa. No falta ninguno de los ingredientes cultivados en los Laboratorios Disney a lo largo de esta última década: las dosis de lección educativa con ese toque moderno que esquiva el sermón (“estudia una carrera”, “ponte el cinturón”), la ruptura de estereotipos (el nerd es un coqueta, el negro grandullón es un miedica), la representación (chica butch con curvas, chica nerd hiperfemenina, equipo multirracial), el feminismo (“woman up!”), la tierna amistad imposible, la escena impactantemente dramática en la que perdemos a un personaje (Disney nunca ha ocultado la muerte a sus espectadores, pero desde que Buscando a Nemo demostró la verdadera eficacia del recurso no se ha dejado de explotar), y ese final emotivo made in Pixar que en este caso está protagonizado por Hiro y el robot Baymax. Ojo, nada de esto es intrínsecamente negativo, todo lo contrario. Necesitamos esa ruptura, esa transgresión en el cine “para niños”, pero al igual que ocurre con las de Marvel, llega un momento en el que hace falta algo más que la repetición paso a paso de la fórmula para realizar una obra que no solo sea perfecta, sino algo más.

Con suerte, Big Hero 6 tiene alicientes de sobra para que pasemos por alto estos problemas y consigamos disfrutar como renacuajos. Visualmente es para quedarse bizco. Los escenarios fotorrealistas de la ciudad de San Fransokio (es decir, la bahía de San Francisco orientalizada) son alucinantes, con una topografía inabarcablemente detallada y una rica ambientación que fusiona con maestría espacios de ensueño (el vuelo al atardecer) y diferentes estilos (US home-made, cyber-punk, diners, calles de neón). Narrativamente, la historia de Hiro y sus superdotados héroes nos trae a la memoria algunos de los clásicos animados más celebrados del cine reciente: Cómo entrenar a tu dragónLos Increíbles, WALL-Ey sobre todo, El gigante de hierro, obra de culto con la que Big Hero 6 comparte núcleo emocional, la amistad de un niño y su robot (con escena análoga en la que el primero oculta al segundo de su madre, con divertido resultado). Puede que los héroes (y villanos) sean algo más planos de lo que cabía esperar, pero la película lo compensa con memorables secuencias cómicas, acción trepidante, y sobre todo el adorable, entrañable y achuchable Baymax, un personaje redondo (nunca mejor dicho) que garantiza las carcajadas y del que es imposible no enamorarse.

Valoración: ★★★

Crítica: Siempre Alice

Julianne-Moore Still-Alice

Texto escrito por David Lastra

Perder algo es la mayor catástrofe para el ser humano. Ya sea la pérdida de un ser querido por fallecimiento o el extravío de un guante o un bonobús. La desaparición duele y el temor a la posible pérdida paraliza y horroriza a cualquiera. Pero la merma más terrorífica no es ese vacío ante la ausencia del otro, la mayor debacle personal es cuando el que se pierde es uno mismo. No hablamos de alguna que otra conducta que se desvía del buen camino, sino de la pérdida absoluta de la identidad perfecta que hemos ido construyendo a base de acumular conocimientos y hostias. El bicho que termina con todo eso es el Alzheimer. Dicha enfermedad irrumpe y termina progresivamente con todo aquello, de manera inexorable. Poco a poco la persona se ve despojada de su bien más preciado: su identidad. No ser perfectos nos hiere. Una pérdida propia que afecta a los allegados, ya que no solo nos estamos perdiendo nosotros, sino que estamos haciendo que los demás nos pierdan a nosotros. Ese es el punto de partida de Siempre Alice, la nueva película de Richard Glatzer y Wash Westmoreland (directores de Quinceañera y La última aventura de Robin Hood), protagonizada por Julianne Moore (¿hace falta decir de qué conocemos a esta mujer?).

A través de las pautas de un melodrama social clásico, Siempre Alice muestra de forma detallada los estadios de una reputada lingüista profesora de la Universidad de Columbia desde el momento de su diagnóstico precoz de Alzheimer familiar hasta una de sus últimas etapas. Sin llegar a ser un producto magistral, se agradece el loable equilibrio a la hora de mostrar semejante drama, ya que en las manos equivocadas (Susanne Bier, por ejemplo) se hubiese convertido con total seguridad en un dramón lacrimógeno de sobremesa televisiva. El poso amargo y esperanzador bien construido recuerda al que nos dejó ¿Qué hacemos con Maisie? el año pasado, cinta que curiosamente también protagonizaba Julianne Moore.

