Lo más fuertecito 2014 (cine)

Mommy

MEJOR PELÍCULA

1. Mommy de Xavier Dolan

 

2. Her de Spike Jonze

3. Boyhood de Richard Linklater

4. El congreso de Ari Folman

5. Perdida de David Fincher

6. God Help the Girl de Stuart Murdoch

7. Capitán América: El soldado de invierno de Joe y Anthony Russo

8. X-Men: Días del futuro pasado de Bryan Singer

9. La LEGO película de Phil Lord y Christopher Miller

10. Coherence de James Ward Byrkit

Podéis consultar el Top 25 completo aquí.

 

Boyhood Linklater

MEJOR DIRECTOR

1. Richard Linklater (Boyhood)

 

2. David Fincher (Perdida)

3. Xavier Dolan (Mommy)

4. Spike Jonze (Her)

5. Alain Giraudie (El desconocido del lago)

6. Nuri Bilge Ceylan (Sueño de invierno)

7. Darren Aronofsky (Noé)

8. Joe y Anthony Russo (Capitán América: El soldado de invierno)

9. Alexander Payne (Nebraska)

10. Peter Berg (El último superviviente)

 

Anne Dorval

MEJOR ACTRIZ PROTAGONISTA

1. Anne Dorval (Mommy)

 

2. Rosamund Pike (Perdida)

3. Robin Wright (El congreso)

4. Jessica Chastain (La desaparición de Eleanor Rigby, La señorita Julia)

5. Brie Larson (Las vidas de Grace)

6. Natalia Tena (10.000 Km)

7. Felicity Jones (The Invisible Woman)

8. Emma Thompson (Al encuentro de Mr. Banks)

9. Amy Adams (Big Eyes)

10. Emily Blunt (Al filo del mañana)

 

Joaquin Phoenix

MEJOR ACTOR PROTAGONISTA

1. Joaquin Phoenix (Her)

 

2. Antoine Olivier Pilon (Mommy)

3. Tom Hardy (Locke, La entrega)

4. Oscar Isaac (A propósito de Llewyn Davis)

5. Ralph Fiennes (El gran hotel Budapest)

6. Matthew McConaughey (Dallas Buyers Club)

7. Bruce Dern (Nebraska)

8. James McAvoy (La desaparición de Eleanor Rigby, Filth, X-Men: Días del futuro pasado)

9. Bill Murray (St. Vincent)

10. Christian Bale (La gran estafa americana)

 

Patricia Arquette

MEJOR ACTRIZ SECUNDARIA

1. Patricia Arquette (Boyhood)

 

2. Tilda Swinton (El gran hotel Budapest, Rompenieves)

3. Scarlett Johansson (Her)

4. Suzanne Clément (Mommy)

5. Agata Kulesza (Ida)

7. Melissa Sözen (Sueño de invierno)

8. Margot Robbie (El lobo de Wall Street)

9. June Squibb (Nebraska)

10. María León (Carmina y amén)

 

Fassbender Frank

MEJOR ACTOR SECUNDARIO

1. Michael Fassbender (Frank)

 

2. Jared Leto (Dallas Buyers Club)

3. Ethan Hawke (Boyhood)

4. Patrick d’Assumçao (El desconocido del lago)

5. Bradley Cooper (La gran estafa americana)

6. Om Puri (Un viaje de diez metros)

7. Willem Dafoe (El gran hotel Budapest)

8. Benicio del Toro (Escobar: Paraíso perdido)

9. Jeremy Irvine (Un largo viaje)

10. Will Forte (Nebraska)

 

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MEJOR GUIÓN

1. Her de Spike Jonze

 

2. Boyhood de Richard Linklater

3. Locke de Steven Knight

4. Coherence de James Ward Byrkit

5. 10.000 Km de Carlos Marques-Marcet

6. Perdida de Gillian Flynn (basado en su novela)

7. Mommy de Xavier Dolan

8. Sueño de invierno de Nuri Bilge Ceylan y Ebru Ceylan (basado en los relatos de Anton Chekhov)

9. Al filo del mañana de Christopher McQuarrie, Jez Butterworth y John-Henry Butterworth

10. La LEGO Película de Phil Lord y Christopher Miller

 

The Congress

MEJOR BANDA SONORA

1. El congreso de Max Richter

 

2. God Help the Girl de Stuart Murdoch

3. Noé de Clint Mansell

4. Solo los amantes sobreviven de Josef Van Wissem y SQÜRL

5. Perdida de Trent Reznor y Atticus Ross

6. Her de Arcade Fire

7. Interstellar de Hans Zimmer

8. La desaparición de Eleanor Rigby de Son Lux

9. El gran hotel Budapest de Alexandre Desplat

10. Divergente de Hans Zimmer y Junkie XL

 

I Love You All

MEJOR CANCIÓN

1. “I Love You All” (Frank)

 

2. “The Moon Song” (Her)

3. “God Help the Girl” (God Help the Girl)

4. “Everything Is Awesome” (La LEGO película)

5. “Garden’s Heart” (How I Live Now)

6. “Please Mr. Kennedy” (A propósito de Llewyn Davis)

7. “Yellow Flicker Beat” (Los juegos del hambre: Sinsajo, Parte 1)

8. “We’re Doing a Sequel” (El tour de los Muppets)

9. “It’s On Again” (The Amazing Spider-Man 2)

10. “No Fate Awaits Me” (La desaparición de Eleanor Rigby)

 

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PAREJA CON MÁS QUÍMICA

1. Channing Tatum y Jonah Hill (Infiltrados en la universidad)

 

2. Joaquin Phoenix y Scarlett Johansson (Her)

3. Tom Hiddleston y Tilda Swinton (Solo los amantes sobreviven)

4. Shailene Woodley y Ansel Elgort (Bajo la misma estrella)

5. Kristen Bell y Jason Dohring (Veronica Mars)

6. Imogen Poots y Aaron Paul (Need for Speed, Mejor otro día)

7. Pierre Deladonchamps y Patrick D’Assumpçao (El desconocido del lago)

8. Kate Winslet y Josh Brolin (Una vida en tres días)

9. Groot y Rocket (Guardianes de la Galaxia)

10. Bill Murray y Jaeden Lieberher (St. Vincent)

 

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MEJOR PELÍCULA DE ANIMACIÓN

1. La LEGO Película

 

2. Cómo entrenar a tu dragón 2

3. El congreso

4. Big Hero 6

5. El viento se levanta

6. Los Boxtrolls

 

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PEOR PELÍCULA

1. Tokarev de Paco Cabezas

 

2. El club de los incomprendidos de Carlos Sedes

3. [REC] 4: Apocalipsis de Jaume Balagueró

4. Hércules: El origen de la leyenda de Renny Harlin

5. Transcendence de Wally Pfister

6. Cuento de invierno de Akiva Goldsman

7. Ouija de Stiles White

8. 300: El origen de un imperio de Noam Murro

9. Vamos de polis de Luke Greenfield

10. Annabelle de John R. Leonetti

Podéis consultar el Top 20 completo aquí.

 

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PELÍCULA MÁS INFRAVALORADA O INJUSTAMENTE IGNORADA

1. Noé de Darren Aronofsky

 

2. Una vida en tres días de Jason Reitman

3. Infiltrados en la universidad de Phil Lord y Christopher Miller

4. Al filo del mañana de Doug Liman

5. Bajo la misma estrella de Josh Boone

6. Los juegos del hambre: Sinsajo, Parte 1 de Francis Lawrence

7. Enemy de Denis Villeneuve

8. Lucy de Luc Besson

9. God Help the Girl de Stuart Murdoch

10. Interstellar de Christopher Nolan

 

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GUAPA DE CINE

1. Scarlett Johansson (Capitán América: El soldado de invierno, #Chef, Lucy)

 

2. Robin Wright (El congreso, Dos madres perfectas, El hombre más buscado)

3. Felicity Jones (The Invisible Woman)

4. Gemma Arterton (Byzantium)

5. Jennifer Connelly (Cuento de invierno, Noé)

6. Imogen Poots (Need for Speed, Mejor otro día, Filth)

7. Amy Adams (La gran estafa americana, Big Eyes)

8. Julianne Moore (¿Qué hacemos con Maisie?, Non-Stop)

9. Zoe Saldana (Guardianes de la Galaxia)

10. Angelina Jolie (Maléfica)

 

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GUAPO DE CINE

1. Chris Pratt (Guardianes de la Galaxia, Her)

 

2. Jon Hamm (El chico del millón de dólares)

3. Tom Hardy (Locke, La entrega)

4. Oscar Isaac (A propósito de Llewyn Davis, Las dos caras de enero)

5. Tom Hiddleston (Solo los amantes sobreviven)

6. Michael Fassbender (Frank, X-Men: Días del futuro pasado)

7. Jai Courtney (Divergente, Yo, Frankenstein, Invencible)

8. Logan Lerman (Noé)

9. Jake Gyllenhaal (Enemy)

10. Aaron Taylor-Johnson (Godzilla)

Las 25 mejores películas de 2014 para fuertecito

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1. Mommy de Xavier Dolan

Dolan, ¿por qué nos haces esto? ¿Quién te ha otorgado el derecho a ser un cineasta consagrado a los 25 años con cinco películas en tu haber? ¿Quién te ha enseñado a poner en práctica tu talento así a tan temprana edad cuando el resto no sabe qué hacer con él? ¿Y quién te ha permitido regalar al mundo tu obra maestra tan pronto? Quizás sea temprano para hacer esta aseveración, porque en 2022 tendrá 34 películas, pero por ahora Mommy es la consagración de Xavier Dolan. Es compendio de lo que ha sido su cine hasta la fecha, supone el perfeccionamiento de su brioso estilo visual y la reafirmación en sus obsesiones personales (la madre que lo parió). Es un director repitiendo su ópera prima (Yo maté a mi madre) ahora que sabe cómo hacerla perfecta. Es decir, la prueba de que es capaz de ejercer control sobre sus desbordantes pulsiones artísticas para ofrecernos un trabajo en el que el fondo ya no esté subyugado a la forma. En Mommy Dolan encierra a sus personajes en una prisión en formato de pantalla 1:1 para mostrarnos que lo suyo no es solo capricho y tontería adolescente, que sabe exactamente cómo dar utilidad a su exceso y que sus pajas ya no solo cumplen la función de vaciar el depósito. Lo hace con la ayuda de tres monstruos escénicos, Anne Dorval, Antoine Olivier-Pilon y Suzanne Clément, que componen a tres personajes absolutamente inolvidables, pero es él quien maneja los hilos en todo momento, quien decide cuándo soltarlos, quien sabe exactamente cuándo abrir el cuadro, y cuándo volverlo a cerrar para decirnos: “Os tengo agarrados por los huevos y os encanta”.

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2. Her de Spike Jonze

Con la triste y bella historia de Theodore y Samantha, Jonze lleva el amor hacia un terreno abstracto (al que pertenece, claro) en el que procede a diseccionarlo en su estado más puro, narrando con magnífico detalle y realismo todas sus fases. Arrebatadoramente melancólica, conmovedora y humanista, con un Joaquin Phoenix íntimo y tierno, casi siempre en primer plano, muy cerca de nosotros, y una cautivadora Scarlett Johansson en la que es sin duda una de las interpretaciones de su carrera, Her nos habla entre otras cosas de la soledad del ser humano moderno, de la búsqueda del afecto y la importancia del contacto, físico o intelectual, en nuestro presente, y de cómo esta necesidad moldea nuestras relaciones. Her afecta, y su impronta dura mucho más allá de sus créditos finales. [Crítica completa]

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3. Boyhood de Richard Linklater

¿Qué decir de Boyhood después de todo lo que se ha escrito sobre ella? La Magnum Opus de Richard Linklater (con permiso de su Trilogía Before, y concretamente de Antes del anochecer) supone una experiencia como ninguna otra en la historia del cine. Una película única, rodada durante más de una década con los mismos actores, que nos hace partícipes de la vida de una familia y nos invita a ser testigos del paso de un niño a la adultez, así como del doloroso proceso de madurez de sus padres (la película bien podría haberse llamado Motherhood). Boyhood es tan compleja y virtuosa como sencilla y costumbrista. Linklater logra la hazaña de unir las piezas distanciadas de tiempo para componer una historia de una fluidez narrativa absoluta en la que el director nunca pierde de vista el propósito de su obra. Muchos cineastas se han preguntado con sus películas cuál es el sentido de la vida, pero ninguno de ellos ha plasmado de manera tan literal y certera la importancia de la pregunta por encima de la respuesta: “Pensé que habría algo más” (I just thought there would be more). Cuando Patricia Arquette nos golpea el alma con esas palabras, la colección de momentos de una vida que es Boyhood queda completa. Y aún así nos quedaríamos a vivir doce años más.

