Crítica: El congreso

El congreso Robin Wright

Tras la aclamada Vals con Bashir, Ari Folman regresa con El congreso, en la que el director israelí sigue fundiendo las fronteras entre realidad y fantasía, o si lo preferís, entre la vida y el cine. Basada libremente en la novela de Stanislaw Lem Congreso de futurologíaEl congreso es una cinta de ciencia ficción claramente dividida en dos pasajes muy diferenciados entre sí. El primero, filmado en acción real, nos presenta a la actriz Robin Wright (interpretándose a sí misma, o más bien a una versión ficcionalizada de su persona pública), que tras una vida marcada por las malas decisiones y la enfermedad de su hijo, decide someterse a un proceso de escaneo que le permitirá retirarse mientras su doble digital continúa su carrera eternamente. En la segunda mitad, realizada en animación, Wright asiste a un congreso en el que descubrirá hasta dónde llegan las consecuencias de su decisión, y de este nuevo modelo de Hollywood.

El congreso es una obra desbordante en sus planteamientos, tanto filosóficos y sociológicos como visuales. Folman reflexiona sobre muchas cuestiones, resultando en una película tan estimulante como caótica y también desmembrada. Parte sátira de la industria del cine (Wright representa a todas esas actrices de más de 40 que Hollywood considera demasiado mayores para seguir trabajando), parte ensayo sobre la fama (aquí, como ocurría en Antiviral de Brandon Cronenberg, el público podrá consumir literalmente a los famosos), y parte odisea surrealista y oníricaEl congreso es un cóctel de influencias, referentes y homenajes. Desde cine de Terry Gilliam al de David Cronenberg, pasando por el imaginario de Hayao Miyazaki, la animación mutable de Bill Plympton, los cortos de Tex Avery, el cartoon de los años 20 y 30, y los mundos de Osamu Tezuka, en concreto la obra maestra del anime Metrópolisde Rintaro (de la que, indudablemente, bebe más en el aspecto visual).

El congreso pósterEn la primera mitad de El congreso, Wright carga sobre sí misma el peso de la cinta, llevando a cabo una afinadísima interpretación basada en la contención y la pasividad, para ilustrar la idea de la pérdida de la identidad y el control que experimenta el actor al convertirse en una pieza más del engranaje de un despiadado y avaricioso estudio de cine. Camino al futuro, seguimos a la princesa Buttercup (atención al momento en el que Wright observa melancólica el póster de La princesa prometida, uno de los planos más hermosos que vamos a ver este año), es decir, a su versión animada, en un viaje psicodélico que aturde y confunde, pero que nos mantiene involucrados sensorial y emocionalmente gracias a la fuerza de sus imágenes, y a la profunda tristeza en la que nos vemos irremediablemente atrapados, algo a lo que también contribuye la abrumadoramente bella partitura de Max Richter.

El congreso se erige como pieza de ciencia ficción distópica, sobre todo en su recta final, sin embargo se pierde a menudo en sus propios planteamientos, mientras Folman solapa acontecimientos sin seguir más lógica que la de los sueños o los trances alucinatorios. Esto hace que la película pueda resultar para muchos embarullada y su discurso sobrecargado con ideas inconexas o inconsistentes. Sin embargo, no sorprenderá a aquellos que estén familiarizados con la obra de Lem o a los que disfrutan de los referentes enumerados dos párrafos antes. Aunque resulte contradictorio por la manera en la que inicia y clausura el relato, Folman no está tan interesado en concienciarnos sobre nuestra sociedad deshumanizada, sino en hallar la poesía que se esconde en ese futuro desolador, poesía que reside en el amor de una madre hacia su hijo. Así, durante el precioso desenlace, que nos devuelve de algún modo al polémico acto final de A.I. Inteligencia artificialEl congreso apela a la capacidad del espectador para hacer del relato y de las imágenes lo que quiera, lo que necesite (en la mayoría de casos, la mera ilusión de un final feliz que no existe). Porque “al final, todo acaba teniendo sentido. Y todo está en nuestra mente”.

Valoración: ★★★★½

Crítica: Locke

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Con Dogville, Lars Von Trier desnudaba su cine de decorados y otros elementos de la puesta en escena, con un planteamiento que favorecía la imaginación del espectador, aproximándolo así más a la experiencia del lector que forma en su cabeza las imágenes que “lee”. Steven Knight, guionista de Promesas del Este, va un paso más allá con Locke, película que transcurre única y exclusivamente en una localización (un coche en marcha) y con un solo personaje físicamente presente, Ivan Locke (Tom Hardy). Solo a través de conversaciones por teléfono (manos libres) entre el protagonista y sus interlocutores, Knight construye un thriller inusual y arriesgado en la línea de Buried, un relato que se desarrolla casi íntegramente en la mente del espectador.

Con este sublime ejercicio de minimalismo, Knight propone una experiencia cinematográfica cruda, desprovista de las triquiñuelas visuales de las grandes producciones, un viaje imprevisible que requiere de una participación más activa por parte de la audiencia, poniendo a prueba su nivel de abstracción. Del éxito del experimento depende no solo la pericia narrativa del autor o su capacidad para atrapar la atención del espectador y no soltarla a pesar de las limitaciones que se autoimpone (ambos retos superados con creces), sino también de la predisposición y la paciencia de aquel que se suba al coche con Tom Hardy sin saber adónde va.

posterPEste enigmático y claustrofóbico road trip de Brighton a Croydon, sin paradas y en medio de la noche, es el viaje de una persona cuya vida da un giro de 180 grados durante el trayecto. Mientras Ivan, un jefe de construcción que supervisa una de las obras más importantes del país, comprueba inmóvil desde dentro de su vehículo cómo el mundo a su alrededor se desmorona, el espectador es testigo de las constantes transformaciones de la película. Esta comienza con el potencial de convertirse en cualquier cosa, y acaba quizás no como se esperaba, subvirtiendo las expectativas y disponiendo capas a la historia que acabarán desvelando cuál es el verdadero misterio de la película: el hombre que es Ivan Locke.

La intensidad que caracteriza a Locke se debe en gran medida a la ingeniosa ejecución de Knight, que se abastece de la esencia del suspense para realizar un trabajo brillante e hipnótico de drama e introspección psicológica. Pero sin duda, no funcionaría con tal precisión de no ser por la soberbia interpretación de Tom Hardy y un fantástico reparto de voces (Olivia Colman, Andrew Scott, Ruth Wilson, Tom Holland), que además de ayudar al espectador a proyectar el relato hacia fuera del coche para completar el puzle de Locke, aportan exquisitas notas de comedia y melodramaLocke se revela de esta manera como una obra íntegra y fascinante, un inquietante thriller que logra crear una intriga envolvente aun prescindiendo de los artificios propios del género.

Valoración: ★★★★

Halt and Catch Fire: Una revolución en ciernes

Halt and Catch Fire

“I wanna build something that makes people fall in love” -Cameron Howe

El mismo año que HBO ha puesto en marcha Silicon Valley, afilada sátira sobre un grupo de jóvenes visionarios intentando triunfar en la Meca tecnológica de Los Ángeles, AMC ha estrenado Halt and Catch Fire, drama que se remonta a comienzos de la década de los 80 para contarnos una historia en cierto modo análoga, un relato de emprendedores, de locos con el sueño de cambiar el mundo (o de aprovecharse de esos cambios para hacerse millonarios). Ambientada en el umbral de la era informática moderna, Halt and Catch Fire nos cuenta el origen del ordenador portátil y su papel en la revolución del PC durante los 80.

Lo hace a través de Cardiff Electric, compañía ficcional de software ubicada en Dallas, Texas, que compite por el mercado con el gigante IBM, prácticamente ajena al avance del Apple de Steve Jobs. En el centro de la historia nos encontramos a tres personajes que representan los tres aspectos principales de la industria tecnológica: el yupi salido de un libro de Bret Easton Ellis Joe MacMillan (Lee Pace) es la vertiente mercantil y publicitaria, la punk Cameron Howe (Mackenzie Davis) personifica la importancia de las ideas, el riesgo y la perspectiva de futuro, mientras que el hombre de familia Gordon Clark (Scoot McNairy) es la viva imagen de la experiencia y el trabajo duro. Durante su primera temporada, Halt and Catch Fire nos muestra cómo estos tres aspectos se conjugan y colisionan entre sí para dar lugar a un producto con la capacidad para cambiar la sociedad para siempre, el ordenador portátil Cardiff Giant.