Kristen-Stewart-and-Julianne-Moore

Como es normal, el buen hacer de la película encuentra su apoyo principal en su intérprete protagonista, que sabe cómo hacerse con esta compleja Alice desde el primer momento. Uno de los mayores miedos ante este proyecto era ver a una Julianne Moore sobreactuada y desbocada ante semejante huracán emocional. Por el contrario, Moore sabe medir y acotar su conocido dramatismo extremo y componer una Alice descarnada y terrena, completamente realista. Encarnando a su familia, encontramos a Alec Baldwin, que se reencuentra con Julianne después de su efímero romance en la serie 30 Rock, a un viejo conocido como Silas Botwin (Hunter Parrish) y Kate Bosworth, olvidada Lois Lane de la aún más olvidada Superman Returns. Mención aparte merece Kristen Stewart, la única capaz a la altura interpretativa de Moore en la cinta. La que fuera Bella Swan en la saga Crepúsculo vuelve a demostrar que cuando quiere (y le dejan, porque a ver quién lo hace bien con los guiones de sus aventuras con Edward Cullen), ella puede hacerlo muy bien. Esperamos que no quede mucho más para disfrutar de Camp X-Ray y Sils Maria.

La única pega de esta Siempre Alice es que la doctora Alice  Howland pasará a la historia como el personaje que hizo que Julianne Moore consiguiese su primer Oscar, cuando todos queríamos que ese honor lo tuviese Amber Waves de Boogie Nights.

Valoración: ★★★

¡Concurso! Consigue ARMAS DE MUJER en Blu-ray

 Este concurso ya ha finalizado. Atentos a fuertecito no ve la tele para futuros concursos.

working girl

20th Century Fox Home Entertainment sigue editando en Blu-ray su catálogo de clásicos remasterizados, y en enero le toca el turno al clásico de los 80 ARMAS DE MUJER (Working Girl), ya a la venta en nuestro país. Para celebrar este lanzamiento y agradeceros vuestro apoyo incondicional, Fox y fuertecito no ve la tele os queremos dar la oportunidad de conseguir totalmente gratis una copia de la película, dirigida por Mike Nichols y protagonizada por Melanie Griffith, Harrison Ford y Sigourney Weaver.

Para participar, lo único que tenéis que hacer es responder a la siguiente pregunta:

¿CUÁL ES VUESTRO TRABAJO SOÑADO?

Podéis participar de dos maneras:

1. Respondiendo a la pregunta en esta entrada
2. Respondiendo en ESTA FOTO de la página de Facebook de fuertecito no ve la tele

Si participáis en los dos sitios tenéis más oportunidades de ganar.

Bases:

armas de mujer– De entre todos los participantes elegiremos a un ganador (via Sortea2) que se llevará totalmente gratis 1 copia de Armas de mujer Blu-ray (foto). El ganador la recibirá en su casa sin ningún gasto por su parte.

– El participante debe incluir su correo electrónico en el formulario de respuesta del blog (no aparecerá público) y se recomienda firmar con nombre y apellido (los pseudónimos son válidos). En Facebook no es necesario.

– Sólo contará una participación por dirección IP, las respuestas desde la misma IP con distinto nombre serán marcadas como spam. En Facebook solo se podrá participar una vez por cuenta personal.

– El plazo para participar en el concurso finaliza el jueves 22 de enero de 2015 a las 23:59 (hora peninsular española). El ganador será anunciado a partir del día siguiente en la página de Facebook de fuertecito no ve la tele.

– Concurso válido sólo para España (península e islas).

fuertecito no ve la tele se reserva el derecho de modificar o anular el concurso si fuera necesario.

¡Mucha suerte!

 

Belleza, inteligencia, encanto. Tess McGill (Melanie Griffith), lo tiene todo. De hecho, tiene todo lo que hace falta para triunfar excepto el corte de pelo adecuado, la ropa adecuada y lo más importante de todo, el trabajo adecuado. Atrapada durante demasiado tiempo trabajando en un pool de secretarias, Tess decide darle un giro a su vida. Cuando su clasista y seductorajefa (Sigourney Weaver) se rompe una pierna esquiando, Tess toma, literalmente, su lugar, incluyendo su casa, su gigantesco despacho con increíbles vistas y sus vestidos de 6.000 dólares. Convenientemente disfrazada, Tess se alía con un, inteligente y muy atractivo, inversor de Wall Street (Harrison Ford) y juntos idearán un negocio que puede lanzar a Tess a la fama o hundirla para siempre.

