Crítica: Enemy

Enemy Jake Gyllenhaal

Texto escrito por David Lastra

Cuando alguien se asoma al borde de un abismo, quien más y quien menos siente vértigo. Algún que otro vahído puede descolocarnos, pero nada puramente terrorífico. Realmente no hay nada que temer, todos sabemos lo que hay al final del abismo. Unas cuantas piedras, agua helada, a lo sumo la entrada a la Boca del Infierno. Los abismos están sobrevalorados. El abismo no tiene nada que hacer ante algo tan cotidiano como un espejo. Cuando miras largo tiempo a un espejo, el espejo también mira dentro de ti… y en el espejo solo estamos nosotros mismos. Eso sí que da miedo… y vértigo. Enemy nos invita a asomarnos al otro lado… y acojona que da gusto.

El hiperactivo Dennis Villeneuve repite con su actor fetiche Jake Gyllenhaal tras Prisioneros para adaptar libremente en la gran pantalla El hombre duplicado de José Saramago. Tarea harto difícil (¿existe alguna adaptación que no lo sea?) llevada a cabo por Javier Gullón, una de las nuevas cabezas pensantes del cine español, especialista en puzzles, mal rollo y conspiraciones (El rey de la montaña o Invasor se encuentran entre lo más destacado de su obra).

La vida de Adam se reduce a dar clases reivindicativas a un grupo de mastuerzos universitarios y a echar un polvo con Mary, una atractiva mujer rubia que ve a Adam como un mero pene con patas. Su reptante existencia cambia por completo Cartel español Enemycuando reconoce su cara en una película. Él nunca ha trabajado en el cine, así que es imposible, pero su cara está ahí. El botones de esa película tiene su cara y su cara es solo suya. Adam comienza la investigación sobre la identidad de ese hombre (¿hay algún doppelgänger en la sala?) Adam conoce el caos. Adam intenta poner orden al caos, pero el caos siempre reina.

Enemy es una pesadilla muy bien hilvanada, confirmando a Villeneuve como un perfecto artesano fílmico. Sueños lynchianos con tarántulas de por medio (soñar con arañas es bueno, pero si es con tarántulas estás jodido, que lo he leído en internet), inquietantes cicatrices al más puro estilo de David Cronenberg (no obstante su compatriota es el referente más directo de Villeneuve para este film), situaciones amorosas enfermizas pero puramente adorables. Un mal rollo vívido que solo podría pasar en Canadá. Aunque también España está muy presente en el film. Acompañando a Gullón en los créditos, tenemos el logo del Ministerio de Cultura y de TVE y también tiene una aparición estelar en uno de los sueños del protagonista la icónica Mamá, la araña de Louise Bourgeois que se encuentra en el Museo Guggenheim de Bilbao.

Todo en Enemy se desarrolla dentro de un correctísimo y muy bien medido tempo, desembocando en un clímax agobiante y desesperante con sorpresa en el último giro de cámara. Una jugada maestra excepcional que más de uno verá como una decisión polémica, aunque deberían recordar que quien con monstruos lucha cuide de no convertirse a su vez en monstruo.

Valoración: ★★★★½

Crítica: Byzantium

byzantium

Texto escrito por David Lastra

Ahora que los zombis son los nuevos vampiros, atreverse a realizar una película puramente sobre colmilludos es un acto vintage, de amor puro al género o de estar más pasado que la tarara. Una mezcla de esas tres razones son las que han llevado a Neil Jordan a realizar Byzantium. Amante y creador de grandes aportaciones para el cine de género (En compañía de lobos o Entrevista con el vampiro), el irlandés se encontraba en tierra de nadie en esto del celuloide tras un subproducto para lucimiento de Jodie Foster (La extraña que hay en ti) y un despropósito con sirenas y Colin Farrell llamado Ondine. Por esa razón y con el peligro de quedarse más anquilosado que su compatriota Jim Sheridan, Jordan decidió volver a terreno conocido: el mundo de los vampiros. Bienvenidos a Byzantium. Se aceptan Visa, Master Card y O positivo.

Esta es la historia (que no se debe contar) de dos vampiros (con mecanismo de mujer) que viven entre nosotros, los pobres mortales. Pero su existencia no es del todo plácida, ya que deben permanecer escondidas por encontrarse condenadas a muerte por una hermandad machista de chupasangres que no aceptan la existencia de féminas entre sus filas. ¿Más de lo mismo? Pues sí, pero bien hecho. Jordan crea un mundo onírico tan turbio como potente visualmente, regalándonos alguna de las mejores y poéticamente más terroríficas de los últimos años, como son las de la conversión en vampiro y  consiguiente la montaña de sangre.

byzantium - arterton

Esa potencia visual y el buen hacer de Neil Jordan podrían haber quedado en nada si no hubiese contado con el reparto acertado. La omnipresente Saoirse Ronan se encarga de protagonizar a la joven mujer vampiro con una inocencia despiadada que bebe directamente de la icónica Eli de Déjame entrar, protagonista de uno de los pocos referentes salvables del último cine de vampiros. Pero el mayor acierto de casting viene de la mano de Gemma Arterton. La futura perturbadora Gemma Bovery (hype por las nubes ante la adaptación de la novela gráfica de Posy Simmonds) encarna madre-vampiro, una femme fatale con cuyo magnetismo y escote destrozaría Bon Temps en un abrir y cerrar de ojos.

El mayor acierto de la película es su inocencia a la hora de la exposición de los hechos y la evolución de los mismos. Aunque en ocasiones intenta ser más completa de lo que es (sobra algún que otro flashback explicativo), sabe jugar con las normas de película rompetaquillas (liga en la que estaba llamada a competir pero en la que ha fracasado injustamente) pero con un sentimiento desesperanzador y una personalidad inusual en ese tipo de films. Lo fácil y populista sería decir que Byzantium es la mejor entrega de la saga Crepúsculo… pero eso ahuyentaría a más de uno y una de las salas de cine y eso es justamente lo que no queremos.

Valoración: ★★★★

Review: Teen Wolf 3×24 “The Divine Move” (season finale)

Teen Wolf The Divine Move Scott Lydia

Lo de “bien está lo que bien acaba” se puede aplicar a la mayoría de series -y a todas las historias longevas en general-, pero no a Teen Wolf esta temporada. Ya os he contado muchas veces por qué estoy completamente disgustado y decepcionado con ella. Es más, la semana pasada escribí una entrada a propósito de la muerte de Allison Argent en la que ya hacía balance definitivo sobre la tercera temporada: Por qué lo de Allison en Teen Wolf es importante. Así que no me voy a repetir. Pero sí diré que este final, por muy bueno que fuera (y la verdad es que estuvo bastante bastante bien) no compensa los miles de errores de la temporada, y la tortura que ha supuesto intentar seguir el juego (nunca mejor dicho) al endiosado Jeff Davis.

Como ocurrió al final de la primera mitad de la temporada, Davis ata (aparentemente) todos los cabos sueltos. No debe ser muy difícil cuando él es el único que está totalmente atento a ellos y que conoce bien la (i)lógica interna de las tramas que hilvana. En fin después de sus movimientos divinos (no uno solo al final como él dice, sino mil durante toda la temporada), la cuarta de Teen Wolf tiene el gran reto de renacer de las cenizas (se marchan nada más y nada menos que cuatro personajes). Pero también el de devolvernos algo de lo que nos hizo defender esta serie a capa y espada hace un par de años. A estas alturas a mí ya me da un poco igual todo, pero en el fondo guardo ese pequeño resquicio de esperanza por que un día esta serie me vuelva a entusiasmar como lo hizo en sus dos primeras temporadas. A continuación, os dejo con mi review express de la season finale de Teen Wolf:

– “The Divine Move“. Querido Jeff, se dice “Deus ex machina“. Me parece fatal que cambies de nombre al recurso narrativo que más usas escribiendo. ¿Qué pasa, que te crees que por abusar tanto de él ya es tuyo?

Stiles The Divine Move

– La muerte de Allison ha afectado a los personajes tal y como esperábamos. Tiene mucho peso al comienzo del episodio, pero no hay tiempo de guardar luto, porque esto es el clímax y la acción aguarda. Eso sí, una vez pasada la tormenta, llega el desahogo y la catarsis, el momento de dejar entrar el dolor, y en algunos casos liberarlo. Son especialmente emotivas las escenas de Papa Argent y Isaac (ese último plano en el que miran la puerta entreabierta de la habitación de Allison, ouch) y la de Scott llorando en los brazos de su madre al final, el broche perfecto. También es un bonito detalle la despedida de Ethan y Danny, y el hecho de que el último desvele que sabía todo el tiempo que su novio era un hombre lobo (“Dude, it’s Beacon Hills”, o sea, “Tío, es Sunnydale, tenemos ojos”).

– Hagamos recuento de todos los personajes que se van: Allison ya nos abandonó en el episodio anterior. Isaac y los gemelos dejan Beacon Hills (bueno, Aiden deja este plano de existencia), en teoría para siempre –Daniel Sharman se va de la serie siguiendo los pasos de su ex, Crystal Reed, y los gemelos Carver se incorporan a The Leftovers de HBO. Y Papa Argent se marcha, pero volverá seguro, sobre todo ahora que la tiísima, Kate Argent, ha hecho su gran comeback. ¿Cómo os quedasteis? Seguramente igual que estabais, porque se veía venir bastante. Lo que no entiendo es por qué si Kate vuelve como loba la han maquillado como a una Monster High… Ya sé que cada infectado se manifiesta físicamente de una forma, pero ¿qué necesidad había de convertirla en un Avatar? Bueno, Kate fue una de las cosas que más me gustaron de la primera temporada, así que encantado de tenerla de vuelta. A ver si con ella vuelve algo de la magia de antaño.

Kate Argent

– Este episodio es uno de los más brillantes técnicamente de toda la serie. Desde ese jardín japonés directamente sacado de Kill Bill 1 a las escenas en slow-mo del hospital (bastante violentas, que siempre es un plus en este tipo de series). Todo es visualmente precioso en “The Divine Move”. Como de costumbre, pero más.

– Hasta el último momento, Jeff Davis se empeña en meter nuevo léxico japonés y mitología fantasmosa y absurda. PESADO ERES. Por favor, unas vacaciones y taller de guión, que te enseñen a no explicarlo todo y a dejar algo de la historia en manos de la audiencia. Y lo más importante: desintoxicación de metáforas YA.

– Después de mil capítulos, tenemos por fin en una escena juntos a Stiles y Derek. ¿Qué ha hecho este año Jeff con los fans? Pues básicamente aprovecharse de ellos y engatusarlos con falsas promesas y medias tintas. La bisexualidad de Stiles, en lugar de formar parte integral y manifiesta de su personaje, no es más que una estrategia para asegurarse la fidelidad de un sector de la audiencia que aún guarda la esperanza de que Sterek ocurra. Davis se aferra a ello porque le conviene, pero no quiere o no se atreve a explorarlo más allá de la típica broma para reventar Tumblr y agitar al fandom. Tramposo, engañabobos, hijo de… En lugar de dejar que sus personajes evolucionen orgánicamente, y seguir potenciando la gran química que tienen esos dos, Jeff ha preferido mantenerlos separados todo el año, relegar a Derek a personaje completamente prescindible (uno de muchos esta temporada), y liar a Stiles con la primera que se ha cruzado en su camino después de Lydia. Malia será personaje fijo en la cuarta temporada, así que habrá romance entre ella y Stiles, y Derek por supuesto seguirá pintando tan poco como hasta ahora. No le pedimos a Jeff que convierta lo suyo en una historia de amor de proporciones épicas (aunque bienvenido sería), sino que deje de engañar y marear, y que su cabezonería como guionista no nos prive de la química entre estos dos personajes.

The Divine Move

– En fin, lo dicho, un buen final no redime una temporada eterna, confusa, y llena de errores como esta, pero ayuda a no tirar la toalla. Teen Wolf regresa el 23 de junio de este año. Es decir, no nos toca esperar demasiado. La secuencia final de “The Divine Move” adelanta un nuevo comienzo -tengo ganas de ver cómo funciona la nueva manada de Scott: por ahora Lydia, Stiles, Kira y Malia. Es el reset que la serie necesita (aunque ya parecía haberlo hecho al comienzo de la temporada 3B), y no pinta nada mal, pero ya sabéis cómo es esta serie. Mucho prometer y poco cumplir. Para Jeff Davis, que sé que me lee todos los días, te voy a dar unos cuantos consejos, o ruegos si lo prefieres (seguro que prefieres que te rueguen), ejerciendo como portavoz autoproclamado del sector más enfadado del fandom de tu serie. Queremos:

  • Más escenas con Derek y Stiles en el mismo sitio. Si quieres meterlos en la cama, estupendo. Pero será suficiente con que vuelva a haber interacción con puños o venenos paralizadores que los mantengan inmóviles uno encima de otro. Cosas así, ya sabes.
  • Más humor. Por favor, un poquito de relax. Menos tragedia y menos gravedad en todo lo que pasa en la serie. Necesitamos que los personajes descansen un poco de tanto peligro constante y tengan tiempo para ser adolescentes.
  • Menos tramas secundarias que parecen formar parte del “plan” pero no aportan absolutamente nada al arco principal y desaprovechan a la mitad de los personajes.
  • Más episodios ambientados en el instituto (y me refiero a de día, en clase, no de noche con un personaje que decide ducharse cuando ya no queda nadie y han apagado todas las luces).
  • Menos recurrir a folklores exóticos y mitologías ancestrales para trazar tus tramas. Tienes una materia prima de personajes e historias originales que no necesitan de Wiki-Mito para resultar interesantes.
  • Más escenas de vestuario (insisto, de día, durante horario escolar). [Update: Vuelve el lacrosse, así que esto puede que ya se haya hecho realidad]
  • Menos cámara lenta.
  • Menos jugar con la audiencia adelantando todo lo que va a ocurrir y elevando las expectativas para luego rebajar impacto y emoción a las supuestas sorpresas. No queremos oír “Un héroe caerá, otro ascenderá y otro se tirará un pedo” durante tres meses. Queremos descubrir la historia por nosotros mismos. ¿Es mucho pedir?
  • Y baja un poquito el volumen de la banda sonora, por favor.

– Para terminar, Stiles Manostijeras

Stiles Scissorhands

¿Qué os ha parecido a vosotros el final de Teen Wolf? ¿Alguna escena en concreto que os gustaría comentar? ¿Alguna petición a Jeff Davis que queráis que añada a la lista?