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4. El congreso (The Congress) de Ari Folman

El congreso es una obra desbordante en sus planteamientos, tanto filosóficos y sociológicos como visuales.  Y sin embargo Folman no está tan interesado en concienciarnos sobre nuestra sociedad deshumanizada, sino en hallar la poesía que se esconde en ese futuro desolador, poesía que reside en el amor de una madre hacia su hijo. Así, durante el precioso desenlace, que nos devuelve de algún modo al onírico acto final de A.I. Inteligencia artificialEl congreso apela a la capacidad del espectador para hacer del relato y de las imágenes lo que quiera, lo que necesite (en la mayoría de casos, la mera ilusión de un final feliz que no existe). Porque “al final, todo acaba teniendo sentido. Y todo está en nuestra mente”. [Crítica completa]

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5. Perdida (Gone Girl) de David Fincher

Perdida supone una experiencia demencial y perversa en la que los espectadores somos atados de pies y manos y sometidos a los más retorcidos juegos mentales (en La guerra de los Dunne nosotros somos las verdaderas víctimas). Para cuando saltan los créditos finales, después de 149 minutos que parecen 90, es difícil sacudirse los nervios, es imposible no reír para liberar tensión. Gone Girl no da tregua desafiando constante y deliberadamente la suspensión de la incredulidad, asumiendo riesgos a cada paso, sin miedo alguno a la exageración y la teatralidad, retorciéndose lo imposible en su recta final. Precisamente por eso, el film de Fincher va más allá que cualquier thriller de Hollywood. Es sorprendente, endiabladamente divertido e inteligente, rebosante de planos magistrales, escenas icónicas, detalles visuales para el recuerdo y diálogos brillantes. En definitiva, Gone Girl es una película llamada a ingresar automáticamente  y por derecho propio en el imaginario popular del cine moderno. [Crítica completa]

6. God Help the Girl de Stuart Murdoch

7. Capitán América: El soldado de invierno (Captain America: The Winter Soldier) de Anthony Russo y Joe Russo

8. X-Men: Días del futuro pasado (X-Men: Days of Future Past) de Bryan Singer

9. La LEGO película (The LEGO Movie) de Phil Lord y Christopher Miller

10. Coherence de James Ward Byrkit

11. Guardianes de la Galaxia (Guardians of the Galaxy) de James Gunn

12. Al filo del mañana (Edge of Tomorrow) de Doug Liman

13. Cómo entrenar a tu dragón 2 (How to Train Your Dragon 2) de Dean DeBlois

14. El desconocido del lago (L’inconnu du lac) de Alain Giraudie

15. Solo los amantes sobreviven (Only Lovers Left Alive) de Jim Jarmusch

16. Frank de Lenny Abrahamson

17. 10.000 Km de Carlos Marques-Marcet

18. A propósito de Llewyn Davis (Inside Llewyn Davis) de Ethan Cohen y Joel Cohen

19. Enemy de Dennis Villeneuve

20. Sueño de invierno (Kis uykusu) de Nuri Bilge Ceylan

21. Carmina y amén de Paco León

22. El lobo de Wall Street (The Wolf of Wall Street) de Martin Scorsese 

23. La desaparición de Eleanor Rigby (The Disappearance of Eleanor Rigby: Them) de Ned Benson

24. Snowpiercer, de Joon-ho Bong

25. Nebraska de Alexander Payne

Menciones de honor: Interstellar, Las vidas de Grace, Big Hero 6, Ida, Locke, Bajo la misma estrella, Noé, El amanecer del Planeta de los Simios.

Gracias a David, Manuel (Tierra Filme) y Mari Carmen (Cinema Ad Hoc) por decir con vuestras críticas lo que yo no dije sobre algunas de las películas de la lista.

Las 20 peores películas de 2014 según fuertecito

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1. Tokarev (Paco Cabezas)

Sin lugar a dudas lo más dañino y deleznable que se ha estrenado en salas este año. La criminal interpretación de Nicolas Cage (y de sus injertos de pelo), o el absurdo continuo que es su guión no es lo peor. Lo peor es el deplorable uso de estereotipos raciales y el asqueroso halo de machismo que cubre la película de principio a fin. Y no estamos hablando de un sexismo como podríamos encontrar en el cine de Tarantino, es decir, autoconsciente, irónico, de denuncia. Sino de un machismo de raíz que sostiene un universo retrógrado, esencialmente masculino, en el que las mujeres solo pueden ocupar el rol pasivo de esposa, víctima o prostituta. En Tokarev llegamos a oír cosas como “El cometido del hombre es proteger a la mujer”, y a presenciar un repugnante acto de violencia del protagonista contra su esposa, con el que le recuerda (textualmente) que está con él porque disfruta de la sumisión y le pone que su marido sea un bruto asesino. Todo envuelto en una capa de seriedad y autoconvencimiento que hace descartar cualquier segunda lectura, y que nos quedemos solo con la literal. Esa es la visión del mundo que presenta Tokarev, una que no encuentra justificación ni siquiera contextualizándola en este universo cinematográfico de machos alfa. Como diría Cate Blanchett, que el mundo es redondo, señores. Una vergüenza. [Crítica completa]

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2. El club de los incomprendidos (Carlos Sedes)

En la batidora de El club de los incomprendidos caben conflictos propios de la adolescencia como el bullying, la presión de los padres, la identidad sexual, el Asperger’s, las primeras experiencias sexuales o el suicidio, y se mezclan a toda potencia, de manera temeraria. A pesar del falso halo de dramatismo que nos viene a decir que se toma estos temas en serio, El club de los incomprendidos los utiliza en realidad como accesorio de moda de sus personajes, frivolizando peligrosamente, y lanzando a lo loco (aunque sea de manera involuntaria, porque más luces no tiene) el mensaje de que para vivir la adolescencia a tope hay que estar en contacto con estas experiencias. La insultante caracterización (por llamarlo de alguna manera) de estos seis chicos, tan guapos e ideales que es imposible que nos creamos sus problemas (total, el guión tampoco se molesta en que lo hagamos), no es más que un disfraz, una pobre estrategia comercial que tiene como propósito disimular la verdadera cara de la película, que no es más que otra Tres metros sobre el cielo, pero incluso peor. No hay duda, si John Hughes levantara la cabeza, la usaría para dar un cabezazo a los responsables de este abominable despropósito. [Crítica completa]

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3. [REC] 4 Apocalipsis (Jaume Balagueró)

Ayer me preguntaba en Twitter por qué la cuarta entrega de la saga de terror patrio [REC] no se encontraba en las listas de lo peor del año que estamos todos vomitando en las redes sociales estos días. Y mi amigo @inakiO me daba la clave: “Es que no la vio nadie”. Efectivamente, el personal olió a podrido desde lejos y ni siquiera se acercó. De ahí que [REC] 4: Apocalipsis fuera un estrepitoso fracaso de taquilla. Y bien merecido. Porque estamos ante una de las cintas más inconcebiblemente ineptas y peor dirigidas del año. Queda patente en cada plano hoscamente realizado y en cada diálogo de vergüenza ajena que Balagueró escribió y dirigió esta bazofia por obligación, después de que Paco Plaza cumpliera con la tercera parte (que por cierto, deberíais volver a ver después de sufrir esta, para verla con otros ojos). La desgana de Balagueró da como resultado una cinta sin pies ni cabeza (¿Un barco? ¿Pero qué coño…?) en la que los actores, a cada cual más horriblemente artificial, están abandonados a su suerte, y los momentos de terror brillan por su ausencia. Pero lo peor, sin duda, es un ridículo guión (por llamarlo de alguna manera) en el que todo el mundo habla como si se tratase de una película americana doblada y todos los personajes se comportan de la manera más absurda posible en todo momento. Un cierre indigno e insultante para una saga que comenzó por todo lo alto.

Hércules-Kellan-Lutz

4. Hércules: El origen de la leyenda (The Legend of Hercules, Renny Harlin)

Hércules evidencia una inutilidad absoluta en todos los aspectos técnicos y artísticos. Aparatosos cromas, horrendas animaciones digitales que ni las primeras temporadas de Xena, la princesa guerrera (ese león), secuencias de acción mal coreografiadas (¡Hola, doble de Kellan!), primeros planos constantemente desenfocados (para matarte, Harlin), y otras atrocidades hunden Hércules: El origen de la leyenda en el más absoluto de los ridículos cinematográficos. Pero, aunque parezca mentira, eso no es lo peor de todo. Lo peor es que alguien confiara en que Kellan Lutz se convirtiese en actor de la noche a la mañana. Ya sea en sus edulcoradas y mariposeantes escenas junto a Gaia Weiss (ahí está la marca “Summit”) o en los (vergonzosos) discursos ebrios de testosterona a lo Leónidas, Lutz demuestra que sus dotes interpretativas son inversamente proporcionales a su índice de masa muscular. [Crítica completa]

TRANSCENDENCE

5. Transcendence (Wally Pfister)

A pesar de la interesante premisa (reconozco que las películas sobre inteligencia artificial, robots y futuros utópico-distópicos me pierden), esta tremendista y pretenciosa fábula tecnológica no logra su propósito de agitar conciencias, y además fracasa como cine-espectáculo (solo el desenlace entra en acción, pero para entonces ya es demasiado tarde), distanciándose así de los ‘blockbusters dignos’ de Nolan que pretende copiar. Transcendence se piensa muy lista cuando en realidad es más bien de inteligencia impedida, y sobre todo plomiza hasta el paroxismo. Pfister, quizás más ocupado en el aspecto visual de la película (lo único salvable, lógicamente), se adentra en terrenos terriblemente farragosos intentando contar la historia, y acaba absolutamente perdido en la confusión de sus planteamientos. Ni los que han hecho esta película entienden de qué está hablando y mucho menos saben qué es exactamente eso de la “trascendencia”, así que explicarlo se convierte en una tarea imposible. [Crítica completa]

6. Cuento de invierno (Winter’s Tale, Akiva Goldsman)

7. Ouija (Stiles White)

8. 300: El origen de un imperio (300: Rise of an Empire, Noam Murro)

9. Vamos de polis (Let’s Be Cops, Luke Greenfield)

10. Annabelle (John R. Leonetti)

11. Yo, Frankenstein (I, Frankenstein, Stuart Beattie)

12. Serena (Susanne Bier)

13. Transformers: La era de la extinción (Transformers: Age of Extinction, Michael Bay)

14. Jersey Boys (Clint Eastwood)

15. Los mercenarios 3 (The Expendables 3, Patrick Hughes)

16. Mi otro yo (Another Me, Isabel Coixet)

17. Dos tontos todavía más tontos (Dumb and Dumber To, Bobby y Peter Farrelly)

18. Trash: Ladrones de esperanza (Trash, Stephen Daldry)

19. La gran revancha (Peter Segal)

20. Maléfica (Robert Stromberg)

Clásicos para ver en Navidad (y siempre): La princesa prometida

Princess Bride

La Navidad es época de hacer balance, de mirar hacia atrás antes de mirar hacia el año que entra. Estas fiestas están indefectiblemente vinculadas a nuestra infancia, son tiempos de nostalgia, en los que no solo nos reunimos con personas a las que hace tiempo que no vemos, sino también con los personajes y las historias que formaron parte de nuestros años más tempranos. Por eso las televisiones suelen pasar clásicos animados de Disney a todas horas (los niños estamos de vacaciones y nos tienen que entretener), además de films de los 80 como Dentro del LaberintoLos GooniesLos Gremlins (que además tiene trasfondo navideño), o la que hoy nos ocupa, La princesa prometida (The Princess Bride).