Con la estilización y elegancia visual que caracteriza a los productos de AMC, una ambientación excelente y una banda sonora de escándalo Halt and Catch Fire se postula (muy deliberadamente) como la sucesora de Mad Men, haciendo con la informática exactamente lo mismo que aquella hace con el mundo de la publicidad. Y aunque la serie se esfuerza demasiado en que pensemos esto, lo cierto es que tiene potencial para al menos merecer la comparación. Estamos ante otra pieza de época que pretende ilustrarnos una decisiva etapa de transformación que resultará en el mundo tal y como lo conocemos hoy en día. La serie de Christopher Cantwell y Christopher C. Rogers coquetea ocasionalmente con el tecno-thriller y puede resultar algo inaccesible para aquellos que desconozcan la jerga informática, pero al final esta no es más que otra historia de superación, de personas que suplen un déficit personal con la búsqueda del éxito, y también, por qué no, de los geeks que acabarán dominando el mundo (y los señores trajeados detrás de ellos), lo que la convierte en un drama vigente y universal, en la línea de La red social, que más gente debería estar viendo.

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Los diez episodios que conforman la primera temporada de Halt and Catch Fire abarcan quizás más de lo que deberían, y como ya hemos dicho, están diseñados para facilitar el elogio de la crítica, en lugar de dejar que sean los demás los que descubran por sí solos sus muchas virtudes. Esta falta de modestia hace que precisamente nos fijemos más en los defectos (lo anacrónico e implausible de algunos conflictos y roles de género, la falta de profundidad en algunos personajes, la dudosa utilización del sexo, la sobreactuación de Lee Pace). Sin embargo, no hay nada demasiado grave que impida disfrutar del envolvente drama de estos interesantes personajes que, gracias a la sorprendente decisión de AMC de renovar la serie a pesar de sus trágicos índices de audiencia (astuta estrategia que esperemos surta efecto), tienen la oportunidad de convertirse en fascinantes (atención, porque Donna Clark es, literalmente, “el arma secreta” de la serie).

Halt and Catch Fire rebosa potencial y merece mayor reconocimiento. Es un drama inteligente, estimulante, provocativo, lleno de matices y sumergido en el simbolismo y la fatalidad, al más puro estilo Mad Men, pero necesita tiempo y requiere de paciencia para desarrollarse debidamente. A pesar de sus glitches y sus bugs, es uno de los estrenos más destacados del año, pero es que puliendo estas imperfecciones podría convertirse en una de las series imprescindibles del momento. Solo tiene que dejar de preocuparse tanto por la impronta que quiere dejar en la televisión y, en lugar de construir algo para impresionar, esforzarse en construir algo de lo que la audiencia pueda enamorarse.

 

True Blood (2008-2014): Descansemos en paz

Sookie y Bill

Sookie: Bill, I’ll never forget you.
Bill: I wish I could say the same,
but I don’t know what happens next.

Al contrario de lo que la mayoría opina, las dos últimas temporadas de True Blood han sido un acierto para mí. La sexta temporada suponía el estreno como showrunner del productor ejecutivo Brian Bruckner, tras la marcha del creador de la serie, Alan Ball. La serie llevaba ya un par de temporadas dando palos de ciego, sin saber qué nos estaba contando (¿lo supo alguna vez?) y rellenando capítulos con las tramas más infames y prescindibles. Así que Bruckner tenía dos opciones: seguir dejando que el caos reinase o intentar que la serie se centrase. Afortunadamente, eligió la segunda opción. Así, la sexta temporada sirvió para hacer reconectar a los personajes y entrelazar sus tramas, hasta ese momento horriblemente desconectadas entre sí, y poner orden al embrollo que Ball había dejado como herencia a Bruckner. La séptima y última temporada ha continuado por este camino, centrándose principalmente en los personajes, dejándolos simplemente hablar, abrirse los unos a los otros (esta vez no necesariamente de piernas), estrechar lazos. Estos últimos diez episodios de True Blood han sido una celebración de Bon Temps, de Sookie Stackhouse y su “familia creada”, y por supuesto, una oda a los que sobreviven.

La temporada final empezó con mal pie, y no fue hasta el cuarto episodio cuando despegó realmente. A partir de ahí, Bruckner se dedicó a dialogar con los personajes, y preguntarles qué esperaban exactamente de la vida, y cuáles eran sus asuntos pendientes y sus sueños. Generalmente, Bruckner los escuchó, y fue dando clausura narrativa a todos los habitantes de Bon Temps a medida que la temporada se acercaba a su fin. Fueron los personajes humanos los que, sorprendentemente o no, nos proporcionaron los finales más emotivos, concretamente Arlene Flower y Andy Bellefleur, secundarios que esta temporada se han revelado como los personajes más consistentes, dos de los pilares más sólidos de True Blood, y que nos han dejado las escenas más hermosas de la serie en mucho tiempo. También Jason Stackhouse, al que le ha tenido que salir una novia casi de la nada para que nos demos cuenta de que en cierto modo ha sido siempre el corazón de la serie. Otros personajes recibieron finales más cómicos, como Ginger -que por fin se sentó en el trono (encima de Eric)-, discretos, como Sam, o más abruptos, como Alcide o Tara -aunque en el caso de la segunda, esta permaneció en la serie como fantasma y antes del último episodio obtuvo su pase hacia el cielo en forma de la reconciliación definitiva con su madre (Adina Porter se merece todos los premios). Por último, la recta final de True Blood recuperó a la mejor pareja de la serie, Jessica y Hoyt, para darles un final feliz -aunque la serie nos tenía reservada una última sorpresa en forma de boda, porque ya sabemos que no hay series finale que valga sin una boda. En todo caso, es evidente que Bruckner ha ido cerrando historias de manera que para el final solo quedaran dos grandes asuntos por resolver: Bill y Sookie y la trama de Sarah Newlin y la New Blood.

Jessica y Hoyt

Y entonces llegamos a “Thank You” (7.10), y comprobamos que esto no era suficiente para construir un final satisfactorio, y que ir despojando poco a poco a la serie de camp para dotarla de mayor dramatismo y, digamos, elegancia, quizás no ha tenido el efecto deseado. Entendemos que para cerrar el ciclo el final se centre en Bill y Sookie, la pareja con la que comenzó todo, pero hace tiempo que a la audiencia dejó de importarle esta pareja, y por tanto hacía falta más. Sobre todo más emoción, más… vida. True Blood fue conocida durante sus siete temporadas por sus altas dosis de sexo y violencia gráfica, y su cualidad de “serie pajillera” por excelencia. “Thank You” (en el que no hay ni una escena de sexo, por cierto) se olvida por completo de esta vertiente de la serie para no distraernos de los personajes; pero es que nunca ha hecho falta desvincularlos de la esencia perturbada y demencial de la serie para hacerlo. El resultado es un episodio final correcto, “humano”, pero terriblemente conservador, insulso y olvidable, algo que una serie como esta no se podía permitir, y en definitiva, lo último que esperábamos de True Blood.

Pero lo más grave de todo no es el hecho de que una serie como True Blood se haya despedido de manera tan sosa y convencional, sino que estos dos últimos años dedicados a recuperar el norte de la historia no han servido para nada, porque al final ha quedado más que evidente que Bruckner en realidad tampoco sabía muy bien hacia dónde se dirigía la historia o qué hacer con sus personajes principales. Para levantar su discurso final en “Thank You”, True Blood insiste en (de manera demasiado evidente) en la idea con la que comenzó la serie: la metáfora entre los vampiros y la otredad oprimida, concretamente los homosexuales (“El estado de Louisiana no reconoce este matrimonio”). Lo utiliza para reforzar la ilusión de ciclo completo, pero en realidad hace mucho tiempo que la serie perdió su sentido del propósito. No hay más que ver el desenlace de Sookie y Bill. Es un detalle bonito y significativo hacer a Sookie la principal representante de esa otredad, incluso por encima de los vampiros, y que acabe aceptando su diferencia, su “monstruosidad”, como parte de sí misma, y no como un inconveniente para llevar a cabo una “vida normal”. Pero las circunstancias y motivaciones para llegar a esta conclusión no podían ser más fortuitas y contradictorias.

Eric y Pam bolsa

Por encima de todas esas incongruencias destaca la absurda petición de Bill, que nos plantea mil y una preguntas y pone en evidencia todos los agujeros de la historia -¿por qué ahora? ¿por qué no se estaca él mismo?, y sobre todo, ¿por qué sus motivos para morir y dejar libre a Sookie no se aplican a Jessica? El “ahora sí, ahora no” antes de que Sookie estaque a Bill en su ataúd solo sirve para retrasar el momento de la verdad y malgastar tiempo que se podía haber empleado en darle aunque fuera una maldita escena a Lafayette, personaje fijo desde el principio, que no tiene diálogos en el episodio y solo aparece en el plano grupal durante la comilona de la escena final. Es indignante e inexplicable que después de todo este tiempo, el personaje no reciba el cierre que merece.