¿Habrá película de ‘Las chicas Gilmore’?

Gilmore Girls

El pasado lunes Lauren Graham presentó su libro “Someday, Someday, Maybe” durante un chat AMA (Ask Me Anything) con los fans en la popular página reddit. Como no podía ser de otra manera, las preguntas sobre Las chicas Gilmore no se hicieron esperar.

Que si Scott Patterson (Luke) besa bien (la respuesta de Graham: sí). Que si sigue quedando con su hija en la ficción, Alexis Bledel (la respuesta también fue positiva). Y la pregunta más importante: ¿Habrá película de Las chicas Gilmore?

Graham no confirmó nada, pero sus esquivas respuestas, así como el hecho de que su representante se haya negado a dar más declaraciones al respecto a Entertainment Weekly, ha hecho que muchos piensen que efectivamente se está manejando la posibilidad de llevar la serie de Amy Sherman-Palladino al cine. “Si una supuesta película fuera tan buena como todos querríamos, me encantaría volver a interpretar a ese personaje”, dijo la actriz, a lo que añadió más tarde a modo de aclaración: “No tengo ni idea de si ocurrirá, pero agradezco que lo hayáis preguntado tantos. Lorelai es un personaje muy especial. ¡Y yo también me pregunto qué habrá sido de ella!”

Volvemos a lo mismo de siempre. Después de la película de Veronica Mars (que por cierto, compartió cadena y noche con las Gilmore), el posible regreso de The Comeback a HBO, o el renacer de Arrested Development en Netflix, todo es posible. Una película de Las chicas Gilmore no solo sería un fantástico regalo para sus miles de fans (entre los que yo me encuentro), sino que sería muy viable desde el punto de vista narrativo.

Stars Hollow

Al fin y al cabo, Las chicas Gilmore simplemente nos contaba el día a día de Lorelai y Rory Gilmore, madre e hija con una relación muy especial, así como el de los habitantes del entrañable pueblo de Stars Hollow. Hubo dramas y grandes acontecimientos, pero en general, la serie insistió en el aspecto más cotidiano y anecdótico de las vidas de sus personajes durante las siete temporadas (de 2000 a 2007) que duró. Por eso, Las chicas Gilmore no es una serie que, tras muchos años en antena, ya lo hubiera contado todo, sino que se puede permitir seguir adelante sin problemas. Son muchos los temas que se podrían explorar, los principales la relación de Lorelai y Luke y el futuro (ya presente) profesional de Rory, que si lo recordáis, se unió a la campaña presidencial de Barack Obama al final de la serie (Rory en la Casa Blanca, ¿por qué no?)

Después de las siete temporadas de la serie, muchos fans se quedaron con ganas de ver a Lorelai y Luke en el altar, así que esa sería una buena premisa para reunir a las Gilmore y regresar a Stars Hollow (donde tendría lugar el enlace, obviamente). Eso sí, si la película de Las chicas Gilmore acaba existiendo, exigimos que sea escrita por Amy Sherman-Palladino, artífice junto a su marido de los diálogos a la velocidad de la luz y con veinte referencias por minuto que hicieron famosas a las Gilmore. La showrunner abandonó la serie al final de la quinta temporada, y la calidad bajó considerablemente a lo largo de los dos años más que se mantuvo en antena, así que sin ella, una continuación no sería lo mismo. Esperamos que el éxito de Veronica Mars haya empujado a los de Warner Bros. a considerar seriamente una película de las Gilmore, y que todos los que tienen que estar en ella accedan a participar -sobre todo nos preocupa Melissa McCarthy (la Sookie original), que se ha convertido en toda una estrella revienta-taquillas. De momento solo podemos especular, y soñar, pero estaremos atentos por si nos cae un nuevo Kickstarter cuando menos lo esperemos.

Mientras tanto, os dejo con la mejor parodia del mundo, un vídeo que resume mejor que nada lo que fue Las chicas Gilmore.

¿Os gustaría ver una película de Las chicas Gilmore o creéis que bien está lo que bien acaba? ¿De qué habitantes de Stars Hollow tenéis más curiosidad por saber qué ha sido de ellos?

Todo lo que sabemos por ahora de ‘American Horror Story: Freak Show’

American Horror Story Freak Show

Ya sabéis cómo va esto. Cuando acaba una temporada de American Horror Story comienzan los rumores, las especulaciones y el incesante goteo de información oficial. La espera de casi un año entre temporada y temporada de sus series ha obligado a las televisiones de cable y de pago a diseñar campañas de marketing que se extienden desde el primer minuto después de la series finale hasta el estreno de la siguiente temporada. La cuestión es estar absolutamente todos los días en el candelero, y las redes sociales y la gran cantidad de medios dedicados a la cultura audiovisual en Internet se lo ponen en bandeja.

Por eso nada más terminar American Horror Story: Coven, Ryan Murphy no tardó ni una hora en desvelar los primeros secretos sobre la cuarta temporada de su serie de terror. Venían en forma de dos píldoras de información muy jugosas: Que la temporada estaría parcialmente ambientada en el año 1950, y que Jessica Lange estaba practicando su acento alemán para dar vida a su personaje, en la que será su última temporada en la serie antes de retirarse, según anunció la propia actriz el año pasado. Internet comenzó a indagar, a elucubrar teorías, y la que sonaba con más fuerza era la que decía que la temporada estaría ambientada en un circo.

El rumor llegó a ser desmentido por FX, pero hace poco el guionista Douglas Petrie dejó caer que era verdad, a lo que siguió poco después la confirmación de Ryan Murphy. Está claro que Murphy y FX estaban intentando despistar, pero era demasiado tarde, el rumor habría cobrado mucha fuerza y era inútil seguir negándolo. De hecho, ya no tenía sentido retrasar más el anuncio, puesto que Petrie había dado la exclusiva accidentalmente, después de ser engañado por los presentadores del podcast Nerdist, Moira Kirkland y Ben Blacker, que le aseguraron que la noticia de que la temporada transcurriría en un “circo de los horrores” ya había salido a la luz. A lo que Petrie respondió “Sí, esa es la idea, pero aún no tenemos título”.

Ryan Murphy tweet

Así que ya sabemos a ciencia cierta que la cuarta temporada de AHS transcurrirá en un circo ambulante, un carnaval de fenómenos de la naturaleza, al más puro estilo de la serie de culto de HBO Carnivàle, y que su título oficial es, de manera muy apropiada (y sin haberse roto mucho la cabeza): AMERICAN HORROR STORY: FREAK SHOW.

Jessica Lange Freak Show

¿Y qué más sabemos sobre Freak Show? Pues ya tenemos suficientes datos como para empezar a morir de la expectación (y de la espera). A continuación os ofrezco un resumen con toda la información confirmada por los creadores de la serie y/o publicaciones especializadas. Iré actualizando esta entrada a medida que conozcamos más detalles sobre la temporada.

– La historia transcurrirá a caballo entre el año 1950 y otro año por confirmar.

– La temporada estará ambientada en Jupiter, un pueblo del condado de Palm Beach (Florida).

– Jessica Lange interpretará a una expatriada alemana que dirige el último circo de freaks en Estados Unidos.

– Los actores de American Horror Story que regresarán oficialmente para Freak Show son: Jessica Lange, Kathy Bates, Sarah Paulson, Evan Peters, Angela Bassett, y Frances Conroy.

– Los intérpretes confirmados darán vida a los artistas del circo que son rescatados por el personaje de Jessica.

– [29/03/14] Michael Chiklis, conocido sobre todo por The Shield, se incorpora al reparto. Chiklis interpreta al padre del personaje de Evan Peters y ex marido del personaje de Kathy Bates (por lo que suponemos que Bates dará vida a la madre de Peters).

– [29/03/14] Ayer en el panel de Paley Fest dedicado a AHS, Ryan Murphy confirmó que todos los actores que asistieron “forman parte de alguna manera u otra de la nueva temporada”. Esto quiere decir que además de los intérpretes previamente confirmados, también participarán en Freak Show Gabourey Sibide, Emma Roberts, Dennis O’Hare y Jamie Brewer, todos presentes ayer en Paley Fest.

– [29/03/14] Aunque Freak Show estará ambientada en Florida, se grabará en Nueva Orleans, como Coven.

– [29/03/14] Ryan Murphy también desveló en Paley Fest que está negociando la participación de varios actores de las dos primeras temporadas, y que lo que falta para confirmarlos es cuadrar las agendas.

– [09/05/14] En una entrevista a Entertainment Weekly Ryan Murphy desvela que Freak Show tendrá un payaso asesino (no sabemos si del espacio exterior), y que, atención “será el payaso más terrorífico de la historia”. Murphy también ha confirmado que otro de los freaks clásicos que formarán parte del circo de Jessica Lange será la mujer barbuda.

– [09/05/14] Freak Show heredará algo del sentido del humor alocado de la temporada anterior, Coven, pero Murphy asegura que será más oscura, como Asylum.

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– [12/06/14] Sarah Paulson presenta en Twitter a su personaje en Freak Show. O mejor dicho, a SUS PERSONAJES, porque la Paulson va a interpretar a una mujer con dos cabezas, llamadas Bette y Dot. La actriz ha declarado esta semana a E! News que cuando leyó el guión de Freak Show pensó “Holy Shit!” y lo describe como un híbrido de Coven y Asylum. “Va a tener un tono más oscuro, parecido al de Asylum, pero combinado con el humor de Coven”, ha dicho Paulson. Aquí os dejo el tweet en el que la actriz ha presentado a Bette y Dot: 

https://twitter.com/MsSarahPaulson/status/477151870700384256/photo/1 

– [18/06/14] Aunque para muchos era evidente, Sarah Paulson ha confirmado que su foto con dos cabezas es simplemente un montaje con el personaje de Lana Winters (Asylum), hecho por la compañía de efectos digitales para enseñársela a Ryan Murphy. Y que el aspecto de la mujer de dos cabezas, Bette y Dot, a la que dará vida en Freak Show será muy distinto al de la foto.

– [08/07/14] El actor Wes Bentley, conocido por sus papeles en American Beauty y Los juegos del hambre, se incorpora al reparto para un arco argumental de dos episodios. Será en el capítulo doble de Halloween (en un principio previsto para el 21 y el 28 de octubre), e interpretará a Eddie, una persona del pasado del personaje de Kathy Bates, que vuelve para vengarse de ella.

– [13/07/14] FX lanza el primer teaser de Freak Show [actualización: se trata de un elaborado fan made, no es oficial]:

– [27/07/14] Se filtra la hoja de casting de Freak Show, en la que podemos ver los nombres de los personajes a los que interpreta el reparto. Y atención, porque la hoja nos desvela que vuelve Naomi Grossman, interpretando al mismo personaje al que dio vida en Asylum, ¡Pepper! Aquí tenéis a los principales actores y sus personajes:

  • Jessica Lange como Elsa Mars
  • Emma Roberts como Maggie
  • Sarah Paulson como las hermanas siamesas Bette y Dot
  • Michael Chiklis como Evan del Toreado
  • Kathy Bates como Ethel Darling
  • Angela Bassett como Desiree Dupre, ex mujer de del Toreado
  • Evan Peters como Jimmy Darling, hijo de del Toreado y Ethel Darling
  • John Carroll Lynch como el payaso asesino

– [11/08/14] Patti LaBelle, la mujer detrás de “Lady Marmalade” se une al reparto de Freak Show como artista invitada para un arco de cuatro episodios. LaBelle interpretará a la madre del personaje de Gabourey Sidibe, una mujer que será clave para desvelar los secretos del payaso asesino.

– [14/08/14] Ryan Murphy anunció anoche (por la tarde en EEUU) por Twitter que Jyoti Amge, la mujer más pequeña del mundo, se incorpora al reparto de Freak Show. No es la primera vez que Amge participa en un programa de la tele, ya que formó parte del Gran Hermano indio. Aquí tenéis la foto con la que Murphy acompañó la noticia, que nos da además el primer vistazo a Elsa Mars, el personaje de Jessica Lange esta temporada.

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– [19/08/14] Denis O’Hare ha compartido en Twitter una foto de su primer día en el rodaje de Freak Show y en ella muestra una cesta de bienvenida junto al guión de un episodio. El título del capítulo, “Edward Mondrake Part 1” nos indica que AHS vuelve a inspirarse en la historia, según SpoilerTV. Edward Mordake fue una persona real del siglo XIX, heredero de un par inglés que sufría de diprosopia, o sea, duplicación cráneo-facial. Vamos, que Mordake tenía dos caras, una de ellas en la parte posterior de la cabeza, y aunque no podía realizar las mismas funciones que con la cara de delante, podía reír y llorar. Además, Mordake decía que la segunda cara le susurraba cosas durante la noche, y se refería a ella como a su “gemelo malvado”.  Todo indica que Mordake será interpretado en Freak Show por Wes Bentley y aparecerá en el ya clásico episodio doble de Halloween, que se emite en Estados Unidos el 21 y el 28 de octubre.

– [20/08/14] FX lanza el primer teaser de Freak Show y anuncia fecha de estreno de la temporada: 8 de octubre.

– [22/08/14] Segundo teaser de Freak Show:

– [24/08/14] Matt Bomer aparecerá como actor invitado en un episodio de Freak Show. El actor está nominado este año al Emmy por su papel en The Normal Heart, que también dirigió Murphy. El productor de AHS ha declarado: “Hago lo posible por que haga todo lo que le pido. Le mandé un mensaje que decía ‘Te lo ofrezco a ti primero, y es un papel muy retorcido'”.

– [27/08/14] Tercer teaser de Freak Show:

– [27/08/14] FX lanza el póster oficial de Freak Show donde vemos por primera vez al reparto principal caracterizado.

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– [28/08/14] Cuarto teaser:

– [29/08/14] Quinto teaser:

– [03/09/14] Sexto teaser:

– [04/09/14] Séptimo teaser:

– [06/09/14] Octavo teaser:

– [07/09/14] FX lanza el primer teaser que incluye a los personajes de Freak Show. Esta es la versión extendida (1 minuto). La canción que suena en la promo es “Carousel” de Melanie Martinez:

– [12/09/14] Noveno teaser:

– [13/09/14] Entertainment Weekly publica en exclusiva 14 imágenes del estreno de Freak Show:

– [15/09/14] Décimo teaser:

– [18/09/14] Undécimo teaser:

– [18/09/14] Breve preview del primer episodio, “Monsters Among Us”:

– [18/09/14] FX lanza dos nuevos pósters.