Contenidos adicionales del Blu-ray:

-Trailer para cines
– Anuncios para televisión: “Sé mi secretaria, “La mujer al mando” y “Muy famosa”

¡Concurso! Consigue EL GUATEQUE en Blu-ray

 Este concurso ya ha finalizado. Atentos a fuertecito no ve la tele para futuros concursos.

the party

20th Century Fox Home Entertainment sigue editando en Blu-ray su catálogo de clásicos remasterizados, y en enero le toca el turno a la mítica EL GUATEQUE, de Blake Edwards, ya a la venta en nuestro país. Para celebrar este lanzamiento y agradeceros vuestro apoyo incondicional, Fox y fuertecito no ve la tele os queremos dar la oportunidad de conseguir una copia de la película totalmente gratis.

Para participar, lo único que tenéis que hacer es responder a la siguiente pregunta:

¿A QUÉ PERSONAJE(S) DE FICCIÓN INVITARÍAS A TU GUATEQUE?

Podéis participar de dos maneras:

1. Respondiendo a la pregunta en esta entrada
2. Respondiendo en ESTA FOTO de la página de Facebook de fuertecito no ve la tele

Si participáis en los dos sitios tenéis más oportunidades de ganar.

Bases:

Blu-ray– De entre todos los participantes elegiremos a un ganador (via Sortea2) que se llevará totalmente gratis 1 copia de El guateque en formato Blu-ray (foto). El ganador lo recibirá en su casa sin ningún gasto por su parte.

– El participante debe incluir su correo electrónico en el formulario de respuesta del blog (no aparecerá público) y se recomienda firmar con nombre y apellido (los pseudónimos son válidos). En Facebook no es necesario.

– Sólo contará una participación por dirección IP, las respuestas desde la misma IP con distinto nombre serán marcadas como spam. En Facebook solo se podrá participar una vez por cuenta personal.

– El plazo para participar en el concurso finaliza el jueves 22 de enero de 2015 a las 23:59 (hora peninsular española). El ganador será anunciado a partir del día siguiente en la página de Facebook de fuertecito no ve la tele.

– Concurso válido sólo para España (península e islas).

fuertecito no ve la tele se reserva el derecho de modificar o anular el concurso si fuera necesario.

¡Mucha suerte!

 

¡La fiesta nunca termina con Peter Sellers en esta alocada comedia! El director Blake Edwards y el genial cómico Peter Sellers, brillante dúo detrás de La Pantera Rosa (1964) -reunidos para esta escandalosamente divertida comedia de culto. Después de acceder por error a una lista VIP de Hollywood, el torpe actor Hrundi Bakshi (Sellers) se encuentra en una opulenta fiesta, mezclándose con sexys estrellas de cine y otros miembros de la élite. Desafortunadamente, las cosas toman un giro y la fiesta se convierte en un desastre. Una invasión de burbujas, un elefante caprichoso -así como la propia carrera de Hrundi enredados en esta alocada obra maestra.

Contenidos adicionales del Blu-ray:

– Dentro del guateque
– La revolución del guateque: un nuevo tipo de tecnología
– Perfiles de los cineastas
– Entrevistas antiguas de Peter Sellers
– Anuncios del banco Barclays
– Trailer de cine

Premios Fuertecito: Lo mejor (y peor) del cine de 2014 según los lectores de FNVLT

peliculasfuertecitas2014

Después de más de un mes de votaciones, me complace traeros el recuento final de los votos a lo más destacado en cine de 2014 según los lectores de fuertecito no ve la tele. Siete categorías que reconocen el mejor y el peor cine, los mejores cineastas, las interpretaciones más destacadas del año, y cómo no, a la gente más guapa del Séptimo Arte, porque si no no sería fnvlt.

Muchas gracias a todos los que habéis participado, se nota que habéis puesto empeño en la elaboración de vuestras listas. Al final de la entrada encontraréis los ganadores del sorteo en el que han participado todos los votantes que han enviado sus listas durante el último mes.

Sin más, os dejo con los resultados de los I Premios Fuertecito:

Her

MEJOR PELÍCULA

1. Her (224 puntos)

 

2. Boyhood (183 puntos)

3. Perdida (151 puntos)

4. Guardianes de la Galaxia (146 puntos)

5. El gran hotel Budapest (126 puntos)

6. Interstellar (118 puntos)

7. El lobo de Wall Street (101 puntos)

8. Mommy (89 puntos)

9. La isla mínima (71 puntos)

10. Nebraska (66 puntos)

 

FinalistasMagical Girl (65 puntos), X-Men: Días del futuro pasado (63 puntos), Coherence (62 puntos), Relatos salvajes (55 puntos), A propósito de Llewyn Davis (50 puntos), Cómo entrenar a tu dragón 2 (45 puntos), La LEGO película (43 puntos), Nymphomaniac Vol. 2 / El montaje del director (42 puntos, 7 votos), El congreso (42 puntos, 5 votos), Dos días, una noche (36 puntos).