Lo mismo, aunque de manera menos lacerante, ocurre con Eric y Pam, sin duda los personajes favoritos de la audiencia, cuya historia termina completamente descolgada de la del resto. De acuerdo, siempre fueron a su bola. Claro que no nos los imaginamos a la mesa junto a los habitantes de Bon Temps, y nos alegra saber que seguirán siendo socios (y algo más) durante el resto de su eternidad (“Oh, I am so fucking with you”), pero qué menos que una última escena entre Eric y Sookie (¿quizás una visita final de la Stackhouse a Fangtasia? Seguro que habría tenido más emoción que la última secuencia con Bill). Ya no es que nos hiciera ilusión ver a Sookie y Eric juntos una última vez, es que era necesario. Agentes externos y una mala gestión narrativa han dado como resultado un desenlace enormemente desestructurado e inconcluso, un episodio que dedica demasiado tiempo a algunas escenas que podían y debían haber durado menos (la despedida de Bill y Sookie, la boda de Jessica y Hoyt, Sarah Newlin en el sótano), en detrimento de otros personajes, impidiendo así la sensación general de final de serie.

True Blood cena

Sorprende que una serie que se ha caracterizado por su gran compromiso con el fan service (nos ha dado todo lo que queríamos y más, sobre todo en cuanto a escenas cochinas) no sea capaz de superar los problemas de incompatibilidad de agendas (al parecer, Skarsgard y Bauer no estaban disponibles para grabar escenas a la vez que el resto de actores) y no sepa exactamente qué hacía falta para dar un final satisfactorio a sus fieles seguidores, a los truebies que han permanecido “true to the end“. No me malinterpretéis, no hay nada que me guste menos que un final que atiende mucho más a las necesidades del espectador que a las de la propia historia y los personajes. El problema es que el de “Thank You” no es ninguno de los dos casos. Es un final en teoría adecuado, un final feliz, pero no un final estimulante, es el final de otra serie, no el de True Blood. Y si por algo se ha caracterizado esta serie, además de por ser una de las más inconsistentes de la televisión, es por saber estimularnos, de todas las maneras. “Thank You” es un trabajo desganado, desapasionado, agridulce (en el mal sentido), una chapuza que ha dejado a muchos completamente indiferentes (solo el plano que cierra esta entrada logró provocar reacciones) y a otros enfurecidos tras siete años defendiendo lo que para muchos era indefendible. En fin, como suele ocurrir en estos casos, quedémonos con lo bueno que nos ha dado True Blood, es decir, las horas incontables de despelote, gore y exceso que han amenizado nuestros veranos. Por lo demás, echemos tierra por encima de este final y descansemos en paz.

True Blood (2008-2014) RIP

Crítica: Lucy

Lucy Scarlett Johansson

Texto escrito por David Lastra

“Una persona normal utiliza un 10% de su capacidad cerebral. Ella está a punto de alcanzar el 100%”. Se ha demostrado que esta premisa es falsa pero, ¿qué más da si da lugar a una película entretenida? Ese es el caso de Lucy, la nueva película surgida de la factoria Luc Besson (Leon el profesional, El quinto elemento) con Scarlett Johansson como protagonista absoluta.

Desde el comienzo de su carrera, Besson ha sido en un valor seguro del cine de acción. No un simple artesano, sino más bien un director preocupado por ciertas marcas de autoría que han ido evolucionando (alguna deteriorando) a lo largo de su carrera, estando siempre presente el arquetipo de mujer de armas tomar (literalmente) sedienta de venganza. Si bien se apartó de las labores de dirección durante unos años y otros tantos se dedicó a la franquicia Arthur y los Minimoys, su mente creativa no ha dejado de idear Lucy cartelpelículas y sagas de acción, como son los casos de las exitosas sagas de Transporter y Venganza, vehículos de lucimiento de Jason Statham y Liam Neeson, respectivamente. Tras su fallido experimento con la comedia negra el año pasado con Malavita, el realizador francés vuelve al género que le consagró… o no, porque no es un regreso al uso. A pesar de tener un par de escenas de acción de alta calidad y una buena persecución de coches como los canones del género mandan (tampoco olvidemos que Besson está detrás también de la saga Taxi), es más acertado catalogar a Lucy como una cinta de ciencia ficción.

Esta Lucy (sin apellidos, como las estrellas de Pop) tiene más paralelismos con Leeloo de El quinto elemento por su naturaleza extraterrestre que por su capacidad de aniquilar a sus enemigos. El personaje, interpretado de manera solvente por Scarlett Johansson, no es una hitwoman como la protagonista de Nikita (sí, esa también es suya). Ella es una mujer cualquiera que, por casualidad, cual Spider-Man y las arañas modificadas genéticamente, se convierte en el ser humano más inteligente del mundo al contaminarse con una nueva superdroga. Esta Scarlett es más alien de Under the Skin que Viuda Negra de la saga Vengadores. Lejos de querer dominar a la humanidad con sus recién adquiridos poderes y conocimientos, Lucy decide compartirlos con un especialista en neurociencia, con la voz y rostro del omnipresente Morgan Freeman. Todo un alegato por la educación y la inteligencia ante la violencia que no es novedad en el cine de Besson, ya que siempre ha velado (más o menos) por una conjunción entre los mamporros y la educación (véase el final redentor de Mathilda en Leon el profesional).

Recordad que también es una falacia que escuchar a Mozart no hace más listo a un bebé, pero sí que se ha comprobado de manera científica que la presencia de Scarlett Johansson enriquece toda película. Te quiero, Lucy.

Valoración: ★★★

Rick and Morty, más allá de los confines de la aventura

RM

Uno de lo mayores enigmas televisivos de los últimos años es dónde fue a parar la creatividad y el entusiasmo de Dan Harmon, que habían desaparecido de Community. Y sí, estoy hablando sobre todo de su gran comeback a la serie que lo puso en el mapa. Porque él no tuvo nada que ver en la infame cuarta temporada, así que por ahí se libra, pero, ¿qué ocurrió durante la quinta? Era como si estuviera distraído, en baja forma, como si no estuviera presente, como si ya no fuera el padre sobreprotector y orgulloso de su criatura. De hecho delegó bastante más de lo habitual en su equipo, como si ya no fuera con él la cosa. Pues resulta que el enigma de la ilusión perdida de Harmon tiene fácil respuesta si habéis echado un vistazo al nuevo éxito animado de Adult Swim, Rick and Mortyque se emitió el invierno pasado. Harmon se volcó completamente en este proyecto, creado a cuatro manos con el enfant terrible Justin Roiland, y en el que nos reencontramos con la desbordante imaginación del productor, elevada a la enésima potencia gracias a las infinitas posibilidades que brinda la animación.

Rick and Morty es la historia de Rick, un científico loco, sociópata y alcohólico, que vive las aventuras más disparatadas a lo largo y ancho del universo, entre miles de dimensiones y realidades alternativas, junto a su nieto, Morty, un niño inteligentemente impedido, entre el sidekick y la cobaya de su abuelo. Rick vive junto a la familia de su hija, colección de disfunciones y atrofias emocionales varias que no pueden faltar en toda comedia de animación feísta que se precie. A lo largo de la primera temporada de la serie, la acción de cada uno de los 11 episodios que la conforman se divide en dos. Por un lado las alocadas peripecias intergalácticas e interdimensionales de Rick y Morty, y por otro las diatribas familiares de los Smith. A medida que la temporada avanza, los dos ámbitos se irán fusionando progresivamente, y Morty saltará entre uno y otro, bien protagonizando dramas familiares y “cotidianos” (como cuando de repente es padre de un alienígena que madura a gran velocidad), bien acompañando a Rick en su nave espacial a un planeta habitado solo por mujeres, siendo enviado por él en un “viaje alucinante” al interior de un sucio vagabundo alcoholizado o enfrentándose a toda clase de criaturas monstruosas, fantásticas y mutantes de serie B. De la misma manera, R&M irá experimentando con combinaciones de personajes, llevando también a la hermana de Morty, Summer, a sustituir a su hermano como acompañante de Rick en sus andanzas. Así, poco a poco, los secundarios ganarán entidad y sus personalidades serán cada vez más interesantes -destacando por encima de todos el castrado y entrañablemente patético pater familias Jerry, doblado por el siempre eficaz Chris Parnell.