Basada en el popular libro de William Goldman, The Princess Bride cumple la promesa con la que comienza: lo tiene todo. Puede que, al igual que al Abuelo Colombo (Peter Falk), nos cueste un poco convencer a las nuevas generaciones de que esta aseveración es cierta, pero si conseguimos que inicien con nosotros la odisea romántica de Westley y Buttercup, el trabajo ya estará hecho. Es justamente lo que me ha pasado a mí estas fiestas con mi prima de 12 años. La niña solo ve películas de terror. Lo último que vio en el cine fue Ouija, y a pesar de mi advertencia de que era “demasiado para ti”, se zampó el reboot de Posesión infernal y dijo que no era para tanto (la madre que la trajo). Cuando le mostré el Blu-ray* de La princesa prometida y le anuncié que la íbamos a ver, dejó escapar un soplido y refunfuñó: “Esto tiene pinta de ser un rollo”. Perdí la fe durante un momento, pero enseguida me di cuenta de que era la oportunidad perfecta para poner en práctica las técnicas del Abuelo (empiezo a sentirme realmente viejo). Abrí el libro (di al Play), le leí 10 páginas (transcurrieron 4 escenas) y la niña estaba enganchada.

PM trío

Pero lo que convierte este cuento de hadas (sin hadas ni apenas elementos mágicos) en un clásico imperecedero no es solo el hecho de que lo tenga todo (romance épico, espadachines, misterio, humor, piratas, acertijos, honor del de verdad, ratas gigantes), sino cómo está contado. Algunos de los elementos de la película de Rob Reiner ya no funcionan por sí solos como reclamo para los más pequeños, pero Goldman logra hacerlos atractivos gracias a una escritura muy ingeniosa, elegante y divertida para deleite de todas las generaciones, con un guión que sacaba partido de lo meta mucho antes de que estuviera de moda. La princesa prometida es una de las historias de amor más grandes jamás contadas en el cine, pero también es una de las aventuras más emocionantes de su década, y sobre todo, una brillante comedia que no ha perdido ni un ápice de su gracia. Yo siempre digo que cualquiera que se disponga a escribir un guión de comedia, debe asegurarse antes de haberse aprendido de memoria la última media hora de La princesa prometida

No es por nada que La princesa prometida siempre haya estado incluida en el Top 250 de las mejores películas de IMDb, mientras otros films de características similares conservan el cariño del público, pero carecen del reconocimiento de la de Reiner. Y es que la película funciona a todos niveles: tiene personajes carismáticos (Cary Elwes y Mandy Patinkin irresistibles), una princesa de belleza frágil y conmovedora (Robin Wright), besos de amor verdadero, diálogos para enmarcar (siempre al servicio de la acción), duelos inolvidables, un slapstick exquisito y un sinfín de gags para el recuerdo (el primer enfrentamiento de Íñigo Montoya y el Pirata Roberts en el acantilado, Buttercup lanzándose colina abajo, Westley con el cuerpo dormido, el cura de voz horrificiosa), todo envuelto en cierto aire a lo Monty Python y coronado por la melancólica banda sonora de Mark Knopfler. Y lo más importante, como ya hiciera La historia interminable, y más adelante la fallida El guardián de las palabrasLa princesa prometida nos deja un mensaje muy claro y bien argumentado, pero en ningún momento nos sermonea con él: leer mola, niños.

Por último, estamos probablemente ante una de las películas más citables de la historia del cine. Es decir, que dos de cada tres frases de La princesa prometida son quotes para bordarse en un cojín. Por eso he decidido terminar este texto seleccionando algunas de las mejores citas de la película. Os dejo con ellas mientras yo voy a prepararle a mi prima -que como imagináis, acabó más metida en la historia que el propio Fred Savage– un pack para iniciados con Willow, El mago de Oz, Laberinto… Y vamos a colarle también un libro entre las películas, a ver qué pasa.

 

La princesa prometida BD“Hola, me llamo Íñigo Montoya, tú mataste a mi padre, prepárate para morir”

“El amor verdadero es lo más grande del mundo. A excepción de los bocadillos de cordero, lechuga y tomate, cuando el tomate está maduro y el cordero está en su punto”

“Aquel día fue en el que descubrió con asombro que cuando él decía ‘como desees’, en realidad significaba ‘te amo'”

Íñigo Montoya: “Parecéis un hombre decente, lamentaré mataros”
Pirata Robers: “Vos también lo parecéis, lamentaré morir”

Westley: ¿Por qué no me esperaste?
Buttercup: Porque habías muerto.
Westley: La muerte no detiene al amor, lo único que puede hacer es demorarlo.

“¡Inconcebible!”

“Sigues usando esa palabra, y no creo que signifique lo que tú crees que significa”

“La vida es dolor, alteza. Quienquiera que diga lo contrario intenta engañaros”

“Somos hombres de acción. Mentir no sería propio de nosotros”

“Como desees”

 

*La princesa prometida ya está disponible en España en Blu-ray remasterizado por 20th Century Fox Home Entertainment.

Navidad de concursos: Consigue la Primera Temporada de MASTERS OF SEX

 Este concurso ya ha finalizado. Atentos a fuertecito no ve la tele para futuros concursos.

Episode 101

Ya está a la venta en España La Primera Temporada Completa de la aclamada MASTERS OF SEX de la mano de 20th Century Fox Home Entertainment, y para celebrar este lanzamiento y continuar con esta temporada navideña de concursos en el blog, Fox y fuertecito no ve la tele os queremos dar la oportunidad de conseguir un pack de la serie en DVD gratis.

Para participar, lo único que tenéis que hacer es responder a la siguiente pregunta:

¿POR QUÉ QUIERES LLEVARTE LA PRIMERA TEMPORADA DE ‘MASTERS OF SEX’?

Podéis participar de dos maneras:

1. Respondiendo a la pregunta en esta entrada
2. Respondiendo en ESTA FOTO de la página de Facebook de fuertecito no ve la tele

Si participáis en los dos sitios tenéis más oportunidades de ganar.

Bases:

DVD Masters of Sex– De entre todos los participantes elegiremos a un ganador (via Sortea2) que se llevará totalmente gratis 1 pack de Masters of Sex – Primera Temporada (12 episodios en 4 discos) en formato DVD (foto). El ganador lo recibirá en su casa sin ningún gasto por su parte.

– El participante debe incluir su correo electrónico en el formulario de respuesta del blog (no aparecerá público) y se recomienda firmar con nombre y apellido (los pseudónimos son válidos). En Facebook no es necesario.

– Sólo contará una participación por dirección IP, las respuestas desde la misma IP con distinto nombre serán marcadas como spam. En Facebook solo se podrá participar una vez por cuenta personal.

– El plazo para participar en el concurso finaliza el miércoles sábado 3 de enero de 2015 a las 23:59 (hora peninsular española). El ganador será anunciado a partir del día siguiente en la página de Facebook de fuertecito no ve la tele.

– Concurso válido sólo para España (península e islas).

fuertecito no ve la tele se reserva el derecho de modificar o anular el concurso si fuera necesario.

¡Mucha suerte!

 

Sinopsis: Basada en un libro de Thomas Maier, Masters of Sex se centra en las figuras del ginecólogo William Masters y la psicóloga Virginia Johnson, cuyos estudios sobre la sexualidad a mediados de los 60 cambiaron el modo de ver las relaciones de pareja en la sociedad estadounidense de la época.

Masters of Sex está protagonizada por el nominado al Globo de Oro y al premio BAFTA Michael Sheen y por la aclamada actriz Lizzy Caplan, que interpretan a los auténticos pioneros de la ciencia de la sexualidad humana. La serie muestra las curiosas vidas, romances y trayectoria dentro de la cultura pop de Masters y Johnson, y el efecto que tuvo su investigación sobre sus familias y sus compañeros. Su estudio inició una revolución sexual y los llevó del hospital universitario de St. Louis a la portada de la revista Time. Con la participación de Caitlin FitzGerald, Teddy Sears y Nicholas D’Agosto, y la aparición especial de los ganadores del Globos de Oro Beau Bridges y Allison Janney.

Crítica: El club de los incomprendidos

Incomprendidos tía saes

No te fíes nunca de una película que empieza con una voz en off diciendo “La adolescencia es…” Lo más seguro es que nadie de esa película sepa realmente lo que es la adolescencia, ni sus personajes, ni mucho menos sus guionistas. Y ese es exactamente el caso de El club de los incomprendidos, terrible adaptación cinematográfica de la saga literaria teen escrita por el español Blue Jeans (pseudónimo de Francisco de Paula Fernández González) que sigue las andanzas de seis chavales supuestamente marginados que forman una pandilla para vivir a su aire sin importar lo que el resto del mundo piense de ellos.

Basada en el primer libro, “Buenos días, princesa” (guiño a La vida es bella, por si no estaba claro), El club de los incomprendidos insiste en hablarnos de la etapa más efímera en la vida de una persona sin tener ni idea de qué va exactamente, y lo que es peor, universalizando americanizando los conflictos de los personajes, de manera que lo que vemos en pantalla no es más que un batiburrillo de ideas y lugares comunes extraídos del audiovisual yanqui, que ni tiene sentido, ni coherencia interna, ni mucho menos verdadera correlación con la realidad que vivimos. El club de los incomprendidos es como Al salir de clase pero con las tramas de Salvados por la campana Gossip Girl. Porque claro, todos hemos escondido una tarjeta de San Valentín en la taquilla de la persona que nos gusta o hemos adquirido un DNI falso para entrar en una fiesta.

La cantidad de tópicos USA que se corta/pegan es inaudita y en consecuencia, el instituto que vemos en la película conforma un universo tan inverosímil que hace que Monster High parezca realismo social. Pero lo más grave es la flagrante apropiación de ideas ajenas, sobre todo del imaginario cinematográfico del inadaptado. En El club de los incomprendidos hay (demasiados) elementos de El club de los cincoel clásico teen que más copian. Veamos, seis chicos problemáticos que arrastran traumas psicológicos y llevan las etiquetas que el resto de estudiantes les ha otorgado (el chulo, la friki, la puta, el pringao…) se reúnen “castigados” en la biblioteca después de clase, donde además de tener tiempo para hacer los deberes y congeniar mazo entre ellos, reciben apoyo por parte del psicólogo de la escuela (pobre Raúl Arévalo metido en esto). ¡¿Hola?! Por si eso no fuera suficiente, tenemos montaje musical con nuestro Club de los seis bailando subidos al mobiliario de la biblioteca, y un discurso final en el que todos se reafirman en sus identidades arquetipadas, como hacía el Breakfast Club en la carta al señor Vernon al final de la mítica película de los 80.

Club de los incomprendidos pósterPero el film también bebe mucho del reciente éxito de culto Las ventajas de ser un marginado, de la que se atreve a calcar su escena más icónica (la del túnel) esperando que no se note demasiado y esforzándose mucho para no soltar un “somos infinitos”, aunque se queden con todas las ganas del mundo. Ellos dirán que se trata de homenajes, pero saben tan poco de lo que es un homenaje como de la adolescencia misma. Esto lo que es es un pastiche, y además uno mal pegado, con Imedio goteando en todas las esquinas. Un bocadillo de chóped vendido como una hamburguesa del Tommy Mel’s.