– [19/09/14] Duodécimo teaser:

– [19/09/14] Nueva promo de Fox que compila los previos teasers:

– [20/09/14] Nuevas imágenes oficiales de los personajes en blanco y negro:

– [22/09/14] Galería completa de retratos de personajes (color) en alta resolución (fuente: PopSugar):

– [28/09/14] Ryan Murphy ha anunciado a través de Twitter que el estreno de Freak Show el 8 de octubre será con un episodio “supersized”, es decir, de mayor duración a la habitual, concretamente ¡90 minutos!

4Si tenéis más información contrastada sobre Freak Show que se me haya escapado, compartidla conmigo y la añadiré a esta entrada. Y no la perdáis de vista para ir descubriendo antes que nadie todos los datos que vayan surgiendo.

Y si tenéis mono de AHS y os apetece leer sobre la serie, os recomiendo los artículos de #fnvlt sobre Murder HouseAsylum Coven.

American-Horror-Story Players

‘Husbands’: Dinamitando normalidades

Husbands

Muchos de los que me leéis estáis de sobra familiarizados con Jane Espenson, ya sea por su vinculación al Whedonverso, o por su trabajo en muchísimas series de televisión, como Las chicas Gilmore, Battlestar Galactica o Once Upon a Time por nombrar algunas de las más célebres. Esta aventajada alumna de Joss Whedon es una guionista todoterreno, y si la seguís en redes sociales, probablemente os preguntaréis de dónde saca tiempo para comer o dormir. Y no solo es una de las escritoras televisivas más prolíficas de los últimos años, sino que paralelamente a su trabajo en la tele, ha desarrollado una carrera como estudiosa y gurú, dedicando parte de su tiempo a hablar sobre ‘el arte de escribir’ en conferencias, clases universitarias, publicaciones editoriales, etc.

Espenson es un culo inquieto, y como tantos otros creadores televisivos, después de sus muchos trabajos en el medio, se ha lanzado a Internet para desarrollar proyectos independientes. Junto al desconocido Brad Bell presentó al mundo en 2011 una modesta webserie titulada Husbands. Con una primera temporada que consta de 11 episodios de apenas dos minutos de duración, Husbands llevaba el formato serial a su mínima expresión, suponiendo reto y experimento para la escritura de Espenson y Bell, que debían contrarrestar la evidente escasez de medios con el trabajo de su pluma (pun intended). Si juntamos todos los capítulos de la primera temporada, obtenemos algo así como un piloto de sitcom.

Husbands es la historia de un famoso deportista, Brady (Sean Hemeon) que una mañana se despierta en Las Vegas Husbands postery descubre que la noche anterior se ha casado en estado de embriaguez con Cheeks (Brad Bell), un extravagante y ultra-afeminado chico de la farándula. En lugar de anular el enlace, deciden seguir adelante, asumiendo la responsabilidad de abanderar la causa del matrimonio gay. Husbands está concebida como una comedia romántica de toda la vida sobre recién casados, pero con el “giro” (o desvío :P) que supone que la pareja protagonista sea del mismo sexo. No hay más que ver el póster que acompaña este texto, que utiliza el molde del 90% de los carteles rom-com, para darse cuenta de las (honorables) intenciones de la serie.

Después de la primera temporada, Bell y Espenson recurrieron a Kickstarter para financiar la segunda entrega. El éxito de la campaña resultó en su estreno en verano de 2012 en el famoso Centro Paley, logrando el hito de ser la primera serie online que se presentaba allí. Para la segunda temporada, los creadores decidieron reducir el número de episodios, pero aumentar su duración. El resultado fue una historia en tres actos al más puro estilo Dr. Horrible’s Sing-Along Blog, en la que Bell y Espenson pusieron toda la carne en el asador y se tomaron más en serio el papel de la serie como agente visibilizadora y concienciadora de los derechos homosexuales.

El éxito de la segunda temporada llevó a que la cadena CW produjese una tercera para emitirla por su canal online CW Seed, sin restricciones geográficas. Los nuevos capítulos, lanzados en verano de 2013, consistían en dos arcos argumentales divididos en bloques de tres segmentos cada uno (lo que formaba en total casi una hora de programa). En ellos asistíamos a la segunda boda de Brady y Cheeks (el mejor arco de la serie), y a un agradable y sereno pasaje sobre la cotidianidad de la pareja en su nuevo hogar. La tercera temporada deja con buen sabor de boca y Husbands pide a gritos convertirse en serie de televisión al uso. Con la repercusión de Looking, quién sabe, quizás las cadenas estén interesadas en rellenar una nueva cota de “series gay”, y, con suerte, este sería un nuevo paso hacia la existencia de la “serie normal protagonizada por gays”.

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La clave del éxito de Husbands es su acertado equilibrio entre comedia, provocación y responsabilidad social. A ratos, Espenson y Bell se ponen demasiado sermoneadores, y su escritura quizás no es tan aguda como ellos creen (qué manía con ser meta porque sí), pero las ideas que manejan son muy importantes, y los mensajes son tan valiosos que la serie debería mostrarse en los colegios. El valor educacional de Husbands es lo que la convierte en una serie a tener en cuenta, más que su capacidad para hacer reír (un poco nula) o el trabajo de sus actores (entre lo histriónico y lo mediocre). Sobre todo hay que aplaudir la lanza que rompe a favor de la diversidad dentro de la propia homosexualidad, y el rechazo a la heteronormatividad impuesta por la sociedad. Husbands busca normalizar la homosexualidad renunciando precisamente a la noción absoluta de ‘normalidad’. Y lo hace a través de una historia de amor que podría protagonizar (y que de hecho ha protagonizado en infinidad de ocasiones) una pareja heterosexual, pero sin barrer debajo de la alfombra los estereotipos que según muchos perjudican al “colectivo”. En su lugar, la serie los reivindica y los celebra, promoviendo el ejercicio de la comprensión y la aceptación del otro tal y como es.

Además de su eficiente y admirable mensaje, Husbands posee un atractivo especial para los whedonites. Los cameos se cuentan a razón de 5 por minuto (puede que esté exagerando, pero en algunos capítulos es totalmente cierto). Los hay del Whedonverso: Nathan Fillion, Amy Acker, Amber Benson, Dichen Lachman, Felicia Day, Seth Green, Beth Grant y el mismísimo Joss, que tiene un papel bastante simpático en la segunda temporada; Y del Espenverso (al que también pertenecen todos los anteriores, claro), sobre todo de su trabajo en Battlestar Galactica y Caprica: Tricia Helfer, Sasha Roiz, Michael Hogan, Magda Apanowicz, y Alessandra Torresani, que interpreta a Haley, la mejor amiga de Cheeks, mariliendres insoportable y más estereotipada que cualquier gay en TV, y que afortunadamente no aparece en los últimos capítulos (Torresani intentando ser graciosa es lo más irritante que he visto en mucho tiempo, que nadie le dé una sitcom, por favor). Aunque solo sea por ver desfilar a todos estos miembros de la gran familia Whedon-Espenson, que son como de la nuestra, Husbands merece la pena. Es más, se podría decir que esta webserie pertenece oficialmente al Whedonverso, así que si queréis completarlo, es vuestro deber verla.

A continuación os dejo la serie íntegra en YouTube. Los episodios se reproducen ininterrumpidamente a partir del primer vídeo.

Temporada 1

Temporada 2

Temporada 3

Community – Tercera evaluación: NM (5.07-10)

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Vaya, con lo bien que llevaba el curso, Community se ha confiado demasiado en el último trimestre y ha vuelto a hacer las cosas por inercia, sin aplicarse ni un poco. Hasta ahora, la quinta temporada ha demostrado una clara tendencia descendiente en cuanto a calidad. Comenzó con el Segundo Advenimiento de Dan Harmon, prometiéndonos el oro y el moro con cuatro excelentes primeros capítulos, pero a partir de ahí, y exceptuando puntuales momentos de genialidad, Community ha ido empeorando, hasta el punto de que algunos de los capítulos más recientes bien podrían estar en la cuarta temporada.

Desde aquí doy una colleja a Mr. Harmon, que no dudó en menospreciar (con razones) el trabajo de los showrunners en la cuarta temporada, para volver a dejar con el tiempo que un escape de gas afectase a su serie, esta vez bajo su supervisión y responsabilidad. Muy mal lo de reírse de la temporada pasada para acabar haciendo episodios igual de mediocres, repetitivos y poco inspirados. ¿Cuál es la excusa ahora, Dan? Muchos atribuyen este bajón al hecho de que Harmon está más volcado en su nueva serie de animación para Comedy Central, Rick and Morty. Y yo digo: Si ya no sientes por Community lo que sentías antes, si ya no es la niña de tus ojos, y no sabes qué hacer con ella, quizás no sea tan descabellado ponerle ya el broche final.

Puede que me haya pillado en un momento derrotista, pero después de estos últimos capítulos de Community, empieza a darme igual si llegamos a cumplir el #sixseasonsandmovie (dramarama melodrama!!) Esto ya se ha convertido en una meta que hay que alcanzar ya casi por cabezonería, y no porque sigamos creyendo en esta serie como hace un par de años. Falta por ver qué hace Harmon y su equipo en la evaluación final. Puede que para entonces vuelva a cambiar de opinión y retome la campaña por la renovación de la serie un año más. Hasta entonces, con la cabeza gacha y los ojos llenos de lágrimas, os dejo con mis reseñas de los cuatro episodios más recientes de Community:

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5.07 “Bondage and Beta Male Sexuality”

Confirmado, Community no termina de funcionar sin Troy Barnes. Desde la marcha de Donald Glover, la serie está deprimida, vaga sin propósito, y no sabe qué hacer para llenar su vacío. Los personajes que ocupan su asiento en la sala de estudio no le llegan a la suela de los zapatos, y sin él, Greendale es un lugar más triste. Por si eso fuera poco, “Bondage and Beta Male Sexuality” es el primer capítulo de este año que podríamos colar en la temporada pasada y no desentonaría. Lo que tenemos aquí es de nuevo una simplificación excesiva de los personajes, reducidos a sus dos marcas de personalidad que se repiten hasta el hastío, sombra de lo que un día fueron. Paradójicamente, son dos personajes secundarios, Chang y Duncan, los que más brillan en este capítulo. Ben con su trama paranoica de fantasmas y Duncan engañando a Britta para ligársela -en este capítulo tenemos otro de esos momentos en los que Jeff, y todos, nos damos cuenta de que Britta no es la peor, sino la mejor; y esas escenas, por muy repetitivas que sean también (llamadme imparcial, me da igual), nunca me sobran. No me cabe duda de que Britta se ha convertido en el alma de Community. Lo que sí me sobra es Hickey, por más que se intente dar profundidad al personaje mostrándonos su lado tierno y creativo (su sueño de publicar un cómic), y por mucho que se use para mostrarnos lo solo que se siente Abed sin Troy, sigo pensando que no aporta nada a la serie.

Momentos de matrícula de honor:
-Lo mejor de este capítulo es lo que ocurre en los dos minutos finales: La foto en blanco y negro de Chang en 2014, después de preguntarse si existe tras su experiencia Twilight Zone la noche anterior. Y la desquiciada escena de los créditos con el Dean y el profesor Duncan.
-Britta: Do you have any friends? I’ve been defining myself with reactions to and from other people my whole life. Now I feel worthless just because I’m worthless in relation to my friends, which means they’re not my friends. Who are your friends?
-Annie: We’ve had a share of focus lately. -Shirley: Hm-mm, speak for yourself.

Nota: 6,5

Community - Season 5

5.09 “App Development and Condiments”

Ok, quizás me tachéis de exagerado, pero creo que este es probablemente el peor episodio de Community hasta la fecha. Sí, superando a cualquiera de la cuarta temporada. Ya basta, en serio, YA BASTA de episodios especiales en los que Greendale se convierte en un universo distópico futurista (aquí se cambia el steampunk por el sci-fi de los 70, pero es lo mismo de siempre). Es la vigésima ocasión en la que podemos decir “Este capítulo ya lo han hecho”. Y lo peor no es que sea calcado a uno que vimos, literalmente, dos semanas antes (el de la lava), sino que la gracia brilla por su ausencia durante los 20 minutos que dura. Lo único bueno que saco de “App Development and Condiments” es que Shirley obtiene su momento para brillar -enlazando con el final del episodio anterior, cuando Annie dice que todos han tenido su momento, y ella responde “Habla por ti”. No es que eche de menos más atención para ella (es probablemente el personaje que menos me gusta de la serie), pero está bien que por un capítulo no se limite a sus dos intervenciones de turno, la de “aaaw” y la de “soy pasivo-agresiva”. Pero ya está, además de profundizar un poco más en el personaje, no hay nada salvable en este despropósito de episodio. La idea no es mala en teoría, y da incluso para alguna aguda reflexión sobre la sociedad hiperconectada y el poder de la popularidad, pero se pierde en los mismos vicios de siempre. Una pena.

Momentos de matrícula de honor:
-Ninguno, pero lo más cercano es Britta con la cara llena de mostaza.
-La participación de Mitch Hurwitz, creador de Arrested Development.
-Britta: Nonsense, all fives were reduced to oneness in the great purge of about two minutes ago.

Nota: 4

Community - Season 5

5.08 “VCR Maintenance and Educational Publishing”

Después de los dos baches anteriores, Community nos ofrece uno de esos episodios low-key, casi bottle episode, que se centran exclusivamente en los personajes y compensan el desarrollo estancado de los capítulos parodia. “VCR Maintenance and Educational Publishing” está compuesto por dos tramas independientes, muy irregulares entre sí. De un lado tenemos a Shirley, Jeff y Hickey descubriendo un alijo de libros de Química descatalogados con el que planean hacerse ricos, y de otro a Abed y Annie compitiendo por ver quién ocupa el lugar de Troy en su apartamento, el hermano vikingo de Annie, o la novia de un mes (pero un año en tiempo geek) de Abed, Rachel (Brie Larson). La trama de los libros es nonsense puro, y aún así, no termina de cuajar porque para empezar es una idea aburrida, de esas que se dejan en reserva por si no aparece una mejor. La del nuevo compañero de apartamento es mucho mejor, y como casi todas las tramas que involucran a Abed esta temporada, va sobre el vacío que ha dejado Troy en las vidas de estos personajes. Para ver quién se queda con su habitación, Annie y Abed sacan un juego de mesa de los 90 con VHS interactivo, una divertida parodia de Atmosfear en clave de western, protagonizado por Vince Gilligan, el creador de Breaking Bad -¿Veremos en próximos episodios a Matthew Weiner o David Simon? Quizás la nostalgia me esté jugando una buena pasada, porque yo gasté el VHS de Atmosfear en los 90, pero creo que con “VCR Maintenance and Educational Publishing”, Community empieza a recuperarse, a pesar de seguir oliendo a gas.