Smith Sanchez

Rick and Morty se postula como la más digna sustituta de Futurama, ahora que la serie de Matt Groening nos ha dejado. Pero también nos recuerda inevitablemente a Hora de aventuras en su fértil inventiva y su gusto por la psicodelia y el “viaje mental”. Y por supuesto a Doctor Who (o Inspector Spacetime) y la saga Regreso al futuro, de las que toma prestada, entre otras muchas cosas, la idea del doctor y su companion es evidente que Rick y Morty son una parodia de Doc y Marty. Claro que aunque R&M sea en esencia una serie de aventuras y ciencia ficción, entre Cronenberg y La dimensión desconocida, también se puede adscribir al género de sitcom familiar animada que implantó Los Simpson. En este espectro, la serie se sitúa entre Bob’s BurgersPadre de familia. Si bien R&M nos muestra cada vez más lazos de afecto entre los miembros de la familia Smith-Sanchez (en el fondo se quieren), la relación que los une es más parecida a la de los Griffin que a la de los Belcher. Aquí hay bastante mala baba y no demasiado apego entre los personajes. Además, el tono es más bien irreverente y corrosivo (no olvidemos que la serie se emite en Adult Swim, y hay bastante carta blanca para ser todo lo cafre, vulgar y políticamente incorrecto que se pueda). Pero si por algo destaca R&M, más que por sus plantel de personajes, (que por ahora palidece en comparación a Bob’s Burgers), o por su alto e inapropiado contenido en picante, es por su inagotable derroche de ideas. En Rick and Morty todo vale. Literalmente. Si el director del instituto se llama Principal Vagina, es que no hay cortapisas de ninguna clase. Y efectivamente, Rick nos abre mil y un portales a los mundos más felizmente aleatorios y rimbombantes, alcanzando así un nuevo nivel de surrealismo (véase “Rixty Minutes” y en concreto esta escena). Rick and Morty es la locura continua, la esquizofrenia y la hiperactividad narrativa y visual, es como tener asiento de primera fila en la mente de Abed Nadir.

Rick and Morty

Porque se nota a la legua que Harmon está detrás del proyecto, y que lo ha utilizado para dar rienda suelta a sus fantasías más locas, aquellas que incluso son demasiado estrafalarias para Community, para rizar el rizo aún más y llevar su creatividad al límite -tanto es así, que a ratos R&M puede llegar a saturar con su bombardeante vomitona de ideas. Pero Rick and Morty es también una serie de Justin Roiland (la desagradable y ultrasónica voz de uno de los personajes más perturbadores de la televisión reciente, Lemongrab). Y así lo vemos en su gusto por la escatología (tengo la sensación de que nunca nos cansaremos de que Rick hable entre eructos) y ese leve nihilismo y espíritu autodestructivo que sobrevuela la serie (cuando piensas que no va a hacer la burrada que estás pensando, va y la hace). Ambos productores forman el tándem perfecto para crear un producto tan estúpido como complejo, una serie que ya en su primera temporada se ha atrevido a jugar con la continuidad y lo meta (cómo no), y que nos ha dado cosas brutales y deliciosamente macabras como “Rick Potion #9“, capítulo en el que Rick y Morty se quedan a vivir en una realidad alternativa, sustituyendo a sus yos que habitan en ella (muertos y enterrados por ellos mismos en una de las mejores escenas de 2014), siendo a partir de ahí los únicos que saben que viven en una realidad distinta. Este argumento (o quizás debería decir este mindfuck), que lejos de olvidarse, se retoma en un momento sorprendentemente emotivo durante un episodio posterior, demuestra hasta dónde están dispuestos a llegar Harmon y Roiland con Rick and Morty, una serie que puede recordar a mil y otras series, pero que sin embargo en su corta andadura ya se las ha arreglado para llevar la comedia de animación un paso más allá.

Silicon Valley: Bienvenidos al planeta de los nerds

Silicon Valley reparto

Lo hemos dicho muchas veces. A HBO le cuesta mucho más dar con el clavo en lo que se refiere a comedia. La cadena ha generado varios éxitos recientes, como Girls o Veep, pero la supervivencia de estas series se debe más a su repercusión mediática y al prestigio que otorgan que a sus índices de audiencia, muy lejos de los números que amasan dramas como Juego de Tronos, True BloodThe Leftovers. Aunque se ha especializado en la comedia de auteur (ahí está Curb Your Enthusiasm), la Home Box Office no es ajena a la creación de sitcoms para “la masa”, con éxitos como Sexo en Nueva York y (a menor escala) Entourage en su haber. Cubriendo el (desgraciadamente menor) nicho de audiencia femenina y homosexual (respectivamente, o no) con la serie de Lena Dunham y ahora con Looking, HBO necesitaba una comedia más “masculina”. Y Silicon Valley, una serie moderna, y sin embargo arraigada en la sitcom tradicional, viene a llenar ese hueco (sin ir más lejos, parecía que la Academia estaba esperándola para sustituir Girls por ella en sus nominadas a Mejor Comedia). Con ella, la prestigiosa cadena ha dado con su propia The Big Bang Theory. Salvando las distancias, claro está.

Silicon Valley es la historia clásica del underdog americano, el héroe cotidiano, antítesis del triunfador y conquistador, que halla el camino hacia el éxito (y hacia la chica) a través de su intelecto. Vaya, una historia sobre nerds para todos los públicos. La serie está creada por Mike Jugde, responsable de Beavis y Butt-Head y director de la película de culto Office Space, y como aquellas dos obras clave, busca la complicidad con el público a través de la identificación con el veinte-treintañero a la deriva (o sea, todos). Por eso Silicon Valley está protagonizada por un tipo muy concreto de nerd, el informático. Richard es un extraño e introvertido experto en ordenadores que ha creado una app que podría revolucionar el mercado. Para convetirla en un éxito y levantar su propia empresa en la Meca de la industria informática, rechaza una oferta de venta millonaria y se asocia con la empresa de un loco (y divertidísimo) visionario, Peter Gregory, que le propone colaborar en beneficio mutuo. Desafortunadamente, el actor que daba vida a Gregory, Christopher Evan Welch, falleció a mitad del rodaje de la temporada, perdiendo así la serie una de sus mayores bazas. Aunque los guionistas idearon pronto una manera de mantener vivo al personaje, con un chiste recurrente en boca de su asistente (Amanda Crew) según el cual Gregory siempre está fuera, ocupado en algún asunto a cada cual más extravagante. Esperamos que el gag se mantenga en próximas temporadas.

silicon valley póster HBOLa primera temporada de Silicon Valley lidia con las tribulaciones de Richard tras haber tomado la decisión ¿equivocada? y nos cuenta los primeros pasos de su aventura empresarial Pied Piper (hay un episodio dedicado al registro del nombre, otro a la creación del logo…), junto a su equipo de geeks y despojos humanos, ratas que no lo siguen como al flautista de Hamelín precisamente: el endiosado Erlich (T.J. Miller, entre el esperpento divertido y lo simplemente insoportable), el adorador de Satán Gilfoyle (Martin Starr en su salsa), el indio Dinesh (Kumail Nanjiani)- porque todo grupo de informáticos emprendedores debe tener un indio-, y Jared (Zach Woods, reproduciendo tal cual su personaje de The Office). Todos ellos representan los distintos estereotipos que han caracterizado al nerd informático (o al nerd en general) en la ficción reciente (The IT Crowd, TBBT): la percepción distorsionada del mundo, la ineptitud social, el carácter sedentario, la libido por las nubes, los fetichismos y parafilias tecnosexuales, y la dificultad para comunicarse, especialmente con las mujeres. Richard personifica con gran maestría a este tipo de personaje, gracias a la interpretación compasiva, adorable y llena de matices de Thomas Middleditch, el mayor acierto de casting de la serie, y el corazón de la misma.

A lo largo de los ocho episodios que componen la primera temporada, Silicon Valley presenta tramas generalmente convencionales, vistas en otras sitcoms, conflictos clásicos aplicados al relativamente reciente universo de la innovación tecnológica (para conocer sus orígenes, aconsejable Halt and Catch Fire). Hemos visto algo parecido hace poco en la película Los becarios (The Internship), que al igual que Silicon Valley, nos habla de cómo funcionan los grandes imperios tecnológicos. Solo que el filme de Owen Wilson y Vince Vaughn no era más que un publirreportaje de Google, mientras que Silicon Valley es una sátira muy afinada del gigante del Valle del Silicio, parodiado en la serie a través del paraíso laboral de Hooli. A pesar de hacer gala de una incorrección política muy blanca, Judge da en el clavo a la hora de trasladar a la pantalla el particular y en ocasiones excéntrico mundo de los (casi siempre patéticos) aspirantes al próximo Steve Jobs -es clave la escena en la que un puñado de grupos creativos venden sus proyectos con presentaciones clónicas, emulando las palabras de la Deidad Jobs (que por cierto, es mencionado una o más veces en todos los episodios, claro).