La amistad entre estos seis chicos está basada en la ilusión de que son diferentes al resto, cuando en realidad son una pandilla artificial de jóvenes de revista de tendencias convertidos en parias porque es lo que ahora mismo mola. Nerds de pega que se quejan constantemente de problemas confeccionados a la ligera, formulados sin pensar demasiado en la plausibilidad que requieren o en la responsabilidad que conlleva un producto de estas características (fenómeno editorial con potencia de convertirse en fenómeno cinematográfico para quinceañeros). En la batidora de El club de los incomprendidos caben conflictos propios de la adolescencia como el bullying, la presión de los padres, la identidad sexual, el Asperger’s, las primeras experiencias sexuales o el suicidio, y se mezclan a toda potencia, de manera temeraria. A pesar del falso halo de dramatismo que nos viene a decir que se toma estos temas en serio, El club de los incomprendidos los utiliza en realidad como accesorio de moda de sus personajes, frivolizando peligrosamente, y lanzando a lo loco (aunque sea de manera involuntaria, porque más luces no tiene) el mensaje de que para vivir la adolescencia a tope hay que estar en contacto con estas experiencias. La insultante caracterización (por llamarlo de alguna manera) de estos seis chicos, tan guapos e ideales que es imposible que nos creamos sus problemas (total, el guión tampoco se molesta en que lo hagamos), no es más que un disfraz, una pobre estrategia comercial que tiene como propósito disimular la verdadera cara de la película, que no es más que otra Tres metros sobre el cielo, pero incluso peor. No hay duda, si John Hughes levantara la cabeza, la usaría para dar un cabezazo a los responsables de este abominable despropósito.

Valoración: 0

Crítica: Musarañas

Macarena Gómez Musarañas

Que el nombre de Álex de la Iglesia aparezca más destacado en el póster de Musarañas que el de sus directores no es solo una estrategia publicitaria, sino también un indicio de lo que el espectador se va a encontrar en ella. La película está realizada por Esteban Roel y Juanfer Andrés, mientras que De la Iglesia se reserva el puesto de productor. Pero no cabe duda de que, sin desmerecer por ello el estupendo trabajo del tándem firmante, Musarañas es en forma y fondo una película del director de El día de la bestia. Su sello inconfundible se puede percibir en todos y cada uno de sus planos, así como en el tono más bien tragicómico con el que se cuenta la historia o su potencia visual. De hecho, Musarañas nos remite concretamente a la obra maestra del realizador bilbaíno, La comunidad, otro cuento macabro y trastornado, si bien mucho más arraigado en la comedia, que se ambienta íntegramente en un edificio de Madrid.

Musarañas es la historia de dos mujeres huérfanas que viven juntas en un apartamento de la capital durante los 50 de la posguerra. Montse (Macarena Gómez) se ha pasado la vida cuidando de su hermana pequeña (Nadia de Santiago) tras la muerte de su madre al darle a luz y el posterior abandono de su padre (Luis Tosar). Mientras la niña, que ya no es tan niña (acaba de cumplir 18 años), sale a trabajar, su hermana permanece encerrada en el piso, donde ejerce como costurera. Montse se ha escondido toda la vida en esa madriguera de musarañas, llevando una existencia de luto, penitencia y oración, raíz de la educación profundamente religiosa que le inculcó el padre, algo que se refleja en la enfermiza sobreprotección con la que trata a su hermana. Esta vida de clausura lleva a la mujer a padecer agorafobia, enfermedad que le impide dar un paso más allá del umbral de su puerta, y por tanto a relacionarse con el resto del mundo, especialmente con los hombres. A pesar de controlar a duras penas su comportamiento obsesivo y sus desequilibrios mentales gracias a la morfina que le proporciona una clienta, el mundo de Montse se volverá patas arriba con la irrupción de Carlos (Hugo Silva). El apuesto vecino de arriba de las hermanas se ha caído por las escaleras huyendo de sus propios secretos y encuentra refugio en la madriguera de Montse, de donde quizás no vuelva a salir.

MusarañasCon Musarañas, Roel y Andrés componen un siniestro relato de terror psicológico en el que lo mundano triunfa sobre lo fantástico y donde el fanatismo religioso y el propio miedo son el verdadero monstruo. Durante su primera mitad, la película está construida como una sátira vehemente diseñada para arremeter contra los dogmas clásicos de la religión católica. Montse simboliza la castidad (o la androfobia), la culpabilidad y el castigo, valores religiosos que convierten el crucifijo en su yugo. Sin embargo, pronto nos damos cuenta de que no es la cruz lo que la ha convertido en una musaraña, sino su pasado. A medida que vamos viendo su verdadero rostro, el film se vuelve cada vez más claustrofóbico. Nosotros somos Carlos, la presa de Montse. Nos encontramos en una tesitura similar a la que James Caan vive en Misery (con análoga escena violenta no apta para aprensivos), lo que por tanto convierte a Macarena Gómez en la Annie Wilkes patria. Observándola, pronto nos damos cuenta de que todo es posible en ese piso de Madrid. Y efectivamente así es. Musarañas cuenta con una recta final absolutamente desmadrada en la que la sangre emana a borbotones y el melodrama a lo Amar en tiempos revueltos da paso al más delicioso e histriónico esperpento marca De la Iglesia.

En el apartado interpretativo, los desequilibrios son la tónica general. Hugo Silva tiene buen porte, encaja perfectamente en el perfil del personaje, pero no actúa, se limita a leer sus frases, y hasta eso lo hace regular. Y no me hagáis hablar de Carolina Bang, que también se cuela en esta (en serio, no me hagáis hablar de ella). Nadia de Santiago es quien logra la actuación más moderada, perfectamente contenida hasta que tiene que dar rienda suelta al drama. Sin embargo, no cabe duda de que Macarena Gómez es el corazón y las tripas de Musarañas. Esta actriz de extremos opuestos ofrece una interpretación tan desmesurada y teatral como memorable, dejándonos por un lado momentos de sorprendente fragilidad y por otro escenas de una fuerza visceral arrebatadora (atención a su conmovedor Padrenuestro en la cama). Su Montse es a la vez Piper Laurie y Sissy Spacek en Carrie, una inolvidable loca del coño que se suma por méritos propios a los anales del terror nacional.

Valoración: ★★★½

Crítica: La señorita Julia

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Catorce años han pasado desde la última vez que la musa de Ingmar Bergman, Liv Ullmann, se puso tras las cámaras para dirigir una película. Para Infiel (2000) escogió un texto escrito por su maestro y ex marido, y en su nueva película, La señorita Julia (Miss Julie), Ullmann adapta la célebre obra de teatro del dramaturgo sueco August Strindberg titulada originalmente Fröken Julie. Escrita en 1888, La señorita Julia se consideró una obra demasiado osada para la Suecia de finales de siglo, y no fue hasta una década después cuando se estrenó por fin ese país. Los temas en los que ahonda Strindberg resuenan con fuerza en la filmografía de Bergman, y no es de extrañar por esta razón que Ullmann la haya considerado afín a sus sensibilidades como cineasta.

La señorita Julia transcurre durante el solsticio de verano en una mansión del campo irlandés en 1880 y se extiende hasta el amanecer del día después, tras el cual el mundo ha cambiado por completo. En lo que acaba siendo el febril sueño de una noche de verano, la señorita Julia (Jessica Chastain), una joven aristócrata que vive confinada en su mansión, y el criado de su padre, John MISSJULIE_HELENSLOAN_DSC8050.nef(Colin Farrell), mantienen una violenta y retorcida dialéctica basada en la diferencia de clases y sexos, avivada por el irrefrenable y contradictorio deseo erótico que sienten el uno por el otro. Julia es quien da comienzo a los juegos, irrumpiendo en escena como una dominatriz altiva dispuesta a humillar a John, quien se somete diligente a sus afanes fetichistas y manipuladores a pesar de estar prometido con la cocinera de la mansión, Kathleen (Samantha Morton). Pero pronto ella se rebajará, él se erguirá y ambos se situarán a la misma altura, envueltos en un falso ambiente de celebración que les conduce a beber, festejar, devorarse, desangrarse, y en última instancia hacer planes de futuro sin tener en cuenta que ambos pertenecerán siempre a mundos distintos.

Ullmann opta por mantenerse fiel al texto de Strindberg y lo lleva al cine de la única manera posible: como si fuera una obra de teatro filmada. Con tan solo tres actores en escena, la directora utiliza el fuera de campo (el sonido de la muchedumbre en off, el omnipresente padre de ella, al que sin embargo nunca llegamos a ver) y otros recursos tradicionalmente teatrales para construir el mundo victoriano que enmarca a Julia y John, y mostrarnos a estos dos personajes como el único hombre y la única mujer (Kathleen cesa de existir durante la mitad del film). El núcleo de la película es pues la lucha en la que los dos se enzarzan, un angustioso duelo en el que ambos fluctúan constantemente entre la repulsión y el amor enfermo, la esperanza y el autoengaño, cambiando de parecer a cada vuelta de página, dejando el escenario de una manera y regresando a él de otra. Se trata de un caprichoso enfrentamiento que resulta agotador tanto para los personajes como para el espectador, al que Ullman no es capaz de involucrar en la historia a pesar de la excelente puesta en escena y los increíbles actores dramáticos que maneja.

La señorita Julia es un film denso, frío y hermoso, un sofisticado e intelectual ejercicio de estilo que nos regala escenas de auténtica belleza pictórica, pero en el que no obstante falla algo muy importante, la dirección de actores. Tanto la imparable Chastain, todo desmesura y desgarro, como Farrell, un gran actor cuando se lo propone, se consagran como thespians dejándonos escenas de una fuerza trágica arrebatadora. Pero da la sensación de que el sufrimiento y la desesperación no provienen de los personajes, sino de la implacable insistencia de una directora un tanto despiadada que quizás esté demasiado familiarizada con el lado más cruel del ser humano.

Valoración: ★★★

Navidad de Concursos: Consigue la 2ª Temporada de VIKINGOS

 Este concurso ya ha finalizado. Atentos a fuertecito no ve la tele para futuros concursos.

Vikins T2

Ya está a la venta en España La Segunda Temporada Completa de la serie VIKINGOS de la mano de 20th Century Fox Home Entertainment, y para celebrar este lanzamiento y continuar con esta temporada navideña de concursos en el blog, Fox y fuertecito no ve la tele os queremos dar la oportunidad de conseguir un pack de la serie en DVD gratis.

Para participar, lo único que tenéis que hacer es responder a esta sencilla pregunta:

¿POR QUÉ QUERÉIS LLEVAROS LA SEGUNDA TEMPORADA DE VIKINGOS?

Podéis participar de dos maneras:

1. Respondiendo a la pregunta en esta entrada
2. Respondiendo en ESTA FOTO de la página de Facebook
 de fuertecito no ve la tele

Si participáis en los dos sitios tenéis más oportunidades de ganar.

Bases

Imagen 5– De entre todos los participantes elegiremos a un ganador (via Sortea2) que se llevará totalmente gratis 1 pack de Vikingos – La Segunda Temporada Completa (10 episodios en 3 discos) en formato DVD (foto). El ganador lo recibirá en su casa sin ningún gasto por su parte.

– El participante debe incluir su correo electrónico en el formulario de respuesta del blog (no aparecerá público) y se recomienda firmar con nombre y apellido (los pseudónimos son válidos). En Facebook no es necesario.

– Sólo contará una participación por dirección IP, las respuestas desde la misma IP con distinto nombre serán marcadas como spam. En Facebook solo se podrá participar una vez por cuenta personal.

– El plazo para participar en el concurso finaliza el miércoles domingo 21 de diciembre de 2014 a las 23:59 (hora peninsular española). El ganador será anunciado a partir del día siguiente en la página de Facebook de fuertecito no ve la tele.

– Concurso válido sólo para España (península e islas).

– fuertecito no ve la tele se reserva el derecho de modificar o anular el concurso si fuera necesario.

¡Mucha suerte!

Sinopsis: VIKINGOS narra las aventuras del héroe Ragnar Lothbrok, de sus hermanos vikingos y su familia, cuando él se subleva para convertirse en el rey de las tribus vikingas. Además de ser un guerrero valiente, Ragnar encarna las tradiciones nórdicas de la devoción a los dioses. Según la leyenda era descendiente directo de Odín, el dios de la guerra (FILMAFFINITY).