Momentos de matrícula de honor:
-Jeff: Hey, it’s the “Aaaw” couple (sorprendentemente no se refiere a Annie y Shirley, sino a Abed y Rachel).
-Abed: Hey, I’m here to do my third act apology.
-El rap del Dean Pelton. Necesito más Dean 🙁
-La genial escena de los créditos finales.

Nota: 7,5

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5.10 “Advanced Advanced Dungeons & Dragons”

Mira, ¡otro capítulo que ya han hecho! Afortunadamente este episodio “classic Community” no resulta tan cansino como los de “realidad aumentada” que nos están haciendo últimamente. Lo mejor de “Advanced Advanced Dungeons & Dragons” es que, en lugar de utilizar el juego de rol para llevar a los personajes a un universo fantástico medieval o convertirlos en marionetas o monigotes en 3D, hace un gran trabajo con los diálogos, y sobre todo con los efectos de sonido y trucos visuales, para hacernos imaginar lo que está ocurriendo durante la partida de D&D. Este episodio es Hickey-centric, y a pesar de que, como ya he expresado, no compro al personaje, aquí no me ha molestado para nada. Es más, creo que por primera vez he simpatizado con él, gracias a la clásica combinación “locura desatada+final sentimental” de Community. “Advanced Advanced Dungeons & Dragons” se hace algo pesado por momentos (está claro que lo mío no son los juegos de rol), pero en definitiva es un episodio muy simpático, otro bottle bien ejecutado en el que se aúna estupendamente el factor más ganso de la serie y el melodrama de los personajes (atención, el final nos indica que Community está a punto de retomar la trama de Jeff y su padre). Mención especial a un fantástico David Cross (¡Tobias Fünke!), como el hijo de Hickey, Hank.

Momentos de matrícula de honor:
-El título no-oficial del capítulo, “Community: The Return of Them Playing Dungeons & Dragons
-Hank Hickey (irónicamente): That’s what I love about role-playing games. Being told exactly what to do. Dean (sinceramente): Me too!
-Que Shirley sea la primera de la partida en morir (:P)
-Que después de muchos episodios, Pelton forme parte integral del episodio. Jim Rash está inconmensurable tomándose demasiado en serio el juego. Su muerte a manos de Jeff es épica.

Nota: 7

Crítica: Capitán América – El soldado de invierno

Capitán América El soldado de invierno

Capitán América: El primer vengador era en forma y esencia toda una película de aventuras en la tradición de Indiana Jones. Tan solo tres años después de aquella primera entrega hay mucho más en juego. Al igual que “La batalla de Nueva York” lo cambió todo en el Universo Cinematográfico de Marvel, Los Vengadores supuso un gran punto de inflexión para estas películas. Capitán América: El soldado de invierno deja a un lado la aventura y se convierte en una explosiva y monumental cinta de acción, altamente influenciada por la de Joss Whedon.

Resulta paradójico que Thor: El mundo oscuro, que estaba dirigida por una sola persona (Alan Taylor), parecía un trabajo de poliautoría, la obra resultante de muchas voces participantes poniendo sus ideas en común, mientras El soldado de invierno, que cuenta con dos directores, Joe y Anthony Russo (productores de Community), es una película tremendamente centrada y excelentemente estructurada (también en tres actos), en la que ni una sola escena sobra o parece insertada a posteriori.

A pesar de que el núcleo del relato sea obviamente Steve Rogers (Chris Evans), la cinta de los Russo acentúa la coralidad del reparto, de manera que, a ratos, El soldado de invierno parece Los Vengadores pero con los miembros del equipo cambiados. Esto no la perjudica en ningún momento, todo lo contrario. Todos los personajes tienen peso en la historia, y todos brillan de manera que ninguno eclipsa a los demás, sin que por ello el filme deje de ser la segunda entrega de lo que ahora sabemos que va a ser una trilogía. Es decir, un nuevo capítulo en las aventuras por separado del Capi, tan independiente como supeditado a la apabullante macroestructura narrativa de Marvel.

Capitán América Mackie Evans

Los Vengadores dejó la historia de Rogers en la reserva, y en El soldado de invierno obtenemos lo que no pudimos ver en aquella. Sobre todo en lo que respecta a su proceso de adaptación al mundo actual, después de saltarse 60 años de historia. En la divertida secuencia que abre El soldado de invierno, el personaje de Evans explica a Sam Wilson (estupendo Anthony Mackie) que no lo lleva tan mal (“Internet es muy útil”), y le está cogiendo el gustillo a la era moderna; incluso lleva encima una libreta donde apunta las cosas importantes que se ha perdido desde los 50 (no reproduciré la lista, pero no tiene desperdicio).

Sin embargo, Rogers está comprobando que el mundo no ha cambiado tanto en algunos aspectos, que sigue habiendo dictadores y megalómanos, pero ahora se esconden mejor. Tras convertirse en “el mejor soldado del mundo“, y después de su servicio en La Batalla de Nueva York, Capitán América es un miembro más de S.H.I.E.L.D., un agente al servicio del Gran Hermano. Desde dentro de la organización -de la que descubrimos mucho más en dos horas que en más de media temporada de Agents of S.H.I.E.L.D.-, Rogers destapa sus alarmantes secretos, así como sus planes para “proteger” a la Tierra y establecer un nuevo orden (marcial). El soldado de invierno se permite hacer una reflexión bastante bien planteada sobre el estado de terror y la pantomima de la seguridad nacional en Estados Unidos, y en este sentido, la presencia de Robert Redford como Alexander Pierce es clave. De no ser por las piruetas sobrehumanas de Rogers, los hombres voladores o los ordenadores con consciencia, podríamos decir que El soldado de invierno es básicamente un thriller político de acción y espionaje. Y uno bastante emocionante, además.

Viuda Negra Capitán América

Los hermanos Russo (sin parentesco con Blossom) enhebran con pericia una trama en la que casi todos los personajes dudan en algún momento de la lealtad de los demás (“Trust No One”), resultando en un ejercicio conspiranoico de suspense del que emergen las verdaderas alianzas de la película. El Capitán cuenta con la inestimable ayuda de Natasha Romanoff (Scarlett Johansson), el mencionado Sam Wilson, alias Halcón, Nick Furia y Maria Hill (Cobie Smulders), que forman un equipo cohesionado y eficiente, como el explosivo acto final del film demuestra. Al contrario que en Los Vengadores, este súper grupo no se ve afectado por ningún choque de egos.

El soldado de invierno explora en mayor profundidad a la Viuda Negra, que se ha convertido en lo más parecido a una mejor amiga para Steve Rogers. Aunque existe cierta tensión sexual no resuelta, afortunadamente la película no convierte al personaje de Scarlett Johansson en un mero interés romántico para el protagonista -quizás porque el corazón de Rogers todavía pertenece a Peggy Carter. Romanoff sigue siendo una espía letal, sin escrúpulos, una asesina que acepta las misiones que nadie quiere, pero su química con Rogers y la bonita amistad que nace entre ellos contribuye a la humanización del personaje, del que Johansson se ha adueñado completamente.

Por otro lado, la incorporación de Anthony Mackie al Universo Marvel es uno de los mayores aciertos de El soldado de invierno. El Halcón desprende carisma por los cuatro costados, y se compenetra magníficamente con el resto de intérpretes, sobre todo con Evans, junto al que nos da algunas de las escenas más divertidas. Maria Hill es el miembro del equipo con menos peso en la trama, aunque ella también tiene su gran escena -de la Agente 13 no hablaremos, puesto que el personaje de Emily VanCamp sale tan poco como Lady Sif en El mundo oscuro. Y por último, después de aparecer en cinco películas y limitarse a su estático papel de autoridad, Nick Furia entra por fin en acción. Ya era hora de que Samuel L. Jackson protagonizara algún set piece, y El soldado de invierno cubre ese déficit en el Universo Marvel con una memorable persecución en carretera durante el primer acto.

Soldado de invierno

Por supuesto, huelga decir que Evans sigue siendo el perfecto Capitán América, porque es básicamente el americano ideal, el súper hombre por antonomasia, tan rubio y apolíneo, tan noble y leal. En esta entrega, el Capi se enfrenta a lo que los Russo han calificado como “el alter ego oscuro de Rogers“, El Soldado -cuya identidad no desvelaré, aunque es un secreto a voces que la película tarda demasiado en destapar. Sus encontronazos con este villano nos proporcionan las mejores batallas cuerpo a cuerpo que hemos visto en una película de Marvel. Y no solo ellos, Natasha Romanoff también protagoniza la acción más sofisticada e impresionante que nos ha dado el género en los últimos años.

Este componente físico da paso en el clímax a la imprescindible vorágine de destrucción, que esta vez se antoja excesiva por momentos (no llega al nivel de El hombre de acero pero en ocasiones lo roza). Eso sí, los Russo saben muy bien cómo armonizar todos los elementos marvelianos para no caer en el espectáculo pirotécnico descerebrado: los sorprendentes giros, los cameos, el desarrollo de los personajes (que cuando no están luchando, están teniendo diálogos siempre esenciales para su caracterización), y sobre todo ese fantástico sentido del humor, cada vez más inspirado y seguro de sí mismo. El soldado de invierno supone por tanto el perfeccionamiento de la fórmula Marvel, y junto a Los Vengadores, es sin lugar a dudas la mejor película del estudio hasta la fecha.

Valoración: Capitán estrellas copia

HBO resucita ‘The Comeback’ nueve años después de cancelarla

The Comeback Lisa Kudrow

[Actualización (29-04-14): ¡ES OFICIAL! HBO da luz verde a la continuación de THE COMEBACK. La producción comienza el próximo mes de mayo, con vistas a estrenarse entre finales de 2014 y comienzos de 2015. La sitcom creada por Michael Patrick King y Lisa Kudrow regresará como miniserie limitada de 6 episodios]

¿Está cambiando la televisión para siempre? ¿Tenemos los fans más poder que nunca en las decisiones de las cadenas? Después de milagros catódicos como la resurrección de Arrested Development por parte de Netflix o la existencia de la película de Veronica Mars, HBO está considerando seriamente dar una segunda temporada a The Comeback, la serie de Michael Patrick King (Sexo en Nueva York) y Lisa Kudrow (Friends), que fue cancelada hace ya 9 años.

King y Kudrow están negociando con la cadena la posibilidad de desarrollar una miniserie limitada que nos contaría qué ha sido de Valerie Cherish (Kudrow) después del éxito de su reality show “The Comeback”. Os recuerdo que esta ácida comedia de culto, estrenada en junio de 2005, es un mockumentary sobre una antigua actriz de sitcom que planea su gran comeback a la televisión mientras las cámaras graban la preparación de su nueva serie, Room and Bored, en la que interpreta a la vecina de un grupo de universitarios cachondos -entre ellos rostros más populares hoy en día como Malin Ackerman y Kellan Lutz.

La serie duró tan solo 13 episodios antes de ser cancelada. Sin embargo, la historia de Valerie se cerraba de manera que The Comeback funcionaba perfectamente como una temporada única. Tanto es así que, a pesar de la poca repercusión que obtuvo en su momento, se fue convirtiendo poco a poco en objeto de culto de muchos telespectadores que la fueron descubriendo con el tiempo, y que aún a día de hoy la reivindican (entre los que yo me encuentro, por supuesto).

The_Comeback_TVAl igual que Arrested Development, que comenzó a emitirse un par de años antes, The Comeback era una serie adelantada a su tiempo. También en 2005 llegaba The Office a NBC, poniendo en boga el mockumentary sobre personajes extraños y situaciones cotidianas incómodas, y ganándose (merecidamente por otra parte) la atención del gran público americano, que había ignorado una propuesta similar (e igualmente genial) un año antes. The Comeback no solo encontró su fandom con efecto retardado sino que la crítica también la descubrió tarde, y los elogios hacia ella llegaron cuando ya se había cancelado. De hecho Lisa Kudrow fue nominada al Emmy a Mejor actriz de comedia por su inconmensurable trabajo en la serie casi un año después de que concluyera su emisión.

El productor y la actriz están ocupados con sus actuales proyectos televisivos (King trabaja en 2 Broke Girls y Kudrow en Web Therapy), pero han contado a Deadline que siempre que se reúnen, Valerie Cherish aparece en sus conversaciones y que no pueden olvidar la serie: “Cada vez que comemos juntos, acabamos preguntándonos ‘¿Dónde estaría Valerie una década después? ¿Estaría recibiendo clases en el Actor’s Studio? La verdad es que queremos que salga en un programa de la cadena Bravo. ¿No sería perfecta para la franquicia Real Housewives?”, ha declarado Kudrow. Según cuenta la actriz, después del éxito de Rob Thomas con Veronica Mars, se llegaron a plantear seriamente la posibilidad de recurrir a Kickstarter para revivir The Comeback, pero parece que HBO podría estar interesada en producir una segunda temporada, así que mucho mejor. Valerie se merece hacer su segundo comeback en la cadena que la convirtió en un personaje de culto para muchos.

Os dejo con mi escena favorita de toda la serie, un ejemplo de lo terriblemente agridulce, triste y brutalmente conmovedora que podía llegar a ser esta aguda comedia sobre las miserias humanas. Si no conocéis a Valerie Cherish, y aguantáis bien el humor por vergüenza ajena, os animo a darle una oportunidad a The Comeback, y a descubrir a uno de los mejores personajes de la historia de la televisión. Con suerte dentro de poco le volveremos a oír decir aquello de “I don’t wanna see that!

Con esta noticia empieza a parecer posible la continuación de cualquier serie prematuramente cancelada (Pushing Daisies, Wonderfalls, Firefly, Carnivàle, Freaks and Geeks la lista es muy larga). Definitivamente, son buenos tiempos para la televisión de culto, y para el seriéfilo. Y a vosotros, ¿qué serie cancelada os gustaría ver resucitada?