Pero Judge no solo nos habla/se burla del negocio informático, donde la lógica matemática choca con la inmadurez del “genio”, sino que se permite introducir, al más puro estilo La red social (pero con humor y casi sin que nos demos cuenta), reflexiones muy valiosas sobre la nueva sociedad de la comunicación y nuestra relación con la tecnología. Una escena que engloba perfectamente estas ideas tiene lugar en el penúltimo episodio de la temporada, el “Dickjerk Algortithm” (literalmente, el Algoritmo de la Paja), simplemente el momento de comedia más sublime que nos ha dado este año la televisión. Esta escena, además de incorporarse por méritos propios en los anales de la tele por su absurda brillantez, da paso al desenlace de la temporada, que plantea una visión de futuro muy clara para Silicon Valley, y si la audiencia aguanta tan bien como hasta ahora, una andadura potencialmente longeva para alegría de HBO.

Crítica: Los Mercenarios 3

Stallone Los Mercenarios 3

La saga Los Mercenarios es el gran golpe maestro de Sylvester Stallone, una mina de oro que se sustenta principalmente en la nostalgia y en el simple placer de volver a ver una cara conocida, aunque esta cara esté totalmente cambiada por el cruel paso del tiempo y el todavía más cruel paso por el quirófano. La idea era reunir a lo más granado del cine de acción de los 80 y los 90 y poner a todos estos abueletes musculosos a pegar tiros como si no hubiera mañana. Tenía su gracia, y surtió efecto. Así, el elenco de míticos héroes del cine de acción y artes marciales se fue ampliando. Ninguno se quería perder la fiesta: Arnold Schwarzenegger, Bruce Willis, Jean-Claude Van Damme, incluso Chuck Norris. Con la presencia de estos actores en un par de escenas ya estaba todo hecho. Pero las ambiciones del jefe Stallone eran cada vez mayores, lo que le llevará a emular con Los Mercenarios 3 al Universo Cinematográfico de Marvel, y concretamente a Los Vengadores, confesa inspiración del padrino de la saga a la hora de desarrollar esta tercera parte.

Lo que mejor funcionaba de las primeras entregas de Los Merecenarios era su sentido del humor. Este era mucho más desenfadado y alocado en la segunda parte, que aparcaba el tono más serio de la primera para entregarse al chiste continuo, a la caspa sin complejos, y ponía a sus rudos protagonistas a hacer monerías que garantizaban la carcajada (sobre todo la del público objetivo). Los machotes Stallone, Jason Statham (principal representante del cine testosterónico actual), Dolph Lundgren (la desaprovechada gema oculta de la franquicia) o el histriónico Terry Crews se entregaban por completo a la autoparodia, y se reían de sí mismos en un meta-ejercicio de comedia que no era sino un guiño constante al espectador. Sin embargo, parece que la segunda parte agotó el arsenal de chistes (si hasta tenía a Chuck Norris interpretando a un meme de Chuck Norris), y en Los Mercenarios 3 se opta por una mayor sobriedad (tampoco demasiada, que conste), haciendo que las bromas y gags suenen agotados, reciclados, incluso más simples e infantiles que de costumbre.

Otro de los puntos fuertes de Los Mercenarios era la sensación de camaradería y lealtad, derivada de la celebración de la masculinidad militar, que estos actores trasladaban con acierto a la pantalla, algo que acercaba estas películas a los últimos capítulos de Fast & Furious. Esto se conserva en Los Mercenarios 3, donde lo más destacable sigue siendo la amistad que une a los protagonistas (que se quieren, pero no se abrazan, que eso es de maricas), y que además de ser el núcleo de la película, es lo que desencadena la historia de esta tercera parte. En ella, Barney Ross (Stallone) obliga a jubilarse a sus colegas, por miedo a que todos acaben muertos siguiéndolo a ciegas en sus suicidas misiones para salvar el mundo de malhechores, traficantes y megalómanos. Este punto de inflexión perjudica seriamente a la película, que al centrarse en los unidimensionales y aburridos nuevos Mercenarios pierde el ritmo, y sin Statham, Lundgren o Crews se vuelve insoportablemente plomiza y mecánica (sí, más que de costumbre).

Los Mercenarios 3

Además de renovar la franquicia y proyectarla hacia el futuro con la incorporación de jóvenes rostros como Kellan Lutz (no del todo desubicado, como ocurría en la infame Hércules), Glen Powell (que aporta sapiencia informática aumentando jocosamente la brecha entre generaciones) o la única mujer de la película, Ronda Rousey (a la que nunca se le permite hablar si no es para recordarnos que es una mujer), Los Mercenarios 3 sigue recurriendo a viejas glorias del cine, multiplicando el ya de por sí abarrotado reparto. En esta ocasión se apuntan Wesley Snipes (realmente divertido, aunque pase a segundo plano enseguida), Harrison Ford representando a la burocracia (sustituye a Bruce Willis tras un encontronazo con Stallone), un estupendo Mel Gibson como el villano de la función (el único que se toma en serio eso de actuar) y Antonio Banderas prestándose sin rechistar al papel más degradante, ridículo e insultante de la película, un antiguo legionario hiperactivo caracterizado por su incontinencia verbal y su desbordante entusiasmo, que en un momento de la película acaba entonando “El novio de la muerte“, seguramente para regocijo de muchos (a mi padre le va a encantar), y para espanto de tantos otros.

Pero en realidad Los Mercenarios 3 es básicamente la misma película que sus dos predecesoras. Stallone (junto a los guionistas Creighton Rothenberg y Katrin Benedikt) las clona para ofrecer los mismos ingredientes otra vez, solo que en esta ocasión todo se antoja más desganado y descafeinado: la violencia gráfica se rebaja unos cuantos enteros con respecto a la segunda parte (sigue habiendo saña y sadismo, pero hay menos sangre, para ajustarse a la absurda nueva calificación por edades PG-13), y como ya he señalado, el humor va a medio fuelle, con unos actores menos dispuestos a hacer el payaso. Lo que no cambia son los efectos dignos de una TV movie de SyFy (hay que pagar a todas esas estrellas y no queda dinero para la producción). Sin embargo, para los incondicionales del género, lejos de suponer un inconveniente, todo esto será un aliciente, una invitación a sentarse y disfrutar de los explosivos set pieces, de la fraternidad entre Stallone, Statham y compañía (los machos alfa también pueden ser sensibles, a su manera), y sobre todo del aroma añejo de los 90 y ese regreso a lo conocido del que hablaba. Al fin y al cabo, Los Mercenarios realmente funciona como Marvel en el fondo. Stallone sabe el valor que tienen todas estas leyendas del cine para el espectador, y es consciente de que su mera presencia desatará la euforia de otro tipo de fanboy, el padre de familia de 50 para arriba. Por eso, ni hace falta más, ni se molesta en darlo.

Valoración: ★★

Crítica: Transformers – La era de la extinción

TRANSFORMERS: AGE OF EXTINCTION

Lo de “la avaricia rompe el saco” no es algo que preocupe especialmente a Michael Bay, más que nada porque por mucho que estire la cuerda, por mucho incluso que se rompa, sabe que el público acudirá en masa a ver sus películas, siempre manufacturadas para reventar la taquilla estival, para proporcionar una vía de evasión en los aburridos días de verano. Por eso la saga Transformers continúa, porque a pesar del clamor popular (que dice que cada vez son peores), el público sigue convirtiendo estas películas en éxitos masivos de la box office (está claro que no aprendemos). Bay firma este año la cuarta entrega de la franquicia de los alienígenas robots de HasbroTransformers: La era de la extinción, reafirmándose una vez más en su personal estilo, y proporcionando al espectador exactamente lo que espera de su cine. Algo positivo y negativo a partes iguales.

Bay es un auteur  de blockbusters, eso está claro. Sí, es un narrador desastroso -se dice que sus guiones son en realidad una sinopsis y él simplemente rueda escenas para luego amontonarlas en la sala de montaje-, y un realizador lleno de vicios -esos trávelings de lado, esos contrapicados, los besos a contraluz, la fotografía iluminada por el cegador atardecer, la cámara en constante movimiento y los planos sobrecargados de información visual-, lo que lo convierte en un cineasta muy limitado técnica y artísticamente, pero tiene claras cuáles son las armas que mejor le funcionan. No es un buen artista, pero es un gran vendedor. Sin embargo, con este pseudo-reboot que supone Age of Extinction, el director confirma lo que sospechamos desde aquella infame segunda parte, que estas armas se han descargado completamente. Ni el lavado de cara del reparto -el prolífico y taquillero Mark Wahlberg recoge el testigo del polémico Shia LaBeouf– sirve para salvar La era de la extinción, un desastre fílmico sin remedio que confirma que los Transformers se han quedado en la Tierra más tiempo del que estaban invitados.