 

300 peor pel´cula

PEOR PELÍCULA

1. 300: El origen de un imperio (28 puntos)

 

2. Maléfica (21 puntos)

3. Godzilla (17 puntos, 7 votos)

4. Ninja Turtles (17 puntos, 6 votos)

5. Hércules: El origen de la leyenda (14 puntos)

 

Finalistas: Transformers: La era de la extinción (13 puntos, 5 votos), [REC] 4: Apocalipsis (13 puntos, 4 votos), Dos tontos todavía más tontos (12 puntos), Drácula: La leyenda jamás contada (11 puntos), Transcendence (10 puntos).

 

Boyhood Linklater

MEJOR DIRECTOR

1. Richard Linklater, Boyhood (86 puntos)

 

2. Wes Anderson, El gran hotel Budapest (58 puntos, 18 votos)

3. David Fincher, Perdida (58 puntos, 17 votos)

4. Spike Jonze, Her (43 puntos)

5. Christopher Nolan, Interstellar (37 puntos)

 

Finalistas: Xavier Dolan, Mommy (34 puntos), Carlos Vermut, Magical Girl (21 puntos), Alberto Rodríguez, La isla mínima (16 puntos), Lars Von Trier, Nymphomaniac Vol. 2 / El montaje del director (13 puntos), James Gunn, Guardianes de la Galaxia (11 puntos).

 

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MEJOR ACTRIZ

1. Rosamund Pike, Perdida (89 puntos)

 

2. Patricia Arquette, Boyhood (55 puntos)

3. Anne Dorval, Mommy (32 puntos, 9 votos)

4. Marion Cotillard, El sueño de Ellis, Dos días, una noche (32 puntos, 8 votos)

5. Scarlett Johansson, Her, Lucy (31 puntos)

 

Finalistas: Bárbara Lennie, Magical Girl (26 puntos), Robin Wright, El congreso (24 puntos), Jessica Chastain, Interstellar, La desaparición de Eleanor Rigby (15 puntos), Brie Larson, Las vidas de Grace (14 puntos), Amy Adams, La gran estafa americana, Big Eyes (13 puntos).

 

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MEJOR ACTOR

1. Matthew McConaughey, Dallas Buyers Club, Interstellar, El lobo de Wall Street (74 puntos)

 

2. Joaquin Phoenix, Her, El sueño de Ellis (69 puntos)

3. Leonardo DiCaprio, El lobo de Wall Street (66 puntos)

4. Antoine Olivier Pilon, Mommy (26 puntos)

5. Ralph Fiennes, El gran hotel Budapest (25 puntos)

 

Finalistas: Oscar Isaac, A propósito de Llewyn Davis, Las dos caras de enero (23 puntos, 8 votos), Bruce Dern, Nebraska (23 puntos, 7 votos), Javier Gutiérrez, La isla mínima (20 puntos), José Sacristán, Magical Girl (19 puntos), Jared Leto, Dallas Buyers Club (17 puntos).

 

Chris Pratt

GUAPO DE CINE

1. Chris Pratt, Guardianes de la Galaxia, Her (80 puntos)

 

2. Michael Fassbender, X-Men: Días del futuro pasado (73 puntos)

3. Jake Gyllenhaal, Enemy (23 puntos)

4. James McAvoy, X-Men: Días del futuro pasado, La desaparición de Eleanor Rigby, Filth (21 puntos)

5. Chris Evans, Capitán América: El soldado de invierno (18 puntos)

 

Finalistas: Hugh Jackman, X-Men: Días del futuro pasado (17 puntos), Ben Affleck, Perdida (14 puntos), Joaquin Phoenix, Her, El sueño de Ellis (13 puntos), Logan Lerman, Noé (12 puntos, 4 votos), Bradley Cooper, La gran estafa americana, Serena (12 puntos, 3 votos).

 

Scarlett Johansson

GUAPA DE CINE

1. Scarlett Johansson, Lucy, Capitán América: El soldado de invierno (42 puntos)

 

2. Jessica Chastain, Interstellar, La desaparición de Eleanor Rigby, La señorita Julia (33 puntos, 12 votos)

3. Bárbara Lennie, Magical Girl (33 puntos, 6 votos)

4. Rosamund Pike, Perdida (29 puntos)

5. Marion Cotillard, El sueño de Ellis, Dos días, una noche (25 puntos)

 

Finalistas: Angelina Jolie, Maléfica (23 puntos), Robin Wright, El congreso (19 puntos), Eva Green, 300: El origen de un imperio (17 puntos, 5 votos), Margot Robbie, El lobo de Wall Street (17 puntos, 4 votos), Jennifer Lawrence, La gran estafa americana, X-Men: Días del futuro pasado, Los juegos del hambre: Sinsajo, Parte 1, Serena (16 puntos).