Concierto de presentación de ‘Un lugar llamado mundo’ (2ª temporada)

 Un lugar llamado mundo

Texto escrito por Daniel Andréu

Tenemos mucho que agradecer a las tres personas que junto a San Miguel han levantado el proyecto  de Un lugar llamado mundo. Se trata de una fórmula muy sencilla pero también un poco olvidada. Toni Garrido en la coordinación, David Trueba en la realización, y Javier Limón como responsable artístico y presentador, han vuelto a traer a la vida esa propuesta que ya no está de moda y que consiste simplemente en un programa de entrevistas íntimas y actuaciones en directo.

Anoche unos cuantos afortunados asistimos a la presentación de lo que será la segunda temporada de esta aventura televisiva que volverá a empezar en junio en Canal +. La elección del emplazamiento no pudo ser más acertada, la mítica Joy Eslava, que desde la cuidada entrada al local todo hacía ver que iba a ser una noche especial. Dentro, un original photocall con instrumentos incluidos daba la bienvenida tanto a artistas como a público, y dentro todos los asientos y el escenario estaban listos para que el programa diera comienzo.

David Trueba no dio señales de vida más allá de dejarse ver de un lado a otro durante los preparativos, pero Toni Garrido hizo una simpática presentación que dio paso a una directa introducción a la primera canción por parte de Javier Limón. Najwa y la banda con la que está presentando su último disco “Rat Race” abría la noche con los temas “Pijama” y “Feed Us”. A pesar de la habitual fuerza de la artista sobre el escenario, el sonido no estuvo a la altura, nada que ver con la estupenda acústica de hace unos días en la Ochoymedio. Por suerte esto no se repitió con el resto de artistas. Por otro lado, durante la entrevista, la cantante hispano-jordana estuvo más espontánea, natural y relajada de lo normal, lo que dio lugar a momentos realmente divertidos e interesantes como la versión más o menos improvisada que se marcaron con Javier Limón a la guitarra.

Uno de los grandes aciertos de Un lugar llamado mundo es el ambiente que se genera al reunir en el mismo lugar a artistas tan dispares como Najwa, Tomasito, We Have Band o Fangoria. No solo comparten programa, también el sofá es un lugar común. Así Najwa pudo estar sentada junto a los We Have Band, con los que interpretó una fantástica versión del hit de BlurBoys and Girls“, mientras el presentador les entrevistaba, dejando hueco para la interacción entre todos. Najwa llegó a arrancarse por Manolo Escobar después de que Limón repitiera versión a la guitarra con el cantante de la banda británica.

El primer gran boom de la noche vino de la mano de Tomasito, un artista que es puro nervio, que no paró quieto en ningún momento (ni siquiera durante su entrevista), y que convirtió la fiesta en una explosión musical. Estuvo ayudado por Las Negris, esas imponentes coristas gitanas que bien podrían haber aparecido en el documental A 20 pasos de la fama. El mayor y curioso ejemplo de empape cultural se pudo observar en los componentes de We Have Band en el sofá durante la actuación del artista jerezano.

La traca final vino con Fangoria, que terminaron de echar abajo la Joy Eslava con su actuación. Durante la entrevista hicieron suyo el programa (incluso el presentador bromeó con irse y dejarles solos), pero lo mejor vino después, porque la interpretación de su single “Desfachatez”, acompañada de los bailes de Tomasito, no tuvo desperdicio. El otro momento estelar de la velada fue la colaboración de la banda de Alaska y Nacho Canut con Najwa para cantar “Tormenta solar perfecta”. Al final del programa hubo que repetir su temazo “Cuatro colores”, ya que durante la primera vez que la hicieron uno de los focos con los que usaban los bailarines se fundió. En mi opinión no hacía falta, ya que ni el más grave de los fallos técnicos podría haber deslucido una canción tan gigantesca como esa, que en directo se crece aun más, pero recibí con los brazos abiertos esta repetición. ¿Quién se iba a quejar de algo así?

Esperamos que este programa siga adelante durante mucho tiempo y que otras propuestas como la de Alaska y Coronas sigan resucitando este formato de programa musical que tantos buenos momentos ha dado en la historia de la televisión en España. También espero poder volver a asistir a esta celebración de la música en la que artistas conviven con artistas en un clima de amistad y respeto del que participamos todos.

Por qué lo de Allison en Teen Wolf es importante

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Aviso: No leáis este texto si no estáis al día con la emisión estadounidense de Teen Wolf.

Vaya temporada bipolar nos ha dado este año Teen Wolf. Los 12 episodios que conformaron la primera mitad acabaron siendo un despropósito total. Exceso de personajes, un embarullamiento horrible de las tramas, y un desafortunado cambio en el tono de la serie, que echaba por tierra lo conseguido en las dos primeras temporadas. La segunda parte de la temporada, que toca a su fin la semana que viene, comenzó con muy buen pie (como argumento en este artículo), pero después de cinco episodios magníficos (especialmente el inolvidable “Illuminated”, 3.16), volvió a los vicios de la temporada 3A, destacando la absoluta dependencia narrativa de la caprichosa mitología que Davis se está inventando sobre la marcha. Gracias a un argumento cada vez más confuso, los capítulos más recientes de Teen Wolf han puesto a prueba más que nunca el aguante del espectador.

Después de un esperanzador regreso a los pasillos del instituto a comienzos de 2014, Teen Wolf se ha vuelto a olvidar de estos personajes, de quiénes son cuando no están en peligro, y los ha sumido en un constante estado de amenaza y tensión, sin darles un solo respiro para evolucionar como personas, no solo como héroes o víctimas. No es que los chicos de Teen Wolf hayan sido nunca ejemplos de gran caracterización televisiva, pero este año se han comportado de manera especialmente absurda, volátil y cambiante, según el antojo del cada vez más endiosado Davis. Si embargo, este año hay un personaje que, a pesar de haber pasado a segundo plano (o quizás por eso precisamente), se ha mantenido fiel a sí misma, coherente y consecuente. Estoy hablando de Allison Argent, que como ya sabéis, recibió su trágica muerte al final del episodio “Insatiable” (3.23), el mejor de esta temporada desde “Riddled” (1.18).

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La trayectoria de Allison en Teen Wolf ha sido muy significativa en cuanto a la representación de los personajes femeninos en las series adolescentes, y en concreto las de corte sobrenatural. Desde que Xena y Buffy nos enseñaron en los 90 que las mujeres no tienen por qué interpretar necesariamente a damiselas en peligro o meras comparsas del héroe, la televisión (y curiosamente en menor medida el cine) se ha llenado de chicas guerreras. Allison comenzó en Teen Wolf como la típica “love interest” para el protagonista. Nada más. Con el tiempo, esta descubrió que pertenecía a una casta ancestral de cazadores de lobos, una en la que además todas las mujeres tenían la voz cantante (recordad a su tía y a su madre, que en paz descansen), y decidió explorar sus raíces, buscarse a sí misma en relación al destino que su apellido le deparaba. Así, en uno de los giros en retrospectiva más acertados de Davis, Allison dejó a Scott, y emprendió su viaje de autoconocimiento.

Esto hizo que poco a poco el personaje fuera pasando a un segundo término (tras una extraña etapa oscura), mientras nuevos habitantes de Beacon Hills adquirían mayor peso en la trama. A lo largo de la presente temporada, Davis no ha sabido qué hacer con la mayoría de sus personajes. Ha seguido el curso natural de la serie y se ha rendido a la evidencia de que Stiles Stilinski es el verdadero protagonista de Teen Wolf, pero ha desaprovechado a los demás, dándoles escenas que no aportaban nada, subtramas descolgadas (o muy mal conectadas con la principal), colocándolos alrededor de una mesa en todos los capítulos para discutir un plan que ni ellos ni Davis tenían claro. Mientras esto ha perjudicado a personajes como Peter Hale, Papa Argent o Derek Hale (oficialmente el personaje más desaprovechado este año, tanto que, aunque me cueste reconocerlo, ya no pinta nada en la serie), ha beneficiado al desarrollo de Allison. Quizás de manera accidental, el hecho de que Allison haya estado casi totalmente desvinculada del grupo ha acentuado su independencia y entidad como personaje.

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Desde que Allison decidió coger la ballesta y dejar de ser la novia de Scott, se ha movido por iniciativa propia, ha tomado sus decisiones y ha actuado sin recibir órdenes. Ha sido una badass de tomo y lomo. Hemos asistido a una tensión sexual (finalmente) resuelta con Isaac, pero su relación nunca ha adquirido demasiada importancia en la serie, evitando grandes gestos de amor épico. Porque si Allison dejó de ser “la novia de” para convertirse en Allison, cazalobos (o caza-lo-que-se-tercie), no era justo para el personaje volver a convertir su trama en un atormentado e hiper-hormonado romance adolescente. Gracias a este cambio de dirección en su trayectoria, Allison ha demostrado que es posible ser una mujer en una serie para adolescentes y no estar subyugada a las acciones del protagonista masculino, y que se puede prescindir del factor romántico para construir a un personaje femenino en una serie sobrenatural.

La muerte de Allison no entraba dentro de los planes inmediatos de Jeff Davis, sino que ha sido la propia Crystal Reed la que ha pedido salir de la serie. Sus razones son bien lógicas: la actriz tiene 29 años y quiere dejar de interpretar a una adolescente de 17 para explorar las opciones que pueda haber ahí fuera (otras teorías hablan de que tras la ruptura en la vida real con Daniel Sharman, trabajar en la serie se hizo insoportable para ella). Si esa es la razón verdadera, desde luego es una decisión valiente, muy propia de Allison Argent, que ya de paso ha propiciado a Davis una oportunidad perfecta para dar un buen cierre al personaje. Aunque a muchos nos duela, la marcha de Reed llega en el mejor momento para Allison. Su ciclo estaba completo, y no le quedaba mucho más por hacer (seguramente Reed sabía que a su personaje no le quedaba cuerda). Al final, al creador de la serie le ha salido bien la jugada. Él suele estar ocupado despistando a la audiencia, jugando con estúpidos, irritantes e innecesarios acertijos tipo “un héroe caerá, un héroe volverá” (que acaban restando impacto a las tragedias cuando estas ocurren, idiota) y enredando la mitología hasta lo absurdo. Y resulta que sin proponérselo, gracias a la decisión de Reed, ha puesto el mejor broche posible al personaje.

Allison Argent dead

A pesar de las constantes amenazas de Davis, no suele haber muertes importantes en Teen Wolf (parece mentira, con el follón que da), así que me alegra comprobar que, cuando al fin ha ocurrido de verdad, ha sido impactante, y ha ocurrido en una escena excelente ejecutada y montada, de lo mejor que hemos visto en la serie (el grito de Lydia, wow). Pero sobre todo, no ha sido en vano, como pasó con los alfas el año pasado. Allison muere en brazos de Scott (recordándonos que Reed es una de las pocas buenas intérpretes de la serie), después de decirle que siempre le ha querido y siempre le querrá. Es un detalle bonito (e inevitable) teniendo en cuenta que él fue su primer amor, y que no vivirá para tener otro. Hacía falta cerrar de alguna manera lo que comenzó en el primer episodio de la serie, y la escena final de Scallison tenía que ser así. Pero esa no es la conclusión del personaje. Allison ha muerto como heroína, luchando (como Anya), aceptando su destino sin dolor, recordándonos que decidió sacrificar un amor para hallar su identidad, y demostrándonos que por esta razón Teen Wolf no es una serie adolescente cualquiera. Una pena que hayan sido circunstancias externas las responsables de que el final de Allison haya sido tan relevante. A partir de ahora, nada será igual en Teen Wolf, y no sé si Jeff Davis será capaz de afrontar la próxima etapa de la serie (una gran muerte conlleva una gran responsabilidad). Quizás se tengan que marchar más actores para que aprenda a escribir de una vez por todas (te estoy mirando a ti, O’Brien). O quizás no sea tan mala idea dejar su historia en manos de otro ahora que ha alcanzado un gran punto de inflexión.

Crítica: A 20 pasos de la fama

A 20 pasos de la fama

Texto escrito por Daniel Andréu

Puede parecer muy fácil realizar un documental que levante el espíritu, la moral, la alegría y todo lo que se pueda levantar, pero hay que saber hacerlo. Quizás la más reciente ganadora del Oscar a Mejor documental A 20 pasos de la fama (20 Feet from Stardom) no sea mucho más que eso, un simple documental buenrollista, pero cumple perfectamente su función sin mayores pretensiones.

El documental de Morgan Neville cuenta la historia de las más importantes coristas que trabajaron con las estrellas de rock desde los años 60 hasta la actualidad. Desde el principio nos adentramos en los sueños, las aspiraciones y las decepciones de estas cantantes, siempre a la sombra de grandes figuras de la música, pero tan importantes como estas. La película no es una simple labor de búsqueda de archivo, sino que las propias protagonistas de la historia aportan su perspectiva desde la actualidad. Nada menos que la grandísima Darlene Love es la que inaugura este desfile de mujeronas. Por si fuera poco, todo el metraje está repleto de declaraciones recientes de gente como Bruce Springsteen, Mick Jagger, Sheryl Crow, Sting o Bette Midler entre otros, y de interesantísimas imágenes de archivo de David Bowie o Tina Turner, que seguramente no quisieron participar.

20 feet from stardomA 20 pasos de la fama refleja de manera correcta, si bien no demasiado profunda, todo lo que significaron estas artistas en el mundo de la música. Desde el principio se insiste en el gran sueño de estas mujeres, en su lucha por alcanzarlo, pero casi siempre desde un prisma positivo, dejando casi totalmente de lado la cara más amarga de la profesión -situaciones precarias, menosprecio de las discográficas, disputas raciales.

Eso sí, el documental nos cuenta momentos clave del boom de las coristas, como las jugarretas que Phil Spector le hizo a Darlene Love, o el hecho de que esta misma acabara limpiando hogares de gente con dinero hasta que se dio cuenta de que tenía que retomar su vocación. Sin embargo, y aparte de un par de historias más, son solo pinceladas dentro del conjunto, lo que hace que el documental se quede en una sucesión de anécdotas y curiosidades para hacer sonreír al espectador. Con un mayor equilibro entre los pros y los contras de la profesión de corista, con una mayor cantidad de trapos sucios, este largometraje habría quedado mucho más completo.