Sobre la Segunda Temporada: Haz acopio de valor para emprender un nuevo y fascinante viaje al salvaje mundo de los VIKINGOS. La segunda temporada narra las hazañas de Ragnar, el guerrero noruego que se ha convertido en un líder respetado dentro y fuera del campo de batalla. Pero el poder trae consigo una avalancha de amenazas mortales y elecciones imposibles. Mientras se prepara para combatir contra su propio hermano Rollo, Ragnar está dividido entre su esposa Lagertha y su amante, la princesa Aslaug… y con su hijo, Bjorkn, un guerrero joven y feroz, atrapado en medio. Entre tanto, Ragnar invade con valor el Reino de Inglaterra, cuna de inmensos tesoros y dominado por un traicionero rey que podría llegar a convertirse en la peor de las amenazas.

VIKINGOS está creada por Michael Hirst (Elisabeth, Los Tudor, Camelot) y protagonizada por Travis Fimmel, Clive Standen, Jessalyn Gilsiq, Gustaf Skarsgard y Katheryn Winnick.

 

CONTENIDOS ADICIONALES DEL DVD

–      Audio comentario

–      Mi familia, mi enemigo

–      Una sociedad de guerreros: ritos de iniciación

–      Imaginando y ejecutando batallas climáticas

–      Audio comentarios de Michael Hirst y Gustaf Skarsgard en: “La Oración del Señor” y “El Águila de la Sangre”.

Crítica: Hombres, mujeres y niños

MEN, WOMEN, AND CHILDREN

Hombres, mujeres y niños es ya el sexto largometraje en menos de una década del director de JunoUp in the Air, Jason Reitman. Después del traspiés de Una vida en tres días (repudiada por el propio realizador y reivindicada por un servidor), Reitman lleva a cabo su Short Cuts particular, una dramedia multigeneracional con reparto coral que sigue la vida diaria de varias familias en la era de la hiperconectividad. En ella traza un retrato de nuestros días caracterizado por la sumisión absoluta del ser humano a Internet y la consecuente deshumanización de la sociedad, convertida en una masa de zombies del wi-fi, entes desangelados que existen y se desplazan hundidos en las pantallas de sus smartphones. Tal es la insistencia de Reitman en este mensaje que, más que una adaptación de la novela Men, Women and Children de Chad Kultgen, su film parece la versión cinematográfica de esta foto/meme.

Reitman compone un fresco 2.0 de historias que nos vienen a alertar de los diversos peligros de vivir en las redes sociales, y lo hace catalogando las diferentes patologías relacionadas con este problema en un ecléctico conjunto de personajes: adolescentes enganchados a la red que han perdido la capacidad para comunicarse en el MR (Mundo Real), un chaval (Ansel Elgort) adicto a un juego de estrategia online (MMORPG) que se preocupa más de su avatar que de su propio futuro, una madre (Jennifer Garner) que controla todos los pasos que da su hija en el ciberespacio para protegerla de los horrores que acechan, otra madre (Judy Greer) que prostituye a su hija en páginas de pago para costearle el sueño de Hollywood que ella nunca fue capaz de realizar, o un matrimonio (Adam Sandler y Rosemary DeWitt) que ve cómo su libido ha desaparecido por completo y decide buscar refugio por separado, primero en páginas pornográficas y más tarde en webs de contactos.

Hombres mujeres y niñosNo es que la tesis tecnofóbica sobre la vida moderna que Reitman enarbola con Hombres, mujeres y niños esté precisamente infundada. Los ejemplos citados en el párrafo anterior, a pesar de estar construidos como arquetipos exagerados o incluso alegorías, son tan increíbles-pero-ciertos como Kim Kardashian. La presión escolar, la desidia y la apatía de las nuevas generaciones, los efectos secundarios de consumir compulsivamente pornografía en Internet (que ya nos ilustró Joseph Gordon-Levitt en Don Jon), la confusión de los padres que no saben cómo educar a unos hijos que simplemente no existen fuera de su “segunda vida”. Todo eso es un problema, y además uno muy grave, de acuerdo, pero debe haber formas menos irritantes y más efectivas de hacernos llegar el mensaje que este panfleto aleccionador que parece diseñado para mostrar a los niños después del colegio, o sea, uno de esos “afterschool specials” tan arraigados en la cultura yanqui.

Ni las estimables interpretaciones de un excelente reparto de habituales del indie (más Adam Sandler de nuevo en un papel serio, donde debería quedarse para siempre), ni el buen hacer de un grupo de jóvenes actores rebosantes de talento y potencial (Olivia Crocicchia, Kaitlyn Denver, Elena Kampouris), ni siquiera la voz de Emma Thompson (la narradora), son baza suficiente para que pasemos por alto la flagrante sobredosis de moralina de la película y consigamos sentirnos identificados (grave teniendo en cuenta lo familiar que nos debería resultar todo). Hombres, mujeres y niños es un sermón de dos horas en el que Reitman (que es demasiado joven para estar dándonos ya estas lecciones tan condescendientes) elabora un discurso demagógico y recurre a trucos baratos de melodrama televisivo para respaldar su reduccionista doctrina. Esta suerte de fábula moderna con voluntad pedagógica está totalmente desprovista de áreas grises y propone una solución simplista a los problemas planteados: desenchufar el router. Pero nosotros, en lugar de hacerle caso al profe, lo que hacemos es meternos en Facebook a ponerlo a caer de un burro. Porque es lo que se merece.

Valoración: ★★

Crítica: St. Vincent

ST. VINCENT

Si hay un lugar común más infalible en el cine de Hollywood que el del pringao que supera los obstáculos para convertirse en el héroe y salvar el día es el de las amistades improbables. Un niño y un robot, dos policías polos opuestos forzados a trabajar juntos, una mean girl y una novata, Daniel el travieso y el señor Wilson. Y ahora Vincent y Oliver, el dúo dinámico de St. Vincent, que son algo así como una actualización del terremoto rubio y su vecino cascarrabias, con los papeles un poco intercambiados y ambientada en el universo cinematográfico de Sundance.

Vincent (Bill Murray) es un veterano de la guerra de Vietnam, un señor iracundo y desastrado que vive solo en una casa que está a dos días de convertirse en Grey Gardens y dedica sus días a beber como si no hubiera mañana y apostar en las carreras. Su única compañía es su gato y una prostituta del barrio llamada Daka (Naomi Watts), que es lo más parecido a una relación que ha tenido en mucho tiempo. Su nihilista rutina diaria se verá alterada por la llegada de sus nuevos vecinos, Maggie (una por suerte descafeinada Melissa McCarthy), mujer divorciada que se ha mudado a Brooklyn para alejarse de su marido, y su hijo de doce años, Oliver (Jaeden Lieberher). El exigente trabajo de Maggie en la sala de TAC del hospital local le impide ocuparse de Oliver, por lo que recurre a Vincent, que se convierte a regañadientes y por una generosa tarifa en el canguro del niño.

Cartel ST VINCENTEl desapego inicial de Vincent se va transformando poco a poco, y a base de experiencias de dudoso valor educativo para Oliver, en cariño por el pequeño, a la vez que desvelan la verdadera identidad de su Dodger particular, un hombre incomprendido de gran corazón cuyo carácter agriado no es más que un mecanismo de defensa y una cicatriz de sus heridas sentimentales; un auténtico santo, si bien misántropo y poco o nada ortodoxo, igualmente merecedor de la canonización en vida. Ambos acaban forjando una entrañable amistad afianzada, y a la vez vulnerada, por sus carencias afectivas: la ausencia de figura paterna en la vida de Oliver y la pérdida del amor de su vida por parte de Vincent. Efectivamente, todo esto nos recuerda inevitablemente al argumento de Up, la cinta de Pixar de la que el debutante Theodore Melfi incluso ha tomado prestado el final para su ópera prima.

Y aún a pesar de discurrir por terrenos de sobra explorados por el cine, esta dramedia no sabe a refrito, sino que nos propone un regreso a lo conocido en forma de historia cálida y familiar en la que nada se antoja insincero, aunque todo esté construido siguiendo paso a paso el manual del melodrama buenrollista. Sí, St. Vincent manipula los sentimientos del espectador, pero lo hace sin engañar, siempre anteponiendo las buenas intenciones, y oponiéndose en todo momento al cinismo imperante en la actualidad. Y funciona sobre todo gracias a un Bill Murray en horas (más) altas, que con este personaje hecho para él y nadie más, nos proporciona un santo en el que creer, un símbolo imperfecto de humanidad y esperanza que, por muy ficticio que sea, no nos viene mal de cuando en cuando.

Valoración: ★★★½

Crítica: Camino de la cruz

camino de la cruz

Texto escrito por David Lastra

Yo tengo un gozo en el alma (grande), gozo en el alma (grande) con esta nueva corriente de cine religioso. No hablo del espectáculo gore  de Mel Gibson en La pasión de Cristo, ni mucho menos del trasfondo cristiano o cienciólogo de alguna que otra nueva superproducción hollywoodiense à la Cecil B. DeMille. Más bien me regocijo en el nuevo cine que se ha atrevido a ahondar en los entresijos y demonios de los fundamentalismos del Cristianismo. Hablamos de los latigazos emocionales de pena y culpa de la segunda entrega de la trilogía de Paraíso de Ulrich Seidl, de la radiografía del origen de la nueva Europa de La cinta blanca de Michael Haneke, del sexo anal virginal de La niña santa de Lucrecia Martel, de la injustamente infravalorada Noé de Darren Aronofsky (carne de película de culto) o de la fallida (según mi punto de vista) aunque valiente Camino de Javier Fesser. Este final de año, nos llega una gota más a este río de agua viva de películas santas: Camino de la cruz de Dietrich Brüggemann. Al igual que las anteriores, esta nunca se programará en televisión durante la Semana Santa, pero yo no descarto recuperarla de vez en cuando en tan señalada festividad.

La historia de Maria es la de una niña normal. A sus catorce años, pasea entre la naturaleza con su familia, se escaquea de las clases de Educación Física, conoce a su primer amor, va a catequesis, le gusta la música de Bach, sufre un control férreo sobre sus amistades por parte de su madre, … ella es una adolescente cualquiera, ella es un soldado de Jesús. Camino de la cruz nos presenta el viacrucis de esa niña, desde su Confirmación hasta la Extremaunción, pasando por la Penitencia y la Anorexia. Sirviéndose de las Estaciones del camino de Jesucristo al monte Calvario, Brüggemann nos expone sin cortapisas el cómo una niña creyente normal toma la determinación de convertirse en una mártir con todas las de la ley (cristiana católica, por supuesto) por el bien de su familia… y esta, lejos de asustarse, decide aplaudir a su pequeña.

Cartel 70x100 Camino de la Cruz trz.aiCamino de la cruz es una agobiante disección completamente aséptica que encuentra su fortaleza en sus espartanos planos fijos de diez minutos que muestran a los personajes completamente desnudos, sin ningún tipo de ambigüedades. Pero todo podía haber fracasado si la elección de Maria no hubiese sido acertada. La decisión de casting de la desconocida Lea Van Acken como protagonista recuerda a la de Florence Delay por parte de Robert Bresson para encabezar el reparto de El proceso de Juana de Arco (Delay no era una actriz profesional cuando se enfundo las ropas de hombre, ni se convirtió en ello tras el film). Ese no es el único paralelismo que podemos encontrar entre la Doncella de Orléans y la niña santa de Brüggemann. Desde el homenaje a la versión de Dreyer en su impactante póster oficial, a su peculiar modus operandi a la hora de contactar con Dios. Si bien, el tuteo de Maria es mucho más correcto y respetuoso que el de la Santa de Bresson, más directa y cañera.

Con Camino de la cruz, Brüggeman ha conseguido una doble victoria (y no hablo de sus galardones en la Berlinale y en la SEMINCI): el escandalizar a los creyentes más timoratos y los aplausos de la Iglesia (con i mayúscula) en Alemania. Parece ser que los organismos eclesiásticos germánicos no son tan catetos como los de estos lares.