 

 

Ganadores del sorteo de Nymphomaniac – El montaje del director en Blu-ray cortesía de Cameo + obsequios de cine 2014 cortesía de 20th Century Fox:

– Jael Borrell Domingo

– Paula García Nadal

– Víctor Martínez Alfocea

Lo más fuertecito 2014 (TV)

fuertv2014 copia

 

Haciendo balance de 2014, no cabe duda de que ha sido un gran año para la ficción televisiva. Especialmente para el drama de cable, al que ahora debemos añadir el de servicios de video en streaming como Netflix o Amazon, que han empezado este año a desarrollar su verdadero potencial. Por el contrario, la comedia televisiva está de capa caída. Las cadenas generalistas no logran encontrar la próxima gran sitcom americana y la audiencia parece rechazar la mayoría de nuevas propuestas, a lo que se suma la despedida (paulatina o abrupta) de clásicos establecidos. Pero esto no quiere decir que no tengamos buenas comedias, nada más lejos de la realidad. Solo hay que buscar un poco.

Este año ha sido sin duda en el que se han implantado definitivamente los formatos más breves. Las event series y las miniseries (que en la mayoría de casos no son más que series normales disfrazadas con un número menor de episodios) acaparan la atención del seriéfilo, y además, el binge-watching se convierte en práctica (más) habitual gracias al lanzamiento de temporadas completas de una vez. El espectador quiere historias compactas, bien narradas y a ser posible, diseñadas para su consumo en un fin de semana. Y aunque algunas series de network se empeñen en refutar categóricamente la idea de que no se puede mantener la calidad haciendo 22 episodios al año (The Good Wife), casi todas las cadenas están reduciendo el número de capítulos de sus series o presentando las temporadas como acontecimientos limitados.

Por otro lado, los serieadictos temían este año por la inminente llegada de un gran número de remakes y adaptaciones de películas al formato serial, pero lo cierto es que de momento no ha sido para tanto. Es más, una de esas adaptaciones, Fargo, ha resultado ser una de las grandes sorpresas del año. Ya veremos qué pasa en 2015, porque es cuando comienza de verdad la invasión.

Por último, y en relación a lo que contaba en el segundo párrafo, 2014 también se ha caracterizado por la homogeneización de las temporadas, con un significativo número de series cuyas temporadas completas han estado escritas y dirigidas siempre por las mismas personas (True DetectiveThe KnickTransparent), apostando así de manera definitiva y manifiesta por la televisión de autor. Por todo esto, me aventuro a decir que este año ha sido clave en la evolución de las series de televisión, habiendo éstas alcanzado un nuevo nivel de sofisticación y poniendo el listón muy alto para la temporada que comienza.

Os dejo con mi resumen de lo mejor del año según mi criterio personal e intransferible (o sea, “lo más fuertecito”). 29 categorías o Top Ten en los que pretendo abarcar lo que para mí ha sido el 2014 seriéfilo. Pueden parecer demasiadas, pero creedme cuando digo que en la mayoría de categorías me he dejado muchos nombres y títulos fuera. Espero que tengáis mucho que comentar, y que os animéis a compartir vuestras propias listas.

Aviso para navegantes: Como todos los años, las fronteras entre drama y comedia están cada vez más difusas. Siempre digo que las mejores series dramáticas son las que más me hacen reír (The Good Wife Mad Men son comedias excelentes) y las catalogadas como comedia pueden tener un poso melodramático y melancólico (Transparent) o incluso llegar a ser muy duras y deprimentes (GirlsLouie, The Comeback), trascendiendo así las etiquetas. Y luego están las que son un híbrido 50/50 (una dramedia de verdad, vaya), como Orange Is the New Black. Si os choca ver alguna serie o intérprete en drama o comedia, espero que entendáis que había que dividir de alguna manera, y que he utilizado criterios tanto objetivos (duración de los episodios, formato) como personales para hacerlo.

 

mad-men-season-7

MEJOR SERIE (DRAMA)

1. Mad Men

 

2. The Good Wife

3. Juego de Tronos

4. Fargo

5. The Knick

6. Shameless

7. My Mad Fat Diary

8. Homeland

9. Sherlock

10. The Americans

 

louie-season 4

MEJOR SERIE (COMEDIA)

1. Louie

 

2. Girls

3. Please Like Me

4. Parks and Recreation

5. The Comeback

6. Him & Her: The Wedding

7. Broad City

8. Orange Is the New Black 

9. Veep

10. Wilfred

 

Fargo

MEJOR NUEVO DRAMA

1. Fargo

 

2. The Knick

3. The Leftovers

4. True Detective 

5. Halt & Catch Fire

6. The Affair

7. Manhattan

8. Penny Dreadful

9. The Strain

10. Outlander 

 

broad-city

MEJOR NUEVA COMEDIA*

1. Broad City

 

2. Transparent

3. You’re the Worst

4. Silicon Valley

5. Trophy Wife

6. Review

7. Garfunkel and Oates

8. Looking

9. Mozart in the Jungle

10. Enlisted

*He creído justo incluir también las ya canceladas.