La transición entre el pasado y el presente de las coristas se hace a través de la figura de Judith Hill, una joven promesa que ha trabajado con cantantes de la talla de Stevie Wonder, Elton John y Michael Jackson. Es curioso observar la diferencia entre las coristas de los 60 y 70 y las modernas, aquellas mostrando siempre una actitud de orígenes humildes, y esta (Hill) mucho más prepotente, hasta el punto de hacer una burla nada necesaria ni justa a Kylie Minogue.

En A 20 pasos de la fama asistimos al ascenso (y ocasional caída) de una clase de artistas que no siempre tenemos en cuenta. A pesar de ofrecer una visión más optimista de lo que claramente es la realidad, les hace un justo homenaje y les da una visibilidad totalmente merecida. Es inevitable salir de la sala chasqueando los dedos con una sonrisa en la cara y mucho amor en el corazón.

Valoración: ★★★½

Crítica: Non-Stop (Sin escalas)

Non-Stop

Desde que en 2008 protagonizase Taken (en España Venganza), Liam Neeson ha encontrado la manera de relanzar su carrera como héroe de acción. Desde entonces ha participado en cosas como Ira de TitanesBattleship o Infierno blanco, mientras ha seguido trabajando en la franquicia Taken, cuya tercera entrega está al caer. Por eso, Jaume Collet-Serra, que ya trabajó con Neeson en Sin identidad, vuelve a confiar en él para su nuevo thriller de acción, Non-Stop (Sin escalas), en el que interpreta a un oficial del ejército norteamericano a bordo de un avión secuestrado por alguien que amenaza con matar a una persona cada 20 minutos si no se le dan 150 millones de dólares.

La premisa de Non-Stop es la base de cualquier thriller terrorista: una amenaza, víctimas del miedo post-11S y un héroe americano que salva el día. La película de Collet-Serra va cargada de clichés y lugares comunes, aunque el director catalán suple las carencias del guión y la total falta de originalidad de la propuesta con un buen pulso a la hora de manejar la tensión. Collet-Serra aprovecha las posibilidades que brinda un espacio limitado como el interior de un boeing y realiza un thriller efectivo que se las arregla para mantener el interés en la mayor parte del metraje (haciendo honor a su título), sobre todo gracias a un buen puñado de personajes bien dispuestos para poner en marcha el siempre divertido juego de sospechar de todo el mundo -incluso de una Julianne Moore más relajada de lo habitual, que hace de pasiva partenaire del héroe.

Cartel Non StopPero esto no es suficiente. Non-Stop se columpia entre la inverosimilitud y el absurdo que uno espera (y agradece) de una película de estas características, para acabar cayendo en el ridículo más absoluto. A medida que la trama se desarrolla, los personajes actúan de manera cada vez más incongruente (sobre todo en lo que respecta al tontísimo uso de las nuevas tecnologías), y el desenlace -por otra parte completamente predecible- desafía la suspensión de la incredulidad del más dispuesto. Cierto es que Collet-Serra también dosifica con acierto los momentos de alivio cómico, pero estos no son suficientes para salvar una película que acaba tomándose mucho más en serio de lo que debería. Sobre todo en su tramo final, cuando se descubre quién está tras el secuestro, y se procede a atragantar al espectador con el más sobre-explicativo y manido discurso sobre el terror y la farsa de la seguridad nacional en Norteamérica. Basta ya de reflexiones propias de una redacción de secundaria sobre el mundo después del 9-11, y basta ya de darnos mascado el mensaje de la película, como si no estuviera claro desde el principio.

La digna presencia de Liam Neeson es lo que mantiene a Non-Stop en el aire la mayor parte del tiempo, pero los giros sin sentido del guión, la total implausibilidad de su tramo final y la negativa de la película a entregarse abiertamente al disparate (a pesar de interesantes destellos de autoconsciencia) hacen que caiga en picado hacia el vacío. Tampoco ayuda que Collet-Serra no sea capaz de otorgar entidad a sus personajes femeninos, que, o bien son víctimas asustadas (Michelle Dockery), comparsas del héroe para forzar el factor romántico (Moore) o bonitas carcasas vacías (Lupita Nyong’o). Eso sí, como cine escapista para dejar puesto el piloto automático y dejarse llevar Non-Stop cumple su cometido. No falla, los thrillers aéreos siempre entretienen, y a pesar de sus muchos defectos, Non-Stop no es una excepción.

Valoración: ★★½

Crítica: El gran hotel Budapest

El Gran Hotel Budapest

A estas alturas ya sabemos lo que esperar exactamente de una película de Wes AndersonEl gran hotel Budapest es todo un acto de autoafirmación (otro), una cinta con la que el director de Los Tenenbaums y Fantástico Mr. Fox se mantiene en su elemento, insistiendo en su potente identidad estética y su peculiar sentido del humor, entre lo sofisticado, lo privado y el slapstick más bobo, resguarecido en su zona de seguridad, con sus excéntricos personajes meticulosamente centrados en el plano, dentro de ese universo perfectamente simétrico y casi estático de cuadrados y retablos. La contagiosa iconoclastia de Anderson es lo que le ha convertido en uno de los más venerados autores cinematográficos de la actualidad, y El gran hotel Budapest es otro ejemplo más de su destreza a la hora de fusionar arte y estupidez para darnos un cine que solo él puede hacer.

A pesar de que su campaña promocional pueda darnos la impresión de que estamos ante una película coral, El gran hotel Budapest es la historia de dos hombres, el afamado conserje Monsieur Gustave  y el botones Zero Moustafa, y su amor por el emblemático edificio y una joven repostera, respectivamente. Una rocambolesca aventura llena de acción ala Anderson, protagonizada por un inspiradísimo Ralph Fiennes y el recién llegado a la familia Anderson, Tony Revolori, que entiende el El Gran Hotel Budapest cartelhumor andersoniano como si llevara trabajando con él toda su carrera. Claro que, como no puede ser de otra manera, por el film desfilan infinidad de rostros conocidos, en su mayoría intérpretes fetiche del director que no quieren perderse la fiesta: Bill MurrayOwen Wilson, Jeff Goldblum, Edward Norton, Jason Scwartzman, Tilda Swinton en una de sus dos magníficas interpretaciones protésicas de este año (en esta y Snowpiercer está para ponerle un monumento). El elenco de secundarios es multitudinario, pero a excepción de la (todavía promesa) Saoirse Ronan y los villanos Willem Dafoe y Adrien Brody, casi todos entran en la categoría de cameo. Están ahí desempeñando la función de un elemento más de la puesta en escena, objetos colocados por Anderson con la misma minuciosidad que el resto. En este sentido, El gran hotel Budapest sale perjudicada por confiar excesivamente en la mera presencia de estos actores para generar comedia. Funciona, porque No Murray, No Party, pero también refuerza la idea de que Anderson está cada vez más exclusivamente interesado en la forma por encima del fondo.

El gran hotel Budapest es otra porción del universo fársico y absurdo de marionetas que Anderson ha creado a lo largo de los años, ese grand gignol inspirado en el cine mudo, con el que el director ha afianzado su estilo -sobreviviendo en repercusión a muchos de sus contemporáneos-, y que en esta película resulta particularmente exultante y bello (como una descomunal tarta de diseño). Anderson confecciona el film con la precisión que lo caracteriza, perfeccionando sus técnicas cinematográficas: el uso de hermosas maquetas en miniatura, el stop-motion, el estilo cartoon, los paneos horizontales y verticales, los intertítulos, esa estudiada paleta de colores, la planificación por capas y los saltos en el tiempo (que esta vez además coinciden con cambios en el aspect ratio, sin duda una gran idea). Además, el director cuenta de nuevo con una sublime partitura del ubicuo Alexandre Desplat, ya imprescindible en su cine. Todo para crear otra “realidad inventada“, otro exquisito mundo de caos y confusión medido al milímetro; un escenario en el que el director mueve a sus personajes, obteniendo la mejor comedia de ellos gracias a sus cronometrados movimientos de cámara y su montaje. En definitiva, la labor de orfebrería visual y sonora (o de TOC, según se mire) que Anderson orquesta en la película es encomiable, y sin duda hará las delicias de sus seguidores. Sin embargo, El gran hotel Budapest no está a la altura de sus mejores obras. Carece de la fuerza y profundidad emocional de sus anteriores películas y, por muy ingeniosa que sea, parece augurar (o inaugurar) una etapa de madurez caracterizada por el estancamiento autoral.

Valoración: ★★★½

Sorteo dos DVD y cinco pósters de MUCHO RUIDO Y POCAS NUECES de Joss Whedon

Este sorteo ya ha finalizado. Atentos a fuertecito no ve la tele para futuros sorteos.

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El próximo 25 de marzo sale a la venta en España Mucho ruido y pocas nueces (Much Ado About Nothing) de Joss Whedon en Blu-Ray y DVD. Para celebrar que fuertecito no ve la tele ha superado la marca de los 2.000 seguidores en Facebook, Betta Pictures y yo os queremos regalar dos DVD y cinco pósters de la película más reciente de nuestro Dios Geek.

Participar es muy fácil:

PARA ENTRAR EN EL SORTEO de dos DVD y cinco pósters de Mucho ruido y pocas nueces de Joss Whedon lo único que tenéis que hacer es dejarnos un comentario en esta entrada respondiendo a lo siguiente:

Nombra al menos un actor o actriz de Mucho ruido y pocas nueces y el título de otra película o serie de Joss Whedon en la que haya trabajado

También podéis participar desde la página de Facebook de fuertecito no ve la tele. Para que vuestra participación cuente tenéis que dejarnos vuestra respuesta en ESTA FOTOParticipar en ambos sitios supone doble posibilidad de conseguir el premio.

De entre todos los participantes en el blog y en Facebook se elegirán cinco ganadores al azar. Los dos primeros premios obtendrán un pack de Mucho ruido y pocas nueces consistente en 1 DVD + 1 Póster. Los tres segundos premios recibirán en su casa un póster cada uno.

No olvidéis incluir vuestro correo electrónico en el formulario de respuesta del blog (no aparecerá público). En Facebook no es necesario. Solo contará una participación por dirección IP, las respuestas desde la misma IP con distinto nombre serán marcadas como spam.

El sorteo finaliza el día del lanzamiento de Mucho ruido y pocas nueces en Blu-ray y DVD, el martes 25 de marzo de 2014 a las 23:59 (hora peninsular española). El ganador será anunciado a lo largo del lunes en nuestra página de Facebook (aseguraos de que sois seguidores para estar al tanto de todo; No es un requisito para participar, pero seguro que no os arrepentís :P ).

Importante: concurso exclusivo para residentes en territorio español. ¡Mucha suerte!

Sobre Mucho ruido y pocas nueces de Joss WhedonBeatriz y Benedicto son dos jóvenes que no creen en los poderes del amor. Claudio, por el contrario, locamente enamorado de Hero, defiende el amor y desea casarse con ella por encima de cualquier cosa. Obsesionados con unir a Beatriz y Benedicto, la pareja y todos los que les rodean preparan un plan que intentará unirlos para siempre. Pero varios acontecimientos cómicos y trágicos se interpondrán en el camino a la felicidad… ¿Vencerá el amor sobre todas las cosas?

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Joss Whedon (Buffy cazavampiros, Los Vengadores) le da un giro y moderniza la clásica comedia de William Shakespeare, con una visión fresca, sensual y muy certera de la obra. La película fue rodada en tan solo 12 días, utilizando su propia casa en Los Ángeles como escenario de la acción y durante sus vacaciones después del rodaje de Los Vengadores. Mucho ruido y pocas nueces ha sido recibida con entusiasmo por la crítica, que coincide en señalar el entendimiento absoluto de Whedon sobre los mecanismos de la comedia de Shakespeare. Los fans de las series y películas de Whedon tendrán además el aliciente de ver desfilar a infinidad de rostros conocidos de whedonistas, actores que han trabajado con el autor en más ocasiones. Mucho ruido y pocas nueces ha pasado por los Festivales Internacionales de Valladolid, Sitges y Toledo 2013 tras su exitoso paso por los Festivales de Toronto, Dublín, Glasgow, San Francisco y Seattle.

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Contenidos y datos técnicos de las ediciones:

Mucho ruido y pocas nueces DVD

A la venta en DVD & Blu-Ray el próximo 25 de marzo

Director: Joss Whedon

Título original: “Much Ado About Nothing”

Actores: Amy Acker, Alexis Denisof, Nathan Fillion, Fran Kranz, Jillian Morgese, Reed Diamond, Clark Gregg, Sean Maher

Adaptación de la obra de William Shakespeare ‘Mucho Ruido y Pocas Nueces’ por Joss Whedon

Género: Comedia / Romántica

Año: 2013

País: Estados Unidos

Calificación: Apta para todos los públicos

Contenido extra en el BLU-RAY: selección de escenas, extras: audiocomentario del director, carteles de personajes, tráiler, otros títulos

Mucho ruido y pocas nueces Blu-rayFormato 16/9 1:85.1

Blanco y Negro

Audio 5.1 Castellano VO Inglés

Idiomas: castellano/inglés. Subtítulos: castellano.

Pal

Dolby Digital

Contenidos extras en el DVD: carteles de personajes, tráiler, otros títulos

 

Crítica: Veronica Mars (2014)

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La historia de la película de Veronica Mars la conocéis de sobra. Antes de su estreno mundial el pasado 14 de marzo simultáneamente en (algunos) cines y plataformas de vídeo por Internet, Veronica Mars ya era un caso de éxito total. Y su mera existencia es la prueba fehaciente de ello. Solo faltaba comprobar si el trabajo de Rob Thomas y su laborioso y entregado equipo estaría a la altura de las circunstancias. No es que lo dudásemos en ningún momento, pero después de ver el resultado final alegra corroborar que la película es todo lo que esperábamos. Un auténtico regalo a los fans (aunque Thomas se empeña en decir que el regalo se lo hemos hecho nosotros, y no le vamos a hacer la contra), un precioso homenaje a una serie muy querida (más de lo que muchos creían), y una inspirada oda a unos personajes que se han resistido a abandonarnos desde que la serie fuera prematuramente cancelada hace siete años. Veronica Mars ya tenía su lugar privilegiado en el paraíso de la televisión de culto, pero en 2014 ha logrado convertirse en máxima representante del gran cambio en la industria audiovisual.