Valoración: ★★★★

Master Class con los creadores de BIG HERO 6: Notas de clase

Big Hero 6 TAI

Esta mañana he tenido la suerte de asistir a una Master Class impartida por los creadores del nuevo clásico de Walt Disney Animation Studios, Big Hero 6. El encuentro ha tenido lugar en la Escuela Universitaria de Artes y Espectáculos TAI de Madrid, y a él han asistido el productor ejecutivo de la película, Roy Conli, que lleva trabajando en Disney desde El jorobado de Notre Damme, los directores Don Hall (Winnie the Pooh) y Chris Williams (Bolt), y el animador gaditano Valentín Amador. Juntos nos han presentado la película, nos han mostrado varios tests de animación de los personajes y la ciudad de San Fransokio, donde se desarrolla la acción, y nos han puesto un gran número de clips del film, que han sido recibidos con gran entusiasmo, risas y aplausos por los alumnos allí presentes.

Ya que yo he vivido el encuentro, además de como medio, como fanboy (sobre todo) y también como alumno, he tomado apuntes como si hubiera vuelto a la universidad y este fuera mi primer día. Y es que el tema me apasiona. Uno de mis sueños frustrados es el de trabajar como animador para la compañía de Mickey Mouse, y ver a Amador viviendo su/mi/nuestro sueño me ha vuelto a despertar el gusanillo. Tendré que volver a sacar mi cuaderno de dibujo. Aunque por ahora lo que haré será sacar el bloc de notas y pasaros los apuntes de la Master Class a limpio, para que sepáis de qué nos han hablado estos nerds tan simpáticos, responsables de una de las películas más destacadas del año. El 19 de diciembre examen. Digo, estreno de Big Hero 6.

Master_Class_Big_Hero_Six_notas_de_clase.docx

La nueva era dorada de Disney

Conli ha sido el primero en tomar el micrófono, y se ha encargado de presentar la película, hablándonos antes de su trayectoria en la compañía, con la que lleva colaborando desde mediados de los 90 (ha participado en El planeta del tesoro y Enredados entre otras). Conli ha descrito perfectamente el dulce momento que vive Disney en la actualidad, algo así como un Tercer Renacimiento: “No hay mejor momento para trabajar en Walt Disney Animation Studios que ahora mismo”, ha dicho el productor, “Gracias a John Lasseter se ha desarrollado en el estudio un nivel de confianza con el equipo de guionistas que ha afianzado la importancia de las historias. Estamos viviendo un momento muy emocionante en Disney, y eso se debe a que siempre estamos creando nuevos mundos, buscando historias en las que el público se pueda involucrar y personajes de los que enamorarse“.

Y ahí es donde encaja Marvel. La compra de la Casa de las Ideas por parte de Disney proporcionó a los directores de Big Hero 6 un catálogo de historias y personajes con el que trabajar para crear el universo de la película. Pero Hall insiste en que Big Hero 6 no es exactamente una adaptación del más bien desconocido cómic del mismo título de Marvel, sino que la cinta está “inspirada” en él. La idea era sobre todo llevar al cine esa fusión de sensibilidades que recoge el cómic: las historias de superhéroes y la robótica japonesa. Y el resultado, según el propio Hall, “es a la vez una origin story, una comedia y una profunda y emotiva historia sobre la pérdida“. En cuanto a si esta película encaja dentro del Universo Cinematográfico de Marvel, los directores han asegurado que no, que Big Hero 6 forma parte del universo de Disney. A pesar de ese guiño post-créditos que hará las delicias de los fans de Marvel.

BIG HERO 6

El avance técnico de Big Hero 6

Se suele decir con cada entrega animada del estudio, pero en el caso de Big Hero 6 es un poco más cierto: con su última película, Disney alcanza un nuevo nivel técnico en el cine de animación por ordenador. Después de Frozen, el estudio desarrolló varios programas destinados a llevar sus nuevas películas al futuro, y Big Hero 6 es el primer ejemplo de lo que han conseguido. Según nos ha contado Hall, la investigación y desarrollo que se llevó a cabo dio como resultado dos herramientas que permiten grandes progresos en el campo de la animación: el pack de renderizado Hyperion, que permitió agilizar este proceso y perfeccionar la iluminación en los planos, y el kit Denison, con el que los directores pudieron levantar el universo multicultural de San Fransokio con todo lujo de detalles e incluir en la película “más de 700 personajes individualmente animados“, incluidas versiones caricaturizadas de todos los miembros del equipo. Según los responsables de la película, la animación por ordenador facilita una mayor “sutilidad”, que nos hace pensar que los personajes no están siendo dibujados o creados por un programa, sino que están actuando.

Además de esto, Williams y Hall visitaron el laboratorio de robótica de Carnegie Mellon para documentarse en la creación del robot de la película, Baymax. Cansados de ver siempre los mismos IA en el cine -“casi siempre son villanos o acaban corrompidos”, ha asegurado Hall-, se propusieron dar con un “robot abrazable“, un tipo de inteligencia artificial “nunca antes visto en el cine”. En Carnegie Mellon descubrieron un nuevo campo de la ingeniería robótica denominado “soft robotics“, en el que se está desarrollando un tipo de “máquina” fabricada con vinilo y destinada al ámbito de la salud. Y ahí es donde nació Baymax, el robot inflable y achuhable diseñado para proveer asistencia médica que se convertirá en el mejor amigo del protagonista de Big Hero 6, Hiro Yamada. Los directores nos han mostrado un test de movimiento de Baymax, en el que hemos podido comprobar que su diseño “está basado en el movimiento de un bebé con pañales”, y también varias secuencias de la película que han servido para dar cuenta del triunfo a nivel visual y cómico que supone el diseño del personaje. Valentín Amador ha trabajado principalmente en la animación de Baymax y Hiro, por lo que a él debemos atribuirle gran parte del mérito.

Story matters (as does John Lasseter)

BeymaxPero además de los avances técnicos, y como hemos visto ya, en Disney insisten en que lo más importante a la hora de realizar una película de animación es la historia. Por eso Williams y Hall, que se formaron en Disney trabajando en guiones y storyboards, han centrado su presentación en los detalles de la trama, así como en dar a conocer a los personajes uno a uno y explorar los vínculos que los unen y que dan sentido a la historia. En relación a esto, los cuatro responsables de Big Hero 6 presentes hoy en la TAI han coincidido en atribuir el mérito de esta nueva Disney a John Lasseter.

Sin duda alguna, desde que Lasseter pasó a supervisar la producción animada del estudio, éste ha prosperado enormemente. “John quiere que hagamos películas que despierten nuestra pasión”, ha comentado Hall, a lo que Williams ha añadido: “No obliga a nadie a hacer nada. Promueve el espíritu de equipo y la colaboración. Por eso el estudio está donde está ahora. En Disney no hay miedo a presentar ideas, porque hay confianza a la hora de debatirlas y refutarlas, ya que trabajamos dejando el ego a un lado, siempre en beneficio de la historia y con el objetivo de llegar a la mejor versión posible de la película”. Conli aporta más datos sobre lo que supone trabajar con Lasseter, insistiendo en que es su pasión por el cine y las historias lo que lo convierte en un gran líder: “John no es el jefe en las reuniones, es uno más. Con él puedes entrar a trabajar y acabar viendo el trailer de la última de Bond“. O como cuenta Hall, “todos somos geeks, él incluido. Podemos hablar de cosas de geeks durante horas. Por ejemplo, un día nos puso un clip de una película de Miyazaki para explicarnos cómo quería que hiciéramos una escena, y acabamos viendo la peli entera”. Lo que ha quedado claro tras el encuentro es que estos hombres son algo más que animadores, son nerds, y como ha señalado Conli, “cineastas”.

En constante evolución

Las nuevas películas de Disney y Marvel se caracterizan por ser el resultado de un proceso creativo en el que han participado muchas voces. Desde el inicio del proyecto hasta el resultado final, las películas de ambos estudios pasan por cambios constantes y evolucionan tras numerosos “tests”, hasta dar con la mejor versión. En este proceso creativo similar al writer’s room televisivo, pero extendido a lo largo de tres años de producción, se descartan muchas ideas, y otras tantas se transforman hasta ser completamente diferentes. Por ejemplo, originalmente en Big Hero 6 había mucho más metraje dedicado al villano de la película, pero se creyó que quitaba demasiado tiempo a Hiro y Baymax, por lo que se llevó a cabo una “reducción” de su presencia en pantalla. Esto les permitió asimismo centrarse más en la comedia, uno de los puntos fuertes de la película. Por otro lado, en un principio Hiro iba a ser estudiante de la universidad, pero se decidió convertirlo en un chaval de 14 años, para aportar ese toque aspiracional disneyano a través de los ojos de un niño que desea ver realizado su sueño. Esto conllevó un nuevo reto: “Los chicos de 14 años no son precisamente agradables. Debíamos hacer que Hiro fuera simpático”, ha contado Conli, para después concluir que “lo más importante es que esta es la historia de un grupo de chavales listos sin súper poderes que usan su inteligencia para salvar las situaciones“.

BIG HERO 6

 Consejos para los aspirantes a animadores

“La mejor manera de aprender es empezar siendo storyboard artist. Y dibujar todo lo que puedas” -Williams

“Hay que estudiar guión. Da igual si quieres ser director de fotografía, o diseñador de vestuario, lo más importante es la historia. Y por desgracia es lo que más se pasa por alto. Hoy en día, hay muchas películas de animación que no funcionan por eso mismo. Y la culpa de que una película falle no es del vestuario o de la iluminación, es del guión” -Hall

“Estad dispuestos a trabajar en equipo. Debéis aparcar vuestro ego para concentraros en obtener el mejor trabajo posible. El mejor resultado se consigue en grupo. Y también debéis estar preparados para que os critiquen (constructivamente). Que os digan que una idea o un dibujo vuestro no sirve no quiere decir que seáis malos, sino que no encaja con el proyecto global, y lo más importante es saber aceptar eso para trabajar en beneficio de la película” -Amador

Navidad de concursos: Consigue la 5ª temporada de MODERN FAMILY

 Este concurso ya ha finalizado. Atentos a fuertecito no ve la tele para futuros concursos.

Modern Family T5

Ya está a la venta en España La Quinta Temporada Completa de Modern Family, de la mano de 20th Century Fox Home Entertainment, y para celebrar este lanzamiento y continuar con la temporada navideña repleta de concursos, Fox y fuertecito no ve la tele os queremos dar la oportunidad de conseguir un pack de la serie gratis.

Para participar, lo único que tenéis que hacer es responder a esta sencilla pregunta:

¿QUIÉN ES VUESTRO PERSONAJE FAVORITO DE MODERN FAMILY?

Podéis participar de dos maneras:

1. Respondiendo a la pregunta en esta entrada
2. Respondiendo en ESTA FOTO de la página de Facebook
 de fuertecito no ve la tele

Si participáis en los dos sitios tenéis más oportunidades de ganar.

Bases

Modern Family T5 DVD– De entre todos los participantes elegiremos a un ganador (via Sortea2) que se llevará totalmente gratis 1 pack de Modern Family – La Quinta Temporada Completa (24 episodios) en formato DVD (foto). El ganador lo recibirá en su casa sin ningún gasto por su parte.

– El participante debe incluir su correo electrónico en el formulario de respuesta del blog (no aparecerá público) y se recomienda firmar con nombre y apellido (los pseudónimos son válidos). En Facebook no es necesario.

– Sólo contará una participación por dirección IP, las respuestas desde la misma IP con distinto nombre serán marcadas como spam. En Facebook solo se podrá participar una vez por cuenta personal.

– El plazo para participar en el concurso finaliza el miércoles miércoles 17 de diciembre de 2014 a las 23:59 (hora peninsular española). El ganador será anunciado a partir del día siguiente en la página de Facebook de fuertecito no ve la tele.

– Concurso válido sólo para España (península e islas).

– fuertecito no ve la tele se reserva el derecho de modificar o anular el concurso si fuera necesario.

¡Mucha suerte!