 

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MEJOR EPISODIO (DRAMA)

1. “The Strategy” de Mad Men (7×06)

 

2. “Get the Rope” de The Knick (1×07)

3. “Guest” de The Leftovers (1×06)

4. “The Children” de Juego de Tronos (4×10)

5. “Dramatics, Your Honor” (5×15)/”The Last Call” de The Good Wife (5×16)

6. “Monsters Among Us” de American Horror Story: Freak Show (4×01)

7. “Morton’s Fork” de Fargo (1×10)

8. “Orphans” de American Horror Story: Freak Show (4×10)

9. “Redux” de Homeland (4×07)

10. “His Last Vow” de Sherlock (3×03)

 

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MEJOR EPISODIO (COMEDIA)

1. “Beach House” de Girls (3×07)

 

2. “Scroggin” de Please Like Me (2×07)

3. “In the Woods, Parts 1 & 2” de Louie (4×11-12)

4. “Elevator, Part 6” de Louie (4×09)

5. “Valerie Is Brought to Her Knees” de The Comeback (2×03)

6. “Episode 2.05” de Derek (2×05)

7. “Moving Up, Parts 1 & 2” de Parks and Recreation (6×21-22)

8. “Stolen Phone” de Broad City (1×06)

9. “Resistance” de Wilfred (4×09)

10. “Don’t Push” de Modern Family (6×02)

 

Elisabeth Moss

MEJOR ACTRIZ (DRAMA)

1. Elisabeth Moss (Mad Men)

 

2. Julianna Margulies (The Good Wife)

3. Allison Tolman (Fargo)

4. Emmy Rossum (Shameless)

5. Carrie Coon (The Leftovers)

7. Claire Danes (Homeland)

8. Sarah Lancashire (Happy Valley)

9. Robin Wright (House of Cards)

10. Eva Green (Penny Dreadful)

 

Martin Freeman

MEJOR ACTOR (DRAMA)

1. Martin Freeman (Fargo, Sherlock)

 

2. Jon Hamm (Mad Men)

3. Clive Owen (The Knick)

4. Benedict Cumberbatch (Sherlock)

5. Josh Charles (The Good Wife)

6. Peter Dinklage (Juego de Tronos)

7. Jeremy Allen White (Shameless)

8. Billy Bob Thornton (Fargo)

9. Dominic West (The Affair)

10. Kevin Spacey (House of Cards)

 

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MEJOR ACTRIZ (COMEDIA)

1. Lisa Kudrow (The Comeback)

 

2. Amy Poehler (Parks and Recreation)

3. Lena Dunham (Girls)

4. Julia Louis-Dreyfus (Veep)

5. Martha Plimpton (Raising Hope)

6. Taylor Schilling (Orange Is the New Black)

7. Abbi Jacobson (Broad City)

8. Mindy Kaling (The Mindy Project)

9. Beth Behrs (2 Broke Girls)

10. Kristen Bell (House of Lies)

 

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MEJOR ACTOR (COMEDIA)

1. Jeffrey Tambor (Transparent)

 

2. Ty Burrell (Modern Family)

3. Louis C.K. (Louie)

4. Ricky Gervais (Derek)

5. Josh Thomas (Please Like Me)

6. Chris Messina (The Mindy Project)

7. Thomas Middleditch (Silicon Valley)

8. Russell Tovey (Him & Her: The Wedding)

9. Garret Dillahunt (Raising Hope)

10. Daniel Radcliffe (A Young Doctor’s Notebook)

 

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MEJOR ACTRIZ SECUNDARIA (DRAMA)

1. Kathy Bates (American Horror Story: Freak Show)

 

2. Mare Winningham (The Affair, American Horror Story: Freak Show)

3. Christina Hendricks (Mad Men)

4. Sophie Turner (Juego de Tronos)

5. Christine Baranski (The Good Wife)

6. Carrie Preston (True Blood)

7. Helen McCrory (Peaky Blinders)

8. Margo Martindale (The Americans)

9. Jessica Paré (Mad Men)

10. Naomi Grossman (American Horror Story: Freak Show)

 

Dramatics, Your Honor

MEJOR ACTOR SECUNDARIO (DRAMA)

1. Alan Cumming (The Good Wife)

 