Con todo el ruido que ha hecho el proyecto, las expectativas estaban por las nubes, pero ni Thomas se ha achantado por la presión, ni su creación ha perdido un ápice de frescura después de tanto tiempo. Eso sí, el film es de factura “modesta”, debido al reducido presupuesto, lo que puede echar para atrás a más de uno. Aunque Thomas compensa la escasez de medios con grandes dosis de ingenio y pasión, como siempre. Vamos, que no podíamos haber invertido mejor nuestro dinero. Porque la película es sobre todo un acto de servicio y amor al fan, pero también un ejercicio de funambulismo narrativo para contentarnos a nosotros sin alienar al resto de la audiencia. Es cierto que un no-fan no vivirá este evento cinematográfico al mismo nivel que un fan, pero Thomas se ha asegurado de que todos los guiños (y hay muchos, mi favorito el del FBI) funcionen en dos niveles: como estímulo emocional para el seguidor de la serie, y como parte natural de un guión que los neófitos entenderán igualmente. Por eso, cuando Logan Echolls (Jason Dohring) le dice a Veronica Mars (Kristen Bell) al final de la película que su historia de amor es “épica, abarcando años y continentes, dejando vidas arruinadas y baños de sangre”, el no-fan percibirá la importancia del momento y sentirá que las palabras de Logan son reales (sin importar si esto es una referencia a la serie o no), pero el fan regresionará al episodio “Look Who’s Stalking” (2.20) y lo de “épico” adquirirá una nueva dimensión. En definitiva, todos salimos ganando.

Veronica Mars 2014 es a la vez un final y un principio. La cancelación de la serie en 2007 dejaba inacabada la apasionante historia de esta perspicaz detective privado adolescente. Es por esta tormentosa sensación de “asunto pendiente” por lo que la película es hoy en día una realidad. No hay placer mayor para el seriéfilo que obtener clausura, sin la que vagamos por nuestra existencia carentes de sentido y propósito. Thomas se ha asegurado de que, en caso de no haber más aventuras de Veronica Mars, hayamos completado su historia. Pero como decía, la película también funciona como nuevo comienzo, como un re-piloto de doble duración que nos plantea una Veronica Mars 2.0. Los ingredientes son los mismos, diálogos punzantes (herederos del estilo Whedon), atmósfera surfer noir e intrincados misterios, pero los personajes han madurado (Logan de marine, no digo más). Thomas insiste en los mismos temas que en la serie, desde una perspectiva más adulta, incluso más serena y un tanto agridulce: la lucha de clases en Neptune -casi en estado de ley marcial-, la ineptitud policial, la vida de los ricos y famosos, y el gran tema que define a la serie y a su protagonista, el amor como adicción. Adicción al chico malo, a una ciudad, a una vocación. Por eso, la idea que articula la película es “La decisión de Veronica”, seguir adelante con su vida como abogada en Nueva York, con su novio perfecto, Piz (Chris Lowell), o volver a los antiguos vicios, es decir, Neptune, la investigación privada y Logan Echolls. Quizás en la vida real la decisión fuera mucho más difícil, en Veronica Mars está clara desde el principio. Elegimos “épico”, elegimos el despacho de Mars Investigations, Team Logan, Team Keith y Team Neptune, y de esta manera dejamos la puerta abierta para una posible (y desde ya necesitada) continuación.

Veronica Mars Logan Echolls 2014

El misterio que ocupa la película es el asesinato de Carrie Bishop (el único personaje con nuevo rostro, en la serie Leighton Meester, y en la película Andrea Estella), lo que propicia el regreso de Veronica. Aunque la verdadera fuerza magnética que atrae a Mars es Logan, que como no podría ser de otra manera, es el principal sospechoso del homicidio. La vuelta de Veronica coincide con su reunión décimo aniversario del instituto. Y eso es exactamente la película, una emotiva reunión, un desfile continuo de rostros conocidos para el fan de la serie -además de desternillantes cameos de actores que no habían aparecido en ella. Si acaso se echa de menos más peso en la historia de secundarios importantes como Mac, Wallace o Dick, o más interacción entre Veronica y su padre, Keith (cuya relación era el núcleo emocional de la serie), aunque nos damos por satisfechos con las esporádicas apariciones de estos personajes. Porque salen poco, pero no se puede decir que su tiempo en pantalla no se haya aprovechado debidamente (todos están en el lugar adecuado en el momento justo y sus one-liners no podían ser más pertinentes). Además, para calmar nuestras ansias de Ryan Hansen (que con el tiempo se ha convertido en la otra gran estrella rubia de Veronica Mars), tendremos la webserie protagonizada por Dick Casablancas.

Eso sí, el caso de la semana película no es precisamente lo más “épico” de Veronica Mars 2014. Está bien planteado y desenmarañado, pero resulta poco interesante y se queda muy lejos de los grandes misterios de las dos primeras temporadas de la serie. Sin embargo, para nosotros esto es lo de menos (no sé si los no-fans pensarán lo mismo). Lo más importante es comprobar que el espíritu de la serie está intacto, que la afilada escritura de Rob Thomas sigue en forma, que la magnífica Kristen Bell sigue habitando en el personaje, y que, pese a la vida y el paso del tiempo, y aunque ella misma dice en el prólogo de la película que la gente piensa que se ha ablandado (ese guiño que no tarda en aparecer), Veronica Mars sigue siendo la misma badass implacable de siempre (no sé vosotros, pero yo pienso usar el pintalabios como ella a partir de ahora). Lo de “A long time ago, we used to be friends” no se aplica a nosotros. Lo nuestro sería más bien así: “después de tanto tiempo, seguimos siendo amigos“. Solo queda dar las gracias, a Rob, a Kristen, a todo el equipo de Veronica Mars, y a todos los marshmallows del mundo. Porque lo nuestro es épico, abarca continentes, literalmente, y si hace falta arruinar vidas, o cuentas corrientes, y derramar sangre para volver a Neptune de nuevo, lo haremos.

Valoración: ★★★★

Crítica: Una vida en tres días (Labor Day)

LABOR DAY

Una vida en tres días (memo título en español para Labor Day) no es una película de este tiempo. El nuevo film de Jason Reitman (Juno, Up in the Air), basado en la novela homónima de Joyce Maynard, está ambientado en 1987. Pero no solo eso, sino que parece estar realizado según la sensibilidad artística de aquella década y atendiendo a las expectativas de un público también de ese año. Lo que quiero decir es que el principal problema de Una vida en tres días es que es un relato altamente inverosímil no apto para el público del siglo XXI, que ya no pasa una, y de ahí que la cinta haya sido (injustamente) vilipendiada. Parece que ha llegado un momento en el que necesitamos que todas nuestras películas tengan una correspondencia absolutamente lineal con la realidad, que todo lo que ocurre en ellas debe resultar 100% factible en el mundo real. Pero es que Reitman no propone una historia real. Este drama über-romántico es un cuento de los pies a la cabeza, un relato americano que no busca la verosimilitud de los hechos, sino la de los sentimientos. Y en ese sentido, Una vida en tres días es todo un triunfo.

Reitman entrelaza con tino las dos historias principales del film, resultando en una curiosa fusión de novela rosa a lo Nicholas Sparks y película coming-of-age que tanto gusta a los realizadores de sensibilidad indie y carnet de Sundance. Una vida en tres días está narrada en primera persona por el adolescente Henry (Tobey Maguire, Gattlin Griffith), el hijo de la protagonista, Adele (Kate Winslet), una ama de casa suburbana que sufre una profunda depresión después de ser abandonada por su marido. Los últimos días de verano transcurren con normalidad hasta que un día en el supermercado, un hombre herido pide a Adele y Henry que lo acojan en su casa. Frank (Josh Brolin) resulta ser un preso que ha escapado de la cárcel y necesita refugio hasta que la policía deje de buscarlo. El secuestro se transforma gradualmente en el sueño de una familia, una fantasía de dicha y normalidad para Adele y Henry, que adolecidos del caso más brutal de Síndrome de Estocolmo, encuentran en Frank la figura masculina que necesitaban, el hombre en el que apoyarse por las tardes en el porche, y el padre que da lecciones de béisbol en el jardín.

Una vida en tres días Labor Day cartelDe acuerdo, a grandes rasgos suena excesivamente rocambolesco, pero afortunadamente, Reitman compensa la cursilería y la implausibilidad de la historia con un temple admirable en el manejo del suspense, una sensibilidad muy afinada, y un tratamiento de los personajes que los hace profundamente humanos. Una vida en tres días transcurre casi en todo momento desde el punto de vista de Henry, y es desde su inquisitiva mirada dónde Reitman construye el romance, a base de elocuentes detalles que observamos tras una puerta entreabierta, o que oímos a través de la pared, amplificado por una cuidada atmósfera de calor sofocante. Pero además de la elegancia y el buen gusto con el que el director acomete la historia, lo que de verdad hace que esta película funcione son el carisma animal de Josh Brolin y una espléndida Kate Winslet, en cuya Adele encontramos trazas de Mildred Pierce. Con su magnífica interpretación ahogada de melancolía, Winslet logra que la historia tenga fundamento -y sí, incluso esa insistentemente criticada escena en la que los protagonistas hacen una tarta tiene su razón de ser más allá de la agenda de la American Pie Council, que curiosamente abandera la película. Es más, probablemente sea una de las secuencias más importantes y pertinentes de la película.

Una vida en tres días nos habla de la desesperación, de la soledad, de la necesidad de afecto, de contacto, y protección. Muchos concluirán que la propuesta de Reitman es en cierto modo retrógrada y excesivamente conservadora, puesto que lo que esperamos hoy en día de una película de estas características es que se nos diga que una mujer no necesita a un hombre para vivir. Pero es que resulta que esta es la historia de una mujer que lo necesita, que muere sin él, y es en el anhelo desesperado de Adele donde el director encuentra el pulso del relato, y su nexo de unión con el espectador. Después de dos películas cuya mayor baza era el ingenio de sus diálogos, Reitman cambia el rumbo con una cinta íntima y delicada, de gran pasión contenida, de poesía salingeriana, un film cargado de tristeza que requiere dejar el cinismo aparcado y, aunque sea tan solo durante dos horas, volver a mirar el cine como si fuera 1987.

Valoración: ★★★½

Encuentro con Piper Kerman, autora de ‘Orange Is the New Black’

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Canal + Series y la editorial Ariel del Grupo Planeta organizaron el pasado día 11 de marzo un encuentro para fans con Piper Kerman, la autora del libro Orange Is the New Black, en el que se basa la exitosa serie de Jenji Kohan sobre una mujer que fue acusada de tráfico de drogas y se presentó voluntaria para ingresar en una prisión de mínima seguridad. Durante aproximadamente dos horas, los afortunados asistentes al evento organizado en Cinesa Proyecciones (Madrid), pudimos oír de primera mano algunas de las historias que la verdadera Piper Chapman vivió en prisión durante los 13 meses que estuvo encarcelada (“Fui condenada a 15, pero salí antes porque me portaba mejor que Chapman”). Algunas de ellas trasladadas tal cual a la pantalla, otras completamente alteradas para la ficción.

A través de sus palabras, Kerman demostró ser una gran oradora, además de una persona tremendamente sensata, concienzuda e inteligente, una mujer cuya experiencia en la cárcel le ha servido no solo para ponerse en contacto directo con su propia humanidad (palabra que repitió muy significativamente en incontables ocasiones), sino también para ofrecer su ayuda y orientación a las personas que, como ella, cometieron un gran error en el pasado y necesitan enmendarlo. Asimismo, a través de su trabajo en varias ONG, Kerman utiliza su caso para concienciar al mundo de las injusticias del sistema legal norteamericano, especialmente entre las mujeres. Tal y como ella explicó, las mujeres no solían ir a la cárcel antes de la reforma legal de los 80 para la lucha contra la epidemia de las drogas, a menos que hicieran algo realmente horrible. En cambio, ahora contribuyen a la superpoblación en las cárceles de su país, donde “incluso hay prisioneras políticas encerradas por protestas pacíficas. La gente piensa que no existen, pero sí, y creen que tenemos un sistema que trata a todas con igualdad, pero nada más lejos de la realidad”.

La publicación de esta novela autobiográfica en castellano es una oportunidad ideal para que los fans de la serie conozcan la verdadera historia que hay tras las reclusas de la prisión de Litchfield, Nueva York. Se ha optado por mantener el título en su versión original, Orange Is the New Black, que según Kerman, “no es solo una referencia a la clásica expresión tipo ‘el rosa es el nuevo negro’ sino un guiño directo a la mujer, que a partir de los 80 es más propensa a llevar ese mono naranja”, como corrobora el aumento del 800% de la población reclusa femenina en Estados Unidos durante los últimos 25 años. OITNB nace como testimonio sobre las injusticias del sistema penal norteamericano, pero es en esencia un relato sobre la mujer. “Mi intención a la hora de escribir el libro no era la búsqueda de la catarsis, aunque por supuesto después la encontré. Mi intención fue cambiar la visión que la gente tiene de la prisión, y sobre todo de las mujeres que hay dentro. La mujer es un ser tremendamente ingenioso y habilidoso, que se las arregla para sobrellevar la escasez de recursos con imaginación”.

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En sus respuestas, Kerman describe a menudo la cárcel como un lugar en el que se arrebata la humanidad a las personas. “Se debe encontrar la manera de luchar contra esa deshumanización, y muchas mujeres hallan refugio en un libro, en la cocina, en una amistad, o en el amor”. La autora nos habló de la preciosa (y triste) relación amorosa entre dos mujeres (“muy grandes”), una de las muchas que presenció en el tiempo en el que estuvo dentro, y después contó que su relación con Larry, su todavía prometido en la época en la que fue encerrada, es muy distinta a la que vemos entre los personajes de Taylor Schilling y Jason Biggs. “Yo seguí con él durante todo mi encarcelamiento, luchamos juntos por continuar adelante. No discutíamos sobre tonterías, porque teníamos que concentrarnos en cosas más graves. Con el paso de los años, ya sí que empezamos a discutir por tonterías” (Piper sigue casada con Larry en la vida real). Dentro de prisión, Kerman encontró una profunda amistad en dos mujeres que estaban encerradas por problemas con las drogas, y que en la serie tienen su homóloga en Nicky (por cierto, su personaje favorito de la serie). Gracias a las relaciones que entabló dentro y a su prometido, Kerman pudo mantener su “línea de vida” hasta el momento de su liberación.