TRANSFORMERS: AGE OF EXTINCTION

La primera entrega de la saga, estrenada en 2007, conquistaba a muchos aficionados al blockbuster (entre los que yo me incluyo) gracias a su combinación de aventuras a la vieja usanza (a ratos incluso muy spielbergianas), humor absurdo (y más inspirado de lo esperable, hemos de reconocer) y los efectos digitales mejor realizados e integrados desde Parque jurásico. Lo que funcionaba en la primera película, que partía de una premisa tan alocada que muy pocos confiaban en ella, dejó de surtir efecto en las dos siguientes, desplazando la atención a lo estúpido de la propuesta, algo que no debería pasar en una superproducción fantástica de esta naturaleza. Con La era de la extinción, Bay repite la jugada, y levanta un exorbitantemente caro y grandilocuente espectáculo visual en el que la acción no da tregua al espectador, hasta el punto de que este puede acabar ahogado por ella. Como es habitual, la confusión y el caos reina durante todo el metraje (la mitad parece reciclado de las anteriores películas) y además en esta ocasión los efectos digitales están por debajo de la media -planos aparentemente a medio acabar, criaturas digitales menos realistas y una sensación general de estar viendo un videojuego en pantalla grande. Por si eso fuera poco, las escenas de acción protagonizadas por los humanos están tan mal ejecutadas que en todas ellas identificamos constantemente a los dobles de riesgo (véase la escena de los tejados), una chapuza que no debería ocurrir en algo como Transformers.

Afortunadamente, Bay ha rebajado el tono y ha pulido el humor, algo más sobrio que el de las anteriores entregas, que resultaban excesiva y ridículamente infantiles. En esta ocasión lo dosifica mejor, entre explosiones, gente corriendo y (vergonzosas) dosis de melodrama familiar y romance, aunque sigue manifestando un encefalograma plano cómico, con una total dependencia del chiste fácil. Los humanos nunca han sido importantes en esta saga, pero La era de la extinción se apoya en gran medida en el supuesto carisma de Mark Wahlberg, que se une a la patriótica franquicia interpretando a Cade Yeager, un entrañable padre soltero de la Texas rural (en algunas escenas nos preguntamos si estamos viendo en realidad Friday Night Lights), experto en tecnología transformer. Además de salvar el mundo, Yaeger tiene que velar por la seguridad de una hija adolescente, Nicola Peltz (la tía buena de recambio), con la que desarrolla una química extraña y artificial que aparta a su verdadero donjuán, Jack Raynor. Ni nos creemos a Wahlberg como padre protector ni a Peltz como hija adolescente -Hollywood nos ha malacostumbrado y no podemos evitar verlos juntos sin pensar en que él le debería estar tirando los tejos a ella como buen chulo de playa que es-, lo que provoca que los cimientos “dramáticos” de la película (si es que alguno hubiese) se desmoronen y la inverosimilitud se imponga. Paradójicamente, son los protagonistas humanos los que dan lugar a esto, y no los robots gigantes caracterizados como moteros con barba y puro o como samurais…

TRANSFORMERS: AGE OF EXTINCTION

Pero lo peor de Transformers: La era de la extinción no es su embrollado argumento (del que no hace falta contar nada), su pueril sentido del humor, su machismo de serie, sus risibles villanos, sus one-liners de vergüenza ajena (“Mi cara es mi garantía”), el almibarado componente romántico (ese “Nos protegen las leyes de Romeo y Julieta” hace daño), el insultante product placement que plaga toda la película, o Wahlberg (él lo es casi). De hecho, lo peor tampoco es lo vacuo de la propuesta, porque es algo que todos esperamos de ella, y además con ganas (ya sabéis, apagar la mente y dejarse llevar no está mal de vez en cuando). Lo peor de Transformers: La era de la extinción es su desorbitado e inhumano metraje, que alcanza casi las tres horas y nos acaba sumiendo en un profundo estado de entumecimiento y desesperación para luego acabar de la manera más abrupta posible, evidenciando así dos cosas que ya sabíamos: que no era necesario que la película fuera tan larga y que Bay no tenía ni idea de lo que estaba haciendo y no sabía cuándo parar. A Transformers: La era de la extinción no sale del entuerto ni con los dinobots, que, a pesar de figurar prominentemente en la campaña de márketing, solo hacen acto de presencia en los últimos minutos de la película. Por todo esto, y aunque el testarudo de Bay se niegue a aceptarlo, la saga Transformers debe ser extinguida, o al menos criogenizada durante unos cuantos años.

Valoración: ★★

Crítica: #Chef

CHEF

El género culinario nos ha dado películas exquisitas y deliciosas –Chocolat, Ratatouille, ¿Sweeney Todd?, todas las escenas que involucran comida en las películas de Ghibli-, pero este cine suele tener un inconveniente: despierta el apetito de tal manera que a ratos la experiencia placentera puede tornar en pesadilla. El director Jon Favreau regresa después de su aventura marveliana y el descalabro de Cowboys & Aliens a las películas íntimas, y lo hace con Chef (obviemos la almohadilla que se ha añadido al título en España), una cinta gastronómica que no se recrea demasiado en la comida, sino que la utiliza únicamente como punto de partida para contar la historia.

El error de muchas películas de este género es convertirse en una mera exhibición de talento culinario o un simple ejercicio de estilo, haciendo que los platos acaben desplazando a los personajes. Afortunadamente, Favreau se centra en las tribulaciones alrededor de la comida, concretamente las que provoca en el protagonista, un conocido chef, Carl Casper (Favreau se reserva el papel principal). Este saltó a la fama gastronómica por su cocina innovadora y revolucionaria, pero el dueño del restaurante donde desarrolla su “obra” –Dustin Hoffman– coarta su creatividad y le obliga a hacer noche tras noche el menú que los convirtió en uno de los lugares de moda en Los Ángeles, sin importarle si el crítico más importante de la ciudad -Oliver Platt- está entre los comensales. Tras negarse a claudicar, Casper es despedido, lo que le lleva a recuperar la libertad como chef de food trucks (o sea, cambiando la alta cuisine por el bocadillo grasiento) y ya de paso a recuperar a su familia.

Chef_-_Cartel_FinalChef es el paradigma de la feel-good movie (recomendada la sesión doble con la reciente Begin Again), una película buenrollista y entrañable que por suerte no recurre a sentimentalismos baratos. Y eso que está construida (predeciblemente) a base de lugares comunes semi-melodramáticos, como el favorito del cine americano: el padre ausente cuyo trabajo le ha separado de su hijo. Favreau se apoya principalmente en un reparto de lujo que desprende naturalidad por los cuatro costados. Intérpretes, estrellas y amigos que actúan como si estuvieran en casa, porque lo están. Desde el propio Favreau, entre lo bruto y lo achuchable, hasta una Sofía Vergara entregada sin complejos al encasillamiento, pasando por una Scarlett Johansson cálida y cercana, unos divertidos John Legizamo y Bobby Cannavale, responsables de los momentos más descacharrantes del filme, o Robert Downey Jr., contratado de nuevo para interpretarse a sí mismo. Todos ellos contribuyen a ese irresistible aroma familiar y acogedor que recorre toda la película.

Además de hablarnos de un sueño, y de la importancia de la familia (la biológica y la creada) para conseguirlo, Favreau convierte Chef en una suerte de crónica de nuestros días, mostrándonos muy astutamente cómo las redes sociales han transformado nuestra manera de crear y consumir, también en el terreno gastronómico. Destacan las escenas en las que Casper entra en contacto por primera vez con Twitter (desvergonzado product placement que sin embargo nos da momentos de comedia realmente exquisitos) o el road trip por Estados Unidos, en el que el hijo del protagonista ejerce como community manager del puesto ambulante de bocadillos cubanos, mostrando a su padre cómo funciona un negocio hoy en día. Algo que en cierta manera se contrapone al elogio de lo tradicional (equivalente a “lo latino”) que el director lleva a cabo. Pero además, Chef es una crítica encubierta (o quizás no tanto) a los bloggers y críticos que “destrozan” el trabajo del artista -esta analogía con el oficio de cineasta hace preguntarse si a Favreau no sabrá encajar las malas críticas, y por tanto, si está en el negocio adecuado. Sea como sea, Chef no se recrea en estos sabores agridulces y opta por un tipo de comedia apacible, emotiva, y a ratos muy inteligente y conmovedora. En definitiva, Chef es una de las películas que simplemente se disfrutan, sin darle más vueltas, precisamente como la comida que vemos en pantalla.