2. Bob Odenkirk (Fargo)

3. Jack Gleeson (Juego de Tronos)

4. William H. Macy (Shameless)

5. Vincent Kartheiser (Mad Men)

6. André Holland (The Knick)

7. Chris Bauer (True Blood)

8. John Slattery (Mad Men)

9. Robert Morse (Mad Men)

10. Charles Dance (Juego de Tronos)

 

EPISODES (Season 3)

MEJOR ACTRIZ SECUNDARIA (COMEDIA)

1. Kathleen Rose Perkins (Episodes)

 

2. Sarah Hyland (Modern Family)

3. Allison Williams (Girls)

4. Marcia Gay Harden (Trophy Wife)

5. Debra Lawrance (Please Like Me)

6. Kerry Howard (Him & Her: The Wedding)

7. Uzo Aduba (Orange Is the New Black)

8. Samira Wiley (Orange Is the New Black)

9. Pamela Adlon (Louie)

10. Gabby Hoffman (Transparent)

 

adam driver

MEJOR ACTOR SECUNDARIO (COMEDIA)

1. Adam Driver (Girls)

 

2. Jesse Tyler Ferguson (Modern Family)

3. Tony Hale (Veep)

4. David Earl (Derek)

5. Parker Young (Enlisted)

6. Andre Braugher (Brooklyn Nine-Nine)

7. Neil Patrick Harris (Cómo conocí a vuestra madre)

8. Chris Pratt (Parks and Recreation)

9. Matt McGorry (Orange Is the New Black)

10. Peter Facinelli (Nurse Jackie)

 

Ursula

MEJOR INTERPRETACIÓN INFANTIL (MENOS DE 16 AÑOS)

1. Ursula Parker (Louie)

 

2. Albert Tsai (Trophy Wife)

3. Kiernan Shipka (Mad Men)

4. Maisie Williams (Juego de Tronos)

5. Aubrey Anderson-Emmons (Modern Family)

6. Ryan Lee (Trophy Wife)

7. Emma Kenney (Shameless)

8. Hadley Delany (Louie)

9. Ethan Cutkosky (Shameless)

10. Joey King (Fargo)

 

Ellen Burstyn

MEJOR ESTRELLA INVITADA O CAMEO

1. Ellen Burstyn (Louie)

 

2. Nathan Lane (Modern FamilyThe Good Wife)

3. Sarah Baker (Louie)

4. Gabby Hoffman (Girls)

5. Carrie Preston (The Good Wife)

6. Stockard Channing (The Good Wife)

7. Denis O’Hare (The Good Wife)

8. Malcolm McDowell (Mozart in the Jungle)

9. Andrew Rannells (Girls)

10. Seth Rogen (The Comeback)

 

Parks and Recreation - Season 5

MEJOR REPARTO CORAL

1. Parks and Recreation

 

2. Modern Family

3. Orange Is the New Black

4. Trophy Wife

5. Shameless

6. Cougar Town 

7. Community

8. American Horror Story: Freak Show 

9. Him & Her: The Wedding

10. Brooklyn Nine-Nine

 

The-Sign-of-Three-Sherlock

PAREJA CON MÁS QUÍMICA

1. Benedict Cumberbatch y Martin Freeman (Sherlock)

 

2. Russell Tovey y Sarah Solemani (Him & Her: The Wedding)

3. Amy Poehler y Adam Scott (Parks and Recreation)

4. Ilana Glazer y Abbi Jacobson (Broad City)

5. Mindy Kaling y Chris Messina (The Mindy Project)

6. Russell Tovey y Jonathan Groff (Looking)

7. Deborah Ann Wol y Jim Parrack (True Blood)

8.  Maisie Williams y Rory McCann (Juego de Tronos)

9. Ben Feldman y Christin Milioti (A to Z)

10. Chris Geere y Aya Cash (You’re the Worst)

 

Josh Thomas

PERSONAJE TELEVISIVO DE 2014

1. Josh Thomas (Please Like Me)

 

2. Alicia Florrick (The Good Wife)

3. Peggy Olson (Mad Men)

4. Leslie Knope (Parks and Recreation)

5. Valerie Cherish (The Comeback)

6. Danny Castellano (The Mindy Project)

7. Abbi Jacobson (Broad City)

8. Gregory (Over the Garden Wall)

9. Maura Pfefferman (Transparent)

10. Dandy Mott (American Horror Story: Freak Show)

 

Joffrey

VILLANO DEL AÑO

1. Joffrey Baratheon (Juego de Tronos)

 