Sinopsis: Suenan campanas de boda en la quinta temporada de Modern Family, la comedia ganadora de cuatro premios Emmy consecutivos como Mejor Serie de Comedia. Mientras Cam y Mitch discuten sobre los planes para su gran día, el resto de la familia están ocupados encontrando nuevos empleos, nuevas escuelas y una nueva niñera… en masculino. En esta nueva temporada los canguros resultan ser un desastre, se celebra un aniversario, se relacionan con la persona equivocada, y todo, desde las altas apuestas en el póker hasta una familia política muy exigente difícil de mantener. Únete al clan Pritchett-Dunphy para asistir a la boda del año y compartir la honestidad, el amor y la diversión con la familia favorita de Estados Unidos.

Modern Family es una de las sitcoms más aclamadas de los últimos años, sus actores se han convertido en estrellas con sueldos estratosféricos y es un monstruo en las audiencias (la única serie de ABC que logra cifras comparables a las de las comedias de CBS). No cabe duda de que el punto fuerte de Modern Family son sus personajes, y los actores que los interpretan. El casting es un sueño hecho realidad, tanto para el equipo (por lo unidos que están los actores en la vida real) como para el espectador, que puede disfrutar de la química más apabullantemente natural y efectiva que recordamos en muchísimo tiempo. Del más grande a la más pequeña, los actores de Modern Family habitan sus personajes, otorgando nuevo sentido a la expresión “dar vida”. Sus perennes nominaciones a los premios de la Academia son solo uno de los indicios del nivel interpretativo y el talento a raudales de este numeroso reparto. Gracias a Modern Family podemos disfrutar de valores cómicos excepcionales como los de Ty BurrellJulie Bowen, los mencionados Stonestreet y Ferguson, la cada vez más genial Sarah Hyland o el torbellino Sofía Vergara, que no deja indiferente a nadie.

 

 

CONTENIDOS ADICIONALES DEL DVD

–      Escenas eliminadas y alternativas

–      Modern Family en Australia

–      Un día con Jesse

–      Modern Family en Las Vegas

–      La boda de Mitch y Cam

–      Tomas falsas

Crítica: Exodus – Dioses y reyes

Exodus Moisés y Ramsés

“Todo esto ha pasado, y volverá a pasar”. No cabe duda de que estamos condenados a vivir la misma historia una y otra vez. Las ideas originales escasean, y Hollywood se abastece de remakes y reinterpretaciones (que no son tal cosa) de relatos clásicos llevados al cine en numerosas ocasiones. Es más, los ciclos son cada vez más cortos -¿cuántas veces nos van a contar las historias de Spider-Man, Peter Pan o Batman, lo que ocasiona una constante sensación de déjà vu y consecuente hastío en el espectador. Por eso, de entrada la nueva película de Ridley ScottExodus: Dioses y reyes, se nos antojaba a todos innecesaria. ¿Por qué contar una vez más el relato bíblico de Moisés y Ramsés si no es para proponer algo distinto que justifique pasar por la enésima iteración de la historia? Sobre todo cuando ya existen películas como Los diez mandamientosEl príncipe de Egipto (o aquel genial episodio de historias de la Biblia según Los Simpson). Pues bien, después de ver la película, esa pregunta sigue sin respuesta. Aunque eso no quiere decir que Exodus sea un desastre, nada más lejos de la realidad, solo significa que no tiene razón de ser.

Scott, que a estas alturas no necesita ningún tipo de validación artística por sus decisiones profesionales (total, generalmente se le niega por defecto antes de ver sus películas), se ha limitado a orquestar con mano maestra una superproducción clásica, muy clásica, un péplum de los de toda la vida, sin cuestionarse por qué. Exodus es un espectáculo cinematográfico totalmente desprovisto de riesgo y originalidad que sin embargo funciona porque sus aspiraciones se circunscriben exclusivamente a las del blockbuster complaciente y digerible. Esto no se asemeja Exodus_Posterni remotamente al Noé de Darren Aronofsky, sino que propone un regreso a lo conocido, a la seguridad del Hollywood de los estudios y el Star System. Claro que a pesar de esto, Scott y los cuatro guionistas acreditados en Exodus (sí, cuatro, y se nota) se permiten ciertas licencias con respecto a cómo se ha trasladado tradicionalmente el segundo libro de la Biblia a la pantalla. Los cambios más significativos son la manifestación de Dios como un niño (estupendo el actor infantil, chocante la decisión), la separación del Mar Rojo, que tiene lugar de manera natural en lugar de por arte de “magia”, y básicamente que Moshé no obra milagros, sino que se comporta como un guerrero, un líder militar, incluso un héroe. Generalmente, Scott opta por cimentar el film en la historia y la ciencia, evitando el género fantástico al que sí se entregó la mencionada Noé, y dejándose en el camino ciertos pasajes y elementos de la Biblia (una espada sustituye a la Vara de Moisés), con la intención de realizar una película más cercana a Gladiator que a Los diez mandamientos.

Narrativamente, Exodus sale perjudicada por un evidente exceso de tijeretazos en la sala de montaje (¿pensando quizás en el Director’s Cut?), sobre todo en el apresurado desenlace, en el que las Tablas de la Ley son introducidas con calzador. Es obvio que faltan escenas (el personaje de Aaron Paul queda reducido a un par de intervenciones sin apenas diálogo, a pesar de su peso en la historia), y sobran otras tantas (la mitad de tiempo en pantalla de María Valverde es para nada). Esto hace flaco favor a un guión ya de por sí anémico, en el que los personajes son entes planos (Ben Kingsley y Sigourney Weaver no tenían nada mejor que hacer) y los vínculos que los unen apenas existen. Salta a la vista sobre todo en la relación entre Moisés y Ramsés, (supuestamente) el núcleo de la película. Christian Bale y Joel Edgerton llevan a cabo un trabajo interpretativo notable (Edgerton más del lado de la caricatura), pero ni así son capaces de extraer la vida necesaria de un libreto que no sabe plasmar las verdaderas implicaciones psicológicas y familiares de la historia -como vemos también en la nula relación de Seti (John Turturro) con sus hijos. Y a pesar de todo esto, es Ridley Scott, alzándose por encima de las circunstancias, quien sí logra exprimir las posibilidades cinematográficas que brinda la liberación del pueblo hebreo de los egipcios, para enarbolar un producto técnica y visualmente impresionante con cierto aire a cine de catástrofes, una gran epopeya en la que las impecables secuencias de las Siete Plagas y el Mar Rojo (¡un tsunami!), así como su excelente factura (diseño de producción, vestuario y la música de Alberto Iglesias), nos ayudan a obviar las carencias del guión.

Valoración: ★★★

Votad lo mejor de 2014 en cine (sorteo 3 Blu-ray de NYMPHOMANIAC entre los participantes)

It’s that time of year again! Muchos medios especializados ya han publicado sus listas de lo mejor del año, y fuertecito no ve la tele no será menos. Yo estoy trabajando ya en las listas de “Lo + fuertecito” de 2014 en cine y televisión. Pero mientras lo hago, he decidido dejaros el blog para que nos contéis cuáles son para vosotros las mejores (y peores) películas, actores y directores del año.

Nymphomaniac directorPodéis votar en siete categorías distintas. No es obligatorio participar en todas, y no es necesario rellenar todas las categorías. Es decir, si en lugar de diez películas queréis votar siete, es posible. Y lo mismo para el resto de categorías. Lo importante es no rellenar por rellenar, sino votar lo que de verdad creéis que merece estar en la lista.

Y atención, porque entre todos los participantes, sortearé TRES Blu-ray de NYMPHOMANIAC: El montaje del director. Cortesía de Cameo.

Además del Blu-ray, incluiré varios obsequios sorpresa relacionados con algunas de las películas más destacadas del año.

 

CATEGORÍAS:

MEJOR PELÍCULA

Podéis votar hasta 10 películas, ordenadas del 1 al 10, siendo la nº 1 la que consideréis mejor.

MEJOR DIRECTOR/A

Podéis votar hasta 5 directores (indicando la película o películas por las que los votáis), ordenados del 1 al 5, siendo el nº1 el que consideréis mejor.

MEJOR INTERPRETACIÓN MASCULINA

Funciona igual que la anterior categoría.

MEJOR INTERPRETACIÓN FEMENINA

Funciona igual que las dos anteriores categorías.

PEOR PELÍCULA

Podéis votar hasta 5 películas, ordenadas del 1 al 5, siendo la nº1 la que consideráis peor.

GUAPO DE CINE 2014

Podéis votar hasta 5 actores, directores, u otras personalidades públicas masculinas del cine que hayan estado en activo durante 2014, ordenados del 1 al 5 siendo el nº1 el que consideráis más guapo.

GUAPA DE CINE 2014

Podéis votar hasta 5 actrices, directoras, u otras personalidades públicas femeninas del cine que hayan estado en activo durante 2014, ordenadas del 1 al 5 siendo la nº1 la que consideráis más guapa.

 

MUY IMPORTANTE: Todas las películas votadas deben haberse estrenado en salas de cine en España entre el 1 de enero y el 31 de diciembre de 2014. No serán válidas aquellas películas no distribuidas comercialmente en nuestro país (por ejemplo, no entra Under the Skin, lo siento). Lo mismo se aplica para los directores y actores, que deberán ser votados por su trabajo en películas estrenadas en España en 2014. Cualquier voto que no cumpla con estas condiciones será invalidado. Para consultar todos los estrenos de 2014 en España podéis utilizar esta lista de El Multicine.

 

SISTEMA DE PUNTUACIÓN:

Adoptamos el sistema clásico de Eurovisión, twelve points. Los puntos se asignarán a vuestras votaciones de la siguiente manera:

LISTA DE 10

1ª Película: 12 puntos
2ª Película: 10 puntos
3ª Película: 8 puntos
4ª Película: 7 puntos
5ª Película: 6 puntos
6ª Película: 5 puntos
7ª Película: 4 puntos
8ª Película: 3 puntos
9ª Película: 2 puntos
10ª Película: 1 punto

Si votáis menos de 10 películas, los puntos descienden. Por ejemplo, si votáis 4 películas, la primera se lleva 4 puntos, la segunda 3, y así hasta el final.

LISTAS DE 5

1º: 5 puntos
2º: 4 puntos
3º: 3 puntos
4º: 2 puntos
5º: 1 punto

Si votáis menos de 5 actores/directores, los puntos descienden de la misma manera que en las listas de 10. Por ejemplo, si votáis 3 directores, el primero se lleva 3 puntos, el segundo 2…

 

Una vez obtenido el total de puntos de cada película, actor/actriz, director/a o personalidad de cine, elaboraré los Top 10 y Top 5, que serán publicados en este blog.

Tenéis hasta el jueves 8 de enero de 2015 para enviar vuestras listas utilizando una de estos dos opciones:

1. Enviarlas a la dirección de correo: fuertecitonovelatele@gmail.com

2. Enviarlas a través de un mensaje privado en la página de Facebook de fnvlt

Los ganadores del sorteo serán anunciados a partir del día siguiente en la página de Facebook de fnvlt.

¡A votar!

Crítica: Ouija

ouija

Ouija supone el debut en la dirección de Stiles White, coordinador de efectos digitales del estudio de Stan Winston, elegido para orquestar el último terror de diseño para preadolescentes que arrasará en tus multicines más cercanos. Solo hace falta echar un vistazo a la lista de productores de Ouija para imaginar la película de principio a fin antes de verla. Además de Michael Bay y Hasbro (dueños de la famosa tabla de ouija comercializada como juego de mesa), tenemos a los responsables de básicamente todas las películas de terror comercial de los últimos años: Insidious, Paranormal Activity, Sinister, The Possession, los remakes de La matanza de Texas, Halloween…

Ouija es exactamente lo que parece, un inocuo producto de fabricación en cadena, confeccionado por los estudios para aumentar las ventas de la famosa tabla para espiritismos y llenar salas de sacos andantes de hormonas con ganas de liarla un sábado después del burger, mientras sus padres disfrutan de la tranquilidad en casa sabiendo que han mandado a sus hijos a una peli sin sangre ni tetas. Vamos, que Ouija es una TV movie de Disney Channel con sustos malos. Y ojo, nada que objetar, este es el cine de palomitas que no oculta sus intenciones, y que sirve su cometido permaneciendo inmune a las críticas. La película es espantosa, pero lo sabe, y le da exactamente igual. Con dos cojones.