Para la autora es muy importante no perder ese contacto con la familia, no ceder al aislamiento absoluto (aunque las injusticias dentro de la cárcel lo ponen difícil), ya que está demostrado que hay menos posibilidades de reincidir si al término de la condena hay alguien esperándote fuera. Además de las diferencias entre ambos Larrys, Kerman nos habló sobre el grado de semejanza con la realidad que hay en los personajes y los eventos de la serie, un tema que despierta mucha curiosidad entre los fans. “Por ejemplo, la escena del primer día de Piper en la cárcel es en la serie tal cual ocurrió. Todas estas mujeres se acercaron a mí y me ofrecieron cepillos de dientes, zapatillas para la ducha, etc. Incluso la celda es una reproducción exacta. Lo de que dormíamos sobre las camas perfectamente hechas es verdad también. Lo hacíamos porque había inspecciones sorpresa, y si las pasábamos éramos las primeras en comer. Aunque la comida no era la mejor motivación ahí dentro. Es otra de las vías que tiene la cárcel para deshumanizar a las presas”.

Por otro lado, “todas las historias de los personajes en la serie están inventadas, todos los flashbacks son creaciones de ficción para la serie, pero muchos personajes son reales”. Como hemos dicho ya, Nicky es una fusión de las dos mejores amigas de Piper en la prisión. De las demás se ha cambiado el nombre, o se han exagerado sus características. Según Kerman, Red es la que más se parece a su referente en el libro, una mujer con la que Piper chocó al principio pero que “acabó convirtiéndose en mi madre adoptiva”. Pennsatucky existe, pero en las memorias de Kerman no está tan pirada como el personaje de Taryn Manning. Kerman siguió en contacto con algunas de estas mujeres, a las que incluso pidió consejo y aprobación antes de publicar el libro: “Yoga Janet, una mujer maravillosa, me escribió un mensaje de texto para decirme que no quería que el libro se acabase nunca”.

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Por supuesto, también hubo ocasión de hablar sobre Alex Vause, o más bien sobre Nora Jensen, la mujer en la que se basa el personaje de Laura Prepon, aunque el tema se resistió un poco y solo llegó al final de la charla. Kerman contó entre otras cosas que, al contrario que Chapman, ella sí tuvo que compartir celda con Nora, que consta legalmente que ella fue quien la delató, y que su confrontación con Nora una vez coincidieron en prisión fue parecida a la de Chapman y Vause en la serie, pero se extendió a lo largo de una semana. “La pregunta que todo el mundo me hace es ‘¿Mantienes el contacto con Nora?’ Y la respuesta es ‘no, pero lo mantengo con su hermana’, a la que por cierto Nora también delató, como a mí. Ella estuvo en la cárcel 7 años, y Nora 9, porque cometieron delitos realmente horribles”. Sin embargo, Kerman no guarda rencor a su Alex, y reconoce que la culpa de lo que le ocurrió es suya y solo suya: “Ella era una mujer seductora, inteligente, tenía 10 años más que yo, me presentó unas opciones, y yo tomé la decisión”. Kerman no es una mujer religiosa, pero conoce perfectamente el valor del perdón, y después de contarnos su experiencia, nos aconsejó que nos atreviéramos a perdonar, como ella había hecho con Nora, sin importar lo grave de la ofensa, porque “uno se siente mucho mejor así que guardando rencor o castigando durante años a la otra persona”.

Tras esta conclusión que invita a la comprensión y la solidaridad, y después de una agradable velada en la que pudimos comprobar que Piper Kerman es una mujer con la cabeza tremendamente bien amueblada, muy agradecida por su experiencia de aprendizaje, la autora de Orange Is the New Black firmó ejemplares de su libro y conversó de tú a tú con los fans. El evento OITNB concluyó con la proyección del tercer episodio de la primera temporada, “Solicitud de lesbianismo denegada“, dirigido por Jodie Foster. Este verano podremos ver la nueva temporada en Netflix y Canal + Series. Kerman, que ejerce como asesora creativa, no pudo adelantarnos nada sobre ella, pero dejó caer que habrá personajes nuevos, presas “white collar” que por ahora no han abundado tanto en la serie como en el libro. Y además apoyó la visión de Kohan, que ha diseñado OITNB de manera que no haya una sola protagonista. Según Kerman, si en algún momento se decide sacar a Piper de la cárcel después de esos 15 meses de condena, la serie podría seguir perfectamente sin ella.

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Crítica: La voz de una generación

In a World

Constantino RomeroRamón Langa,  Ricardo Solans, Pepe Mediavilla, Jordi Brau… son algunos de los hombres que han puesto voz a mil y una leyendas fílmicas a lo largo de su carrera. De igual manera, sus voces han sido sobreexplotadas en anuncios y tráilers, haciéndonos mucho más seductoras películas que luego han sido truños considerables. En este su debut en la gran pantalla, Lake Bell ha querido explotar este (misógino) mundo del doblaje en clave de comedia.

Tras un buen bagaje televisivo (Buscarse la vida en AméricaChildrens Hospital), alguna que otra comedieta (Sin compromiso o No es tan fácil) y curtida en el terreno del cortometraje, Lake Bell recrea en La voz de una generación el peso de ser “hija de” una de esas
La voz de una generación DVDgrandes voces pegadas a un cuerpo de hombre. Menospreciada por su padre (una verdadera estrella del doblaje), Carol se dedica a entrenar acentos o hacer que la actriz de moda de turno aprenda a vocalizar (¡brava Eva Longoria!), que ve como tras una audición más o menos decente  su futuro profesional puede cambiar radicalmente. Ella va a ser la encargada de volver a decir la icónica expresión “in a world…” en el tráiler de una especie de una macrofranquicia al estilo de Los juegos del hambre.

Su elección no está muy bien vista por su padre, una leyenda de las narraciones en off interpretado por un exagerado y graciosísimo Fred Melamed (al que hace poquito pudimos ver en The Crazy Ones autoparodiándose) o su nuevo polvo de una noche y voz-estrella emergente encarnado por Ken Marino, partenaire de Bell en Childrens Hospital y némesis detectivesca de Kristen Bell en Veronica Mars. Una locura sencillita muy bien sobrellevada, gracias al encanto de la propia protagonista y de su gran capacidad para el humor físico. Bell es una payasa de primera. También es un verdadero placer la sucesión de caras televisivas conocidas en pequeños papeles secundarios, como Nick Offerman (Parks and Recreations), Rob Corddry (creador de Childrens Hospital y actor recurrente en Community) o la mismísima Geena Davis.

Con esta La voz de una generación, nada que ver con la que clama Hannah Horvath, Lake Bell se confirma como una fuerte candidata a formar parte del olimpo de la nueva comedia realizada/interpretada/creada por mujeres, junto a popes como Tina FeyAmy Poehler o Julia-Louis Dreyfus.

Valoración: ★★★★½

11ª Muestra SyFy de Cine Fantástico: Tercera jornada (Domingo)

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La Muestra SyFy tocaba a su fin el domingo 9 de marzo, pero como no podía ser menos, se despidió por todo lo alto. El último día nos esperaba una proyección especial en 3D del especial del 50 aniversario de Doctor Who, la ya clásica sesión doble de Phenomena y dos estrenos para terminar.

Hacia el medio día, Callao se llenó de whovians dispuestos a reencontrarse con el Doctor en todas sus encarnaciones, esta vez en pantalla de cine (y muchos por segunda vez). Aunque no era requisito para acceder a la proyección, los fans no dudaron en disfrazarse de sus personajes favoritos (la mayoría de Tenth o Eleventh) y ninguno se olvidó de traer su destornillador sónico. Podéis ver las fotos del evento Doctor Who en la galería que ha subido SyFy España a su página de Facebook. Seguro que os encontráis (yo os he reconocido a unos cuantos :P). También podéis leer la entrada sobre “The Day of the Doctor” que Alicia Ortega escribió para fuertecito no ve la tele cuando se emitió por primera vez en BBC. La tenéis aquí.

Por lo demás, el último día de La Muestra transcurrió con la loca normalidad de siempre. Con la diferencia de que Leticia Dolera cedió el testigo y/o compartió el escenario en las presentaciones de las películas. Nacho Cerdá, creador del Phenomena Experience, se encargó una vez más de presentar el programa doble de clásicos sci-fiLa mosca y Depredador; El equipo de Faraday (que había tenido el detallazo de repartir croquetas caseras a los primeros en la cola para su sesión) acompañó a Dolera antes de la proyección de la película y se quedaron después para un coloquio -muy poco participativo a pesar de la buena acogida-; y en la última sesión de La Muestra, Diego LatorreEdu CasanovaFele Martínez y Macarena Gómez subieron a presentar el cortometraje Blink, que fue recibido sin piedad, con fuertes abucheos e improperios varios (vaya, que el corto era un despropósito, pero muchos se olvidaron la educación en casa), y  a continuación Eduardo Noriega ejerció como anfitrión de clausura y representante de La Bella y la Bestia de Christoph Gans, en la que interpreta al villano Perducas. Como curiosidad malévola, hubo un intento de reunión Tesis, pero ni Noriega ni Martínez parecían estar por la labor (¿rencillas del pasado?) De hecho, Eduardo se marchó espantado después de ver la reacción del público a Blink, para evitar posibles palos por su película.

Lo cierto es que a lo largo de estos cuatro días de Muestra, y al igual que en ediciones anteriores, el público se ha ido desatando cada día más, perdiendo un poco el respeto por los asistentes. El domingo pudimos oír quejas de gente indignada por los continuos comentarios en voz alta de los que se han autoproclamado este año comentaristas oficiales de las películas. Una cosa es cuando toda la sala se pone de acuerdo para reírse o vitorear una escena en particular (es parte del encanto del festival), y otra es cuando los tres pesados de turno se pasan la proyección entera haciendo chistes para toda la sala (casi siempre sin gracia o de mal gusto) y molestando a los que quieren ver la película. Esperemos que la cosa cambie un poco en 2015.

Leticia se despidió tras su undécimo baño de multitudes en La Muestra, no sin antes repartir regalos a los twiteros que más le habían hecho la pelota y enseñarnos palitos fluorescentes de colores, previo aviso de spoiler para nuestro Dani Andréu, que se volvió a tapar los oídos para que no le destriparan Coherence. También hizo de Celestina como el año pasado, saludando a una pareja cuyo primer beso tuvo lugar en la Muestra anterior, y por último nos contó que dentro de dos meses comienza el rodaje de su primer largometraje como directora. Mucha suerte, Leticia. Que triunfes con tu película, pero que esto no te impida volver para la 12ª Muestra de Cine Fantástico SyFy el año que viene.

A continuación os dejo con las reseñas de las películas del domingo, escritas por David Lastra:

Phenomena: La mosca (David Cronenberg, Canadá, Estados Unidos y Reino Unido, 1986)/ Depredador (John McTiernan, Estados Unidos, 1987)

PredatorLas sesiones dobles de Phenomena siempre nos sirven a los que nos las damos de listos para ver algún que otro clásico por primera vez. En esta ocasión, le tocaba el turno a Depredador. Virgen como la selva virgen en la que se ambienta el film de McTiernan, se presentaba el que aquí escribe ante las aventuras de Arnold Schwarzenegger. Nunca negaré el carisma de Dutch (realmente es muy difícil encontrar alguna película en la que Arnie no se coma la pantalla) y el encanto que tiene que Dutch y su batallón arrasen una hectárea a base de cañonazos, pero una vez más, se me vuelve a hacer pesado el tempo de McTiernan. Será que este tipo de cine ochentero en los dos mil y pico me ha pillado muy mayor ya.

The FlyPero antes de la orgía de tiros de la mano de Chuache, una de las musas de este festival (con permiso de Leticia), tuvimos el placer de disfrutar en pantalla grande de La mosca, como muy bien dijo Cerdá en la presentación, una de las producciones de David Cronenberg más asequibles para el gran público, eso sí, sin que esto suene a menosprecio alguno, porque la Brundlefly sigue funcionando como el primer día. Cronenberg fagocita al espectador desde el primer minuto, obviando todo tipo de introducciones. Nos vomita y nos desintegra a lo largo de un metraje en que no hay un solo segundo de relajación. Todo abocado a un discurso aterrador por parte del protagonista (más que la escena en la que se arranca las uñas de la mano) sobre su nueva condición de insecto. La Nueva Carne ha triunfado una vez más. Larga vida a la Nueva Carne (y a David Cronenberg).

FaradayFaraday (Norberto Ramos del Val, España, 2013)

Comedia… ¡pardiez!… además con elementos paranormales… ¡joder!… y además española… ¡vámonos! Faraday jugaba con semejante carta de presentación, que hizo que más de uno abandonase corriendo nada más terminar Phenomena. ¡Craso error! Porque este film es una verdadera maravilla. Esta locura que despedaza el mundo de las redes sociales mezclándolo con ouijas y demás apariciones podría haber sido un descalabro magno, pero no solo solventa la papeleta sino que se confirma como una de las mejores comedias españolas de la última década. El guión de Jimina Sabadú y Pablo Vázquez es un ejemplo de cómo crear gags rápidos, divertidos e irónicos basados en referencias pop de esta nuestra generación sin caer en el cualquiercosismo o en la artificialidad que tan frecuentes son en el cine (y televisión) nacional actual. Ese libreto tan divertido (dato que repetiré una y mil veces más) se ve conjugado con el saber hacer de Norberto Ramos del Val a la dirección, dos protas en estado de gracia (Javier Bódalo y Diana Gómez) y un sinfín de cameos (entre los que se encuentran leyendas catódicas como Arancha del Sol e Inma del Moral, señores y señoras). Ni cine low-cost, ni cine baratito. Faraday es Cine, Cine. Aquí tenéis un follower para siempre.

Bella BestiaLa Bella y la Bestia (Christophe Gans, Francia y Alemania, 2014)

Otro de los platos fuertes de la muestra era el retorno de Christophe Gans a la gran pantalla tras ocho años de reclusión después de su infravalorada Silent Hill (¡trece años distan ya de su espantosa y sobrevalorada El pacto de los lobos!). En esta ocasión, Gans acude a una de las historias populares más conocidas: el cuento de la Bella y la Bestia. No sabemos si ha sido por la presión de las anteriores adaptaciones o por la presencia de media familia Seydoux, pero Gans ha preferido optar por rodar un anuncio de perfume de dos horas más que arriesgarse por dar un lavado de cara a la historia zoofílica más querida por grandes y pequeños. Esta clausura no trajo la polémica que prometía, sino más bien una sensación generalizada de tedio. Ese es el problema del film de Gans, el quedarse en medio de todo, no arriesgar ni un ápice por sorprender, inquietar o molestar al espectador.