2. Lorne Malvo (Fargo)

3. Dandy Mott (American Horror Story: Freak Show)

4. Cersei Lannister (Juego de Tronos)

5. Laura (Him & Her: The Wedding)

6. Hannibal Lecter (Hannibal)

7. Yvone ‘Vee’ Parker (Orange Is the New Black)

8. Frank y Claire Underwood (House of Cards)

9. Grant Ward (Marvel’s Agents of S.H.I.E.L.D.)

10. Paulie G. (The Comeback)

 

The-Knick

MEJOR DIRECCIÓN

1. The Knick

 

2. True Detective

3. Girls

4. Fargo

5. Juego de Tronos

6. Louie

7. Peaky Blinders 

8. Please Like Me

9. Community

10. The Affair

 

over-the-garden-wall

MEJOR SERIE DE ANIMACIÓN

1. Over the Garden Wall

 

2. Bob’s Burgers

3. Hora de aventuras

4. Rick and Morty

5. Archer

6. BoJack Horseman

7. Regular Show

8. South Park

9. La oveja Shaun 

10. Los Simpson

 

MEJOR NUEVO OPENING

1. The Affair

 

2. Transparent

3. True Detective

4. Halt & Catch Fire

5. BoJack Horseman

6. Silicon Valley

7. American Horror Story: Freak Show

8. A to Z

9. Black Sails

10. Rick and Morty

 

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MEJOR BANDA SONORA (SCORE Y/O CANCIONES ORIGINALES)

1. The Knick

 

2. Fargo

3. Over the Garden Wall

4. Juego de Tronos

5. Girls

6. The Leftovers

7. Manhattan

8. Outlander

9.  House of Cards  

10. Hannibal

 

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MEJOR MOMENTO MUSICAL

1. Elsa Mars interpreta “Life on Mars” (American Horror Story: Freak Show)

 

2. Jane y Amia tocan el violín en el pasillo (Louie)

3. Greg canta “Potatoes and Molasses” (Over the Garden Wall)

4. Bertram Cooper interpreta “The Best Things in Life Are Free” (Mad Men)

5. Maura y Divina interpretan “Somebody That I Used to Know” (Transparent)

6. Todos los créditos iniciales de Please Like Me

7. Videoclip parodia “Eight Fucking Thousand Dollars” de Broad City

8. “What I Am“, el vídeo de YouTube de Marnie Michaels (Girls)

9. Sigur Rós interpretando (dos segundos) “The Rains of Castamere” en la boda de Joffrey y Margaery (Juego de Tronos)

10. Los créditos finales de BoJack Horseman interpretados por Grouplove

 

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MEJOR SEASON/SERIES FINALE

1. “The Children” de Juego de Tronos (4×10)

 

2. “Morton’s Fork” de Fargo (1×10)

3. “Waterloo” de Mad Men (7×07)

4. “Pamela: Part 3” de Louie (4×14)

5. “Glue” de My Mad Fat Diary (2×07)

6. “Moving Up, Parts 1 & 2” de Parks and Recreation (6×21-22)

7. “Happiness” de Wilfred (4×10)

8. “The Disco” de Him & Her: The Wedding (4×05)

9. “Last Forever” de Cómo conocí a vuestra madre (9×23-24)

10. “Alive Day” de Enlisted (1×13)

 

True-Blood-cena

PEOR SEASON/SERIES FINALE

1. “Thank You” de True Blood (7×10)

 

2. “Long Time Coming” de Homeland (4×12)

3. “Grace” de Californication (7×12)

4. “Papa’s Goods” de Sons of Anarchy (7×13)

5. “Stiiiiiiill Horny” de Suburgatory (3×13)

 

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GUAPA DE LA TELE

1. Lauren Cohan (The Walking Dead)

 

2. Alison Brie (Community, Mad Men)

3. January Jones (Mad Men)

4. Mackenzie Davis (Halt & Catch Fire)

5. Caitlin Stasey (Please Like Me)

6. Kat Dennings (2 Broke Girls)

7. Sophie Turner (Juego de Tronos)

8. Gillian Anderson (The Fall, Hannibal)

9. Emilia Clarke (Juego de Tronos)

10. Emmy Rossum (Shameless)

 

Jamie-Dornan-The-Fall-Season-2

GUAPO DE LA TELE

1. Jamie Dornan (The Fall)

 

2. Nikolaj Coster-Waldau (Juego de Tronos)

3. Jon Hamm (Mad Men)

4. Chris Messina (The Mindy Project)

5. Evan Peters (American Horror Story: Freak Show)

6. Tyler Hoechlin (Teen Wolf)

7. James Wolk (Mad Men, The Crazy Ones)

8. Justin Theroux (The Leftovers)

9.  Nick Blood (Marvel’s Agents of S.H.I.E.L.D.)

10. Matt Bomer (White CollarAmerican Horror Story: Freak Show)