Y como Ouija no es más que un pastiche, un collage de ideas procedentes de todas las películas mencionadas en el párrafo anterior y más, he decidido continuar mi crítica de la misma manera, reciclando fragmentos de otras críticas de cintas de miedo recientes que se pueden aplicar a Ouija, casi sin modificación alguna y con el mismo concepto repetido varias veces; para que os hagáis una idea, vamos:

ouija póster“Con un descaro absoluto, [Ouija] incide en los mismos sobresaltos tramposos (basados en un golpe atronador de música que antecede al susto en sí, para que no te libres de él aunque te tapes los ojos, y tras el que nunca pasa nada), los mismos armarios, espejos, ventanas y pasillos por los que aparecen ánimas que acechan y se ríen de ti (esto parece un capítulo de Scooby Doo), las mismas revelaciones “sorprendentes” tras las mismas preguntas de los personajes. Todo cubierto por un halo de inconsciencia que impide ver a sus autores que sus trucos provocan más risa que miedo. O eso, o se lo están pasando genial insultando nuestra inteligencia”. (Insidious Capítulo 2) (Atención, que Lin Shaye también sale en esta, coronándose así como la reina geriátrica del terror mainstream).

“[Ouija] sigue al pie de la letra el manual de las películas de casas encantadas y exorcismos, y nos inunda de topicazos con escenas que solemos ver en una docena de películas al año, y echando mano de todos los clichés narrativos que buenamente puede” (Líbranos del mal).

“[Ouija] agota por completo el catálogo de clichés del género: cinco adolescentes, ausencia de adultos, psiquiátrico, presencia fantasmal femenina, criaturas supuestamente siniestras, monstruos en el armario, visitas al sótano y desván, luces parpadeantes y espíritus con asuntos pendientes. [Ouija] es un remake que en realidad no lo es. […] No hay en el filme un solo ápice de originalidad, sino más bien una labor de recopilación de lugares comunes y recursos argumentales que conforman un greatest hits del terror comercial. En definitiva, todo un festival de ideas recicladas y triquiñuelas que ponen en evidencia [a White y al estudio]. Como ocurre a menudo con este tipo de films, la historia está repleta de agujeros narrativos e incongruencias que impiden que la película vaya más allá de los sustos y las imágenes asépticamente perturbadoras. De esta manera, la conexión psicológica con el espectador es difícil de establecer, lo cual resulta especialmente lamentable en una película que insiste en explorar un poderoso vínculo como el materno-filial. [Ouija] pierde fuelle a medida que se van desvelando los detalles de la trama y la trillada historia [de la familia atormentada de turno que sigue morando después de muerta en su antiguo hogar] va tomando forma (es un decir)” (Mamá).

“Todo esto nos daría igual si la película ofreciese emociones fuertes con las que nosotros, como espectadores y voyeurs, pudiéramos dar rienda suelta a nuestras pulsiones más ocultas, las que solemos liberar gracias al (buen) cine de terror. Pero por desgracia no es el caso. La película apenas puede adscribirse a dicho género, y por esto no termina de funcionar. Por el contrario, se limita a ser un insulso pasatiempo con un puñado de personajes jugando en una casa [y cantidades ingentes de drama de baratillo que dejan las series de CW a la altura de HBO]. […] Estos personajes actúan en todo momento de la manera más inexplicable y absurda, poniendo a prueba la paciencia del espectador” (The Purge: La noche de las bestias).

“Por si quedaba alguna duda, la película de [Stiles White] es 100% televisiva, y evidentemente muy barata. Es más, es como si estuviéramos viendo el episodio piloto doble de una serie. [Ouija] es una cinta predecible y tópica hasta decir basta, pero va al grano, divierte y no se alarga en exceso -de hecho a uno le queda la sensación de que falta historia, que será contada en los siguientes capítulos” (Wolves).

Conclusión: Niños, pase lo que pase, usad hilo dental.

Valoración: ★½

Cómo aprendí a dejar de preocuparme y disfrutar ‘Gotham’

Gotham pilot

La serie que mayor expectación ha levantado durante la reciente temporada de estrenos televisivos es sin duda Gotham, la respuesta de DC/Warner (y Fox) a la decepcionante (pero cada vez mejor) Marvel’s Agents of S.H.I.E.L.D. Al igual que ocurrió con la ficción de los agentes de Coulson, todo el mundo tenía los ojos puestos en la precuela de Batman, por lo que era de esperar que la serie viviera una primera etapa de incertidumbre y decepción, en la que la fuga de espectadores fuera constante y los “supervivientes” ajustaran la mirada más acorde a lo que la serie había resultado ser que a las expectativas depositadas en ella. Y esto último es justo lo que yo estoy haciendo ahora. No preguntéis por qué (luego os lo cuento), pero yo me quedé en Gotham, y planeo hacerlo al menos hasta que finalice esta primera temporada.

Me gustaría decir eso de que mi relación con Gotham ha sido de amor-odio, pero estaría mintiendo. Mi relación con Gotham ha sido de odio-risa-asco. Al menos hasta hace un par de episodios. La serie tiene muchos problemas, y se amontonan todos en cada episodio, haciendo difícil una defensa sólida, aunque hay destellos de esperanza de que sea capaz de aprovechar su enorme potencial (factor que ha jugado en su contra). Una de las quejas más extendidas es la de que una serie de Batman sin Batman no tiene sentido. A mí esto me parece una sobresimplificación absurda. Para empezar, Gotham no es una serie sobre Batman, es una serie sobre la ciudad de Gotham, y yo espero ver al Caballero Oscuro en Batman v Superman, no en Gotham. Por el contrario, lo que sí me molesta de la serie es lo siguiente:

Gotham Harvey Dent

1. La confusión de tonos. Todos recordamos las palabras de Christopher Nolan sobre las escenas post-créditos marca Marvel, y también la famosa cláusula de DC/WB que “prohíbe” los chistes en sus próximas películas de superhéroes. Pues esto no se aplica a Gotham, aunque paradójicamente, me gustaría que así fuera. Gotham no sabe cómo ni cuándo ser drama o comedia. Cuando se pone seria (la mayor parte del tiempo), da risa, y cuando deja caer algún chiste es como cuando un amigo que sabes que no tiene gracia natural se empeña en hacer bromas en público y tú te mueres de la vergüenza ajena. El humor en Gotham es malo de raíz, pero es aún peor por culpa de unos actores sin vis cómica alguna. Y esto me lleva al punto 2.

2. Las espantosas interpretaciones. En serio, creo que Gotham es la serie con mayor número de malas interpretaciones concentradas por minuto, incluso por plano. ¿A quién se le ocurrió darle a Ben McKenzie y Donal Logue los papeles protagonistas? Por si la ausencia total de química entre los supuestos “cop buddies” con diferencias James Gordon y Harvey Bullock fuera poco, los actores no dan con las voces de sus personajes, y los interpretan de una manera distinta en cada escena -como si la única instrucción que hubieran recibido fuera “vosotros actuad en plan cómic” y no supieran qué quiere decir eso. Da pena verlos especialmente en las escenas dramáticas (McKenzie se está convirtiendo por derecho propio en el rey de las muecas exageradas), pero como decía, es cuando dejan caer un chiste cuando te das cuenta de lo perdidos que están los actores (y los guionistas). Claro que hay una “actriz” que los eclipsa cada vez que aparece en pantalla: Jada Pinkett Smith como Fish Mooney, la responsable, perdón, la perpetradora, de la sobreactuación más insólitamente ridícula de la temporada. Debe ser muy triste ser un actor adulto en esta serie y ver cómo los niños están realizando un trabajo mucho más profesional y convincente que tú. Fantásticos David Mazouz (Bruce Wayne), Camren Bicondova (Selina Kyle) y la revelación del último episodio emitido, “Lovecraft” (1.10), Clare Foley (Ivy Pepper). Por último, es necesario hacer mención a la excepción que confirma la regla, Robin Lord Taylor, cuyo Oswald Cobblepot es un oasis en este desierto interpretativo (aunque tampoco es que tenga demasiado mérito).

gotham_fish-mooney-and-cobblepot

3. La estructura de los episodios. Al igual que Agents of S.H.I.E.L.D., Gotham está teniendo una primera temporada caracterizada por los capítulos autoconclusivos. No hay problema siempre que al fondo se esté desarrollando un arco central (algo que se está intentando hacer a duras penas con todo ese rollo de Falcone y Maroni y la mafia de Hacendado). Sin embargo, Gotham no está atinando mucho con el formato Monster of the Week, que aquí sería más bien Criminal of the Week. Sobre todo por culpa de unos guiones mal escritos (no me hagáis hablar de los diálogos) y peor resueltos. Cada episodio nos presenta a un caco de Gotham, que se despacha deprisa y corriendo al final, habitualmente mediante un golpe de gracia fortuito y a la vez predecible o un deus ex machina que se mete con calzador porque se acaba el running time. Estamos hablando de Fox, conocida por sus dramas procedimentales, así que no es de extrañar que la serie tenga esta estructura narrativa, pero esperamos que con el tiempo sea capaz de convertirse en algo más que la típica serie de casos semanales que podría durar 10 años y ser siempre igual.

4. El empeño en meternos por la garganta cuantos más personajes de cómics mejor. Que sí, que Gotham es una origin story, es más, es la origin story definitiva, y es de esperar que por ella desfilen los personajes más populares de los cómics, pero esto es pasarse. El abarrotamiento de personajes es demasiado. Además de ver morir a los padres de Bruce Wayne por enésima vez, Gotham nos muestra los orígenes de otros tantos héroes y (sobre todo) villanos de DC. Y la serie está tan obsesionada con calzarlos en todos los capítulos, con “engancharnos” con uno nuevo cada semana, que es lógico que esté descuidando tanto todo lo demás. Gotham necesita que sepáis que, aunque no lo parezca, tenéis en la serie a Pingüino, Dos Caras, Enigma, Poison Ivy, Catwoman, etc. Y además necesita que tengáis claro en todo momento que son ellos, o mejor dicho, que serán ellos. La sutilidad brilla por su ausencia (la cara de Harvey Dent ensombrecida en casi todos los planos, ¡qué detallismo!), y los personajes son construidos meramente a base de guiños que se repiten cada vez que aparecen en escena, reducidos a simples recordatorios de lo que el espectador está viendo. Soy consciente de que este recurso es muy propio del lenguaje de los cómics de superhéroes, pero una serie funciona de otra manera, y no pasa nada si en una escena con Edward E. Nygma nadie hace referencia a un acertijo, o no suena por la radio un programa de adivinanzas. De verdad, no pasa nada.

Gotham Lovecraft

Teniendo en cuenta todo esto, supongo que os preguntaréis por el título de este artículo. Si tengo tantas quejas, ¿cómo he aprendido a disfrutar de Gotham? Para empezar, llega un momento en el que, cuando llevas un tiempo viendo una serie que te parece mala, tienes que decidir si seguir con ella o dejarla. Y si optas por seguir viéndola (por la razón que sea – la mía es básicamente porque me da la gana), es recomendable abandonar la práctica del hate-watching, porque ver algo odiando cansa mucho. Mejor centrarse en lo que la serie hace bien (yo estoy encantado con la relación Bruce-Alfred y con los personajes infantiles), e intentar disfrutarla por lo que es. Quizás esto sea la definición misma del guilty pleasure, un concepto que yo me negaba a seguir usando, porque no suelo sentirme culpable de las cosas que me gustan. He decidido quedarme en Gotham, así que voy a ponerme las gafas de pequeño. Según mi experiencia, la clave para disfrutar la serie radica en verla no como un drama televisivo o una serie procedimental, ni siquiera como una serie-cómic, sino como una de dibujos animados. Porque en el fondo eso es exactamente lo que es Gotham, un cartoon que ha cobrado vida y se ha disfrazado de drama en prime-time.