Valoración: ★★★½

Crítica: Guardianes de la Galaxia

Guardians of the Galaxy Star Wars

No es un secreto que Marvel llevaba ya mucho tiempo apuntando hacia las estrellas. Con las dos partes de Thor, el Universo Cinematográfico de Marvel se trasladaba a los reinos de la mitología nórdica, y con Los Vengadores echábamos un vistazo interdimensional a los confines del espacio con la amenaza Chitauri y Thanos (aunque en ambos casos pasábamos más tiempo en la Tierra). Pero este año, la Casa de las Ideas se expande oficialmente hacia el cosmos, y lo hace con una aventura absoluta y extraordinariamente marciana, una entrega del UCM que, más que una de superhéroes, es una auténtica epopeya espacialGuardianes de la Galaxia (Guardians of the Galaxy. Con la película dirigida muy eficazmente por el cachondo James Gunn (Slither, Super), las posibilidades de esta macro-historia que comenzó en 2008 (y que no tiene final a la vista) se amplían de manera exponencial. Si una película con un mapache parlante y un extraterrestre-planta, basada además en un cómic desconocido por el gran público, se ha convertido en otro mastodóntico éxito de Marvel (hasta ahí llega la fidelidad de la audiencia), a partir de ahora todo es posible.

Aunque el cómic en el que se basa se remonta a finales de los 60, no cabe duda de que Guardianes de la Galaxia hunde sus raíces en la saga Star Wars, referente indiscutible tanto en lo que se refiere a su argumento como en su vibrante apartado visual. Pero también es fácil detectar en ella elementos de series sci-fi como Farscape o Firefly. De la primera sobre todo esa variopinta y colorida fauna extraterrestre, de las dos el hecho de que los protagonistas sean un ecléctico grupo de forajidos espaciales con pasados oscuros que unen sus fuerzas con un objetivo común. Pero si se trata de encontrar influencias, la más evidente no es otra que Los Vengadores, el éxito que proporcionó el patrón a seguir por el estudio, y que se repite una vez más con Guardianes. No falta nada: historia en tres actos, épica batalla final (con nave gigante desplomándose sobre la ciudad), énfasis en la coralidad del reparto y dosis elevadas de comedia. De hecho, Guardianes es la primera película de Marvel Studios que se puede catalogar abiertamente como “comedia de acción”.

Chris Pratt GotG

La primera parte del filme -tras el nostálgico y melodramático prólogo que nos transporta a los 80 de E.T.– resulta un tanto problemática y atropellada. La culpa la tiene un elevado número de personajes y localizaciones, entre los que la historia va saltando sin (aparente) orden ni concierto, solo cumpliendo la función de aportar los datos necesarios para cimentar la trama. Hay que decir que Gunn lo tenía más difícil que Joss Whedon. Las historias individuales de los Vengadores ya eran conocidas por todos. Las de los Guardianes no. Por eso, Gunn -y antes que él Nicole Perlman, que escribió el primer boceto del guión- tenía la complicada tarea de presentar a un puñado de personajes desde cero, desarrollarlos, enfrentarlos y finalmente convertirlos en un equipo cohesionado, sin la ventaja de contar con medio trabajo ya hecho. Teniendo esto en cuenta, y a pesar de la fragmentación que lastra el primer acto, Gunn ha salido más que airoso. Algo que sin duda se confirma al ver a los cinco héroes juntos en acción durante la segunda mitad del metraje, cuando el filme por fin coge el ritmo y no lo suelta.

Guardianes grupo

Una vez establecido el quién es quién de la galaxia y definido el macguffin de la historia (otra Gema del Infinito que no debe caer en las manos equivocadas), el relato empieza a tomar forma, y los Guardianes se apoderan de él. Lo más destacable de Guardianes de la Galaxia es que, a pesar de contar con un claro protagonista, el encantador sinvergüenza Peter Quill, no se descuida nunca al resto de personajes. Es más, en un momento u otro todos se las arreglan para eclipsar al achuchable Chris Pratt, que sí, es un Star-Lord ideal (porque básicamente es Andy Dwyer en el espacio, y eso nunca podría ser malo), pero no puede evitar que en ocasiones la superproducción le venga un poco grande. Nada que no se solvente con un buen plantel de personajes con el que complementarse:

Gamora -perfecta Zoe Saldana-, letal y robótica extraterrestre de piel verde (una Elphaba alienígena, vaya) que nos proporciona algunos de los instantes más emocionantes y entrañables de la película cuando se entrega a sus impulsos humanos (ella, Peter y Footloose); Drax, un gigante “destructor” que se ríe, literalmente (como todo lo que hace), en la cara del peligro -el luchador Dave Bautista es la verdadera revelación interpretativa de la película, con una precisión cómica sorprendentemente; Groot, adorable criatura árbol que se comunica exclusiva y muy elocuentemente usando únicamente la frase “Yo soy Groot”; y Rocket -doblado excelentemente por Bradley Cooper-, un mapache alterado genéticamente, cascarrabias y aficionado a gastar bromas pesadas, que, lejos de ser reducido a alivio cómico (que no haría falta además), está plenamente definido y tiene tanta o más entidad que sus colegas no realizados íntegramente por ordenador.

Rocket

En el apartado de villanos, Guardianes de la Galaxia no sale tan bien parada, a pesar de la divertida presencia de Michael Rooker como Yondu (que técnicamente no es un villano, solo un paleto amoral). El verdadero malo de la función es Ronan el AcusadorLee Pace le ha cogido el gusto al transformismo-, con Nebula en destacado segundo plano –Karen Gillan sobreactuada en un proyecto en el que no debería chirriar estar sobreactuado. Pero la película cuenta con más enemigos, tantos que es inevitable que estos parezcan desdibujados o desaprovechados, algo que también ocurre con la organización Nova Corps (Glenn Close, John C. Reilly). Esto, más que un problema interno, es un efecto de la acusada serialidad que caracteriza a las películas de Marvel. Estas funcionan cada vez más como una serie de televisión, y es habitual que no se nos presente a personajes “completos” y que se incluyan únicamente pequeñas píldoras de una historia que se desarrollará en posteriores capítulos. De ahí que Thanos aparezca apenas un minuto, o El Coleccionista (Benicio del Toro) protagonice una escena de transición y desaparezca sin más. Y de la misma manera, con Kevin Feige y Marvel actuando como showrunners del UCM, salta a la vista que el director, por mucha voz que haya tenido, ha debido ajustarse a una fórmula testada. Y esto es lo que más chirría de la película, que transcurre sobre seguro, repitiendo lo que ya les ha funcionado anteriormente y dejando poco espacio narrativo para la sorpresa. Aún con todo, Guardianes de la Galaxia es todo lo cerrada, uniforme e independiente que puede ser, sobre todo gracias a su fuerte personalidad y el increíblemente detallado universo que nos presenta.

Gamora y Star-Lord

Guardianes de la Galaxia es un continuo estallido lumínico y multicromático, una fantasía irresistible tanto para los fans de los cómics como para los espectadores más casuales. Conjuga con acierto el fan service propio del estudio (Howard el Pato, Cosmo, el cameo oculto de Nathan Fillion y otros tantos easter eggs) con la pleitesía al gran público, para dar como resultado una película de Marvel que es exactamente como las anteriores, y a la vez es totalmente distinta. Rebosante de descaro gamberro, carisma y socarronería, aderezada con temazos míticos de los 70 y 80 interpretados por Jackson 5, David Bowie, The Runaways…, y un altísimo contenido en one-liners y chistes bobos (algunos graciosos, otros simplemente graciosetes), Guardianes de la Galaxia se presenta como una obra exultantemente viva, musical, y sobre todo iconoclasta.

Para enmarcar planos como el de Peter y Gamora con el walkman y la galaxia como paisaje de fondo, Rocket acribillando a los malos con una metralleta a lomos de Groot, el paseo bailongo de Peter durante los créditos iniciales (y cada vez que alardea de “magia pélvica”), o una de las escenas finales, en la que la película se adentra en terreno sentimental y nos remite a una secuencia clave de Toy Story 3, con resultados igualmente efectivos (Marvel, más Disney que nunca, me vuelve a hacer derramar lágrimas de emoción). Además de todo esto, con el elogio de lo analógico y lo vintage que lleva a cabo (que no os extrañe que el cassette se ponga de moda),  Guardianes de la Galaxia nos devuelve en cierto modo a la infancia y nos recuerda lo que es ver una película de Spielberg por primera vez -no en vano, la primera secuencia en el espacio es un claro homenaje a Indiana Jones y el arca perdida. No estoy seguro de si las nuevas generaciones adoptarán Guardianes de la Galaxia como su Star Wars  (tal y como se ha empeñado la prensa en que ocurra), pero si así fuera, no seré yo quien se oponga.

Valoración: ★★★★½

¡Concurso! Consigue un DVD de DRAGONES: DEFENSORES DE MEMA

 Este sorteo ya ha finalizado. Atentos a fuertecito no ve la tele para futuros sorteos.

Dragons Riders

Ya está a la venta en España el nuevo volumen en DVD de la saga de Dreamworks Dragones: Jinetes de Memalas aventuras de Hipo, Desdentao y sus amigos de Isla Mema en la serie animada de televisión basada en la aclamada película Cómo entrenar a tu dragón.

En este nuevo volumen, titulado Dragones: Defensores de Mematenéis 10 episodios cuya acción tiene lugar entre la primera película y la segunda. En ellos, los vikingos de Berk y sus antiguos enemigos, los dragones, tienen que aprender a convivir. Los dragones, como seres salvajes que son, crean algunos problemas en la isla y les corresponde a Hipo y a sus amigos solucionarlos.

Además, en el DVD tenéis contenidos exclusivos, como un mash-up de dragones, una nueva entrega de Rastreador de dragones o La evolución de los Screaming Death.

Para celebrar este lanzamiento, 20th Century Fox Home Entertainment y fuertecito no ve la tele os queremos dar la oportunidad de conseguir un DVD de Dragones: Defensores de Mema totalmente gratis.

Para participar, lo único que tenéis que hacer es responder a esta sencilla pregunta:

SI TUVIERAIS UN DRAGÓN, ¿QUÉ NOMBRE LE PONDRÍAIS?

También podéis participar en la página de Facebook de fuertecito no ve la tele, respondiendo a la misma pregunta en ESTA FOTO.

Bases

Defensores de Mema– De entre todos los participantes elegiremos a un ganador que se llevará totalmente gratis 1 DVD de Dragones: Defensores de Mema en formato DVD (foto). El ganador lo recibirá en su casa sin ningún gasto por su parte.

– El participante debe incluir su correo electrónico en el formulario de respuesta del blog (no aparecerá público) y se recomienda firmar con nombre y apellido (los pseudónimos son válidos). En Facebook no es necesario.

– Sólo contará una participación por dirección IP, las respuestas desde la misma IP con distinto nombre serán marcadas como spam. En Facebook solo se podrá participar una vez por cuenta personal.

– El plazo para participar en el concurso finaliza el domingo 31 de agosto de 2014 a las 23:59 (hora peninsular española). El ganador será anunciado a partir del día siguiente en la página de Facebook de fuertecito no ve la tele.

– Concurso válido sólo para España (península e islas).

– fuertecito no ve la tele se reserva el derecho de modificar o anular el concurso si fuera necesario.

¡Mucha suerte!

Y recordad, CÓMO ENTRENAR A TU DRAGÓN 2 ya está en cines, y podéis leer la “crítica fuertecita” aquí. Sin duda, una de las mejores películas del año.

Crítica: Cómo entrenar a tu dragón 2

Hipo Desdentao Dragones 2

El título de la franquicia dragona de Dreamworks permanece igual, a pesar de que el entrenamiento propiamente dicho terminó hace ya tiempo. De hecho, han pasado cinco años entre la primera Cómo entrenar a tu dragón y su secuela, y sus protagonistas adolescentes se han convertido en expertos jinetes veinteañeros. Por otro lado, Berk (o Isla Mema en castellano) también es distinta, como pudimos ver en el final de la primera película (y en la serie de televisión). Sus habitantes han aprendido a entender a los dragones, y atienden a sus necesidades obteniendo a cambio compañía, amistad y lealtad. No es habitual que en una saga de animación de éxito asistamos a cambios tan sustanciales en historia y personajes (viene a la mente Toy Story). Lo normal es que en las secuelas varíen las circunstancias (la localización de la aventura, las caras de los villanos), pero los héroes se mantienen esencialmente inalterados y el tiempo apenas es un factor. No es el caso de HTTYD, cuya mayor virtud entre un sinfín de aciertos es el crecimiento personal que ha experimentado a lo largo de los años Hipo, uno de los personajes animados de mayor entidad del cine reciente.

Claro que no sería posible trasladar a la pantalla las idiosincrasias y el complejo carácter del protagonista, ni del resto de personajes, si no fuera por la técnica puntera con la que se ha realizado HTTYD2. La secuencia de apertura de la película es una auténtica montaña rusa de acción, diversión y adrenalina, confeccionada sin duda para su disfrute en 3D. Sin embargo, es la escena que le sucede, una simple conversación entre Hipo y Astrid sentados en el césped, la verdadera prueba de que HTTYD2 ha alcanzado un nuevo nivel de perfeccionamiento en la animación por ordenador. La expresividad de ambos personajes, el realismo de sus movimientos y sus gestos, nos presentan un trabajo de artesanía CGI que resalta el naturalismo sin convertir a sus personajes en simples rotoscopías. Pero esto es solo un aspecto del apabullante espectáculo que es la película. Las incesantes escenas de acción excelentemente coreografiadas, la (de nuevo) exultante partitura de John Powell, los instantes más íntimos, iluminados prodigiosamente, las impresionantes texturas, y los hermosos nuevos parajes del universo de Dragones, conforman un trabajo de empaque visual y sonoro inigualable y elevan exponencialmente el factor épico de la saga.

Cómo entrenar a tu Dragón 2_PósterY lo mejor de todo es que, al igual que en la primera entrega, la técnica está al servicio de la historia, no al revés, como sucede en la mayoría de superproducciones animadas. Si bien Como entrenar a tu dragón 2 se centra mucho más (quizás demasiado) en la acción que la primera parte -uno de los pocos síntomas de secuelitis que presenta la película-, no se olvida en ningún momento de los conflictos familiares y los valores que mueven y unen a sus personajes. En el corazón de la película se encuentra la profunda amistad que une a Hipo y Desdentao (Toothless más descaradamente felino que nunca, por cierto). Con el tiempo, estos dos han desarrollado  una compatibilidad casi extrasensorial, reforzada sin duda por su condición de héroes con taras físicas, algo que no les ha impedido brotar y convertirse en el orgullo de Berk -es más, ¡ahora Hipo también vuela! En este sentido, HTTY2 emplea el sorprendentemente valiente giro final de la anterior entrega (dejar cojo a Hipo) para seguir levantando el discurso sobre la diferencia y la aceptación en el que se sustenta esta saga. Lo que se acentúa cuando, inesperadamente, un personaje sale del armario (ya había ocurrido años antes, y de manera más directa, en ParaNorman, eso sí), demostrando que estamos ante un producto cuyas ambiciones son mucho mayores de lo que parece. Definitivamente, Cómo entrenar a tu dragón se ha propuesto cambiar el cine de animación “para niños”. Y por ahora no podría ir en mejor camino.

Cumpliendo con las normas de las secuelas, Chris Sanders y Dean DeBlois llevan a cabo la misión de expandir las fronteras del relato y ampliar su mitología, de manera que el espectador descubra un mundo mucho más vasto de lo que creía en un principio. Así, se incorporan nuevos personajes (ninguno excesivamente interesante), se exploran territorios recónditos de las tierras escandinavas, y se profundiza en la naturaleza, la biología y la jerarquía de los dragones (añadiendo la figura del Alfa y configurándolos más que nunca como aves). Y esto se hace precisamente ampliando también la familia de Hipo, que descubre que su madre no está muerta, sino que lo abandonó cuando era un bebé. Valka (que supone la adición a la franquicia de Cate Blanchett) descubre facetas inéditas de la anatomía y la psique de los dragones (aquí es donde lo de “cómo entrenar” vuelve a tener sentido), revelándose como una especie de ecologista primigenia (como Noé). Pero también representa el aspecto más crudo y menos complaciente de la película. Cómo entrenar a tu dragón 2 no tiene reparos en golpear a su audiencia con la realidad (Valka es consciente en todo momento de lo que hizo), y nos da escenas de brutal impacto emocional (una en concreto será recordada como uno de los momentos más dolorosos del cine de animación reciente), aunque siempre contrapesadas por entrañables instantes de humor y emotividad, así como por el optimismo, la comprensión y la aceptación de la que hablaba antes. Porque si Hipo es un gran héroe no es tanto por su osadía, su habilidad e inteligencia estratégica o su temeridad, es por su inmensa capacidad para entender y perdonar.

Valoración: ★★★★½